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Compétences clés en matière de communication dans l’industrie musicale

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Ce n’est pas un secret, mais les artistes, en général, ont des compétences douteuses en matière de communication. C’est logique, surtout pour les producteurs de musique électronique. Ils sont souvent enfermés dans leur studio, seuls, à bidouiller leurs sons, plutôt que de sortir et de nouer des liens sociaux. Et lorsqu’ils le font, leurs compétences sociales sont souvent renforcées par des substances chimiques destinées à améliorer la confiance en soi, ne démontrant pas de réelles compétences sociales fondamentales.

Cependant, plutôt que de me lamenter sur leurs compétences en communication, je me suis dit que j’allais faire quelque chose, d’où cet article. Voici quelques compétences clés en matière de communication dans l’industrie musicale.


Sachez ce dont vous avez besoin, exprimez ce que vous voulez

Le problème de communication numéro un des producteurs est de savoir ce dont ils ont besoin et d’exprimer clairement ce qu’ils veulent. Souvent, les gens ne sont pas directs et tournent autour du pot, racontant toute une histoire avant d’en arriver à la demande (si tant est qu’il y en ait une).

Ma suggestion? Mettez les choses au clair dès le départ. Faites votre demande, puis écrivez quelques phrases pour la contextualiser ou la clarifier. La stratégie de communication « Bottom line upfront » (l’essentiel d’abord) est bien connue et utilisée par de nombreuses institutions, car elle permet d’aller droit au but. Il s’agit d’une compétence de communication organisée et bien fondée dans l’industrie de la musique.

 

Si vous voulez obtenir quelque chose gratuitement, n’en faites pas la demande immédiatement.

Il m’arrive souvent d’ajouter quelqu’un sur Facebook et la première chose qu’il fait est de me suggérer d’aimer sa page d’artiste. Souvent, j’ignore ces messages, mais il m’arrive de répondre en disant qu’il faut qu’il y ait un dialogue avant que je décide d’aimer sa page. Plutôt que d’en prendre acte, ils répondent généralement en envoyant leur Soundcloud, sans autre contexte.

Je ne sais pas si c’est parce que d’autres DJ « cools » font ça et qu’ils pensent qu’ils doivent le faire aussi, ou quoi que ce soit d’autre, mais le niveau d’inaptitude à la communication est assez étonnant. Cela montre un manque total de respect et d’appréciation pour la personne avec laquelle ils communiquent. En outre, cela ne fournit aucun contexte ni aucune information, ce qui rend l’ensemble inutile.

Je suis heureux d’écouter des chansons et même de suivre des pages si cela me semble approprié, mais les producteurs doivent d’abord établir une relation avec moi. Cela s’applique à tout le monde dans la vie et ne concerne pas seulement les compétences de communication dans l’industrie musicale : les gens ne font pas de faveurs à des personnes qu’ils ne connaissent pas.


N’enseignez pas ou n’expliquez pas un concept qui n’a pas été sollicité

Vous voyez cela partout en ligne. Un internaute donne des conseils non sollicités sur un sujet à un public non averti. Pire encore, ces conseils sont rarement étayés par une quelconque expérience ou autorité. Un bon exemple de cela est un post récent où un DJ amateur de Drum n Bass a proposé des « conseils » à Carl Cox sur son récent set de Drum n Bass.

Carl Cox se soucie-t-il vraiment de votre opinion non sollicitée de DJ? Probablement pas. C’est une légende. Cependant, en tant que parfait gentleman, Carl l’a remercié pour sa contribution et lui a montré son appréciation, comme un pro. Ce qui m’amène au point suivant…

an image of a phone, which symbolizes communication skills in the music industry

Appréciez l’autre personne

Si vous voulez que quelqu’un s’intéresse à vous, vous devez aussi vous intéresser à lui. Faites des recherches sur eux, posez-leur des questions sur ce qu’ils aiment et ce qui les inspire. Souvent, des producteurs ayant un nombre d’abonnés à peu près correct me contactent et s’attendent à ce que je m’engage parce qu’ils ont un tas d’abonnés. Désolé de vous dire que personne, à part les promoteurs, ne s’intéresse à votre nombre d’abonnés. Même votre mère ne s’en soucie pas.

Cependant, lorsque les gens savent qui je suis, ce que j’ai fait, mes affiliations, et qu’ils ont apprécié ma musique, cela crée un lien immédiat. Cela m’évite aussi d’avoir à expliquer qui je suis et ce que j’ai fait. Je préfère rester humble et ne pas avoir à faire mes preuves.

Les personnes qui savent qui je suis viendront avec de l’appréciation avant d’essayer d’obtenir quelque chose. Je n’ai rien à prouver, ce qui me donne envie de les connaître, car ils sont au moins intéressés par des choses similaires, puisqu’ils sont fans.

 

Petites interactions au fil du temps

Cela peut ressembler à du harcèlement, mais en réalité, ce n’est pas le cas. Si vous suivez l’artiste sur quelques plates-formes, il est bon de liker et de commenter. Au fil du temps, les gens commenceront à vous remarquer, car ils sont constamment exposés.

En psychologie, il existe un terme pour cela : « l’effet de simple exposition ».

Il s’agit en fait d’une astuce de communication dans l’industrie musicale.

Si des interactions mineures, comme les « cœurs », peuvent être très utiles, il est souvent préférable de poser des questions spécifiques ou de faire des déclarations sur mesure, car cela montre que vous vous intéressez à eux. Parfois, lorsque je rédige des articles, je pense à ces commentateurs, dans le but d’essayer d’interagir avec eux. C’est un bon sentiment de sentir que l’on est soutenu.

 

Faites preuve de tact avec le name dropping (lâcher de noms)

Citer des noms est une arme à double tranchant. Dans une certaine mesure, cela m’aide à savoir qu’un étranger est lié à moi d’une certaine manière. Cela crée un sentiment de familiarité.

Là où cela devient un peu trop, c’est lorsqu’ils évoquent des histoires impliquant des détails qui pourraient être trop personnels ou trop révélateurs.

Lorsque quelqu’un fait des commérages, il y a souvent une demande qui sous-tend le tout. Parfois, il s’agit d’une validation, parfois d’une tentative de compréhension mutuelle, ou d’un besoin de montrer aux gens que vous êtes au courant. Par exemple, si quelqu’un dénigre un promoteur parce qu’il ne paie pas, il s’agit souvent d’une demande de justice. Cependant, si je ne peux rien y faire, il n’est pas approprié d’en parler. Cependant, si je connais cette personne, il peut être bon de le dire, car je peux faire quelque chose si la demande est justifiée.

 

Offrez quelque chose de valeur

Chaque fois que je fais un stream en direct sur YouTube, un type se présente, pose des questions très intéressantes, fait des commentaires très gentils, puis après le stream, il se connecte et dit les choses qu’il aime, puis fait des demandes. Mieux encore, il donne souvent des idées de choses qu’il a vues dans d’autres streams et me demande si je peux les incorporer (mais pas de manière insistante ni en m’expliquant).

Une fois, il m’a demandé pourquoi je n’avais pas fait de livestream depuis un certain temps, ce qui m’a encouragé à en faire un.

Bien que le style de communication de chacun soit un peu différent, il s’agit là de quelques observations de base que j’ai remarquées au cours de mes années en tant que coach et producteur de musique électronique. Ce sont ces petites interactions qui me rendent plus disposé à écouter et à satisfaire les demandes de personnes qui, avant leur première interaction, n’étaient que des inconnus.

Cela m’aide également à apprendre qui ils sont, et augmente les chances qu’ils soumettent une chanson à mon label, Archipel, et qu’elle soit signée. En effet, mon label est plus qu’une simple musique, il est le reflet de valeurs personnelles. Et, quelle que soit la qualité de la musique, si je ne connais pas les valeurs de cette personne, il y a de fortes chances qu’elle ne soit pas signée.

C’est également vrai pour le feedback et le coaching gratuit. Je suis généralement heureux d’aider les personnes qui s’intéressent à ce que je fais, car cela m’aide à m’améliorer.

 

Différence entre la musique artistique et la musique commerciale

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On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques.  Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

 

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

a wav file illustrating the difference between art music and commercial music on beatport. a wav file showing how underground music can still be commercial music on beatport. a wav file illustrating the difference between art music and commercial music on beatport.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

 

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris.  Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce?  Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

A photo of losing my religion's artwork. It's a stellar example in how the difference between art music and commercial music can be thin. An image of Money's artwork.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Screenshot from the music video for Billie Eilish's Bury A Friend. Album art for Blood Orange's Uncle Ace.


Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

 

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

 

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.

Le dilemme des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House

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Si vous êtes comme moi, lorsque vous avez regardé le nouveau docudrame de Netflix, Derrière nos écrans de fumée (The Social Dilemma), vous avez ressenti un sentiment de dégoût. Le principal enseignement à retenir : les médias sociaux ne créent pas de dépendance par hasard, mais par conception. Les effets des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House ne font pas exception.

Facebook, Google, Twitter et d’autres conglomérats médiatiques ont investi une quantité colossale de ressources pour s’assurer que votre cerveau réagit activement à la dopamine lorsque vous utilisez leur plateforme : la même réaction que les gens obtiennent en consommant de la drogue, de l’alcool ou en ayant des relations sexuelles.

Ils ont engagé les plus brillants neuropsychologues et spécialistes du comportement pour travailler main dans la main avec les concepteurs d’interfaces afin de vous garder captivé et de faire gagner de l’argent à leurs investisseurs. Ceci, en plus d’un algorithme qui alimente un contenu personnalisé basé sur vos interactions précédentes, a eu pour conséquence la diffusion de fausses nouvelles, de mensonges, et la polarisation au sein de nos communautés. Certes, ce n’était pas leur intention dès le départ, mais souvent la route de l’enfer est pavée de bonnes intentions.

Cependant, c’est un mal nécessaire à bien des égards. Alors que le marketing était autrefois réservé aux personnes aisées et étroitement connectées, les médias sociaux ont ouvert une sorte d’écosystème démocratique où, si vous jouez bien le jeu (les algorithmes), un producteur en herbe peut désormais atteindre une base d’admirateurs ciblée avec peu ou pas d’investissement.

Cela a permis à de nombreux jeunes producteurs d’avoir une chance de réussir en s’appuyant sur leur savoir-faire et leur talent, plutôt qu’en s’appuyant sur une série de consultants en marketing. Mais avec cela, vient la responsabilité ultime de ces artistes, qui, quelle que soit leur taille, alimentent la machine de libération de dopamine à des fins publicités, au profit des mégacorporations.

Cependant, certains artistes sont sortis de la course folle des médias sociaux et ont trouvé d’autres moyens de se mettre en réseau. Certaines de ces méthodes sont créatives, tandis que d’autres sont dangereuses. Dans cet article, j’espère exposer mon point de vue sur les avantages et les inconvénients des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House, les moyens de se détacher de l’emprise de ces mégacorporations par le biais de canaux médiatiques alternatifs, et les techniques que vous pouvez utiliser pour atteindre un équilibre médiatique sain.

 

DANS QUELLE MESURE SOMMES-NOUS RESPONSABLE, EN TANT QU’ARTISTES ET LABELS, DE LA DÉPENDANCE DES GENS AUX MÉDIAS SOCIAUX?

