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Leçons de coaching en musique électronique

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Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

  • Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
  • Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
  • D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
  • Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

  • Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
  • Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
  • Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
  • Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
  • Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

  • L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
  • Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
  • Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
  • Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
  • Ses attentes sont très élevées.
  • La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
  • Ils voient la musique de manière hiérarchique.

 

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

Bob Ross would have been great at electronic music coaching.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment communiquer avec un ingénieur du son?

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how to communicate with audio engineer photoJ’aime travailler avec des artistes non établis. C’est la raison même du Pheek’s Coaching Corner, et c’est pourquoi je propose mes services à un prix raisonnable. Travailler avec de nouveaux artistes est très enrichissant, car je trouve que les premières œuvres des artistes sont souvent les plus créatives et les plus brutes. C’est chez ces musiciens que l’on trouve des choses qui peuvent être considérées comme originales, présentant les vestiges d’un genre entièrement nouveau. C’est ce point d’équilibre qui existe avant qu’ils ne dérivent de leur propre travail, avant qu’ils ne se tournent vers un style socialement plus acceptable. Cependant, non établi signifie généralement inexpérimenté dans le reste de l’industrie de la musique. Il y a certaines choses que les artistes et les ingénieurs doivent comprendre lorsqu’ils travaillent ensemble, simplifiées par une bonne communication. Si vous êtes capable de traduire les choses dans une langue que l’ingénieur comprend, votre expérience sera beaucoup plus agréable. Dans ce guide, je vous donnerai des conseils, des astuces et des méthodes pour rendre ce processus aussi fluide que possible. Voici donc comment communiquer avec un ingénieur du son.

Tout d’abord, il est nécessaire d’exposer ce que fait et ne fait pas un ingénieur du son chargé du mixage et du mastering.

 

CE QUE PEUT FAIRE UN INGÉNIEUR DU SON

1. SON TRAVAIL CONSISTE À SIMPLIFIER ET À SERVIR DE MÉDIATEUR

Les gens viennent chez quelqu’un comme moi soit pour obtenir des conseils, soit pour avoir accès à un ensemble d’outils dans lequel ils n’investiraient pas autrement. Je dispose d’un certain nombre de plug-ins et de matériel qui permettent de s’assurer que les choses sonnent bien et se traduisent bien sur le plus grand nombre de supports possible. De plus, j’ai accès à des outils de création dont les artistes ignorent peut-être l’existence, mais qui pourraient s’appliquer à leur son.

De plus, les artistes viennent me voir pour obtenir des conseils sur la manière d’utiliser leur son. Ont-ils besoin d’éléments supplémentaires pour atteindre leurs objectifs? Ont-ils un blocage d’écriture, ou leurs compétences les limitent dans ce qu’ils veulent faire ensuite? C’est mon travail de trouver des ressources qui les aideront à atteindre leurs objectifs. Ces ressources sont un sujet que j’aborderai plus loin dans cet article.

2. SON TRAVAIL CONSISTE À COMPRENDRE LE GENRE AVEC LEQUEL ILS TRAVAILLENT

how to communicate with audio engineer

Tous les genres ne sont pas les mêmes et nécessitent un équipement différent. Si vous deviez enregistrer un disque de cow-boy du Far West, ce n’est probablement pas la meilleure idée de se tourner vers un producteur de micro house. Cependant, des groupes de rock sont venus me voir parce qu’ils voulaient que l’essence de leur album soit électronique, tout en restant un album de rock.

Si vous venez me voir en tant que producteur microhouse, c’est que je suis dans ce genre depuis un certain temps et que j’ai beaucoup de ressources à ma disposition. Il m’est donc facile de les exploiter et de trouver des références ou de communiquer avec d’autres artistes qui ont des astuces pour vous aider à porter votre morceau au niveau supérieur.

Cette compréhension du genre me permet de faire de l’ingénierie inverse sur certains aspects de la musique et de l’appliquer à votre morceau. Vous avez un problème avec la simulation d’un certain effet de texture que vous avez entendu sur une piste microhouse? Il y a de fortes chances que je sache comment s’en approcher avec les ressources et l’expérience que j’ai.

De plus, nous savons comment contrôler des choses comme les basses fréquences si vous créez une chanson destinée au club. N’oubliez pas qu’il y aura une compétition entre les fréquences communes d’une autre chanson, comme le kick ou le hi-hat. Il est bon de savoir comment modérer ces choses pour un environnement de club, et c’est là que les ingénieurs entrent en jeu.

 

3. LES INGÉNIEURS DU SON COMPRENNENT LES ASPECTS TECHNIQUES D’UNE SORTIE

Savez-vous à combien de LUFS doit se situer le volume sonore d’une piste exportée en sortie du limiteur pour être correctement normalisée sur Spotify? Et pourquoi pas SoundCloud ou Beatport? Chaque plateforme a des variations de volume différentes dans son codec, et souvent, si vos morceaux ne sont pas téléchargés en tenant compte de ces normes, il peut y avoir des problèmes de traduction. C’est là qu’interviennent les ingénieurs du son. Nous comprenons ces choses ennuyeuses et non créatives et nous savons comment les réaliser dans le mixage et le master, afin que vous puissiez vous concentrer sur votre créativité. Mais si vous voulez apprendre, nous pouvons aussi jouer le rôle d’instructeur.

