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Comment s’amuser en faisant de la musique?

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Parfois, faire de la musique peut être une corvée. Pour les gens extérieurs, la musique semble être une expérience passionnante, excitante et amusante, mais tout compositeur sait que faire de la musique demande de la concentration, du dévouement et, franchement, peut parfois être assez ennuyeux. C’est pourquoi il est important de connaître certaines techniques pour s’amuser en faisant de la musique, juste au cas où vous tomberiez dans l’une de ces impasses créatives. Ce que je m’apprête à partager n’est pas une méthode absolue pour s’amuser en faisant de la musique, mais plutôt des petites choses que je fais depuis un certain temps et qui m’enlèvent la pression et me permettent d’être créativement expressif sans tous les aspects pénibles.

Avoir la configuration idéale ne garantit pas de s’amuser ni même de se faciliter la tâche

J’ai déjà écrit sur ce sujet, mais il mérite d’être abordé à nouveau. Tant de créatifs pensent qu’ils ont besoin de la configuration parfaite pour s’amuser. Ils pensent qu’ils ont besoin de ce nouveau module pour leur Eurorack, ou de cette nouvelle interface audio, ou du dernier poly-synth, et qu’alors, et alors seulement, ils auront l’expérience créative idéale. C’est tout à fait faux. Chaque nouveau matériel que vous achetez a une courbe d’apprentissage.

Malheureusement, le monde de la musique électronique n’est pas entièrement standardisé, de sorte que les choses ne seront pas immédiatement intuitives, même si elles sont relativement comparables à quelque chose que vous avez déjà possédé. Il y a de fortes chances qu’un objet vous permette une expression créative plus facile et plus amusante si vous le connaissez déjà. Mais le sophisme cognitif selon lequel « nouveauté égale qualité » se limite à cela, un sophisme. Il existe même un terme pour cela en psychologie cognitive : « l’appel de la nouveauté ».

Par conséquent, si vous voulez vraiment savoir comment vous amuser en faisant de la musique, mon premier conseil serait d’utiliser quelque chose de familier.

 

Travaillez avec des boucles

Allez sur Loopcloud et commencez à sélectionner des boucles. Plus la boucle est complète, mieux c’est. Le but ici n’est pas de faire quelque chose de super original, le but ici est de passer un bon moment à faire de la musique. Maintenant, déposez ces boucles dans la vue session d’Ableton, et commencez à déclencher des boucles et voyez ce qui se passe. Peut-être que vous pouvez mapper en MIDI quelques effets de base comme le delay, la reverb, le flanger, le gate, le pitch bend, et un filtre. Puis mappez en MIDI les faders de volume sur les canaux du clip. Puis commencez à déclencher des boucles! Ajoutez et retirez les clips, modifiez le dry/wet des effets, modifiez le pitch et faites vivre le son. Pensez à cela comme un DJ, mais dans un esprit de composition.

Loopcloud facilite les choses

Travailler avec Loopcloud facilite le processus de sélection des clips, car il dispose de filtres de recherche intégrés et des algorithmes qui permettent d’identifier des boucles similaires en contexte avec lesquelles vous pouvez jouer. Il vous suffit de cliquer sur « trouver des sons similaires » et Loopcloud peut filtrer pour vous des sons harmoniques ou rythmiques similaires qui fonctionneront bien ensemble. Ensuite, avec leur plug-in natif, vous pouvez charger les échantillons directement dans le DAW sans avoir à télécharger les fichiers et à les trier, ce qui permet une intégration transparente et une utilisation immédiate.

Un autre point positif est que cette fonction de tri rapide des boucles vous apprend à vous amuser à faire de la musique différente de celle que vous faites habituellement. Vous êtes peut-être un DJ minimal house avec un penchant pour la disco house, mais vous n’avez pas beaucoup d’expérience dans ce domaine. Avec les boucles, il est facile de créer quelque chose qui sonne bien sans

Il ne s’agit pas de créer de l’art, mais de s’amuser

Certaines personnes pourraient remettre en question l’intégrité artistique, mais le but est de s’amuser, pas de créer notre magnum opus. Si vous ne pouvez pas passer outre, pensez-y comme un DJ. Lorsque vous êtes DJ, vous ne jouez pas seulement votre musique, mais aussi celle des autres, tout comme d’autres personnes ont créé ces boucles. Cependant, ce que vous créez sera en fin de compte plus unique, et aussi libre de droits.