En tant que « créateurs de contenu », nous sommes le carburant du tristement célèbre moteur des médias sociaux. En créant des choses avec lesquelles les gens interagissent, nous renforçons les circuits de la récompense dans le cerveau de notre public. Chaque fois que nous créons quelque chose de qualité, nous sommes responsables d’une brève libération de dopamine chez notre public. C’est ce qui incite nos admirateurs à revenir sur notre page, à écouter notre musique, à interagir avec nous. Mais en fin de compte, cela permet aux gens de rester plus longtemps sur la plateforme, ce qui permet aux annonceurs de les solliciter, et aux informations rapides de les rassasier, ce qui influence leurs opinions.

Cependant, ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose si les créateurs de contenu créent quelque chose que les gens veulent finalement voir, surtout les artistes. En diffusant une chanson, à moins qu’elle n’ait un but plus important que le simple plaisir d’écoute, nous ne créons pas de désinformation, nous ne suscitons pas la peur, ni ne favorisons la division. Cependant, en les gardant sur la plateforme, nous donnons à ces mauvais acteurs plus de possibilités d’avoir un impact sur nos admirateurs. Nous devons nous rappeler que chaque fois que quelqu’un commente notre travail et reçoit une réponse, négative ou positive, nous stimulons ce cheminement neuronal et nous le maintenons captif de la plateforme.

 

LES AVANTAGES DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE

 

1. PROMOTION 

C’est assez évident. Dans le passé, il fallait passer des jours à envoyer des démos et des communiqués de presse aux chaînes de médias pour qu’elles les diffusent. Si vous étiez plus doué pour le numérique, vous pouviez créer une liste de diffusion, mais cela prenait du temps pour que les gens s’y inscrivent lors de concerts, sur votre site ou par le biais d’un réseau général.

Si vous vouliez faire de la publicité, vous deviez acheter un article dans un magazine, un prospectus ou vous inscrire sur la liste de diffusion de quelqu’un d’autre. Les annonces dans les magazines coûtent cher et ne sont pas accompagnées d’un bouton d’appel à l’action. Les dépliants sont également coûteux et ne peuvent être suivis ou ciblés. S’inscrire sur la liste de diffusion de quelqu’un d’autre coûte aussi de l’argent, et n’est pas nécessairement ciblé non plus, car il s’agit de la base d’admirateurs de quelqu’un d’autre, pas de la vôtre.

Aujourd’hui, grâce aux médias sociaux, vous pouvez publier un message et vos plus grands admirateurs le verront en fin de compte, car ils sont importants d’un point de vue algorithmique. De plus, si vous voulez promouvoir quelque chose au-delà de vos admirateurs, vous pouvez le déposer dans les centaines de groupes Facebook ciblés qui existent, utiliser des mots-clics ou dépenser entre 1 et 3 cents par publicité ciblée. Bien sûr, il y a plus de brouhaha aujourd’hui, mais vous savez que vos publicités passent devant des gens qui s’en soucient et que vous ne tuez pas les arbres avec tout le papier que vous imprimez.

2. RÉSEAUTAGE

photo of checking social media for minimal house producers

Nathan Dumlao

Les labels, les artistes, les groupes sont tous sur les médias sociaux. Il s’agit d’un canal qui vous permet de vous faire connaître des labels avant de les solliciter. Vous pouvez aimer leurs messages, commenter leurs œuvres, leur envoyer des messages privés sur Instagram et les identifier dans vos messages Twitter. Une fois que vous aurez fait tout cela, à moins qu’il ne s’agisse d’un énorme label, ils reconnaîtront votre nom et seront donc plus enclins à examiner vos trucs lorsque vous les leur enverrez. En psychologie, on appelle cela « effet de simple exposition », c’est-à-dire que si quelqu’un connaît quelque chose, même inconsciemment, il est plus enclin à s’y intéresser. 

En tant que producteur, vous souhaitez probablement que votre musique soit jouée par des DJ et respectée par vos pairs. Ces artistes sont pour la plupart tous présents sur les médias sociaux. En faisant la même chose que pour les labels, vous pouvez, avec un peu d’effort, leur faire connaître votre nom et augmenter ainsi vos chances de leur faire écouter votre morceau. Ces artistes peuvent également constituer une passerelle précieuse vers des réseaux auxquels vous n’auriez pas accès autrement. En vous liant d’amitié avec ces artistes par le biais des médias sociaux, vous pouvez vous aussi bénéficier d’une partie de cet accès.

De plus, il ne faut jamais sous-estimer l’utilité des groupes Facebook. Par exemple, le Pheek’s Coaching Corner, celui que je dirige, a été créé pour trouver des personnes qui partagent les mêmes idées que moi. J’ai établi de nombreux liens précieux grâce à lui.

3. PAGES D’ARTISTES 

La plupart des labels attendent de vous une présence sur les médias sociaux (sauf dans de rares exceptions, que je vais aborder), car cela témoigne d’un certain professionnalisme. Cela permet également aux promoteurs et aux autres acteurs du secteur d’évaluer les possibilités de commercialisation, ce qui ouvre de nouvelles perspectives.

 

LES INCONVÉNIENTS DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE :

 

1. ILS PRIVENT LES PRODUCTEURS DE TEMPS POUR LA CRÉATION

Les médias sociaux sont distrayants pour la même raison que celle pour laquelle ils sont utiles : ils produisent de la dopamine pour vous tout autant que pour les admirateurs. En interagissant avec les médias sociaux, vous participez à cette boucle de rétroaction sans fin. Par conséquent, cette boucle de rétroaction peut distraire les producteurs de la création réelle. Comme Chris Liebing l’a récemment déclaré dans son podcast DJ’s and Beers, chaque fois qu’il répond à un commentaire sur Instagram, c’est une chose de plus qui l’empêche de faire de la musique.

Alors que les grands artistes comme Liebing peuvent être plus désensibilisés à leurs interactions sur les médias sociaux, puisqu’ils en reçoivent beaucoup, ce n’est pas toujours le cas pour un petit artiste. Un nouveau commentaire, ou un nouveau like peut être très distrayant, puisqu’il produit un high, d’une certaine manière. Chaque fois que votre téléphone vibre, ou sonne, vous êtes éloignés de ce sur quoi vous travaillez en ce moment, et cela finira par affecter vos résultats.

2. TROUBLES DE SANTÉ MENTALE

L’utilisation des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House peut être dangereuse. 73 % des musiciens déclarent souffrir d’une maladie mentale quelconque, et sont trois fois plus susceptibles de souffrir de dépression. 

En outre, des recherches ont montré que l’utilisation des médias sociaux est à l’origine d’une augmentation de la dépression. Dans une étude publiée dans le Journal of Clinical and Social Psychology, les chercheurs ont conclu que « si vous utilisez moins les médias sociaux, vous êtes en fait moins déprimé et moins seul, ce qui signifie que la diminution de l’utilisation des médias sociaux est ce qui provoque ce changement qualitatif dans votre bien-être ».

Cette combinaison est instable et peut avoir de graves conséquences si elle n’est pas correctement gérée.

3. LA VIE PRIVÉE UTILISÉE À DES FINS COMMERCIALES PAR LES GRANDES ENTREPRISES

artistic representation of tracking social media for house music producers

Tony Liao

Une citation qui m’a frappé dans Derrière nos écrans de fumée était l’adage commercial suivant : « Si une entreprise ne vous vend rien, alors vous êtes le produit. » Chaque interaction que vous faites sur les médias sociaux est analysée par des algorithmes, conçus par des spécialistes des données et des sciences cognitives reconnus comme les meilleurs et les plus brillants au monde. Penser que ces algorithmes ignorent vos secrets et vos désirs personnels les plus profonds est une ignorance délibérée. Ils existent pour vous hypercibler et vous vendre des produits, de sorte que les annonceurs continuent à utiliser leurs services. À moins que vous n’installiez des plug-ins et des logiciels, ces algorithmes vous suivent bien au-delà de la plateforme, en examinant comment vous interagissez avec tous les sites web, et pas seulement les leurs, en utilisant des témoins et des pixels de traçage. Ils vous écoutent sur votre téléphone et traduisent ce que vous dites en texte à analyser (si vous pensez que le « talk to text » n’était qu’une commodité, détrompez-vous). La fois où vous avez cherché quelque chose qui n’existe que dans votre dossier médical? Eh bien, c’est enregistré aussi. 

 

COMMENT SE DÉTACHER DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE

Il n’est pas nécessaire d’être esclave des médias sociaux ; il y a des artistes qui s’en sortent en ne les utilisant pas du tout. Ricardo Villaobos n’a pas de présence dans les médias sociaux, et il est une étoile dans le milieu de Minimal House. Nils Frahm n’en a pas, et il est considéré comme l’un des plus grands pianistes vivants. Burial n’en a pas non plus. Aphex Twin non plus (ou du moins un qui est entretenu de manière sérieuse). Cependant, à l’exception de Frahm et de Burial, la carrière de ces artistes s’est épanouie avant l’avènement des médias sociaux.

Alors comment ces artistes peuvent-ils s’en sortir et quelles sont les alternatives aux médias sociaux pour les producteurs de Minimal House?

Dans le cas de Ricardo, il s’est fait des relations en faisant la fête de façon excessive. Des soirées tardives avec des promoteurs, des professionnels des relations publiques et de l’A & R lui ont permis de faire des promesses chimiquement induites, qu’il a suivies. Si Ricardo n’est pas présent dans les médias sociaux, les memes de son visage en sueur et en manque de sommeil le sont certainement. 

a photo of Ricardo Villaobos not using social media for minimal house producers

Frahm a eu une présence dans les médias sociaux jusqu’en 2017/2018, date à laquelle il a décidé de la désactiver avant de travailler sur All Melody. À ce moment-là, il était déjà mondialement reconnu, dont le label et le publiciste lui ont valu toute la promotion dont il avait besoin pour soutenir sa carrière. Il a également étudié sous la direction de Nahum Brodsky, un protégé de Tchaïkovski, il était donc évidemment connecté.

Burial avait quelques atouts pour lui. Le premier, c’est que sa valeur marchande se trouvait dans son énigme et son mystère. Le fait d’être présent dans les médias sociaux aurait joué contre lui à bien des égards. Il a également commencé à envoyer des démos à Hyperdub en 2002, des années avant que les médias sociaux ne soient une nécessité. Une chose que l’on ne peut pas non plus ignorer, c’est l’endroit où Burial a grandi. Il a fréquenté la même école que Four Tet, Hot Chip, The XX, et des dizaines d’autres. En d’autres termes, ce type était connecté, que son profil vous amène à le croire ou non.

Que pouvez-vous donc faire si vous n’avez pas eu la chance d’aller dans une école privée, d’étudier sous la direction d’un mentor de renommée mondiale, ou si vous n’êtes pas prêt à sacrifier votre santé en passant de longues nuits à consommer?

  1. Découvrez comment vous pouvez aider la scène et établir des liens. Faites du bénévolat lors d’événements, devenez journaliste, organisez des événements, devenez DJ à la radio, faites un stage et pourquoi pas, travaillez dans un studio. Toutes ces options sont possibles. 
  2. Faites les choses à l’ancienne : distribuez des tracts après les spectacles, sollicitez des journalistes avec un dossier de presse solide et une histoire convaincante. Il n’est pas nécessaire que toutes les histoires portent sur votre musique. Si vous étiez un réfugié, ou si vous aviez un parent meurtrier, ou encore si vous avez survécu à un cancer, ce sont toutes des histoires. Pensez aussi aux publications alternatives. Si vous aimez vraiment l’alimentation saine, vous pouvez faire publier une histoire sur votre alimentation en tournée sur des blogues de santé.
  3. Réduisez votre réseau de personnes compétentes à cinq, comme dans la vie réelle, vous n’avez pas une tonne d’amis très proches. Concentrez-vous sur les personnes qui s’intéressent vraiment à ce que vous faites, pas sur celles qui s’intéressent à moitié. Ne vous intéressez qu’aux personnes qui vous donneront un avis honnête et qui vous aideront à établir des contacts.
  4. Trouvez un mentor. Tout comme Frahm a eu un professeur, vous le pouvez aussi. Tous ne seront pas les protégés de légendaires compositeurs russes, mais ils auront leurs propres relations, dont vous pourrez tirer parti le moment venu. Cependant, il est parfois plus facile de se connecter avec ces personnes sur les médias sociaux.