4. NOUS AIDONS À METTRE L’ACCENT SUR LES MEILLEURES PARTIES

Disons que vous avez un élément plus faible dans votre morceau. Nous pouvons le reconnaître, et aider à le faire ressortir dans le mix, ou même ajouter des éléments qui l’aideront à mieux passer à la partie suivante de la chanson.

 

CE QU’UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS FAIRE

1. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS PLAIRE À TOUT LE MONDE

La perception est la réalité, et certaines personnes ont une perception différente de ce que les choses sont censées être. Surtout lorsqu’il s’agit de leur art. Avec l’audio, les producteurs sont vraiment attachés à leurs sons, pensant qu’ils devraient être spécifiquement à cet endroit du mix, alors qu’en réalité, cela ne se traduira probablement pas comme ils le voudraient. Cela peut venir du fait d’entendre ce son encore et encore dans une pièce particulière, ou sur un support d’écoute pendant la création. Cependant, dans une pièce bien traitée, avec un équipement calibré, ou à l’inverse, dans un club avec un bon ou un mauvais système de sonorisation, il se peut que le son ne se traduise pas exactement comme vous l’aviez prévu. Certaines personnes sont plus judicieuses à ce sujet, et acceptent la réalité. Cependant, d’autres ne peuvent tout simplement pas être satisfaites.

C’est pourquoi j’adopte l’approche selon laquelle il vaut mieux endommager le moins possible un morceau, tout en laissant les fréquences respirer correctement, et le traduire sur le support sur lequel l’artiste imagine qu’il sera écouté.

C’est pourquoi il est important de savoir comment communiquer avec l’ingénieur du son, afin que nous puissions tous deux parvenir à une compréhension mutuelle grâce aux techniques dont je parlerai un peu plus loin.

 

2. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT JAMAIS DIRE CE QUI SONNE BIEN ET CE QUI NE SONNE PAS BIEN, ARTISTIQUEMENT

Pour développer l’idée d’endommager le moins possible un morceau, il faut noter que, comme tout autre art, la musique et le son sont subjectifs. Bien sûr, il y a de bonnes pratiques pour traduire quelque chose, et le téléverser correctement sur des plateformes, mais en ce qui concerne le timbre et l’esthétique d’un son, c’est absolument subjectif. Il y a une raison pour laquelle les admirateurs de techno ne peuvent pas être d’accord sur le fait que toute la techno est bonne, même si c’est le même genre. Là où tout le reste est identique, c’est le degré sonore qui définit en fin de compte une chanson.

Ce n’est pas pour rien que certains préfèrent les cris frénétiques et les lignes de basse martelantes du SH101 de Nitzer Ebb aux douces rêveries de John Prine. En fait, ils peuvent détester John Prine, et les admirateurs de John Prine peuvent détester Nitzer Ebb. Cela signifie-t-il que l’un est meilleur que l’autre? Non, parce que nos réalités sont subjectives.

C’est mon travail de vous aider à obtenir le son que vous désirez réellement, en utilisant des références à d’autres morceaux, ou en ayant une communication claire et simple.

Cependant, il faut noter que nous savons ce qui sonne bien, techniquement. Par exemple, si vous faites de la musique pop, ou si les gens écoutent votre musique (alternative ou pop), ils aiment les médiums, parce que les médiums se traduisent mieux sur les systèmes de haut-parleurs courants, et les écouteurs. Il y a de fortes chances que si vous soumettez votre morceau sur un blogue, il ne sera pas écouté sur un système de sonorisation : il peut être écouté sur un téléphone, allongé sur le lit, et donc riche en médiums.

3. FOURNIR UNE CRITIQUE SANS AVOIR DE SOLUTION

Le talent est subjectif. Il en va de même si quelque chose semble bon. Par conséquent, si un ingénieur donne un avis ou dit que quelque chose pourrait être mieux, il est de son devoir professionnel d’avoir un moyen de l’arranger. C’est pour cela que nous sommes engagés. Cependant, si vous ne recherchez pas ce genre de retour d’information, il est bon que ce rôle soit clairement défini à l’avance.

 

CONSEILS POUR COMMUNIQUER AVEC UN INGÉNIEUR DU SON

1. GARDER LES CHOSES SIMPLES

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Les ingénieurs comprennent que les artistes ont beaucoup de choses à dire sur leur travail et qu’ils peuvent utiliser un langage poétique pour le communiquer. Et cette prose conduit parfois à l’élaboration. Cependant, il existe un dicton dans le domaine de la vente, appelé K.I.S.S., qui signifie « Keep It Simple, Stupid » (« Garde ça simple, idiot », dans le sens de « ne complique pas les choses »). C’est parce que les gens comprennent les choses si elles sont simplifiées. Pas besoin d’être technique, ou d’élaborer. Il suffit de dire ce que vous voulez dire. Un bon moyen de communiquer facilement est de donner des exemples de choses qui existent déjà. Soyons réalistes, rien n’est nouveau sous le soleil, donc si nous pouvons identifier l’origine de cette idée, alors peut-être qu’elle peut être recréée, avec un épanouissement qui la fera vôtre.

Pas besoin d’écrire une page entière de texte. Au lieu de cela, il suffit de rester simple. N’utilisez pas non plus de mots vagues comme « Je veux que ça sonne bien ». Cela ne veut rien dire, et c’est subjectif. Ce qui m’amène à mon prochain point…

2. FOURNIR DES RÉFÉRENCES

Pour compléter ce que j’ai dit plus tôt, nous empruntons tous des idées. Même si votre track emprunte beaucoup d’idées différentes et crée quelque chose de nouveau, si vous réfléchissez bien, vous pouvez trouver des morceaux qui donnent le sentiment que vous recherchez, qui peuvent donner des indices sur les fréquences, et maîtriser les caractéristiques que vous voulez égaler.