Il se peut même que vous l’aimiez et que vous l’utilisiez plus tard dans une composition plus sérieuse, mais pour l’instant, le but est de trouver comment s’amuser en faisant de la musique.

 

Comment s’amuser en faisant de la musique pour un public artificiel?

Un public artificiel, dites-vous, Pheek? Oui, un public artificiel! À notre époque, nous avons accès à une multitude de foules qui danseront quoi que nous fassions! Comment, demandez-vous? C’est simple, en mettant sur YouTube des vidéos de foules qui dansent. Ils se fichent de ce que vous faites, ils s’amusent de toute façon! Alors, allumez votre smart TV, votre projecteur, ou même un écran d’ordinateur auxiliaire, chargez une longue vidéo de gens qui se trémoussent sur de l’acid house des années 90, mettez ce truc en sourdine, et commencez à jammer.

 

Commencez à jammer!

Mieux encore, laissez l’audio jouer sur la vidéo de la foule en train de danser, chargez votre matériel préféré et commencez à jammer dessus, comme si vous n’étiez qu’un instrument d’accompagnement du mix. Si vous êtes vraiment fantaisiste, vous pouvez acheminer l’audio à travers Ableton en utilisant un câble audio virtuel. Vous pouvez ajouter des effets, des patterns de batterie, des lignes de basse auxiliaires ou des leads, charger des échantillons depuis Loopcloud! En fait, tout ce que votre imagination peut imaginer à la volée, faites-le! Assurez-vous simplement d’appuyer sur le bouton d’enregistrement.

Une fois que vous aurez enregistré tout cela, vous disposerez d’une banque de samples fraîche, pleine de nouvelles idées que vous pourrez incorporer dans de nouvelles productions. Maintenant, tout ce temps de plaisir a été passé à être productif, plutôt que frivole. Vous avez également acquis une solide expérience!

Je pratique cette technique depuis une quinzaine d’années, et elle m’a permis d’obtenir une multitude de nouveaux matériaux et d’inspiration.

 

Téléchargez une tonne de démos de plug-ins

C’est une idée amusante. En gros, téléchargez les démos d’un tas de plug-ins que vous n’utiliseriez pas autrement. Puis prenez une boucle ou un son quelque part, ou faites-en un rapidement à partir de rien. Chargez ensuite les plug-ins, et commencez à les empiler les uns sur les autres pour voir ce qui se passe. Commencez à feuilleter les presets de chacun d’entre eux, ajustez les boutons et créez des cacophonies sonores massives. Maintenant, filtrez ces sons, et voyez ce qui se passe. Peut-être les resampler, puis ajouter d’autres plug-ins par-dessus, tout en baissant le pitch.

 

Comment mes abonnés s’amusent en faisant de la musique

lotech/hijack déclare : « Honnêtement, je trouve que l’exploration et l’expérimentation rendent les choses amusantes. Ne l’abordez pas comme un processus. Souvenez-vous simplement que vous aimez la musique et les sentiments que vous ressentez en tant qu’auditeur. Puis allez-y avec cet état d’esprit. Ça marche pour moi (généralement). »

a photo of a facebook post that describes how lotech/hijack has fun making music.

Camilo Jesus Ramirez explique : « Après avoir passé des années à faire de la musique, c’est quand je ne me pousse pas à le faire que je me sens le mieux, je ne fais de la musique que quand j’en ai envie, parfois je ne touche pas à un projet pendant des mois et parfois tous les jours sans arrêt, le plaisir vient quand je me sens d’humeur ».

a photo of a Facebook post saying how Camilo has fun making music. You can read the text in this article above.

Steve Moss se lamente : « Chaque fois que j’achète un nouveau matériel ou un nouveau synthé, je dis à ma femme : OK, maintenant je suis comblé. Ma femme me dit : c’est ce que tu dis à chaque fois et tu n’es jamais satisfait! Hahaha. »

A Facebook post of how Steve learns how to have fun making music.

Pierre Deniel répond simplement : « LSD ». Je suppose que c’est aussi une façon d’y parvenir!