LES MÉDIAS SOCIAUX ALTERNATIFS POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE :

1. TELEGRAM

Un excellent média social pour les producteurs Minimal House. Par exemple, il y a 640 membres dans la chaîne minimal techno. Telegram ne gagne pas d’argent avec la publicité, car c’est un réseau crypté. Ce cryptage signifie également plus de vie privée.

2. DISCORD

Tout comme Telegram, il y a des réseaux de musique ici. Voici une liste de chaînes.

3. TWITCH

Bien que ce ne soit pas nécessairement un forum, c’est un endroit où des producteurs établis ont ouvert une communauté pour les regarder faire des choses comme des DJ sets, et produire de la musique. Des artistes comme Kyle Geiger y font presque tous les jours des tutoriels sur la production musicale et répondent aux questions. Si quelqu’un a quelque chose d’intéressant à dire dans le chat, vous pouvez lui envoyer un message privé et établir ainsi une connexion. Vous pouvez également poser des questions à Kyle et lui envoyer des morceaux. Il l’encourage.

4. REDDIT

Plus anonymes et plus ciblés, ces groupes, également appelés sous-reddits, peuvent être un excellent endroit pour trouver des personnes partageant les mêmes idées. Si vous pensez à un genre, il y a probablement un sous-reddit pour lui. Les gens demandent un feedback sur les morceaux, DM les personnes avec qui ils veulent se connecter, trouvent des playlists auxquelles participer, et font même la promotion de leurs propres morceaux sur ces forums. On trouve souvent des artistes majeurs sur reddit, qui font des sessions de questions-réponses, appelées IAMAs. C’est généralement une communauté utile, mais attention à ne pas faire trop de promotion personnelle.

 

LES MOYENS DE MODÉRER VOS MÉDIAS SOCIAUX

1. INSTALLER DES OUTILS POUR RESTREINDRE L’ACCÈS

Des outils comme OffTime peuvent limiter les applications que vous pouvez utiliser sur votre téléphone, entre certaines heures ou avec certaines autorisations. Il permet également de suivre le temps d’utilisation des applications, ce qui peut être une source de fierté.

Si vous utilisez Chrome, il existe une extension appelée Work Mode qui vous permet de bloquer toutes les URL de médias sociaux entre des heures déterminées. Stay Focused est une autre excellente extension.

Si vous utilisez quelque chose comme Mozilla, il existe une extension appelée LeechBlock, qui vous permet de bloquer certains sites web.

Si vous craignez qu’ils vous traquent, des plug-ins comme AdBlocker et UBlock restrict this. limitent cette possibilité. Cependant, gardez à l’esprit que si vous vous retrouvez à faire de la publicité sur leurs plateformes, vous devrez désactiver ces bloqueurs afin de pouvoir surveiller vos propres publicités.

2. N’INTERAGISSEZ QU’AVEC CERTAINES PERSONNES, DE SORTE QUE LES ALGORITHMES NE VOUS MONTRENT QUE CE CONTENU.

En fin de compte, les médias sociaux vous montreront les choses que vous voulez voir. Si vous ne voulez rien voir de la politique ou des ragots des célébrités, n’interagissez pas avec ce type de contenu. Cela indiquera aux algorithmes que vous n’êtes pas intéressé. À l’inverse, si quelque chose vous intéresse, interagissez avec ces choses, et l’algorithme vous récompensera en vous en disant plus.

3. AIDE-EXTERNE

Faites appel à quelqu’un d’autre pour gérer votre présence dans les médias sociaux. Vous pouvez utiliser des sites tels que Fiverr, et UpWork pour engager des assistants virtuels qui peuvent créer et publier en votre nom, pour un prix raisonnable. Vous aurez donc une présence, mais vous n’aurez pas à la gérer au jour le jour. Il existe également des applications et des robots qui permettent de rationaliser ce processus, comme HootSuite ou InstaZood. 

 

Nous espérons que cet article vous fournira des ressources que vous pourrez utiliser afin de prendre une décision éclairée sur la manière dont vous souhaitez que les médias sociaux influencent votre routine d’artiste. Il existe des moyens de sortir du jeu des médias sociaux, mais le faire prématurément aura des effets durables sur votre succès. C’est pourquoi il convient d’adopter une stratégie prudente et de voir ce que vous pouvez faire pour limiter votre accès à ces médias plutôt que de vous en déconnecter complètement. Si vous ressentez le besoin de vous retirer de l’algorithme, il existe des moyens, mais cela demandera beaucoup d’efforts et peut être moins rentable.

Les médias sociaux ne sont pas près de disparaître, nous pouvons donc soit nous lamenter sur leurs capacités destructrices, soit exploiter leur potentiel pour nous en faire bénéficier, tout en utilisant des outils pour réduire leur impact négatif sur notre santé et sur les perceptions de la société.

Trouver un label à la recherche de talents

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Alors, vous cherchez un label à la recherche de talents? Nous avons beaucoup parlé de la collecte de références pour vos mixages dans les articles précédents. En utilisant un logiciel qui vous aide à faire correspondre le ton d’une piste que vous aimez, avec une certaine analyse, vous pouvez maintenant faire de l’ingénierie inverse pour éventuellement parvenir à quelque chose de similaire. Grâce à cette approche, vous finirez par avoir de la musique que vous voulez faire écouter et qui sera finalement publiée sur un label à la recherche de talents.

Il y a de nombreux avantages à être sur un label. J’ai déjà abordé ce sujet dans de précédents articles. Cependant, l’essentiel est que le fait d’être sur ces labels vous donne accès à une communauté d’artistes que vous appréciez, vous procure une reconnaissance sociale par vos pairs et peut vous apporter des distinctions à exploiter pour obtenir plus de dates. Être sur un label crédible permet également aux artistes de gravir les échelons vers des labels plus importants, tout comme le fait d’avoir un emploi sur votre CV permet de passer à des emplois plus prestigieux.

 

LES LABELS INDÉPENDANTS PAR RAPPORT AUX GRANDS LABELS

Trouver un label à la recherche de talents (comme vous!) revient à avoir une chanson qui correspond à l’esthétique du label. Vous ne sortiriez pas une chanson Dubstep sur un label boutique Minimal Techno, tout comme vous ne sortiriez pas une chanson Minimal Techno sur un label boutique Dubstep. Bien qu’il s’agisse de musique électronique, les contacts auxquels ce label enverrait la chanson sont intrinsèquement différents, puisque les DJ de Dubstep ne mixent généralement pas de Minimal, et vice versa. Cela est particulièrement vrai pour les labels indépendants à la recherche de talents. 

Les grandes maisons de disques (major labels) peuvent avoir une approche plus large des genres qu’elles acceptent, et peuvent signer un morceau de techno minimale, et un morceau de Dubstep puisqu’elles ont plus de ressources pour gérer un son diversifié et que ces genres ont une place dans leur modèle commercial. Cependant, pour se faire remarquer par ces labels, il faut une capacité de commercialisation que beaucoup de petits artistes n’ont pas. Vous avez déjà besoin d’une base de fans solide, d’une marque et de morceaux professionnels.

Parfois, il est possible d’avoir de la chance avec le talent seul, et d’être au bon endroit au bon moment, mais ce n’est pas la norme. Donc si vous décidez de soumettre une démo à Atlantic Records et que vous n’avez pas de base crédible, c’est comme jouer à la loterie. Bien sûr, que les grands labels soient la recherche de nouveaux talents est une chose, mais c’est une circonstance particulière s’ils sont sélectionnés.

 

COMMENT TROUVER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

Il existe de nombreuses approches à cet égard. Une façon solide est de faire une chanson basée sur un morceau de référence, et de voir sur quel label il a été signé. Si vous avez une stature similaire à celle de l’artiste référencé, il y a de fortes chances pour que vous soyez un bon choix. Si vous n’avez pas la même stature que cet artiste, cela ne veut pas dire qu’il a toujours été à ce niveau. Retournez dans son catalogue, et voyez sur quels labels il se trouvait lors de ses précédentes sorties. Ensuite, assurez-vous qu’ils acceptent les démos. Ils le diront généralement sur leur site, ou sur les médias sociaux s’ils le font. Assurez-vous qu’il s’agit de messages et de sorties récentes également. Les petits labels ne durent pas éternellement, tout comme les petites entreprises, et les informations peuvent ne pas être à jour, surtout s’ils n’existent plus. 

Ensuite, vérifiez s’ils ont conservé la même esthétique sonore. Les labels évoluent. Ce n’est pas parce qu’ils étaient dans le Minimal en 2007 qu’ils sont dans le Minimal en 2020. Ils pourraient être dans la Hard Techno maintenant, puisque c’est ce qui se vend. 

Une chose à garder à l’esprit est que beaucoup de labels populaires ont des sous-labels plus petits qui répondent aux besoins des artistes en devenir. Assurez-vous d’y prêter attention. Par exemple, Get Physical a aussi Poesie Musik, qui propose un son mélodique et signe de petits artistes.

Si vous faites partie d’une scène et que vos collègues ont signé pour un label qui correspond à votre son, demandez à être présenté. C’est la façon la plus sûre de se faire connaître par un label. 

 

COMMENT ABORDER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

En gardant à l’esprit l’esthétique d’un label, on peut se poser la question suivante : faut-il faire de la musique en pensant à un label, ou trouver un label basé sur la musique que l’on fait?

Il est difficile de répondre à cette question et il n’y a pas de réponse universelle non plus. C’est la question de la poule ou de l’œuf. Il y a différentes options et peut-être que l’une d’entre elles vous conviendra le mieux. Mais examinons les différents types de réponses qu’elles peuvent vous apporter, car elles pourraient vous donner un aperçu de ce qui se passe. C’est là que beaucoup de gens s’embrouillent.

Dans le scénario le plus courant, les gens viennent me voir pour un mix et mastering avec l’idée terminer de la musique. Une fois que c’est fait, la question qui revient toujours est « et maintenant? » Parfois, il arrive que je vienne de faire le mastering d’une musique similaire et que je suggère certains de mes clients ou, dans d’autres cas, que cela me rappelle quelqu’un que je connais, alors après avoir consulté Discogs, je partage un ou deux indices. C’est l’approche « trouver un label qui cherche un talent qui correspond à quelque chose de déjà fait ». 

La deuxième option consiste à trouver un label sur lequel vous voulez être et à concevoir une musique qui lui corresponde. Vous analysez les BPM des chansons, vous prenez des références de son genre, vous incorporez le timbre et l’instrumentation que vous entendez dans les morceaux. Vous vous assurez que votre mix et votre master ont une couleur similaire à ceux du label.