Les références n’ont pas non plus besoin d’être sonores, elles peuvent être culturelles. Disons que vous imaginez que votre chanson sera jouée en after-hours. Cela signifie que la chanson sera probablement jouée dans un endroit peu fréquenté, ou dans un lieu long et étroit qui n’est pas habituellement utilisé pour la musique. Cela nécessite un mixage spécifique et un prémastering pour exprimer correctement tout son potentiel.

De plus, il y a des moments où l’on crée quelque chose qui n’existe pas. Je ne peux pas savoir comment créer quelque chose s’il n’y a pas de référence, alors ne demandez pas cela, car il est impossible de le savoir sans d’interminables ajustements.

3. CONTACTEZ-NOUS AVANT D’ACHETER

C’est vrai surtout si vous avez des doutes. Vous n’engageriez pas quelqu’un sans l’avoir testé normalement, alors pourquoi cela serait-il différent? Si vous avez une chanson qui, selon vous, pourrait correspondre à mon esthétique, mais pas tout à fait, alors laissez-moi l’écouter, et je vous ferai savoir si je pense qu’elle vaut la peine d’être travaillée. Croyez-moi, je ne veux pas travailler sur des projets inutilement difficiles, comme vous ne le faites pas.

Vous seriez surpris de voir sur quels projets j’ai travaillé. Par exemple, même si je fais de la musique « underground », j’ai travaillé sur un projet EDM, parce que le producteur aimait que je ne sonne pas EDM.

4.CONNAÎTRE QUELQUES TERMES DE BASE

En tant que producteurs, beaucoup ont au moins quelques connaissances de base sur le spectre de l’ingénierie du son. La plupart savent ce que sont les égaliseurs et les compresseurs, ainsi que la réverbération ou le délai. Ils savent également ce que signifient mono et stéréo. Cependant, il peut y avoir des choses plus spécifiques qu’ils ne connaissent pas, par exemple la différence entre un master transparent et un master coloré. Un master transparent est un mixage dont vous êtes satisfait, mais vous voulez que tout soit bien équilibré. Un master coloré est un mix dont vous n’êtes pas totalement satisfait, et pour lequel vous souhaitez ajouter des textures et d’autres éléments, tels que la compression et la saturation, afin de faire ressortir de nouveaux éléments. En d’autres termes, cela ne vous dérange pas que les choses soient modifiées.

LES AUTRES TERMES COURAMMENT UTILISÉS DANS LES STUDIOS POUR DÉCRIRE LES FRÉQUENCES SONT :

Muddy (Boueux) : Trop de basses.

Boxy : Trop de médiums.

Tinny : Les médiums supérieurs ou les aigus inférieurs ont besoin d’être réduits.

Bright (Brillant) : Semblable à « Tinny ».

Airy (Aéré) : Les hautes fréquences. Celles qui peuvent briser le verre.

Warm (Chaud) : Réduire les aigus ou augmenter les basses fréquences pour donner une sensation de chaleur.

5. NE PAS FAIRE DE LA MICROGESTION

Vous détestez la microgestion au travail? Eh bien, tout le monde la déteste aussi. En faisant de la microgestion, vous vous détournez du travail qui pourrait être fait sur votre projet en indiquant des choses que l’ingénieur reconnaît, mais qui ne doivent pas être faites, ou qui ne sont peut-être même pas nécessaires une fois qu’un autre processus sera fait. Nous sommes des professionnels ; soyons professionnels.

 

Conclusion :

Tout compte fait, si vous apprenez à communiquer correctement avec l’ingénieur du son, vous vous améliorez dans ce que vous faites, parce que vous poursuivez votre formation en comprenant les termes. En outre, vous devenez plus facile à travailler avec et, à un niveau professionnel, un travail facile peut vous mener loin.

Cet ensemble de compétences vous aidera également dans d’autres entreprises artistiques, telles que la collaboration musicale à distance, ou la réalisation de projets DAW collaboratifs, ou même de projets DAW collaboratifs en ligne.

Nous espérons que ce guide s’avérera utile pour aider les artistes à communiquer avec les ingénieurs du son. Comme dans la plupart des choses dans la vie, une communication solide, signifie une expérience solide.

 

Supprimer toutes vos tracks et vendre votre matériel.

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Depuis le tout début, je me souviens de nombreuses fois où j’ai remis en question mes capacités en tant que producteur de musique. Me sentir coincé sur un projet ou faire face aux retours négatifs d’un titre dont j’étais fier m’a fait me demander si je n’étais pas dans une impasse musicale. Parfois, il ne faut pas grand-chose pour envisager de tout débrancher et tout ranger pour de bon. Plusieurs de mes collègues ont des histoires similaires, et j’ai vu plus d’une fois des gens se demander s’ils allaient supprimer toutes leurs tracks et vendre tout leur matériel.

Des hauts et des bas. Il existe une multitude de recherches qui confirment le fait que faire de la musique peut produire une dose massive de satisfaction, un high similaire à l’effet des drogues ou au rush d’un entraînement intense. Le frisson après avoir terminé une piste est énorme, mais en revanche, lorsque les choses ne fonctionnent pas, cela peut être déprimant. Parfois, on a l’impression de vivre dans un état de misère constante. Notre point de vue régit souvent nos humeurs et, avec un petit quelque chose, il peut passer très rapidement de maussade à positif.