Steve knows how to have fun making music - it's with LSD, that psychonaught.

 

Il existe de nombreuses façons de s’amuser en faisant de la musique

Il existe de nombreuses façons de vivre une expérience musicale amusante et passionnante sans avoir à réfléchir trop profondément ou sérieusement au processus.

Pour résumer, tout commence par un instrument que l’on n’a pas besoin de démêler. Il est facile d’enlever le plaisir si vous devez passer votre temps à apprendre ou à résoudre un problème. Par conséquent, commencez avec du matériel que vous connaissez bien.

L’étape suivante pour s’amuser est d’essayer quelque chose sans s’y attendre. N’ayez pas peur de vous frotter à de nouveaux genres, surtout avec un outil incroyable comme Loopcloud qui vous permet de charger, de trouver et de trier des samples en un clin d’œil.

N’ayez pas non plus peur d’essayer de nouveaux plug-ins et de faire des choses qui n’ont pas de sens. En fin de compte, personne ne se soucie vraiment de savoir comment vous avez fait quelque chose, du moment que vous le faites.

La vraie magie ici, c’est que si vous l’enregistrez, vous vous retrouverez avec tellement de choses uniques que vous pourrez utiliser dans votre travail futur. Ne sous-estimez jamais l’utilité de s’amuser.

Techniques de production musicale : la production non-linéaire

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Cela fait longtemps que j’ai promis un post traitant d’une des nombreuses techniques de production musicale que j’utilise : la production non linéaire. Le tout premier album que j’ai fait en utilisant cette technique assidument était Intra. Et puis je m’y suis récemment plongé en profondeur pour produire de multiples EPs, réalisés entre fin décembre 2017 et mars 2018. Alors qu’Intra était un album de 23 chansons fait sur neuf mois, ma dernière expérience a produit 19 titres en trois mois. Je pense que je m’améliore, surtout parce que c’est de plus en plus clair dans mon esprit.

Sur les 19 titres récents, j’en ai gardé 8 pour l’album Returning Home, que vous pouvez écouter ci-dessus. C’est une déclaration sur le fait que la maison est un état d’esprit et non pas nécessairement un lieu physique. Je fais de la musique techno/dance depuis 1998, et après avoir expérimenté des paysages sonores plus électroniques et de la musique ambient, ça me fait du bien de revenir à mes racines. Chose amusante, j’ai essayé de travailler avec d’autres labels, car je voulais garder le mien, Archipel, pour des trucs plus downtempo, mais j’ai rencontré de nombreux refus ou des compromis compliqués. Je suis trop têtu pour changer les choses et comme cet album a été fait sur la base d’un concept très solide, je ne voulais pas revenir en arrière et changer ce que je trouvais bien.

Mais revenons à la technique de production non linéaire. Je couvrirai le déroulement du processus, du point de départ jusqu’à la fin.

J’entends souvent des gens dire, « mais je n’ai pas besoin d’une technique quand je fais de la musique ». Bien sûr, ce n’est pas pour vous alors. Mais cette technique peut être bénéfique si vous cherchez à accroître votre production. Cela a certainement contribué à me rendre plus prolifique à travers le temps.

LA PRODUCTION MUSICALE NON LINÉAIRE — UN CONCEPT

Ce concept (qui existe depuis des décennies selon les recherches que j’ai faites) encourage le producteur à explorer la possibilité de travailler sur plusieurs chansons à la fois, de manière non linéaire.

Cela signifie que :

  1. Vous ne travaillez pas sur une chanson du début à la fin, avant d’en commencer une nouvelle.
  2. Chaque piste est abordée individuellement pour ses besoins mais vous travaillez aussi globalement. Gardez à l’esprit que ce que vous avez fait dans la piste précédente devrait différer sur la suivante.
  3. La technique consiste à répéter les mêmes cycles/phases jusqu’à l’obtention d’un noyau solide. Ensuite, il y a la finalisation pour se préparer au mix.

On l’appelle « non linéaire » parce que c’est une série de phases, sur plusieurs pistes, toutes en même temps.

Note : Une règle implicite implique également que le travail sur une piste doit se faire sur de courtes périodes de 20 à 30 minutes à la fois par chanson, puis de s’arrêter, sauvegarder et passer à autre chose. Pourquoi ? Cela permet de garder des idées fraîches.