Cependant, il arrive que vous puissiez faire tout cela et que l’œuvre soit considérée comme peu originale, parce que ce que vous avez fait a été stérilisé par la recherche d’éléments particuliers. Même les labels ayant un son spécifique ne veulent pas que leur travail soit peu original, ils veulent qu’il soit complémentaire. C’est une compétence qui demande beaucoup de dévouement et de pratique pour être affinée. Le processus qui consiste à créer quelque chose de contextuel, mais avec sa propre signature, est l’une des choses les plus difficiles qu’un artiste puisse accomplir, quel que soit le support. Donc, si vous voulez adopter l’approche « trouver un label en produisant pour s’adapter au label », vous devez avoir confiance en vos compétences. En adoptant cette approche, vous diluez également votre potentiel à le soumettre à d’autres labels s’il est rejeté. 

Record label looking for talent

Credit : Tim Marshall

 

LES FACTEURS CLÉS À PRENDRE EN COMPTE EN APPROCHANT UN LABEL

Parfois, votre musique s’adapte parfaitement et vous y avez investi beaucoup de travail, mais le label la rejette. Que dit-il exactement? Ce qu’il dit, c’est que vous n’avez probablement pas eu l’un de ces facteurs :

DÉTERMINATION

La chose la plus importante pour obtenir la signature d’un label est d’être déterminé. Les artistes doivent s’engager à être les meilleurs dans leur art. Ils doivent se consacrer à l’apprentissage des meilleures pratiques pour réussir en tant que musiciens, que ce soit en lisant des articles de blogue comme celui-ci ou en parlant à des pairs qui ont réussi. N’oubliez pas que les artistes vont souvent échouer dans ce qu’ils essaient de faire. C’est une réalité. C’est ce qu’ils font après avoir échoué qui les définit. Comme l’a dit Winston Churchill, « Le succès n’est pas définitif, l’échec n’est pas fatal, c’est le courage de continuer qui compte ».

POTENTIEL COMMERCIAL

Credit: Jorik Kleen

Ensuite, vous voulez vous assurer que vous êtes commercialisable. Oui, tout comme les grands labels, les labels de type boutique veulent s’assurer que les artistes ont une marque. La marque peut parfois être considérée comme l’antithèse de la créativité, mais elle a toujours été une nécessité en musique. Nommez un musicien avec un succès raisonnable qui n’a pas d’image? Les artistes doivent s’assurer que leurs médias sociaux sont en ordre, avoir un dossier de presse électronique, avoir un site web, prendre quelques photos de presse et avoir l’air de s’en soucier. 

En fonction de la taille du label à la recherche de talents, les artistes doivent s’attendre à avoir une base de fans qui est relative à la stature dudit label. Si un artiste n’a que quelques sorties et quelques centaines de fans sur Facebook, il n’est peut-être pas judicieux de s’adresser à un label comme Toolroom Records ou Kompakt. Il est fort probable que leur démo se perde dans le lot, pour ainsi dire.  

SOUMETTRE VOTRE MEILLEUR TRAVAIL

La suite devrait être évidente, mais elle mérite quand même d’être mentionnée. Les artistes doivent s’assurer de présenter leurs meilleurs travaux aux labels qui recherchent des démos. Assurez-vous que tout est bien mixé, et mieux encore, que tout est masterisé. Je peux fournir ces services à un prix raisonnable, et cela contribuera grandement à montrer aux labels qu’il s’agit de musique sérieuse. 

AVOIR UN RÉSEAU SOLIDE

Un autre facteur important pour obtenir des contrats avec des labels compétitifs à la recherche de talents est le travail en réseau. Les artistes doivent veiller non seulement à se nourrir eux-mêmes, mais aussi à nourrir tous ceux qui les entourent. La réciprocité est très importante en tant qu’être humain, alors soyez utile. Les ponts qui brûlent n’éclairent pas toujours le chemin. Comme je l’ai mentionné dans les articles précédents, c’est le moyen le plus sûr de signer avec un label de votre choix. 

PERSONNALISATION

Enfin, lorsque vous vous adressez à un label, veillez à ajouter une touche personnelle à votre démarche. Si vous pouvez trouver le nom de l’A&R, c’est utile. Si vous connaissez quelqu’un qui travaille pour eux, ou qui est en relation avec eux, faites-vous recommander ou mentionnez leur nom. Vous pourrez peut-être indiquer pourquoi vous pensez que votre son correspond bien au label. Plus vous pouvez personnaliser, plus vous avez de chances de vous faire entendre, car cela montre que vous êtes dévoué.

 

DERNIÈRES RÉFLEXIONS SUR LA RECHERCHE D’UN LABEL

Si vous suivez ces approches, vous avez alors une probabilité beaucoup plus élevée d’être signé par un label. Mais personne n’a dit que ce serait facile. Ce n’est pas pour rien que beaucoup de gens se moquent de l’art en tant que cheminement de carrière. Cependant, si vous êtes prêt à vous investir, à vous constituer un réseau et à faire preuve de diligence dans votre métier, ce peut être un travail long et gratifiant qui peut vous faire voyager à travers le monde et vous présenter à des personnes incroyablement intéressantes et talentueuses. N’oubliez pas que sans art, il n’y a pas de culture, et que sans culture, il n’y a pas de société. Ne laissez personne vous dire que ce que vous faites n’a pas d’importance. Ce qui compte, c’est que vous devez travailler dur. Il n’y a pas de raccourcis (sauf si vous avez un fonds d’affectation spécial et une famille soudée).

Commentaires sur votre musique : Quand prendre l’opinion des autres au sérieux et quand ne pas s’en soucier

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Si vous faites de la musique, vous comprendrez ce que j’essaie d’expliquer ici — l’état d’esprit où vous êtes pleinement conscient qu’il est important de faire de la musique uniquement pour vous, mais où vous voulez vraiment la partager avec d’autres personnes qui pourraient potentiellement l’apprécier. Si vous aimez ce que vous faites, peut-être que quelqu’un d’autre l’aime aussi?

Où faut-il tracer la limite entre faire de la musique pour les autres et la faire pour soi?

Honnêtement, c’est une question difficile. La voix de la raison, chez la plupart des gens, y répondra par quelque chose de moraliste :

Il faut faire de la musique pour soi. Partager c’est bien, mais ne faites pas tout un plat de ce que les gens disent.

Si vous êtes un artiste, à moins que vous ne maîtrisiez vraiment vos émotions, vous aurez, à un moment donné, envie de partager votre travail. Si vous partagez votre travail avec des personnes « aléatoires », en particulier des amis proches ou de la famille, vous obtiendrez le plus souvent des réactions aléatoires qui peuvent être déroutantes et difficiles à analyser de manière constructive. Partager votre travail consiste, à son niveau le plus fondamental, à rechercher une validation. Même les vieux producteurs comme moi, qui ont plus de 20 albums et ont fait des tournées, ont encore besoin de validation. La différence que je vois entre moi et les jeunes artistes, c’est que je choisis avec soin les personnes avec lesquelles je partage ma musique — une façon de savoir si vous êtes toujours pertinent pour les gens en qui vous avez confiance. Dans un précédent article, j’ai expliqué comment établir un réseau de contacts et comment construire un cercle de contacts solides.

Je constate souvent que les artistes ont des sessions très productives et que le morceau qui en résulte est très puissant sur le plan émotionnel. La validation intervient lorsqu’ils cherchent à déterminer si les émotions de la session sont valables ou s’ils ont été hypnotisés par quelque chose de faux.

Ce genre de schéma entraîne un processus de pensée « ils ont raison, j’ai tort » qui provoque une dissonance cognitive. Examinons ce schéma d’un point de vue technique :

  1. Vous faites de la musique uniquement pour vous, mais c’est de la masturbation artistique ; il est normal de vouloir se connecter avec les autres pour valider ces sentiments.
  2. Le contraire est de faire de la musique pour un label, un autre artiste, un public, un club ou un festival, où l’artiste recherche les opinions des autres et n’a pas de contrôle sur son propre travail — il finit généralement par être frustré.

Si vous demandez à quelqu’un un conseil en matière de musique, les gens se mettent parfois dans la position problématique de « J’ai raison, tu as tort ». Ils vous diront ce qu’ils pensent être bon ou pas, en fonction de leur point de vue. Parfois, les gens ne sont pas totalement disposés à donner un véritable retour d’information et seront partiaux. Lorsque la plupart des gens ont la possibilité de critiquer, ils trouvent que quelque chose ne va pas. Ce n’est pas toujours utile, mais parfois, dans le domaine de la musique, notamment en ce qui concerne les aspects techniques de la production, il est utile de recevoir un bon retour d’information.

Quand faut-il prendre les commentaires de quelqu’un au sérieux?

C’est à vous de décider, mais cela dépend fortement de votre capacité et de la précision avec laquelle vous évaluez votre propre travail au préalable. Voici quelques conseils pour évaluer votre propre travail avant de solliciter un retour d’information externe :

1. Si votre piste crée une émotion en vous, n’en doutez jamais, même si elle n’atteint jamais personne. Tous les morceaux n’ont pas besoin d’être publiés, entendus publiquement ou partagés. Vous pouvez faire une chanson pour vous-même et peut-être pour quelques amis : c’est une façon tout à fait valable de faire de la musique. Le « besoin » de diffuser toute votre musique est en réalité une idée fausse selon laquelle vous avez le droit d’être entendu parce que vous avez fait une chanson. Honnêtement, ce n’est pas le cas.

2. Écoutez votre chanson dans différents contextes pour voir ce que vous ressentez. Par exemple, écoutez-la pendant vos déplacements, dans votre salon, dans votre voiture, devant un ami (en personne!) ou au milieu de votre playlist préférée. Cela peut révéler des défauts dans votre travail. Si quelque chose ne va pas et que vous êtes limité techniquement, alors vous savez que demander à quelqu’un un retour d’information avec une demande précise devrait donner de la valeur à votre travail.

3. Utilisez un outil de référence tel que Reference de Plugin Boutique qui, si vous comparez votre travail avec une chanson que vous aimez, vous permet facilement de voir ce qui manque (ton ou volume). Régler les problèmes peut être un obstacle pour certains artistes, et c’est une autre raison pour laquelle il peut être utile d’obtenir une rétroaction.

Une fois que vous avez fait ces trois choses, je mettrais un extrait sur Soundcloud pour obtenir une réaction ou je le partagerais en privé avec quelques amis. Je ne posterais jamais de musique dans des forums sans savoir d’abord comment sont les utilisateurs réguliers. Je ne partage pas non plus avec des amis proches ; ils ne comprennent jamais et parfois cela peut rendre l’amitié gênante. Je préfère avoir deux cercles d’amis : ceux qui sont liés à la musique et ceux qui ne le sont pas.

N’oubliez jamais qu’il est important de faire vieillir une chanson pendant quelques semaines ou quelques mois, tout comme un vin, puis d’y revenir par la suite — cette astuce révèle des détails incroyables que vous ne pouvez pas voir ou entendre au départ.

Quand la rétroaction est-elle inutile et ne vaut pas la peine d’être prise au sérieux?

  • Lorsque quelqu’un implique que vous devez changer quelque chose dans l’arrangement ou la conception sonore en fonction de ses goûts.
  • Lorsque quelqu’un discute de certaines « règles non écrites » sur la façon dont la musique « devrait » être faite (par exemple, vous devez faire tous vos sons à partir de zéro, vous ne pouvez pas utiliser d’échantillons, etc.)
  • Lorsque leur avis technique est douteux. Par exemple, certaines personnes peuvent commenter la basse sans avoir accès à un sub.
  • Quand quelqu’un qui manque d’empathie ne peut pas comprendre la vision du morceau et essaie plutôt de le voir de son propre point de vue. Par exemple, mon ex n’a jamais compris que la musique que je faisais à la maison se traduirait différemment dans un club.
  • Quand quelqu’un étiquette votre musique avec des mots à la mode. Parfois, les gens écoutent une chanson et disent « oh, c’est relax », mais ne comprenaient pas que sur un grand système, elle pouvait groover.
  • Lorsque vous recevez des commentaires tels que « X est bon » ou « X est mauvais ». Comme si la personne avait la compréhension universelle de certains éléments permanents de la musique — ces commentaires ne veulent rien dire du tout. Nous savons tous que si la personne X trouve que c’est mauvais, la personne Y pourrait penser que c’est du génie.