J’ai passé beaucoup de temps à lire les commentaires de groupes Facebook de gens qui flirtent avec l’idée de vendre leur matériel et de tout arrêter. Du côté numérique, j’entends parler d’effacer des disques durs entiers remplis de pistes raw, et je pense au travail acharné et au temps qu’ils ont investi dans des projets qui ne seront jamais achevés. Ils estiment que le travail n’en vaut tout simplement pas la peine. Si souvent, le sentiment d’excitation et d’énergie de l’écoute de notre prochaine meilleure track peut être remplacé par la frustration et le doute de soi lorsqu’on la stocke avec toutes les autres inachevées. Une autre idée géniale qui va rester telle quelle, une idée incomplète, jamais entendue. Retour à la case départ. Encore une fois.

UNE DE MES RÈGLES PERSONNELLES EST DE NE JAMAIS EFFACER UN PROJET OU UN SAMPLE. JE NE LE FERAI PAS, C’EST TOUT. 0% DE CHANCE.

Je crois que les principaux ennemis qui modifient notre jugement sont la surexposition et les réactions adverses. Si je travaille sur un projet qui ne se réalise tout simplement pas, je me rappelle qu’il faut simplement le ranger et y revenir après un certain temps. Une fois rouvert et écouté avec une nouvelle perspective, vous trouverez probablement quelque chose qui vous inspire ou, à tout le moins, quelque chose dont vous pouvez vous débarrasser immédiatement. En tant qu’artistes, nous changeons sans cesse. L’artiste que vous serez dans un an pourrait aimer ou non ce que vous produisez en ce moment. En gardant vos projets inachevés en lieu sûr, vous investissez dans votre temps et vos talents pour demain plutôt que de jeter ce qui vous frustre aujourd’hui.

Conseil : Cela peut sembler idiot, mais si vous ne vous sentez pas à l’aise avec la musique, essayez simplement de dire : « Pour le moment, je n’ai pas envie de faire de la musique. » Insistez sur « pour le moment », car cela enlève l’idée que votre état d’esprit est permanent.

Dans des articles précédents, j’ai longuement parlé de l’avantage de planter des graines, de créer un projet principal où toutes vos idées peuvent être récupérées et utilisées comme tremplin vers quelque chose de grand avec un effort minimum. L’avantage d’avoir une bibliothèque de sons et d’outils sur mesure, prêts à tout moment, est énorme parce que l’impulsion du moment est essentielle pour compléter vos pistes.

Une chose courante est la recherche d’un vieux matériel pour obtenir un son particulier. À un moment donné, il est naturel d’avoir l’impression d’avoir dépassé les limites de votre équipement et d’être sûr que l’achat d’équipement neuf résoudra le problème. Nous sommes constamment tentés par de nouveaux produits et outils qui promettent de résoudre nos problèmes et de rendre tout cela plus facile. Même après avoir acheté du nouveau matériel, nous ne prenons pas toujours le temps de vraiment les examiner. Combien de fois nous demandons-nous ce que nous devons vraiment réparer ? Est-ce que l’équipement peut résoudre ce problème ? Il est certain que les médias et le marketing se posent la question ! Mais la prochaine fois que nous échouerons, il y aura encore un autre outil indispensable, parce que cet outil…. mec il va vraiment faire la différence.

Conseil : Certains équipements peuvent être loués. Si vous pouvez tester ce que vous voulez, cela peut être vraiment utile.

PRENEZ UNE MINUTE POUR RÉFLÉCHIR À VOS OBJECTIFS AVANT DE FAIRE UN AUTRE INVESTISSEMENT.

Pour vraiment passer à autre chose en tant que producteur, le meilleur investissement personnel auquel je puisse penser est de simplement finir quelque chose, n’importe quoi. Je crois que la suppression de vos pistes renforce votre incapacité à terminer ce que vous avez commencé, et n’apporte rien de bon. Vous n’avez certainement pas plus d’avance en tant que producteur, et vous n’aurez jamais rien à montrer sans avoir terminé vos projets.

Prenez un moment pour examiner vos progrès ou votre manque de progrès. Où est-ce que vous êtes coincé ? Jusqu’où progressez-vous dans la track ? Êtes-vous limités par votre conception sonore ou est-ce que vous bloquez dans l’arrangement ? Trouvez votre faiblesse et tracez un cercle autour de celle-ci avec un grand stylo rouge. C’est votre problème. C’est la partie difficile pour vous. Rien de ce que vous pourrez acheter ne résoudra ce problème. Ce qui est bien, c’est que maintenant que vous savez où vous bloquez, vous pouvez travailler sur comment l’améliorer.

YouTube. Hallelujah. Peu importe ce que vous cherchez, je vous promets qu’il y aura une vidéo pour vous aider à surmonter votre problème. Ne restez pas bloqué indéfiniment en regardant des vidéos qui, quelques heures plus tard, glissent vers sujet totalement différent (ça arrive souvent). Aussi, pour conclure, voici un conseil de production que j’adore faire : à la fin d’une session, exportez tout ce que vous avez, puis stockez ceci dans le dossier de la production. Faites systématiquement « réunir et sauvegarder », il peut s’agir d’une boucle de 30 secondes, les arrangements que vous avez en cours, ou même exporter toutes les stems de votre session. Ceci est extrêmement utile pour d’anciens projets, mais aussi pour ouvrir un projet vierge, puis importer plusieurs bounces et les utiliser immédiatement. Cette astuce a été si réellement utile pour mes albums précédents !