Pour beaucoup de gens à qui j’ai expliqué cela au début, cela a semblé troublant et déroutant. Il y a une sorte de croyance ancrée chez les gens que lorsque vous allez faire de la musique, vous devriez trouver votre idée, vous y tenir absolument, l’intégrer dans une chanson, en commençant par le début et en finissant par la fin. Je vois souvent des projets de gens qui ont quelques blocs au tout début de la piste et puis ils se perdent.

J’entends aussi : « Je peux faire une super boucle, mais je ne sais pas ce qui va suivre. »

J’ai écrit un article à ce sujet dans le passé. Cependant, la technique non linéaire vise vraiment à dépasser la question de la boucle, parce qu’il s’agit de transformer de petites idées en concepts plus grands.

Mais par où commencer ?

Avant de nous pencher sur la production, permettez-moi d’expliquer la technique de production musicale non linéaire, car c’est de cela qu’il s’agit :

  1. Création de contenu, génération d’idées.
  2. Filtrer les idées dans un concept.
  3. Construire une boucle comme noyau.
  4. Structure du template.
  5. Arrangements.

Lorsque vous décidez de créer votre projet, la première chose à faire est de choisir votre type de projet. S’agit-il d’un EP (3-4 chansons) ou d’un LP (5-10 pistes) ? Peut-être que vous voulez juste faire quelques morceaux ; je crois personnellement que nous ne devrions jamais faire un seul morceau à la fois. Si vous n’avez pas de projet précis en tête, inventez-en un comme « Je vais faire 5 titres pour le plaisir et je veux qu’ils soient principalement techno ». Une fois cette décision prise, vous êtes prêt pour la création de contenu. Je consacre habituellement beaucoup de temps à la création de contenu et à la génération d’idées.

Vous pouvez également partir de pistes inachevées sur lesquelles vous voulez appliquer l’idée. L’important est de travailler sur plusieurs projets en parallèle. Habituellement, cela marche mieux si vous en avez au moins cinq, mais il n’y a pas de limite bien sûr. Pour les nouveaux, commencez petit pour voir si cette façon de travailler fonctionne pour vous. La technique est sur le point de faire passer votre morceau d’une idée simple à une chanson finalisée mais non mixée. Le mix n’en fait pas partie. Je trouve que le mixdown fonctionne mieux si vous le faites tard. N’hésitez pas à créer un dossier de référence où vous mettez des chansons qui vous inspirent.

CRÉATION DE CONTENU, GÉNÉRATION D’IDÉES

De toutes ces années d’écoute de musique, de gestion de labels, de mastering et de DJing, je suis arrivé à une théorie : une chanson solide est — en général — une idée unique et solide, soutenue par deux autres. L’idée principale peut être une boucle, un motif ou même un son. Je me souviens qu’Hans Zimmer décrit un motif en disant qu’il doit avoir un impact émotionnel sur vous, qu’il doit réapparaître dans votre esprit plus tard. Il dit que le thème de Batman est composé de deux notes, mais très puissantes. En les jouant, vous pensez automatiquement à Batman. Les deux autres idées sont nécessaires parce qu’une chanson a généralement besoin d’un développement et d’une « surprise ». Cela dit, dans cette technique de production, il faut créer des idées nouvelles. Beaucoup.

J’ai fait un long post sur la manière de trouver de nouvelles idées mais je vais résumer comment ça fonctionne pour moi :

  • Recycler d’anciennes idées : J’ai d’innombrables samples que j’ai utilisés ou que je n’ai jamais touchés. J’aime les transformer en nouveaux sons.
  • Enregistrement de la radio ou d’autres atmosphères à l’aide d’un microphone : Quand je suis d’humeur créative, je passe beaucoup de temps à enregistrer les sons de cette période de ma vie. Je vais laisser l’enregistreur quelque part pendant une heure pour voir ce qui se passe.
  • Essayez des démos : J’adore les démos et j’essaie de voir ce que je peux en tirer en les samplant. Certains ont un temps limité et d’autres durent quelques jours. Cela vous oblige à resampler le travail et à en tirer quelque chose. Parfois, je finis par l’acheter, bien sûr.
  • Design sonore pur : La superposition de sons provenant de différentes prises est un excellent moyen de générer des sons riches. Je le fais souvent, mais cela prend beaucoup de temps.
  • Jammer avec les sons : Quand j’en ai beaucoup, je vais généralement mettre les sons dans un sampler et jammer avec un contrôleur midi ou un PUSH. Je vais enregistrer tout ce que je fais dans un projet.