J’espère que cela vous aidera à comprendre quel type de rétroaction mérite d’être prise au sérieux!

VOIR AUSSI : Common mindsets of musicians who have writer’s block and how to solve them

Changer de genre musical : passer à la musique électronique

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Depuis que l’intérêt pour la musique électronique s’est réellement épanoui en matière de popularité, des musiciens de différentes sphères ont essayé d’en tirer profit. Il y a 20 ans, de grands musiciens de rock, de pop, s’en sont emparés. Nous avons vu Madonna et quelques autres grands noms s’aventurer dans les sons électroniques, mais ils avaient surtout l’air de touristes en visite dans un pays étranger. Prenons la récente victoire de Billy Eillish aux Grammy’s pour son album, non seulement celui-ci est essentiellement électronique, mais il a également été enregistré dans leur modeste maison (précisément, dans une chambre) à Los Angeles. Étant actuellement dans quelques groupes d’ingénieurs de mix sur Facebook, beaucoup riaient de l’album, mais certaines personnes s’y sont vraiment intéressées : parfois, on peut arriver à de meilleurs résultats avec moins de matériel ; on n’a pas besoin des derniers gadgets pour arriver à quelque chose d’intéressant.

Cependant, la plupart des nouveaux venus sur la scène n’ont pas la compréhension de la culture musicale électronique, ni la connaissance de ce qu’est ou de ce à quoi ressemble la musique électronique. Pour les gens comme moi qui écoutent ce genre depuis des décennies, quand j’entends quelqu’un avec un passé rock prendre des synthés et essayer de faire de la techno, il y a toujours quelque chose qui sonne un peu faux : cela ne ressemble pas à ce qu’est l’électronique en général, ou cela sonne comme quelque chose de rock, mais pas de la bonne manière. Dans les années 50, certains ont essayé de faire de la musique classique au synthétiseur — la plupart du temps, c’était tout simplement horrible. Il en va de même pour les premières tentatives de synthétiseurs imitant des instruments très colorés comme la trompette. Les presets de « Trompette » font grimacer les musiciens de jazz, et pour cause.

Un musicien expérimenté doit-il se retenir de s’aventurer dans un nouveau genre? Bien sûr que non. Mais connaître quelques astuces pour préparer la transition est probablement pertinent.

Références et découverte de ce qui marche

La plus grande erreur de ceux qui débarquent dans la musique électronique d’une autre scène, c’est de ne pas comprendre pour qui ils font de la musique. Je ne peux pas parler de la façon dont cela fonctionne dans l’industrie du rock, mais je pense qu’il y a moins de domaines fragmentés que dans la musique électronique. La musique électronique a des DJ, des admirateurs, des labels, des médias, Internet, etc. qui ont tous des sous-scènes différentes. La connaissance de votre public cible peut influencer la façon dont vous faites votre propre musique. Pour les « musiciens », c’est une chose que beaucoup ont du mal à comprendre. Par exemple, si votre morceau est destiné aux DJ, vous ne l’aborderez pas de la même manière que si vous faites de la musique pour vous-même ou pour le grand public.

« Pourquoi ferais-je de la musique pour les DJ? », m’a demandé un jour un rocker.

Eh bien, ils exposent votre musique à un public qui pourrait souhaiter l’écouter dans un contexte spécifique. Votre but n’est pas le même que si vous faites de la musique pour, disons, la maison ou même, les after-parties.

« Oh, il y a différents types de DJ? », a-t-il répondu.

Oui, ai-je dit, et c’est un autre niveau de complexité dans la musique électronique. Vous ne faites pas de musique pour les ouvertures ou les after-parties, comme vous le feriez pour le peak time (apogée de la soirée) — et même dans ce cas, chaque genre a ses propres normes de ce qui constitue la « peak music ». La house, l’EDM (musique de Vegas), la minimale, la techno, etc. ont tous des styles différents. Même l’ambient et le drone ont leur propre version de la musique « peak time », ce qui peut paraître bizarre si vous ne connaissez pas ces genres. Mais allez faire un tour dans un festival d’ambient ou de drone et vous comprendrez ce que je veux dire.

« Mais je veux juste faire de la musique cool », dit-il alors.

Oui, je sais, moi aussi. Mais encore une fois, si c’est pour toi et tes amis, tu sais alors pour qui tu la fais et c’est très cool. En revanche, si vous visez un marché plus large et que vous voulez commercialiser votre musique, cette approche ne fonctionnera probablement pas très bien. La musique électronique est un genre où vous êtes libre de faire ce que vous voulez et où vous disposez de ressources illimitées pour concrétiser de nombreuses idées de rêve, mais tout l’aspect de la commercialisation est vraiment désordonné, compliqué, frustrant, paradoxal et parfois contre-productif. Je suis conscient que c’est aussi le cas dans d’autres genres, mais le marché « à succès » axé sur la musique dance est assez délicat.

Alors quel est le vrai problème si vous ne suivez pas une certaine esthétique?

Eh bien, le scénario le plus courant est celui de gens enthousiastes qui suivent leurs goûts actuels (souvent basés sur une musique qui était cool il y a 5-10 ans) et sans aucune autocritique ou rétroaction ; ils sortent de la musique et, des années plus tard, ils se sentent gênés par leur manque de goût ou par le vieillissement des morceaux. Ce n’est pas un gros problème, mais il est facile de ne pas tomber dans ce piège.

Si vous connaissez un peu ce blogue, je discute fréquemment de l’importance des références.

  • Une chose qui pourrait vous surprendre est que je recommande souvent Spotify comme outil d’exploration. Disons que vous aimez les Chemical Brothers… Spotify peut vous proposer des artistes au son similaire. Vous pouvez également voir les dernières sorties d’un artiste et son évolution. Personnellement, j’adore ça.
  • Autre chose que je vous suggère est de passer du temps à écouter beaucoup d’artistes différents. Cela inclut également de consulter des magazines en ligne (j’adore XLR8R), de se familiariser avec les DJ charts, de voir quels festivals les engagent, et de prendre connaissance des autres artistes qui y jouent.
  • Il est également important d’aller à des événements. Écouter de la musique dans son contexte donne vraiment un énorme aperçu à un musicien. En tant qu’ingénieur et coach, je me rends de temps en temps à des événements locaux pour voir ce qui se passe.

Collaboration, mentorat et réseautage

Je pense qu’une autre chose primordiale quand on s’aventure dans d’autres genres est de trouver rapidement quelqu’un de référence ou de réputation à qui l’on peut faire confiance. Développez une relation sans filtre sur vos discussions ou vos commentaires — cela peut prendre beaucoup de temps à trouver ou à bâtir.

Travailler avec des amis qui ont bon goût ou engager des professionnels vous permet aussi, pour la plupart, d’exercer un certain contrôle de qualité.

  • Essayez de vous renseigner sur les plug-ins utilisés quotidiennement par les professionnels.
  • Ayez une idée des endroits où vous pouvez acheter des presets de qualité pour des synthétiseurs virtuels afin d’apprendre comment certains sons sont créés.
  • Ayez une bonne idée des artistes influents à l’origine des tendances actuelles. Pour chaque grande tendance commerciale, il y a un artiste moins connu qui a lancé un mouvement, une idée ou une direction musicale qui « inspire » souvent de grands noms qui la commercialisent.
  • Familiarisez-vous avec les festivals qui sont amusants et qui pourraient être de bonnes plaques tournantes pour la création de réseaux.
  • Construisez un réseau avec les médias, les promoteurs et les DJ. Ce type de réseau peut apporter de nombreux avantages et opportunités.

Cependant, la collaboration consiste à faire de la musique, et à apprendre les trucs et astuces tout en travaillant en réseau. Ce sont, en mon humble avis, parmi les meilleures choses à savoir si vous aspirez à faire votre chemin dans un nouveau genre!

À lire également : Making and breaking genres in your music (Traduction à venir)

Il est grand temps que les musiciens soient inclusifs

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Toute personne qui fait de la musique passe régulièrement par des phases de sagesse. Parfois, on a l’impression que l’industrie de la musique est un jeu vidéo dans lequel, avec un peu de chance et de réseau, on peut « monter en grade » jusqu’à la gloire. Faire de la musique avec cet état d’esprit, ce que semblent faire de nombreux artistes, produit certains comportements peu attrayants :

  • Une réticence à partager ses connaissances et ses contacts
  • Adopter une approche compétitive de la musique
  • Snobisme et arrogance envers les autres personnes et les artistes

Les nouveaux producteurs sont souvent déstabilisés par l’attitude des artistes établis. Les artistes établis filtrent les gens pour d’autres raisons, car s’ils restent ouverts à tout le monde, cela peut devenir épuisant, surtout si beaucoup essaient de les « utiliser » (c’est-à-dire pour attirer l’attention, avoir un retour sur la musique, etc.) Certains artistes sont également très mauvais pour communiquer ou sont simplement timides, ce qui les pousse à adopter une personnalité fermée pour se cacher. Cela dit, la frontière entre snobisme et filtrage demeure ténue.

D’où provient l’arrogance des artistes?

Si les gens travaillent dur pour apprendre quelque chose, partager « gratuitement » à quelqu’un d’autre ce qu’ils ont dépensé en temps et en argent pour comprendre peut sembler injuste, non? Les gens peuvent aussi penser que s’ils ont atteint un certain statut, peut-être que d’autres personnes qui se trouvent derrière eux pourraient les évincer de leur position.

Partager le savoir ne vous fait pas le perdre.

Parfois, les gens ont aussi l’impression que s’ouvrir à quelqu’un pour partager des informations précieuses et obtenir quelque chose en retour peut être très frustrant, car cela ressemble à un gaspillage d’énergie. Ou pire, on craint parfois une sorte de trahison si le destinataire va « plus loin » avec l’information partagée que l’artiste original ne l’a fait lui-même. Il n’est pas vraiment surprenant que de nombreux artistes soient extrêmement protecteurs, car ils ont constamment l’impression qu’ils risquent d’être « dépassés ».

Voir quelqu’un réussir ne signifie pas que vous avez échoué.

En réalité, une carrière musicale n’est qu’une série de hauts et de bas, avec quelques pics et quelques plateaux. Vous ne pouvez pas y échapper, cela fait partie du jeu. Elle n’est jamais liée au succès des autres, c’est purement organique. Une carrière musicale est absolument bipolaire et extrêmement volatile. Ces conditions sont propices à des sentiments d’hypervigilance, d’anxiété et de dépression. Certaines personnes parviennent à atteindre un flux où les choses fonctionnent plus longtemps que d’autres — c’est relié à une bonne combinaison de réseaux solides, de talent naturel et d’une bonne dose de charisme. Parfois, le fait d’aider d’autres artistes peut en fait contribuer à améliorer la carrière d’un artiste.

Quels sont les avantages d’être inclusif et d’aider d’autres artistes?