 

Voir aussi : Terminer vos projets.

8 erreurs courantes de mix et production audio

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Depuis le lancement de mon label et après des années à recevoir un grand nombre de démos et d’artistes, j’ai remarqué que la plupart du temps, les nouveaux producteurs et musiciens font le même genre d’erreurs lorsqu’ils sont au début de leurs années de production audio. Quand j’ai commencé mon studio à plein temps, j’ai aussi remarqué que j’avais — pour la plupart — les mêmes questions et frustrations au sujet de la production audio sur une base régulière. Cet article présente une liste des erreurs de mix les plus courantes et des erreurs générales que les musiciens commettent lorsqu’ils commencent à jouer.

LES ERREURS LES PLUS COURANTES QUE JE VOIS DE LA PART DES MUSICIENS EN CE QUI CONCERNE LE MIXAGE ET LA PRODUCTION AUDIO :

NE PAS INVESTIR DANS DE BONS MONITEURS (HAUT-PARLEURS, ÉCOUTEURS).

C’est une des choses les plus importantes. Vous dépendez de ce que vous entendez pour obtenir des résultats de qualité. C’est toujours un peu déroutant pour moi, que certaines personnes ayant un monitoring médiocre espèrent rivaliser avec des artistes qui ont tant investi dans un studio professionnel. Si vous n’entendez pas ce que vous faites, c’est un peu comme travailler à l’aveugle et les résultats sur de bons systèmes sonores seront catastrophiques. Tant de gens vont tester la musique dans leur voiture pour voir si elle est bien faite, ce qui est en quelque sorte correct, mais pas productif.

Ce que je suggère, c’est d’essayer de passer un après-midi à écouter de la musique que vous connaissez sur différents haut-parleurs. N’investissez pas dans des moniteurs bon marché parce que c’est tout ce que vous pouvez vous permettre. Cela vous causera de nombreux problèmes en cours de route. Faites confiance à vos oreilles.

UN MANQUE DE RÉFÉRENCES

Vous ne pouvez pas produire de la musique de qualité si vous n’avez pas été exposé à de la musique de qualité. Cela signifie que vous devez avoir en votre possession une grande bibliothèque de musique pour écouter, mais aussi pour passer autant de temps à écouter de la musique qu’à la produire. Plus vous vous immergez dans une musique qui sonne bien, plus vos oreilles se familiarisent avec la façon dont les choses doivent sonner. Cela peut signifier écouter des vinyles ou des fichiers .wav de bonne qualité.

Ce que je suggère, c’est d’avoir des sessions régulières d’écoute, de manière attentive ou en fond sonore. Les deux sont importants. Faites une liste de lecture sur Spotify ou sur votre ordinateur, de musique que vous connaissez bien et entraînez vos oreilles à connaître cette musique dans ses moindres détails.

FAIRE TROP SOUVENT DES COMPARAISONS AVEC DES MUSICIENS PROFESSIONNELS

C’est l’inconvénient du référencement, car il peut vous jouer des tours. Je connais des gens qui ont des goûts étonnamment bons en musique et qui veulent commencer à produire, mais lorsqu’ils commencent à voir le travail qui les attend, ils deviennent vite frustrés. Si vous vous comparez à un artiste qui tourne depuis 20 ans, il y a de fortes chances que vous vous prépariez pour une défaite.

Ce que je suggère, c’est de se concentrer davantage sur l’expérience de faire de la musique que sur le résultat, au début.

PENSER QU’IL EST FACILE DE FAIRE DE LA MUSIQUE

On ne peut blâmer personne d’autre que la culture générale qui dit depuis des années que « faire de la musique électronique », c’est « appuyer sur quelques boutons ». Les gens voient un DJ avec les poings en l’air et ils pensent « Je pourrais faire ça…. ». Cet état d’esprit vous donnera un réveil brutal quand vous commencerez à travailler dans un DAW et à plonger dans la conception sonore. La musique électronique n’exige pas les mêmes compétences que le piano, mais elle sera exigeante en termes de détails techniques. Il y a tellement de possibilités que vous pouvez devenir fou en essayant de savoir par où commencer. Malheureusement, beaucoup de gens s’en rendent compte et deviennent déprimés.

Ce que je suggère avant de plonger dans la production musicale, c’est d’essayer de se lier d’amitié avec un producteur et de passer du temps en studio pour voir si vous appréciez vraiment cela. Regardez des vidéos sur la création musicale pour voir si vous voulez vous lancer également.

INVESTIR TROP, TROP VITE

Je pense au gars qui décide un jour de faire de la musique et qui revient à la maison avec 5000 $ d’équipement sans savoir s’il l’aime ou s’il sait ce dont il a besoin. Voyez d’abord ce que vous aimez faire, puis investissez autour de cela. La production musicale a tellement de dimensions différentes qu’il est important de connaître votre tasse de thé. Le DJing ? Vous aimez les synthés ? La conception sonore ? Faire des boucles ? Il y a des pièces d’équipement dont vous avez besoin en premier, comme je l’ai expliqué dans un article précédent, mais vous n’avez sûrement pas besoin de tout ce que vos amis vous diront d’acheter.