Un projet qui a beaucoup d’idées sera enregistré avec la date du jour du jam. Il se peut que j’aie quelques heures de matériel, ce qui signifie qu’il y a hypothétiquement 3-4 idées là-dedans.

Cette phase est terminée quand vous avez un projet avec 3-4 idées prêtes à partir. Je fais habituellement une session par piste nécessaire pour le projet.

TRANSFORMER LES IDÉES EN CONCEPT

Cette phase est une phase que vous devez faire en dehors du jam. Pourquoi ? Parce que lorsque vous jammez, vous êtes dans votre état créatif (cerveau droit) et vous avez des tonnes d’idées, mais votre jugement n’est pas bon. Vous ne pouvez pas être juge alors. Vous devez vous sentir libre et explorer sans limites. Dans cette deuxième phase, il s’agit de passer à un côté plus analytique où vous allez travailler votre récolte.

  1. Passez en revue tous les enregistrements que vous avez faites une boucle avec une partie. La question est, pouvez-vous écouter une boucle et vous sentir inspiré ? Si oui, vous avez quelque chose à quoi vous pouvez vous accrocher.
  2. Utilisez des boucles de différentes tailles comme 1, 2, 4 mesures. Compiler différentes idées.
  3. Utilisez la vue de session pour créer des scènes de boucles que vous aimez.
  4. Essayez de voir si certaines boucles, une fois superposées, créent des motifs inattendus.
  5. (Optionnel) Ajoutez un kick et des hihat pour vous donner une idée du groove et ajuster le timing de la boucle.

Cette phase est terminée quand vous avez quelques scènes solides dans votre vue de session.

Notez que vous pouvez revenir en arrière pour créer plus d’idées (Phase 1) pour compléter ce que vous avez. Vous pouvez également créer un fichier pour toutes les idées de toutes les sessions et créer ainsi de nouvelles. Il n’y a pas de règles, seulement des possibilités.

LA CONSTRUCTION D’UNE BOUCLE CENTRALE

À ce stade, vous devriez avoir un nombre X de projets (basé sur la définition du projet que vous avez défini au début, c’est-à-dire EP, LP, peu importe), chacun avec du matériel qui a été organisé en 2-3 idées. Le moment est venu d’assembler le tout.

La boucle que vous allez construire ici est la partie centrale de votre chanson, donc il devrait y avoir tous les éléments.

  1. Ajoutez une fondation. La partie fondamentale de votre chanson est la partie low end et la basse. À partir de l’idée principale, ajoutez une basse qui soutient ou répond à l’idée. Ajustez-la pour qu’elle soit dans la tonalité.
  2. Ajoutez des percussions. Complémentaire à la basse, vous pouvez ajouter un kick, des percussions, ou tout ce qui est complémentaire et créera le groove. Je commence généralement tout de suite par décider quel modèle de groove je vais utiliser sur cette partie centrale.
  3. Ajoutez des touches mélodiques si nécessaire. Décidez de la durée de votre mélodie et de sa progression (si c’est le cas).
  4. Créez un fond sonore et un espace si vous le souhaitez. Il s’agit généralement de la réverbération et de textures. Mais cela peut aussi se faire plus tard.

Cette phase est terminée lorsque vous avez une boucle principale que vous pouvez placer dans la fenêtre d’arrangement, en plein cœur de votre chanson (ce qui signifie que vous devez savoir approximativement combien de temps elle doit durer). Une bonne boucle est une boucle centrée autour de votre thème où si vous jouez cette partie en solo, ce serait ce dont quelqu’un parlerait pour décrire votre chanson.

Dans le processus de travail à travers la boucle de base, vous pourriez avoir besoin de revenir en arrière pour créer plus de contenu ou vous pouvez en importer à partir d’autres sessions.