Si pour beaucoup, cela peut sembler évident, vous seriez surpris de constater que pour beaucoup d’autres, l’idée de travailler avec d’autres personnes semble être une mauvaise idée ou une idée compromettante. Je ne suis pas du genre à juger l’opinion de qui que ce soit, car il y a en effet un grand risque auquel nous sommes d’abord confrontés : le vol et l’abus de connaissances. De nombreux artistes sont exploités par des maisons de disque, des promoteurs de clubs, Spotify ou d’autres géants du secteur de la musique, et même par d’autres artistes qui copient ou « volent » des contenus/idées. Le fait d’être inclusif risque-t-il d’accroître ce type de situations?

Être inclusif, ce n’est pas être naïf. C’est d’abord et avant tout essayer d’aider les autres, comme vous aimeriez être aidé lorsque vous en avez besoin.

En écrivant ce billet, la plupart d’entre nous sont en quarantaine et n’ont aucune idée de ce que seront les choses dans un avenir proche. Il est intéressant de noter que depuis 20 ans, je me suis habitué à être dans mon studio, isolé et à travailler à distance. J’ai fait d’innombrables collaborations en ligne et j’ai aussi dirigé des maisons de disque. Mais aujourd’hui, ce mode de vie est imposé à beaucoup de gens qui n’y sont pas habitués. Tout le monde ne peut pas se sentir à l’aise dans cette position, même les musiciens. Ces deux dernières semaines, j’ai encadré quelques groupes en ligne par l’intermédiaire de Zoom pour soutenir ma communauté. Des séances de trois heures avec plus de 30 participants m’ont fait comprendre que nous voulons tous tendre la main aux autres, et que notre vie est loin d’être un film dystopique dépeignant les révoltes et la violence. Je vois beaucoup plus de collaboration créative, de performances en ligne, des tonnes de divertissements, de cours et de personnes qui passent leur temps à aider des inconnus. Je veux que cela se produise également avec les musiciens.

Au cours d’une période d’inactivité prolongée comme celle que nous vivons actuellement, de nombreux institutions, clubs, festivals et artistes subiront des pertes. Je vois des gens qui organisent des campagnes de financement participatif, mais elles ne semblent pas avoir beaucoup de succès. L’argent n’est qu’un aspect du problème — ce n’est pas la véritable solution à cette situation. Là où nous aurons vraiment besoin d’aide, c’est dans l’entraide, le soutien aux musiciens et aux entreprises locales, et la suppression de cette activité qui consiste à agir comme une « diva de la musique » : nous devrions repenser notre façon de travailler.

J’aimerais vous présenter quelques façons d’agir envers les autres qui ont été mon mode de vie. Je ne me considère pas comme parfait, mais j’essaie de vivre selon ces maximes. Être inclusif est quelque chose d’essentiel dans ma vie quotidienne.

  1. Une chose que je fais souvent, car bien sûr je n’ai pas toujours le temps d’aider, c’est que j’apprends aux gens à résoudre leurs problèmes, à trouver des réponses par des recherches efficaces. Par exemple, YouTube a la solution à de nombreux problèmes et beaucoup de gens l’ignorent.
  2. Je donne à chacun une chance jusqu’à ce qu’il me prouve le contraire. Tout comme dans la vie, si quelqu’un vient me voir, semble amical et veut discuter, je prends généralement le temps de répondre. Je suis toujours intéressé par la possibilité de faire connaissance avec les autres avec le temps dont je dispose. La plupart du temps, les gens sont très amicaux. Ce qui est bien avec une présence en ligne, c’est que vous pouvez facilement prendre de la distance si les choses ne se passent pas bien. Mais j’aime donner une chance aux gens et ne serais jamais snob si je ne suis pas en présence d’un fort conflit de valeurs de vie (par exemple un comportement agressif, une incapacité à écouter, une consommation excessive de drogue ou tout ce qui peut mettre ma santé en danger).
  3. J’aime être un « yes-man ». Dans la plupart des cas, quoi que l’on me demande, je ferai de mon mieux pour dire oui et répondre. On m’a dit que je suis trop gentil et que les gens profitent de moi, mais il y a beaucoup de gens qui sont comme ça et c’est souvent plus énergisant que fatigant. Cependant, je trouve qu’il est essentiel d’avoir des limites solides.
  4. J’investis dans ceux qui investissent en moi. J’ai souvent couru après des gens que je trouvais cool, mais dont je ne recevais pas d’attention en retour. J’ai continué à essayer et j’ai fini par éprouver du ressentiment. Ce comportement appartient maintenant au passé pour moi, et je ne m’investis que dans les personnes qui me rendent de l’attention. Si j’envoie un courriel et qu’il n’y a pas de suivi, il se peut que j’en envoie un deuxième, mais je n’ai généralement pas d’attentes. Cela a permis de dissiper beaucoup de frustration envers les maisons de disque qui ne répondent pas ou envers d’autres artistes avec lesquels je voulais travailler et qui ne répondraient jamais. Je me concentre maintenant sur les personnes qui viennent me voir en premier lieu. Il y a beaucoup plus d’énergie.
  5. Écouter ce que les gens ont à dire m’apprend des choses chaque jour. Lorsque je fais du coaching en ligne, je passe du temps à écouter ce que les gens ont à dire. Il y a autant d’espace pour apprendre que pour enseigner. Je crois que tout le monde peut m’apprendre quelque chose parce que le monde de la musique est trop vaste pour prétendre tout connaître.
  6. Je crois que même si je suis confronté à ce qui semble être un échec, il y a quelque chose qui m’attend et qui me sera bénéfique. Parfois, j’ai eu l’impression que certains malheurs aient été vraiment durs pour moi personnellement ou pour ma carrière musicale. Il est vraiment impossible de prévoir ce qui nous attend, mais curieusement, quand il s’agit de l’avenir, personne n’a le contrôle ; la magie peut se produire dans le futur, d’une manière qu’il était impossible d’imaginer. Les histoires de vols manqués, d’événements annulés, d’albums piratés, etc. sont des choses que j’ai vécues et dont je pourrais parler, mais il y a toujours eu quelque chose de positif qui est ressorti de ces expériences. Je ne suis pas quelqu’un qui croit que la « pensée positive » peut tout régler dans des situations négatives, donc je préfère me recentrer et avoir confiance qu’il y a quelque chose à venir qui sera meilleur pour moi ou pour les autres.
  7. Le fait de toujours mettre les gens en contact et de partager des connexions crée du pouvoir. Je n’ai jamais gardé de contacts pour moi, mais c’est quelque chose que je vois souvent les gens faire. Je ne vois pas l’intérêt de séparer les gens. Si vous pouvez mettre les gens en contact et que quelque chose en découle, vous venez de créer un canal dont beaucoup de gens profiteront.
  8. Ne prenez jamais rien personnellement — tout est dit.
  9. Vous ne savez jamais qui vous aidera à l’avenir. Tant de fois, j’ai parlé avec des gens au hasard et des années plus tard, ces gens sont revenus vers moi avec quelque chose. Récemment, quelqu’un a réservé mes services pour un mix et m’a dit que je lui avais donné un CD en 2004!
  10. Être gentil est souvent plus payant à long terme. Je ne crois pas qu’être difficile paie d’une quelconque manière, et à long terme, les gens vous éviteront si vous êtes désagréable.
  11. Expliquer, c’est apprendre. C’est ma devise. Si vous pouvez apprendre un tour à quelqu’un, vous devez le connaître suffisamment pour l’expliquer. C’est pourquoi vous vous apprenez à le refaire vous-même. Souvent, si quelqu’un ne comprend pas, vous devez trouver d’autres moyens de l’expliquer, ce qui tend à vous aider à découvrir de nouvelles possibilités dans votre travail.

Objectifs musicaux : Se fixer des repères au lieu d’objectifs

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Vous entendez souvent parler d’établir des objectifs musicaux pour maintenir votre motivation et vous diriger dans la bonne direction. J’ai déjà discuté des meilleures façons de se fixer des objectifs et de les atteindre, mais au fil du temps, je ne sais pas si l’établissement d’objectifs est encore la façon la plus efficace de progresser.

Cependant, certains objectifs de votre liste peuvent encore être pertinents, cela dépend de la façon dont vous les fixez. Par exemple, chaque fois que j’ai des gens en coaching, nous discutons du fait que l’établissement d’objectifs devrait se faire de manière à pouvoir quantifier le succès de votre travail. Par exemple, les gens essaient souvent de se fixer comme objectif de « devenir un artiste connu », ce qui, d’une certaine manière, n’a aucun sens par rapport à « finir un album ». Le problème avec le premier objectif implique deux choses importantes :

  • Vous ne pouvez pas contrôler votre cercle d’influence. Que signifie exactement « devenir un artiste connu » ? Est-ce apparaitre dans les charts ou plutôt que 1000 personnes aient vos morceaux sur leurs playlists Spotify ? Vous ne pouvez pas contrôler cela du tout et le fait d’être vague dans vos objectifs vous mènera à l’échec.
  • Devenir un artiste connu peut se produire ou non. Si c’est le cas, vous n’êtes peut-être même pas au courant de votre réputation et certaines personnes pensent qu’elles sont connues, alors que ce n’est pas le cas (par exemple, acheter des « likes » sur Facebook ne veut rien dire).

Dans le deuxième objectif « finir un album », vous avez le contrôle total de ce but — vous pouvez clairement « définir de ce qui est fait ». Si cette définition est atteinte, alors vous avez terminé, et le but a été atteint. Travailler de cette façon peut être utile, mais je vous recommande fortement de fixer une date limite à votre objectif.

Il y a maintenant une autre alternative à l’établissement d’objectifs, que, faute d’une meilleure terminologie, je définirai comme l’établissement de repères (signposts). Par exemple, les panneaux de signalisation sont des repères que vous voyez lorsque vous conduisez et qui vous aident à connaître la direction à suivre, à vous amener là où vous voulez, et aussi à vous guider de façon fiable lorsque vous êtes perdu. J’aime bien le terme en français de « repères » — mais « signpost » en anglais garde une dimension importante reliée aux lieux physiques.

Qu’est-ce qu’un repère dans votre voyage musical ??

Il s’agit de quelque chose sur lequel vous pouvez compter, comme une communauté dont vous voulez faire partie, ou un son spécifique dans lequel vous voulez plonger à 100 %. Je vais vous donner les meilleurs exemples de la façon dont j’ai appliqué l’approche communautaire dans ma vie et pourquoi je m’en inspire parallèlement au type d’établissement d’objectifs que nous avons décrit ci-dessus.

À Montréal, à la fin des années 90, nous avons eu la chance d’avoir un noyau solide de gens et de producteurs qui se sont rassemblés autour du festival MUTEK, ce qui était notre communauté, mais aussi une sorte de repère : une direction. C’était un endroit où nous pouvions jouer la musique que nous apprécions tous (arrangés selon nos goûts personnels) et où nous pouvions aussi discuter de la production musicale. Donc, à l’époque, un de mes objectifs était de jouer à MUTEK, mais en même temps, c’est cette communauté qui nous dictait le son que nous devions avoir pour l’atteindre.

Un autre repère (ou signpost) était une sorte de « cible » musicale que j’ai fixée par l’intermédiaire de Ricardo Villalobos. J’étudiais sa musique, ses sets, et la question récurrente que je me posais était : « Est-ce qu’il va jouer un de mes morceaux ? » Il n’y avait pas vraiment d’autres objectifs derrière que de le voir jouer ma musique, mais c’était plutôt un point de référence sur la façon dont ma musique pouvait être faite ou adaptée.