Ce que je suggère a été écrit dans un article précédent sur ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer. On me demande souvent ce dont vous avez besoin pour commencer à faire de la musique : un ordinateur portable et un casque d’écoute, c’est tout ce dont vous avez besoin au début. Construisez autour de ça.

LA RECHERCHE DU « SUCCÈS » AVANT D’ACQUÉRIR LES COMPÉTENCES

C’est un classique. Savoir ce que l’on aime est une chose, savoir ce que l’on fait le mieux en est une autre. Nous avons tous certaines compétences qui semblent naturelles et qu’il faut parfois explorer pour toutes les découvrir. Planifier sa carrière de DJ sans avoir fait quelques gigs et releases, c’est prendre un peu d’avance sur soi-même. Prenez votre temps, appréciez le plaisir de faire de la musique et le succès pourrait venir sur la route. La recherche du succès peut être comme poursuivre un mirage.
Ce que je suggère, c’est de se concentrer sur l’amour de faire de la musique avant toute autre chose. J’encourage souvent les gens à commencer avec peu de choses comme faire de la musique pour des amis ou partager avec des DJs locaux. Si vous construisez un réseau de 5 à 10 personnes, c’est suffisant pour construire lentement votre confiance en vous-même et finalement émerger au bon moment.

UN MANQUE DE PATIENCE

Faire des sons et de la musique de qualité, c’est comme brasser du vin ou de la bière : cela demande du temps, de la patience et une sorte d’isolement personnel pendant un certain temps. Il est important de vous empêcher de partager votre travail avec le monde entier avant qu’il ne soit vraiment terminé. Le maitre mot dans la production musicale est la patience et c’est la même chose pour tous ceux qui veulent passer à un autre niveau.

TECHNIQUES DE PRODUCTION AUDIO INADAPTÉES

Si nous parlons de technologie, ce sont des choses que je trouve toujours dans le travail des nouveaux producteurs. Vous pouvez peut-être commencer à changer vos techniques si vous vous reconnaissez dans cette liste.

  • Un manque de samples de qualité.
  • Ne pas utiliser d’EQs/compression. Celui-ci me surprend toujours.
  • Utiliser trop d’instances d’un effet au lieu d’utiliser les Sends/AUX.
  • Ne pas utiliser au moins un EQ or compresseur de très bonne qualité. Ils font vraiment une différence.
  • Ne pas utiliser de plug-in de channel strips dans le DAW.
  • Pas de mono pour la basses ou quoi que ce soit en dessous de 130hz..
  • Ne pas utiliser de swing/grooves.
  • Être à côté la plaque avec la saturation. Soit il n’y en a pas du tout, soit avec des outils qui ne font pas le travail. Obtenez-en une gratuitement pour avoir un bon kit de départ.
  • Manque de postproduction sur les sons. Chaque fois que vous pensez en avoir fini avec une chanson, vous vous rendez compte qu’il y a un certain nombre de détails que vous avez négligés. La route semble souvent sans fin…. parce qu’elle l’est.
  • Couper le kick trop souvent dans une piste. Cela tue l’énergie, surtout si vous avez de longues pauses sans kick.
  • Ne pas laisser aller les choses. Parfois, une simple idée peut porter une piste pendant un certain temps, mais vous devrez laisser les gens s’enfoncer dans leur esprit, alors pour ce faire, vous devez avoir confiance en ce que vous faites et laisser-aller. Trop souvent, les nouveaux arrivants craignent que l’auditeur s’ennuie et ils continuent d’ajouter ou de changer des choses.

Vous pouvez aussi demander de l’aide et je mettrai à jour cette liste avec plaisir !

Se fixer des objectifs

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Comme beaucoup d’entre vous le savent déjà, j’offre des services de coaching personnel depuis 2016, et j’ai pu observer des percées étonnantes avec mes clients. À chaque fois, il est préférable d’entamer une conversation pour connaître les objectifs qu’ils se sont fixés. Dans de nombreux cas, je les aide à voir la situation dans son ensemble et à trouver des moyens d’atteindre ces objectifs d’une manière très personnelle et unique à chacun d’entre eux.

Il y a beaucoup de mythes qui circulent à propos de la musique, ce qui n’aide vraiment pas les producteurs. J’estime qu’il est important de démystifier la désinformation et de partager à l’appui les objectifs les plus courants de la part de mes clients.

Les deux objectifs les plus courants que j’entends sont :
Je veux devenir un producteur connu et être signé sur plusieurs labels.
Je veux devenir assez respecté pour pouvoir tourner.

LE BUT D’OFFRIR MON SERVICE DE COACHING EST D’AIDER LES GENS À ALLER DE LÀ OÙ ILS SONT MAINTENANT, JUSQU’À CE QU’ILS VEULENT ÊTRE DANS LE FUTUR.

Avoir quelqu’un pour vous pousser de façon créative peut faire toute la différence, alors autant penser grand, n’est-ce pas ? Les grands objectifs exigeront souvent de grands changements, et je veux partager ma stratégie pour atteindre les objectifs de mes clients, qu’ils ne s’imaginaient pas atteindre d’eux-mêmes.

Une fois que vous vous êtes fixé un objectif, vous devez imaginer travailler en sens inverse pour déterminer tous les petits pas que vous devrez faire pour y arriver. Le truc, le travail acharné vous gardera concentré sur l’atteinte de vos objectifs, mais de temps en temps, des forces hors de votre contrôle feront une grande différence. L’une étant connue sous le nom de chance.

Il y a beaucoup de choses que vous ne pouvez pas contrôler dans votre quête pour devenir un producteur connu, principalement parce que se faire connaître implique que vous avez été au bon endroit, au bon moment. Même une tentative de reproduire pas à pas les actions d’un autre artiste qui a atteint un certain niveau de succès ne signifie pas que ces actions fonctionneront pour vous.

Il est très courant pour les artistes d’essayer de reproduire ce que d’autres avant lui ont fait, ce qui peut bien sûr fonctionner. Mais le résultat le plus probable sera d’être connu comme quelqu’un sans originalité si vous suivez les étapes de quelqu’un de près.

PENSER LARGE ET À LONG TERME, C’EST TRÈS BIEN ET CELA METTRA VOTRE VISION À L’ÉPREUVE, MAIS SOUVENT, PENSER TROP LOIN VOUS DISTRAIT DE CE QUI DOIT ÊTRE MIS EN MOUVEMENT À COURT TERME.

La vérité est que, où que vous vouliez aller en musique, vous devez d’abord produire une tonne de morceaux et trouver votre chemin dans ce processus. Bonus : (manière infaillible de savoir si vos pistes sonnent bien, traduction bientôt disponible.

Maintenant, l’un des objectifs les plus courants que j’amène les gens à se fixer est de commencer à compléter une piste par semaine. Leur principal ennemi dans ce processus est de s’attacher à l’endroit où la piste se terminera. On peut dire sans risque que nous espérons tous que notre musique attirera l’attention, sera jouée, sera signée, mais ces points sont souvent incontrôlables. Bonus : façons simples pour créer plusieurs pistes à partir d’une seule idée, traduction bientôt disponible.

Être signé, entendu ou joué dans des clubs ne devrait pas être votre destination finale, c’est simplement une étape dans chaque processus grandissant de votre vie de musicien. La preuve en est que la musique de mauvaise qualité peut souvent attirer beaucoup d’attention alors que certains morceaux fantastiques sont ignorés. Pourquoi ?

Cela m’amène au deuxième objectif le plus important vers lequel je travaille généralement et dont on parle souvent sur mon blogue : le développement de votre réseau. À mon avis, d’une façon ou d’une autre, tout se résume à cela. TELLEMENT plus que votre matériel, ou le nombre de remixes à votre actif. Le support sur lequel vous pouvez vraiment compter, ce sont les gens autour de vous à long terme. Votre réseau peut vous aider à accomplir du travail audacieux et de grandes choses, à vous surpasser, à grandir grâce à la collaboration et à l’inspiration.

À l’ère du numérique, de nombreuses personnes sont devenues moins sociales, ce qui peut rendre plus difficiles les sorties et les rencontres avec de nouvelles personnes. Je comprends ça. Pourtant, le fait de ne pas faire partie d’un réseau solide ne signifie pas que vous ne créerez pas de la bonne musique, cela signifie simplement que sans ce soutien, vous ne serez peut-être pas poussé à créer votre meilleure musique.

Enfin, trouver votre chemin concerne ce que vous voulez vraiment. Cela peut vous venir de deux façons : savoir ce que vous aimez, ce que vous aimez faire et ce que vous faites magnifiquement bien. Que vous le croyiez ou non, tout le monde a un talent, et grâce au travail et à la pratique, ce talent peut être reconnu dans le monde entier. Alors, quel est le vôtre ? Certaines personnes sont étonnantes dans la création d’arrangements dynamiques, d’autres dans la gestion d’un label. Lorsque vous pouvez relier ce que vous faites naturellement bien avec ce que vous aimez faire, vous entrerez dans une zone de flux où vous pourrez accomplir de grandes choses.

Ma destination en tant que coach est cette zone. C’est là où je veux conduire les gens. Je trouve beaucoup de réconfort à voir mes clients atteindre ce point, car cela crée vraiment une plénitude et récompense le travail qu’ils créent, ainsi que mon rôle dans le partenariat.

En fin de compte, est-ce que j’essaie de les détourner de leur objectif initial de signer sur des labels et de faire des tournées ? Non, pas du tout. Ce qui est vrai, c’est que je les prépare à y arriver en me concentrant sur la seule chose qu’ils peuvent contrôler eux-mêmes : leur croissance personnelle. Tourner et signer, cela implique d’être en contrôle de son art, de faire partie d’un réseau sain et fort, et de trouver un flow et une confiance en soi en tant qu’artiste.

 

Voir aussi : Make Your Music Bucket List Happen (Traduction bientôt disponible)

L’épuisement créatif dont personne ne parle

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Autour de 2008, alors que je revenais de chez le médecin, je me suis senti complètement perdu. Il m’a dit que je devais changer ce que je faisais parce que je me dirigeais tout droit vers l’épuisement créatif. À cette époque, dans ma carrière, j’avais pourtant l’impression d’être à mon apogée : je tournais, je sortais de la musique, je faisais des remixes, j’étais invité à de grands festivals et j’avais un emploi occasionnel à temps partiel comme professeur. Je n’avais pas à me plaindre : j’avais l’impression de vivre mon rêve.

Que se passait-il exactement ?

Avant de m’expliquer, je tiens à dire que cet article concerne ce que j’ai appris à la dure. Je parle d’une chose importante que personne ne vous dira :

Ce n’est pas parce que vous faites ce que vous aimez que vous êtes à l’abri de vos limites. C’est surtout parce qu’en faisant ce que vous aimez, vous pouvez oublier qu’il reste une forme de travail.

Quand tu fais ce que tu aimes, tu te sens invincible. Cela pourrait être lié à la sensation de flow, expliquée par Mihály Csíkszentmihályi, qui est un état dans lequel vous entrez lorsque vous créez ou devenez vraiment concentré. La musique, c’est de l’inspiration, et l’inspiration ne vient pas « quand on en a besoin », elle est simplement là ou non.

Comment reconnaissez-vous les signes annonciateurs d’un burnout ?

  • Négativité dans les discussions. Vous voyez-vous en train de parler négativement à vos amis ou sur les médias sociaux ? Il est intéressant de regarder une semaine de publications sur Facebook et de voir si vous avez été plus positif ou négatif.
  • Perte d’intérêt pour la musique ou tout ce que vous aimiez.
  • Désir d’annoncer que vous vous retirez (du DJing ou autre), que vous vendez tout votre matos, que vous supprimez des projets, que vous abandonnez.
  • Cynisme envers le monde de la musique, ce que vous faites, les autres qui font de la musique.
  • Jalousie, envie, découragement lorsqu’on fréquente d’autres artistes qui se débrouillent bien.

Notez si l’un de ces symptômes persiste.

Ces obstacles peuvent mener à l’épuisement professionnel :

SURMENAGE

Passer d’un emploi « normal » à temps plein à la transformation d’un passe-temps que vous aimez en emploi exige une courbe d’apprentissage assez abrupte. Il y a plusieurs choses à prendre en considération. L’argent dans la vie de l’artiste est la source d’un énorme stress. Non seulement vous ne pouvez pas prédire quand les choses vont fonctionner, mais lorsqu’elles fonctionnent, vous ne savez pas combien de temps ça va durer. Comme il n’y a pas de relation évidente entre le travail créatif que vous faites et ce que vous récoltez, il devient très facile de se surmener. Jumelez cela avec le plaisir de faire de la musique, et au début vous aurez l’impression d’avoir trop de temps sur les bras pour savoir quoi faire. Comme je l’ai décrit dans un article précédent sur le fait que passer beaucoup de temps en studio est contre-productif : vous pouvez facilement ruiner beaucoup de votre propre musique. Pendant les premières années où je faisais de la musique à temps plein, j’ai senti que je ne créais pas de la musique qui avait autant de sens que lorsque je travaillais et faisais de la musique sur le côté ; cette prise de conscience a changé ma façon de faire de la musique pour le mieux.

Dans mon cas, avec mon label (Archipel), le mastering, les tournées et tout le reste, je travaillais jusqu’à 60 heures par semaine. J’ai oublié de prendre soin de ma santé. Pas étonnant que je n’aie pas pu suivre le rythme après quelques années. Quand tu fais ce que tu aimes, ça n’a jamais l’air d’un travail… mais ça l’est.

ATTENTES

La gestion de vos attentes est extrêmement délicate dans le domaine des arts. Le but ultime est d’obtenir la reconnaissance, parce que beaucoup de choses se déroulent après cela. Vraiment ?

C’est très difficile à dire, et ça perturbe votre zen. Par exemple, si vous pensez que cette sortie sur un label spécifique vous donnera certaines opportunités, ou si vous pensez que jouer pour une gig vous amènera à avoir de meilleures gigs, ou travailler avec un agent vous donnera plus de visibilité, etc., toutes ces choses — en théorie — pourraient être vraies. Vous admirez des modèles qui ont atteint un niveau que vous voulez atteindre, mais il se peut que vous n’y arriviez jamais, même en faisant les mêmes choses.

Pourquoi n’y a-t-il pas une recette que vous pourriez suivre pour garantir des résultats ?

Les arts sont un grand pari ; une loterie où le résultat n’est pas déterminé par quoi que ce soit d’autre rationnel que — très probablement — le timing et le réseautage. Et même si vous avez raison, cela ne mènera peut-être à rien du tout.

La seule chose que vous pouvez contrôler, c’est votre patience et votre résilience. C’est à peu près tout.

Certaines personnes vous diront qu’ils peuvent faire une différence, mais vous pourriez arriver à l’opposé de ce que vous voulez ; les gens n’aiment pas les artistes qui ne cessent de « se vendre ». Savoir quand ou quand ne pas avoir d’attentes est certainement incroyablement sain, surtout si vous pouvez les réduire pour qu’elles soient réalistes.

En conclusion, ce que je recommanderais en me basant sur mon expérience de l’épuisement créatif :

  • Si vous pouvez mener une vie saine de travail/musique, essayez de continuer à le faire le plus longtemps possible. Ce n’est pas seulement bon pour vous, mais vous aurez aussi de l’argent à investir dans votre métier. L’équilibre est central..
  • Si vous êtes assez courageux pour essayer de vivre de la musique, traitez-la comme un travail. Donnez-vous le temps de ne pas travailler — c’est tout aussi précieux.
  • Trouvez un nouveau passe-temps. Puisque la musique était autrefois la vôtre et qu’elle occupe tout votre temps, essayez de faire autre chose.
  • Dormez de longues nuits et faites la sieste. Évitez de faire la fête régulièrement.
  • Collaborez, déléguez, demandez de l’aide. Se connecter avec d’autres humains est toujours étonnant pour le rétablissement !