STRUCTURE DU TEMPLATE

Maintenant que vous avez la partie centrale de la chanson, il est plus facile de construire la structure restante. Dans la vue d’arrangement, créez trois sections : un début, un milieu et une fin. Vous allez maintenant présenter votre structure pour avoir une idée de ce que vous pouvez faire avec votre idée centrale.

  1. Copiez les éléments du début à la fin qui seront présents tout au long de la piste.
  2. Travaillez à l’envers en déconstruisant la ligne du temps de ce qui arrive en premier et ainsi de suite, jusqu’à ce que vous arriviez à la partie centrale.
  3. Effectuez le même processus jusqu’à la fin. Vous pouvez répéter certains éléments.

Cette phase est terminée quand vous avez une structure temporaire du début à la fin. Cela pourrait vous prendre un certain temps, je vous encourage à faire des sprints de 30 minutes à la fois. Le problème quand on travaille trop longtemps sur cette phase, c’est qu’on perd de vue la force de la chanson. Je veux habituellement faire ressortir une structure de cette phase, mais je peux aller et venir avec les autres phases jusqu’à ce que je sois satisfait.

ARRANGEMENTS

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

L’arrangement est un sujet massif que je détaillerai dans un article futur et qui est impliqué dans la plupart des techniques de production musicale — mais cette explication est une conceptualisation complète de la façon dont je travaille. J’espère que cela vous aidera d’une manière ou d’une autre !

Rendre les sons vivants : le mouvement dans la musique électronique

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CRÉER DU MOUVEMENT DANS LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

L’un des concepts les plus méconnus de la musique électronique est le mouvement. Par mouvement, je fais référence à la façon dont chaque son évolue constamment tout au long d’une chanson. Je discutais une fois avec un passionné de synthétiseurs modulaires et il disait ne pas supporter les sons enregistrés comme les samples parce que, selon lui, ces sons sont « morts ». Avec les synthés modulaires, un son peut être répété pendant des minutes et il ne sera jamais exactement le même parce que les composants matériels donnent constamment de légères variations au son. Un son enregistré est figé comme une image. Puisque nous n’avons pas tous le luxe de posséder un synthé modulaire, permettez-moi d’expliquer comment nous pouvons utiliser des outils logiciels pour rendre les sons « vivants » et développer du mouvement dans notre propre musique électronique.

Tout d’abord, convenons que le mouvement dans la musique électronique provient de certains éléments qui « bougent ». Il existe différentes façons de créer cette sensation :

1. CHANGEMENTS DE VOLUME (AMPLITUDE)

Le changement de volume des percussions est souvent associé au groove et au swing. Les deux peuvent modifier le volume des sons. Cela dit, vous pouvez appliquer un modèle de groove non seulement aux percussions, mais aussi aux mélodies et aux lignes de basse. Si cela ne suffit pas, vous pouvez aussi utiliser l’effet midi velocity qui peut non seulement altérer la vélocité de chaque note, mais dans Ableton Live il y a aussi un randomizer qui peut être utilisé pour créer un effet plus humain. Une autre façon d’ajouter de la dynamique est d’utiliser un effet de trémolo sur un son et de le garder synchronisé ou non. L’effet trémolo affecte également le volume, et c’est une autre façon de créer des grooves sur mesure. Personnellement, j’aime aussi créer des changements d’arrangement très subtils sur l’enveloppe ou le gain de volume, ce qui maintient le son toujours en mouvement.

En général, les LFOs — comme ceux présents dans le patch Max for Live — peuvent être utilisés pour moduler n’importe quoi, et ils créeront automatiquement du mouvement. Associé à chaque LFO, j’utilise souvent un autre LFO pour moduler sa vitesse afin d’obtenir une véritable sensation de non-redondance.

Astuce : Combinez LFOs et modifications manuelles, puis copiez les séquences jusqu’à la fin de la chanson. Je vous suggère d’essayer de sortir de la structure 4/4 et des blocs réguliers pour sortir d’un « template feel ».