Je fais souvent du mix/mastering pour des artistes/labels ou du coaching, et une chose que je vois souvent, c’est que les gens sont un peu perdus pour déterminer à qui s’adresse leur musique. Qui voulez-vous atteindre exactement ? Qui vous inspire ? Quelle communauté vous soutiendrait et vous encouragerait ? C’est le type de question à considérer sérieusement, car je travaille souvent avec des gens qui sont loin de la communauté physique dont ils aimeraient faire partie et qui dépendent fortement d’Internet pour être en contact. Par exemple, je pense à des gars d’Amérique du Sud qui aiment les artistes roumains — c’est une sacrée distance !

Dans plusieurs articles précédents, j’ai parlé de l’importance du réseautage. Voici quelques façons de vous aider à trouver vos propres repères :

  • Localement. Y a-t-il un club, une salle ou un promoteur qui book et joue la musique que vous aimez ? Où se trouve l’endroit le plus proche de vous qui pourrait être votre référence locale ? C’est très important, car vous pouvez rencontrer des gens qui ont les mêmes goûts que vous. C’est peut-être un festival auquel vous pouvez assister dans une autre ville, comme MUTEK (cela me rappelle une énorme communauté du Colorado qui avait l’habitude de venir à MUTEK par groupe de 20 personnes ! Ils ont forgé des liens lors de leurs voyages).
  • En ligne. Je trouve qu’il est important de trouver un crew qui fait de bons podcasts, des DJ sets, ou de la musique qui vous donne la chair de poule. Un piège serait cependant de viser trop haut, des artistes renommés ou des organisations (ex. Time Warp en Allemagne) si grandes qu’en devenir partie intégrante peut vite devenir un casse-tête. Il existe de nombreux festivals plus petits qui ont le même genre de musique, mais à plus petite échelle, vous pouvez grandir avec eux. Cela dit, essayez de réduire l’échelle, ou suivez les plus grands noms, mais essayez de connecter avec les autres, plus petits, qui aiment la même musique et qui sont aussi en train de percer.
  • Esthétique, genre, humeur, direction. . Essayez de trouver des artistes que vous aimez qui émergent et qui ont l’air stable et sérieux à propos de leur métier. Vous n’avez pas besoin de les contacter ; il s’agit plutôt de suivre leur production et de les soutenir. Soyez un fan, quelqu’un qui encourage et donne, sans rien attendre en retour. Nourrir les gens qui vous inspirent est aussi une bonne façon d’investir en vous-même. J’ai soutenu et encouragé des artistes qui ont commencé à bien marcher, mais qui ont ensuite disparu. C’est une déception, et parfois je me demande ce que j’aurais pu faire d’autre pour aider. Voir quelqu’un que vous aimez performer est une grande motivation pour votre propre art !

J’adorerais entendre ce que vous considérez comme étant vos propres repères !

Notre première retraite musicale

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L’idée de retraite musicale est venue d’une discussion avec mon ami Fred au sujet de la nécessité de fuir la ville avec d’autres producteurs de musique pour passer un week-end à faire de la musique. Je veux dire, être à la campagne, être avec des amis, puis être capable de faire de la musique semble être une recette pour quelque chose de très spécial, n’est-ce pas ? Eh bien, depuis que je suis rentré de notre retraite, je ne peux que dire que c’était au-delà de toutes mes attentes, et je crois que cela pourrait même valoir la peine d’être répété sur une base régulière.

Lorsque j’ai affiché pour la première fois mes intentions d’organiser une retraite musicale sur Facebook, j’ai été ébloui par la réaction et l’enthousiasme qu’elle a suscité. Je pense que l’excitation d’une retraite vient d’un besoin d’être avec d’autres personnes qui partagent la même passion, mais aussi d’être dans un contexte où nous pouvons nous connecter à ce sujet.

Nous avons finalement eu 13 participants (note : nous avions même des gens de France qui voulaient venir, mais nous n’avons pas affiché les dates assez tôt pour qu’ils puissent s’y préparer) et nous avons trouvé un beau manoir à l’extérieur de Montréal avec vue sur des champs et des collines comme lieu pour la retraite. Le cadre était parfait. Fred a organisé deux studios séparés et nous avions beaucoup d’espace travailler sur nos ordinateurs portables et entrer dans notre bulle.

J’avais prévu de faire quelques ateliers, mais après avoir discuté et décidé du plan pour le week-end, nous ne voulions pas vraiment suivre une structure. Cette première expérience déterminerait nos besoins et la façon de faire face à tout ce qui se passe.

Ce qui en est ressorti était de la magie pure !

Imaginez être dans une pièce où tout le monde fait de la musique, a de l’équipement et se concentre sur sa propre musique, où vous pouvez montrer aux autres ce sur quoi vous travaillez pour obtenir du feedback, pour obtenir des réponses aux questions que vous vous posez concernant les problèmes techniques, pour observer le flux de travail de chacun et l’utilisation des plug-ins… C’était vraiment comme si un besoin était satisfait par tout le monde présent : faire partie d’une communauté, obtenir une validation instantanée et une expérience dans un environnement créatif.

Nous avons échangé Soundcloud et Facebook contre de vrais contacts humains. Traîner dans des clubs pour trouver des gens qui partagent les mêmes centres d’intérêt et travailler en même temps que les autres correspond vraiment à un besoin que nous partageons tous : se connecter physiquement.

Peu importe la façon dont Internet se développe et les outils qu’il offre, il n’y a rien de mieux que la proximité physique. Même moi, je me sentais submergé par le désir de faire des sons et aussi de commenter ceux des autres ou de répondre aux questions que les gens partageaient à haute voix. C’est assez courant pour les producteurs de musique de se rencontrer dans les bars et les clubs, mais vous ne pouvez pas vraiment parler parce que le contexte est bruyant et n’est pas vraiment approprié, en plus vous ne pouvez pas vraiment partager votre configuration technologique ou la façon dont vous travaillez. Il semble qu’une retraite crée un espace approprié pour co-créer et voir le jeu de tout le monde être mis à niveau. J’ai l’impression que cela pourrait être le meilleur moyen de façonner le son d’une communauté tous ensemble.

Alors que nous nous préparons déjà à organiser d’autres retraites, nous prévoyons aussi de réunir les producteurs de musique dans des cafés, un samedi après-midi. Je pense que c’est quelque chose que nous aimerions explorer ailleurs dans le monde également.

COMMENT J’AI UTILISÉ LA RETRAITE MUSICALE POUR MON FLUX CRÉATIF.

Je voulais faire exactement ce que je fais pendant mes journées en ville, mais en me concentrant sur une courte période de temps pour voir ce qui en sortirait. Ma routine habituelle est de prendre mes générateurs de sons tels que des synthés et de jammer. Je l’ai fait de façon intensive jusqu’à samedi après-midi, puis j’ai rencontré une certaine fatigue mentale. Cela arrive habituellement à un moment et c’était assez intéressant de voir cela se produire de cette façon. Le plus cool, c’est d’être autour des gens, de parler et d’échanger sur tout ce qui vient. Je n’étais pas chez moi sur Netflix à attendre que mon énergie revienne.

Plus tard, j’ai réalisé qu’il y avait des moyens d’améliorer notre productivité pendant la retraite. Voici quelques idées que je note pour la prochaine fois, ainsi que pour vous donner quelques suggestions au cas où vous envisagez de vous lancer dans une retraite musicale :

  • Faites des samples en équipe. Comme tout le monde a des origines et des inspirations différentes, nous pourrions analyser certaines chansons pour essayer de reproduire certains sons.
  • Essayez de terminer une chanson où tout le monde est impliqué. Chaque participant pourrait utiliser un instrument et une personne recueille le tout pour le mettre en arrangement.
  • Faites appel à plusieurs personnes pour réaliser des enregistrements complexes sur le terrain, des sons et des atmosphères étranges.
  • Faire des images en convolution de différents espaces, par exemple en utilisant des microphones pour sampler les différentes pièces de l’endroit où nous nous trouvions.
  • Faire la méthode du relais en la musique, c’est-à-dire « essayer de faire le plus possible sur cette piste puis la transmettre à la personne suivante ».
  • Essayez de faire un cadavre exquis musical.

Si vous avez des suggestions à nous faire, faites-le-nous savoir, car nous planifions déjà la prochaine !

8 erreurs courantes de mix et production audio

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Depuis le lancement de mon label et après des années à recevoir un grand nombre de démos et d’artistes, j’ai remarqué que la plupart du temps, les nouveaux producteurs et musiciens font le même genre d’erreurs lorsqu’ils sont au début de leurs années de production audio. Quand j’ai commencé mon studio à plein temps, j’ai aussi remarqué que j’avais — pour la plupart — les mêmes questions et frustrations au sujet de la production audio sur une base régulière. Cet article présente une liste des erreurs de mix les plus courantes et des erreurs générales que les musiciens commettent lorsqu’ils commencent à jouer.

LES ERREURS LES PLUS COURANTES QUE JE VOIS DE LA PART DES MUSICIENS EN CE QUI CONCERNE LE MIXAGE ET LA PRODUCTION AUDIO :

NE PAS INVESTIR DANS DE BONS MONITEURS (HAUT-PARLEURS, ÉCOUTEURS).

C’est une des choses les plus importantes. Vous dépendez de ce que vous entendez pour obtenir des résultats de qualité. C’est toujours un peu déroutant pour moi, que certaines personnes ayant un monitoring médiocre espèrent rivaliser avec des artistes qui ont tant investi dans un studio professionnel. Si vous n’entendez pas ce que vous faites, c’est un peu comme travailler à l’aveugle et les résultats sur de bons systèmes sonores seront catastrophiques. Tant de gens vont tester la musique dans leur voiture pour voir si elle est bien faite, ce qui est en quelque sorte correct, mais pas productif.

Ce que je suggère, c’est d’essayer de passer un après-midi à écouter de la musique que vous connaissez sur différents haut-parleurs. N’investissez pas dans des moniteurs bon marché parce que c’est tout ce que vous pouvez vous permettre. Cela vous causera de nombreux problèmes en cours de route. Faites confiance à vos oreilles.

UN MANQUE DE RÉFÉRENCES

Vous ne pouvez pas produire de la musique de qualité si vous n’avez pas été exposé à de la musique de qualité. Cela signifie que vous devez avoir en votre possession une grande bibliothèque de musique pour écouter, mais aussi pour passer autant de temps à écouter de la musique qu’à la produire. Plus vous vous immergez dans une musique qui sonne bien, plus vos oreilles se familiarisent avec la façon dont les choses doivent sonner. Cela peut signifier écouter des vinyles ou des fichiers .wav de bonne qualité.

Ce que je suggère, c’est d’avoir des sessions régulières d’écoute, de manière attentive ou en fond sonore. Les deux sont importants. Faites une liste de lecture sur Spotify ou sur votre ordinateur, de musique que vous connaissez bien et entraînez vos oreilles à connaître cette musique dans ses moindres détails.

FAIRE TROP SOUVENT DES COMPARAISONS AVEC DES MUSICIENS PROFESSIONNELS

C’est l’inconvénient du référencement, car il peut vous jouer des tours. Je connais des gens qui ont des goûts étonnamment bons en musique et qui veulent commencer à produire, mais lorsqu’ils commencent à voir le travail qui les attend, ils deviennent vite frustrés. Si vous vous comparez à un artiste qui tourne depuis 20 ans, il y a de fortes chances que vous vous prépariez pour une défaite.

Ce que je suggère, c’est de se concentrer davantage sur l’expérience de faire de la musique que sur le résultat, au début.

PENSER QU’IL EST FACILE DE FAIRE DE LA MUSIQUE

On ne peut blâmer personne d’autre que la culture générale qui dit depuis des années que « faire de la musique électronique », c’est « appuyer sur quelques boutons ». Les gens voient un DJ avec les poings en l’air et ils pensent « Je pourrais faire ça…. ». Cet état d’esprit vous donnera un réveil brutal quand vous commencerez à travailler dans un DAW et à plonger dans la conception sonore. La musique électronique n’exige pas les mêmes compétences que le piano, mais elle sera exigeante en termes de détails techniques. Il y a tellement de possibilités que vous pouvez devenir fou en essayant de savoir par où commencer. Malheureusement, beaucoup de gens s’en rendent compte et deviennent déprimés.

Ce que je suggère avant de plonger dans la production musicale, c’est d’essayer de se lier d’amitié avec un producteur et de passer du temps en studio pour voir si vous appréciez vraiment cela. Regardez des vidéos sur la création musicale pour voir si vous voulez vous lancer également.

INVESTIR TROP, TROP VITE

Je pense au gars qui décide un jour de faire de la musique et qui revient à la maison avec 5000 $ d’équipement sans savoir s’il l’aime ou s’il sait ce dont il a besoin. Voyez d’abord ce que vous aimez faire, puis investissez autour de cela. La production musicale a tellement de dimensions différentes qu’il est important de connaître votre tasse de thé. Le DJing ? Vous aimez les synthés ? La conception sonore ? Faire des boucles ? Il y a des pièces d’équipement dont vous avez besoin en premier, comme je l’ai expliqué dans un article précédent, mais vous n’avez sûrement pas besoin de tout ce que vos amis vous diront d’acheter.

Ce que je suggère a été écrit dans un article précédent sur ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer. On me demande souvent ce dont vous avez besoin pour commencer à faire de la musique : un ordinateur portable et un casque d’écoute, c’est tout ce dont vous avez besoin au début. Construisez autour de ça.

LA RECHERCHE DU « SUCCÈS » AVANT D’ACQUÉRIR LES COMPÉTENCES

C’est un classique. Savoir ce que l’on aime est une chose, savoir ce que l’on fait le mieux en est une autre. Nous avons tous certaines compétences qui semblent naturelles et qu’il faut parfois explorer pour toutes les découvrir. Planifier sa carrière de DJ sans avoir fait quelques gigs et releases, c’est prendre un peu d’avance sur soi-même. Prenez votre temps, appréciez le plaisir de faire de la musique et le succès pourrait venir sur la route. La recherche du succès peut être comme poursuivre un mirage.
Ce que je suggère, c’est de se concentrer sur l’amour de faire de la musique avant toute autre chose. J’encourage souvent les gens à commencer avec peu de choses comme faire de la musique pour des amis ou partager avec des DJs locaux. Si vous construisez un réseau de 5 à 10 personnes, c’est suffisant pour construire lentement votre confiance en vous-même et finalement émerger au bon moment.

UN MANQUE DE PATIENCE

Faire des sons et de la musique de qualité, c’est comme brasser du vin ou de la bière : cela demande du temps, de la patience et une sorte d’isolement personnel pendant un certain temps. Il est important de vous empêcher de partager votre travail avec le monde entier avant qu’il ne soit vraiment terminé. Le maitre mot dans la production musicale est la patience et c’est la même chose pour tous ceux qui veulent passer à un autre niveau.

TECHNIQUES DE PRODUCTION AUDIO INADAPTÉES

Si nous parlons de technologie, ce sont des choses que je trouve toujours dans le travail des nouveaux producteurs. Vous pouvez peut-être commencer à changer vos techniques si vous vous reconnaissez dans cette liste.

  • Un manque de samples de qualité.
  • Ne pas utiliser d’EQs/compression. Celui-ci me surprend toujours.
  • Utiliser trop d’instances d’un effet au lieu d’utiliser les Sends/AUX.
  • Ne pas utiliser au moins un EQ or compresseur de très bonne qualité. Ils font vraiment une différence.
  • Ne pas utiliser de plug-in de channel strips dans le DAW.
  • Pas de mono pour la basses ou quoi que ce soit en dessous de 130hz..
  • Ne pas utiliser de swing/grooves.
  • Être à côté la plaque avec la saturation. Soit il n’y en a pas du tout, soit avec des outils qui ne font pas le travail. Obtenez-en une gratuitement pour avoir un bon kit de départ.
  • Manque de postproduction sur les sons. Chaque fois que vous pensez en avoir fini avec une chanson, vous vous rendez compte qu’il y a un certain nombre de détails que vous avez négligés. La route semble souvent sans fin…. parce qu’elle l’est.
  • Couper le kick trop souvent dans une piste. Cela tue l’énergie, surtout si vous avez de longues pauses sans kick.
  • Ne pas laisser aller les choses. Parfois, une simple idée peut porter une piste pendant un certain temps, mais vous devrez laisser les gens s’enfoncer dans leur esprit, alors pour ce faire, vous devez avoir confiance en ce que vous faites et laisser-aller. Trop souvent, les nouveaux arrivants craignent que l’auditeur s’ennuie et ils continuent d’ajouter ou de changer des choses.

Vous pouvez aussi demander de l’aide et je mettrai à jour cette liste avec plaisir !

Se fixer des objectifs

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Comme beaucoup d’entre vous le savent déjà, j’offre des services de coaching personnel depuis 2016, et j’ai pu observer des percées étonnantes avec mes clients. À chaque fois, il est préférable d’entamer une conversation pour connaître les objectifs qu’ils se sont fixés. Dans de nombreux cas, je les aide à voir la situation dans son ensemble et à trouver des moyens d’atteindre ces objectifs d’une manière très personnelle et unique à chacun d’entre eux.

Il y a beaucoup de mythes qui circulent à propos de la musique, ce qui n’aide vraiment pas les producteurs. J’estime qu’il est important de démystifier la désinformation et de partager à l’appui les objectifs les plus courants de la part de mes clients.

Les deux objectifs les plus courants que j’entends sont :
Je veux devenir un producteur connu et être signé sur plusieurs labels.
Je veux devenir assez respecté pour pouvoir tourner.

LE BUT D’OFFRIR MON SERVICE DE COACHING EST D’AIDER LES GENS À ALLER DE LÀ OÙ ILS SONT MAINTENANT, JUSQU’À CE QU’ILS VEULENT ÊTRE DANS LE FUTUR.

Avoir quelqu’un pour vous pousser de façon créative peut faire toute la différence, alors autant penser grand, n’est-ce pas ? Les grands objectifs exigeront souvent de grands changements, et je veux partager ma stratégie pour atteindre les objectifs de mes clients, qu’ils ne s’imaginaient pas atteindre d’eux-mêmes.

Une fois que vous vous êtes fixé un objectif, vous devez imaginer travailler en sens inverse pour déterminer tous les petits pas que vous devrez faire pour y arriver. Le truc, le travail acharné vous gardera concentré sur l’atteinte de vos objectifs, mais de temps en temps, des forces hors de votre contrôle feront une grande différence. L’une étant connue sous le nom de chance.

Il y a beaucoup de choses que vous ne pouvez pas contrôler dans votre quête pour devenir un producteur connu, principalement parce que se faire connaître implique que vous avez été au bon endroit, au bon moment. Même une tentative de reproduire pas à pas les actions d’un autre artiste qui a atteint un certain niveau de succès ne signifie pas que ces actions fonctionneront pour vous.

Il est très courant pour les artistes d’essayer de reproduire ce que d’autres avant lui ont fait, ce qui peut bien sûr fonctionner. Mais le résultat le plus probable sera d’être connu comme quelqu’un sans originalité si vous suivez les étapes de quelqu’un de près.

PENSER LARGE ET À LONG TERME, C’EST TRÈS BIEN ET CELA METTRA VOTRE VISION À L’ÉPREUVE, MAIS SOUVENT, PENSER TROP LOIN VOUS DISTRAIT DE CE QUI DOIT ÊTRE MIS EN MOUVEMENT À COURT TERME.

La vérité est que, où que vous vouliez aller en musique, vous devez d’abord produire une tonne de morceaux et trouver votre chemin dans ce processus. Bonus : (manière infaillible de savoir si vos pistes sonnent bien, traduction bientôt disponible.

Maintenant, l’un des objectifs les plus courants que j’amène les gens à se fixer est de commencer à compléter une piste par semaine. Leur principal ennemi dans ce processus est de s’attacher à l’endroit où la piste se terminera. On peut dire sans risque que nous espérons tous que notre musique attirera l’attention, sera jouée, sera signée, mais ces points sont souvent incontrôlables. Bonus : façons simples pour créer plusieurs pistes à partir d’une seule idée, traduction bientôt disponible.

Être signé, entendu ou joué dans des clubs ne devrait pas être votre destination finale, c’est simplement une étape dans chaque processus grandissant de votre vie de musicien. La preuve en est que la musique de mauvaise qualité peut souvent attirer beaucoup d’attention alors que certains morceaux fantastiques sont ignorés. Pourquoi ?

Cela m’amène au deuxième objectif le plus important vers lequel je travaille généralement et dont on parle souvent sur mon blogue : le développement de votre réseau. À mon avis, d’une façon ou d’une autre, tout se résume à cela. TELLEMENT plus que votre matériel, ou le nombre de remixes à votre actif. Le support sur lequel vous pouvez vraiment compter, ce sont les gens autour de vous à long terme. Votre réseau peut vous aider à accomplir du travail audacieux et de grandes choses, à vous surpasser, à grandir grâce à la collaboration et à l’inspiration.

À l’ère du numérique, de nombreuses personnes sont devenues moins sociales, ce qui peut rendre plus difficiles les sorties et les rencontres avec de nouvelles personnes. Je comprends ça. Pourtant, le fait de ne pas faire partie d’un réseau solide ne signifie pas que vous ne créerez pas de la bonne musique, cela signifie simplement que sans ce soutien, vous ne serez peut-être pas poussé à créer votre meilleure musique.

Enfin, trouver votre chemin concerne ce que vous voulez vraiment. Cela peut vous venir de deux façons : savoir ce que vous aimez, ce que vous aimez faire et ce que vous faites magnifiquement bien. Que vous le croyiez ou non, tout le monde a un talent, et grâce au travail et à la pratique, ce talent peut être reconnu dans le monde entier. Alors, quel est le vôtre ? Certaines personnes sont étonnantes dans la création d’arrangements dynamiques, d’autres dans la gestion d’un label. Lorsque vous pouvez relier ce que vous faites naturellement bien avec ce que vous aimez faire, vous entrerez dans une zone de flux où vous pourrez accomplir de grandes choses.

Ma destination en tant que coach est cette zone. C’est là où je veux conduire les gens. Je trouve beaucoup de réconfort à voir mes clients atteindre ce point, car cela crée vraiment une plénitude et récompense le travail qu’ils créent, ainsi que mon rôle dans le partenariat.

En fin de compte, est-ce que j’essaie de les détourner de leur objectif initial de signer sur des labels et de faire des tournées ? Non, pas du tout. Ce qui est vrai, c’est que je les prépare à y arriver en me concentrant sur la seule chose qu’ils peuvent contrôler eux-mêmes : leur croissance personnelle. Tourner et signer, cela implique d’être en contrôle de son art, de faire partie d’un réseau sain et fort, et de trouver un flow et une confiance en soi en tant qu’artiste.

 

Voir aussi : Make Your Music Bucket List Happen (Traduction bientôt disponible)