2. FILTRE

Une autre excellente façon de créer du mouvement est de faire en sorte que le son change toujours de tonalité. L’utilisation d’un filtre en mode parallèle est un moyen très efficace de créer de la couleur. L’important est de s’assurer que la fréquence et la résonance sont constamment en mouvement en utilisant des LFOs ou des enveloppes. En étant en parallèle, le son semble toujours être le même, mais il y aura un peu plus de corps à cause du filtre. Ce que beaucoup de gens ne savent pas, c’est qu’il y a différents types de filtres, donc vous pouvez essayer différents types de filtres dans différents Sends et votre chanson sera plus en mouvement. Alors que les filtres sont parfaits pour les changements subtils, vous pouvez aussi faire la même chose avec un égaliseur, mais toujours en parallèle. L’ajout d’une enveloppe sur le filtre pour qu’il détecte le signal entrant et change la fréquence est aussi une très belle façon de garder le son organique.

Astuce : Essayez de comparer comment un filtre Moog peut différer d’un filtre ordinaire.

3. TEXTURES

Les textures ou le bruit de fond sont une autre excellente façon d’émuler les appareils analogiques. Il y a plusieurs façons de le faire, mais celle que je recommande est d’obtenir un microphone pour votre iPhone et d’enregistrer un moment de votre prochaine visite au café ou au restaurant, ou même dans votre maison où nous ne nous rendons pas compte qu’il y a encore un très faible niveau de bruit. L’ajout de cet enregistrement à faible volume dans votre chanson ajoute automatiquement un layer de chaque son en évolution. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi convertir certains bruits en patterns de groove qui créent une forme de randomisation sur vos sons. Certains effets de haute qualité tels que la saturation utilisée sur certains sons ajouteront une forme de texture qui empêche vos samples de sonner creux.

Astuce : La modulation FM sur un filtre ou une oscillation peut créer des textures granuleuses.

4. STÉRÉO ET PANORAMIQUE

Pour ce point, il y a différents effets qui jouent avec l’image stéréo et — bien que vous devriez être prudent — il est bon d’avoir au moins un ou deux sons qui ont ce genre d’effets. Parmi ces effets le phaser, le chorus, le flanger, le delay, la reverb et l’auto-pan. Ils peuvent tous donner du mouvement aux sons si la modulation n’est pas synchronisée et si le dry/wet est constamment modifié légèrement.

Astuce : Faites attention aux effets que vous utilisez, car une utilisation excessive peut créer des problèmes de déphasage.

5. TIMING

Un point que les gens négligent souvent : la position d’un son dans un pattern peut changer légèrement tout au long d’une chanson pour créer un sentiment de mouvement. Cet effet est plus facile à créer si vous convertissez tous vos clips audio en midi. En mode midi, vous pouvez utiliser le plug-in Humanizer (Max) pour modifier constamment le timing de chaque note. Vous pouvez aussi le faire manuellement si vous êtes un peu plus dans l’édition de détails, mais à la fin, un Humanizer peut faire la même chose tout en créant des idées inattendues qui pourraient être intéressantes. Une autre astuce est d’utiliser un effet de glitch en mode parallèle pour ajouter quelques courbes dans le timing d’un son de temps en temps.

Astuce : Désactivez le verrouillage de la grille (grid lock) dans la section arrangement pour être intentionnellement imprécis.

Conseils pour définir votre son

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La majorité des artistes avec qui je travaille pour le mastering et la finalisation de track, parlent de leur désir de définir leur propre son. C’est important parce qu’en tant que mélomane, dès les premières secondes d’une chanson il vous arrive de dire : « C’est tel groupe, ou tel producteur ! ». Pour parvenir à cette « signature sonore », on retrouve généralement un style de production particulier ou une palette sonore qui sera utilisée de manière personnelle et immédiatement reconnaissable.
Il y a beaucoup de discussions et d’éloges sur l’album « Untrue » de Burial qui est maintenant considéré comme l’un des plus influents de la dernière décennie.

Pourquoi cet album est-il si bien reçu ?
Pour commencer, les ambiances spectrales, les bruitages et les enregistrements d’un Londres nocturne évoquent une atmosphère spatiale, sombre et sinistre. L’ambiance lourde et downtempo de la musique invite les auditeurs à aller dans leurs propres lieux d’ombres et à y réfléchir. Même les titres de ses morceaux, « Loner », « U Hurt Me », puisent dans un sentiment de dommage émotionnel, auquel beaucoup de gens peuvent réellement s’identifier. Bref, le son lourd et la personnalité derrière ce disque font instantanément penser à du Burial.

Prenant note des différents éléments que les artistes utilisent pour créer leur propre son, analysons certains de ces principes fondamentaux qui influenceront le vôtre.

  • La tonalité : point extrêmement important, car la plupart des artistes adoptent généralement une « vibe » ou une « humeur » dans leur musique, comme la joie, la colère ou la mélancolie. Travaillez-vous souvent avec une même gamme ou une tonalité semblable ? Vos mélodies sont-elles simples, ou écrivez-vous des progressions d’accords complexes ?
  • Le genre : le choix du genre est peut-être l’un des choix les plus évidents pour créer « votre » son et définir votre identité en tant qu’artiste. Êtes-vous en train d’adopter un genre existant ou allez-vous essayer de vous positionner entre-deux ? C’est à double tranchant, car l’originalité comporte un risque, mais la récompense peut être énorme.
  • Les samples: utilisez-vous des samples ? De synthés ? De modulaires ? Orb, par exemple, aimait utiliser des extraits de films spécifiques (des 80’s comme Flash) et Boards of Canada étaient célèbres pour enregistrer leurs parties synthés sur de vieilles cassettes pour les resampler dans une nouvelle session. Considérez les possibilités de votre source sonore.
  • Le rythmes : êtes-vous plus 4/4 ? Influencé par le Breakbeat ? Le Jazz ? Le Hip-hop ? Avec des racines latines ? Prenez note de là où vous vous sentez le plus à l’aise et de votre groove naturel.
  • Techniques : c’est ici que je peux vous aider le plus comme j’ai pu aider mes clients à créer « leur son ».
  • Les erreurs : allez-vous pour quelque chose de cru ou de très pointu et quantifié ? Essayez de voir ce que les erreurs peuvent apporter à votre musique : quelque chose de mal pourrait révéler des choses intéressantes. Comme point de départ de votre prochaine track, n’ayez pas peur d’essayer quelque chose que vous n’auriez peut-être jamais fait.

Les outils et effets que vous utilisez peuvent aussi avoir un impact majeur sur votre son. J’ai déjà abordé cette question, mais il est important de vous rafraîchir la mémoire lorsque vous examinez le choix des effets.

Reverb, Delay : vous pouvez vous choisir un plugin pour travailler avec tout le temps pour une cohérence. Reverb — peut-être que vous choisissez toujours une plate ou alors vous préférez utiliser de grands espaces et de longues tails. Allez-vous utiliser des dub delays ou plutôt un delay court pour obtenir un effet Haas ?

La Compression : voulez-vous que votre son soit compressé ou non ? C’est quelque chose à réfléchir. Trouvez un compresseur qui peut être comme votre couteau suisse en toutes circonstances et utilisez-le.

Le processus de définition de votre son est comparable à celui du designer qui développe les éléments de marque pour un client.

Bien que ce ne soit pas essentiel, mais très certainement utile, un designer vous indiquera quel ensemble de couleurs, polices de caractères, images et direction utiliser dans tout votre travail.

Ce que je fais habituellement avec mes clients pour créer un son plus caractéristique, c’est de prendre une collection de références et de sons avec lesquels ils s’identifient, puis de travailler sur un moyen de reproduire des sons et des idées similaires. Le pad d’ici, la percussion et le swing de là, les kicks faits comme ça, les hats toujours comme ça… et ainsi de suite. Vous choisissez tous vos sons préférés parmi différentes sources (ex. pourquoi ne pas opter pour un style qui vous est tout à fait étranger comme afrobeat si vous aimez la techno ? Et faire une collection. Je peux trouver quel synthétiseur est excellent pour créer ce son, et en jouant avec, vous découvrirez tant de nouveaux sons et serez attirés par un son original, frais et inspirant.

La vérité ? Essayer de définir votre son ne viendra pas du jour au lendemain. C’est un processus qui sera différent pour tout le monde, et vous ne pouvez vraiment pas accélérer les choses parce qu’il n’y a pas de voie rapide vers l’originalité.

Cela étant dit, en toute honnêteté, travailler avec quelqu’un qui a de l’expérience en production et en musique pour vous guider dans les domaines qui vous représentent le mieux est énorme et peut être un atout dans la définition de votre son.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de ce post, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP