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Leçons de coaching en musique électronique

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Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

  • Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
  • Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
  • D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
  • Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

  • Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
  • Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
  • Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
  • Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
  • Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

  • L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
  • Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
  • Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
  • Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
  • Ses attentes sont très élevées.
  • La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
  • Ils voient la musique de manière hiérarchique.

 

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

Bob Ross would have been great at electronic music coaching.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment peut-on commencer une chanson en étant stressé(e)?

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Remarque : cet article est basé sur des réflexions résultant de la pandémie de la COVID.

J’échange quotidiennement quelques mots avec des artistes que je connais : des amis, des partenaires de label, des personnes que j’aime ou toute personne qui souhaite établir un lien. Je crois qu’en ces temps, il est important de garder des contacts sociaux pour détourner notre attention de la folie, de la misère ou d’autres préoccupations qui ne cessent d’émerger.

« Comment pouvez-vous encore faire de la musique avec tout ce qui se passe? » m’a demandé quelqu’un aujourd’hui (et la semaine dernière). J’ai fait un atelier pour MUTEK et la question principale était similaire, quelque chose comme « d’où proviennent les idées (musicales)? »

Les deux réponses se recoupent, d’une certaine manière. Si vous réfléchissez à la provenance des idées (ou « l’inspiration » si vous voulez), cela peut survenir à des moments aléatoires. Pour certaines personnes, c’est sous la douche, pour d’autres c’est en déplacement, ou en faisant du yoga, etc. En gros, 90 % du temps, cela se passe ailleurs, plutôt que lorsque vous faites de la musique. D’où l’importance de faire de longues pauses lorsque vous faites de la musique, et par pauses, j’entends quitter le studio, sortir et faire autre chose. Votre esprit continue à faire de la musique, mais l’espace que vous vous créez pour penser vous permettra de résoudre des problèmes.

Je ne sais pas pour vous, mais mon esprit est presque toujours en train de faire de la musique, d’une certaine manière. Je fais la vaisselle ou je promène mon chien, et mon cerveau travaille à créer des motifs, à imaginer la structure de chansons, à prêter attention aux bruits ambiants et à trouver comment traduire cela avec un synthétiseur. Donc, quand on me demande d’où viennent mes idées, il est un peu délicat de donner une réponse catégorique, parce que la source de certaines idées émerge bien avant que je ne sois assis devant l’ordinateur. Le fait est qu’une fois devant mon écran, c’est comme si tout ce à quoi j’ai pensé disparaissait… J’ai tout oublié et je suis là, à penser à quoi maintenant?

La bonne habitude de s’asseoir pour faire de la musique commence par l’engagement d’une séance de 5 minutes.

Là où les questions existentialistes « pourquoi faire de la musique » me frappent parfois pendant cette pandémie, et fort. Pourquoi est-ce que je fais cela? À qui vais-je m’adresser? Pourquoi, pourquoi, pourquoi?

La réponse à tout peut être trouvée dans l’engagement de 5 minutes. Si vous êtes quelqu’un qui s’intéresse à la méditation, nous disons que l’étape la plus difficile pour méditer est de s’asseoir et de commencer. C’est la même chose pour la musique.

Une autre partie de ce défi que nous devons relever est l’isolement. La plupart des artistes se nourrissent d’événements pour s’inspirer. Aujourd’hui, les tournées sont difficiles, et cette coupure qui se produit d’un seul coup est un défi mental. Avoir la force de continuer à faire de la musique après des mois est un autre obstacle en soi, car c’est quelque chose qui est non seulement exigeant, mais aussi inhabituellement frustrant.

Si vous prenez le film sur The Doors, ils vont dans le désert et essaient de prendre du peyotl pour une expérience spirituelle. Dans les années 60 et 70, beaucoup d’artistes ont connu un moment décisif où ils ont voulu dépasser le style de vie rock-and-roll pour chercher des réponses à leur vie, à leur art, et pour ouvrir de nouvelles voies de création. Il y a quelque chose qui me fait me demander, quand je vois des artistes appeler leur art « méditation » ou autre, s’il y a un certain sens de l’intégrité envers l’engagement de ce qu’ils veulent traduire. La chanson est-elle juste une nouvelle prise de vue de quelque chose qu’ils ont fait auparavant ou y a-t-il un réel intérêt à faire quelque chose de significatif?

Je partage cela parce que si vous vous heurtez à un mur en faisant de la musique, cela peut être directement lié à une partie de vous-même qui a soit faim de quelque chose de plus, soit éprouve de la répulsion envers les schémas répétitifs qui n’apportent pas de réponses à vos besoins actuels. On n’a pas besoin de changement, mais si votre envie de créer s’est heurtée à un mur, il est peut-être temps d’essayer autre chose. Parce que nous sommes artistes et que nous créons comme nous respirons.

Comment se réinventer artistiquement a été abordé sur ce blogue dans le passé, ainsi que la façon de commencer une nouvelle chanson. Je ne vais pas tout reprendre, mais je peux partager comment aborder la musique en ces temps difficiles, quand on est confronté au stress ou à un sentiment d’abandon.

QU’EST-CE QUE VOUS ÉCOUTEZ? ÉTABLISSEZ UN LIEN AVEC LE NOUVEAU PUBLIC.

Beaucoup d’artistes trouvent leur inspiration dans les clubs et les tournées. Sans ce genre d’énergie dans le contexte, cela ne veut pas dire que la musique est morte, elle est juste transposée. Il a été très difficile d’expliquer à des gens qui n’ont jamais été en club de se mettre en rapport avec l’expérience de la musique forte parce que cette même musique, hors contexte, est souvent très bizarre et parfois inutile. Mais il y a d’autres options. Vous pouvez faire le même genre de musique pour le moment où ces événements reviendront, mais vous pourriez aussi prendre le temps de faire de la musique qui n’est pas destinée à ces contextes. Ce qui fait la maturité d’un artiste, c’est la profondeur dont il dispose. Si votre musique est unidimensionnelle, vous vous tirez une balle dans le pied. Les meilleurs artistes auront des pseudonymes différents pour explorer d’autres voies et je dirais qu’il est fortement encouragé de travailler sur des genres différents. Commencez par écouter beaucoup de musique, peut-être plus que vous ne le faites habituellement.

CONCENTREZ-VOUS SUR LA FACILITÉ.

L’absence d’effort semble mettre certaines personnes mal à l’aise. On a l’impression que la bonne musique est le fruit d’innombrables heures de travail. Eh bien, oui et non. Si vous pensez que vous devez travailler beaucoup pour aiguiser vos compétences, oui, cela demande de la résistance, de la motivation, de la curiosité et beaucoup de discipline. C’est là que se trouve le travail difficile. Mais pour enregistrer une chanson… c’est là que vous mettez en pratique les compétences acquises et lorsque vous composez, cela devrait se faire sans effort. Tout l’aspect de la postproduction, du montage, de l’arrangement sans fin et du clic clic clic de votre musique à la perfection n’est pas, à mon avis, le vrai problème. C’est l’interminable tentative de saisie de la perfection qui tue l’idée originale, pure et brute. Je suis plus intéressé par les idées que par la production parfaite. Dans de nombreux cas, la musique surproduite vieillit très mal.

 

Pour se mettre à « faire de la musique sans effort », il faut se préparer à de futurs projets en esquissant beaucoup d’idées, mais surtout des idées musicales sans grand soutien. Commencez beaucoup de projets, faites des boucles et des motifs, construisez des présélections, des macros, rassemblez-en aussi. Une partie de cela signifie également de mettre de côté la productivité et de se concentrer sur le temps passé à faire de la musique et à ne rien finir. Pensez aux guitaristes qui se contentent de jouer avec leur guitare sans faire de chanson. Ils jouent juste ce qu’ils sentent venir.

COLLABOREZ, DISCUTEZ ET ÉTABLISSEZ DES LIENS.

Combien de temps passez-vous à parler de votre musique? Je ne parle pas de plug-ins et de techniques, mais d’idées, d’émotions et de ce que vous essayez de partager. Est-ce que vous allez vers d’autres artistes et partagez ce que vous ressentez à propos de leur musique ou ce qu’elle vous donne comme image?

Parler de la musique en général est un pur carburant pour l’imagination. L’idée de mettre des mots dans l’abstraction des sons est une façon de se rapprocher de la compréhension des techniques et de vous aider à avoir plus de précision sur ce que vous voulez faire. Si vous pouvez l’expliquer, vous le comprendrez mieux. De plus, l’idée de partager avec un autre artiste est une façon d’obtenir également un retour technique sur des parties qui restent obscures et confuses.

Une des choses que j’avais l’habitude de faire, et que j’aime toujours, c’est d’inviter quelques personnes à partager leur musique préférée du moment, pour l’écouter activement, la commenter, en nous perdre dedans. C’est pour les musiciens une activité assez cruciale, car l’idée de comment les autres perçoivent la musique est une compréhension essentielle de ce que les gens recherchent dans la musique, tout autant que ce que représente la musique qu’ils sont prêts à écouter et à partager. Cela devrait permettre de remplir vos références et d’étudier pour de futurs projets.

Faire une playlist collaborative sur des sites de streaming vous permet également d’être plus connecté. C’est la beauté du streaming, même s’il suscite beaucoup de réactions. De plus, avec la Covid, c’est possible même à distance.

Objectif, passion et don naturel

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Vous avez peut-être utilisé la musique comme exutoire pour passer au travers de la pandémie, et vous n’êtes pas seul(e). Lorsque la pandémie s’est déclarée, j’ai commencé à recevoir un nombre particulièrement élevé de demandes de mixage et de mastering. J’ai vu une augmentation d’environ 25 % de mon travail par rapport aux années précédentes. À un moment donné, ma charge de travail a doublé. Principalement parce que tout le monde fait de la musique en ce moment et qu’il y a moins de choses à faire.

Une question revient sans cesse : y a-t-il un moyen de transformer mon passe-temps, ce que j’aime faire, en quelque chose qui peut être mon travail au quotidien? Pouvez-vous vraiment gagner votre vie en tant qu’artiste? Beaucoup d’entre nous poursuivent l’idée de finir une chanson, de sortir un album et de le voir en ligne avec d’autres artistes que nous aimons. Il doit bien y avoir de l’argent qui me revient de ce travail pour me soutenir financièrement, non?

Désolé, mais la vérité est que l’argent qui revient des ventes, du streaming et d’autres expositions est vraiment faible.

Alors comment peut-on gagner de l’argent et vivre d’une passion?

Je suis tombé sur un article basé sur une étude selon laquelle on trouve plus de bonheur en poursuivant son but plutôt que sa passion. Il est également bien connu que faire de sa passion un métier peut aussi la tuer. J’ai été musicien à plein temps, j’ai dirigé un label et j’ai fait des tournées… Je peux vous dire que si vous vous trouvez à faire un mauvais investissement, cela peut complètement anéantir la carrière que vous avez construite pendant une décennie. Cela ne m’est pas arrivé, mais j’ai vu une scène sur laquelle je comptais, s’éteindre après une longue période d’âge d’or. Ce qui a suivi ce genre ne m’a pas inspiré, et je n’ai jamais eu envie d’embarquer dans le navire comme la plupart de mes pairs l’ont fait. Au lieu de cela, j’ai fait profil bas pendant un certain temps, j’ai trouvé des emplois au hasard qui pouvaient payer les factures et avec un peu de recul, je peux voir que j’ai beaucoup appris en faisant autre chose que de la musique toute la journée. Vous pouvez perdre la perspective de vous-même, de votre orientation, de votre vision initiale.

Vous l’avez peut-être déjà vu ou lu sur ce blogue, mais j’ai commencé l’année 2020 avec le défi de faire une piste par semaine pendant toute l’année. J’ai pensé au départ que cela pourrait être un bon moyen d’attirer les gens vers ce que je fais tout en apprenant davantage sur la production, de réviser/réinventer ma propre méthode et, bien sûr, de pondre un tas de morceaux à sortir, éventuellement. Cette expérience m’a vraiment ramené vers les années 2006-2008, quand je produisais comme un fou et que j’avais beaucoup de sorties. Certaines personnes m’ont dit qu’elles voulaient que je fasse de la techno comme à l’époque, mais j’ai senti que ce qui avait été dit à alors n’avait pas besoin d’être répété : je voulais apporter quelque chose de nouveau.

Ajouter ce défi à mon travail quotidien m’a presque épuisé, ce qui est vraiment une mauvaise chose si vous êtes un artiste. C’est dans cet esprit que j’ai commencé à doser ma production musicale et que d’autres idées m’ont été proposées :

  • Comment connaître efficacement mes outils pour faire exactement ce que je dois faire?
  • Comment repérer rapidement les obstacles et apprendre la ou les techniques pour les surmonter?
  • Connaître mes limites, tant sur le plan créatif, de l’énergie personnelle, que sur le plan technique.
  • Essayer d’identifier les choses que je ne connais pas et ne pas les négliger.
  • Rester humble.
  • Savoir ce que j’aime faire et ce que je fais le mieux.

Si vous commencez à faire quelque chose pour attirer l’attention, vous vous lasserez très vite, surtout si la réaction ne répond pas à vos attentes. Dans mon cas, j’ai vite vu (je l’avais prévu!) qu’après la 8e semaine, les gens ne se soucieraient plus vraiment de la musique publiée. J’ai en quelque sorte arrêté de poster ma musique et j’ai décidé de partager avec une poignée de personnes dont je savais qu’elles écouteraient. Finalement, j’ai commencé à faire de la musique pour moi seul et j’ai même arrêté de les mettre en ligne sur Weeklybeats, le site du défi. Ce qui est assez fascinant, c’est de regarder les 8 premiers morceaux et ce que je fais maintenant : c’est complètement différent. Ce que je fais pour moi est purement expérimental, soit incroyablement bizarre, soit très répétitif, car j’ai créé des moments sonores pour mon loft, à jouer sur mon Sonos.

En quoi cela me rapproche-t-il de mon but ou de ma passion?

Il n’est pas un secret que j’ai trouvé ma passion il y a de nombreuses années, lorsque j’ai découvert que j’étais un professeur assez solide. Aujourd’hui, ça paie. Pour enseigner, vous devez connaître votre métier à fond et être capable de l’expliquer correctement. Ainsi, l’exploration de différentes techniques et la rétro-ingénierie de la musique que j’aime sont différentes façons d’enseigner aux gens qui veulent apprendre. C’est pourquoi notre groupe de coaching est précieux : nous essayons collectivement de comprendre certaines techniques. Ce qui est étonnant avec la musique, c’est que vous pouvez comprendre une technique, l’enseigner à 10 personnes et toutes l’appliqueront à leur manière, ce qui donnera 10 résultats différents. Mais ce qui est amusant, c’est que 50 % d’entre eux n’aimeront pas ne pas pouvoir faire ce que les autres peuvent déjà faire. C’est un sujet sur lequel je travaille beaucoup dans le coaching : le contrôle.

Quoi qu’il en soit, si ce que vous faites le mieux n’est peut-être pas lié à la musique, y a-t-il un espoir? Eh bien, peut-être plus que vous ne le pensez, si vous avez un peu d’imagination. Voici quelques autres types de travaux qui sont plus liés à la musique que vous pourriez le penser :

  • Si vous êtes doué pour l’écriture, vous pouvez travailler avec les artistes sur leurs biographies, leurs dossiers de presse, leurs descriptions de chansons, leur présence en ligne, etc.
  • La conception graphique est souvent une compétence que les musiciens possèdent. Vous n’avez pas idée du nombre de designers qui sont aussi des musiciens et, dans un monde où l’image est cruciale, vous pourriez certainement trouver du travail dans l’industrie de la musique.
  • Des compétences pour le web? Il y a tellement d’aspects que vous pouvez aussi aborder.
  • Compétences en matière d’équipement? Si vous avez des compétences en électronique, vous pouvez peut-être aider à assembler du matériel, par exemple du matériel modulaire qui est livré en kit et qui doit être assemblé.
  • Le réseautage, c’est votre truc? Vous n’avez aucune idée de la façon dont nous avons besoin de personnes capables de relier les gens entre eux ou de créer des ponts entre des parties qui ont besoin les unes des autres.

Vous pensez peut-être que les musiciens n’ont pas d’argent pour payer qui que ce soit, alors comment cela peut-il générer quelque chose? Si vous êtes vraiment doué pour quelque chose, les gens voudront payer. Peut-être pas beaucoup au début, mais si vous faites un excellent travail, il finit par être remarqué. Quand j’ai lancé ce site et les services à plein temps, cela a commencé lentement et j’ai fait beaucoup de travail gratuit (ou à prix très réduit). J’ai pris beaucoup de temps pour établir des relations avec les clients, et j’ai fini par trouver des clients satisfaits qui m’ont recommandé à d’autres. Mon but est devenu de faire en sorte que mes clients puissent s’épanouir dans ce qu’ils font, à la fois en tant que créateurs de musique, mais aussi en tant qu’artistes qui peuvent briller dans leur communauté.

C’est pourquoi j’ai pris un groupe de personnes sous mon aile avec l’idée de les pousser comme s’ils étaient moi. Que puis-je faire pour cette personne qui puisse faire une différence dans sa carrière? Est-ce que cela leur apprend quelque chose? Est-ce que cela les met en contact avec des promoteurs ou des labels?

C’est alors que j’ai compris qu’une autre compétence que j’avais personnellement est le réseautage et l’établissement de contacts. Je suis un papillon social naturel lors des événements et c’est quelque chose qui peut rapporter à long terme, surtout dans ce que je fais.

La pandémie qui touche les événements rend très difficile de faire du réseautage efficace, mais touche aussi l’inspiration générale pour faire de la musique. L’isolement vous oblige à faire de la musique basée sur des souvenirs sans avoir la possibilité de la tester sur une foule… ce qui vous oblige à faire ce que vous aimez et à être simplement patient.

Voir les templates comme des graines.

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En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

Le cycle de l’inspiration

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La plupart des gens aiment discuter de musique techniquement en termes de production, car nous nous demandons tous par où commencer et comment gérer les idées pour faire une chanson. Je lis aussi beaucoup de magazines et d’articles qui expliquent comment le cerveau perçoit la créativité, où elle commence, comment l’invoquer et la maintenir active. Cependant, même si vous connaissez les techniques pour faire de la musique, demeurer inspiré peut devenir un défi. Je bataille aussi avec l’inspiration musicale, mais j’ai quelques conseils qui fonctionnent quand on se retrouve face au syndrome de la page blanche.

COMMENT FONCTIONNE VOTRE CYCLE D’INSPIRATION?

Cette vidéo sur l’utilisation du flux (zone, flow) est étroitement liée à l’expérience de l’inspiration. Regardons les choses de plus près.

Grâce à mes lectures et à mon expérience personnelle, j’ai remarqué que l’inspiration vient et passe par un certain nombre de phases, sous forme de cycle :

  1. La stimulation et la satisfaction de l’esprit.
  2. La conceptualisation.
  3. La lutte.
  4. Libération et créativité.
  5. Achèvement du projet.
  6. Transmission, validation.
  7. Célébration.

Dans la vidéo ci-dessus, la discussion porte sur le flux qui est un état d’esprit important pour atteindre le haut niveau de créativité auquel accèdent les athlètes et les musiciens au cours d’une performance. Vous pouvez également accéder à ce niveau de créativité en faisant de la musique dans votre studio. Mais avant d’entrer dans le studio, vous avez besoin d’une idée et d’un concept. Examinons les phases du cycle d’inspiration musicale que j’ai décrit ci-dessus :

LA STIMULATION ET LA SATISFACTION DE L’ESPRIT

Pour résumer cette phase, pensez à tomber amoureux de quelque chose. Pour l’écrivain, c’est un livre ou une description de scène. Le photographe s’enthousiasme pour un paysage, le jardinier, pour les arbres parfaits, et pour le musicien ce sont les sons et les chansons. Cette stimulation peut se produire n’importe où et à n’importe quel moment : dans votre voiture par exemple, ou dans de nombreux cas, lors d’une « célébration » d’une sorte ou d’une autre. Le cycle devient évident ici, parce que la dernière phase est la célébration de l’accomplissement de votre travail, mais cette phase peut aussi relancer le cycle et correspond à la première phase de stimulation.

Par exemple, beaucoup de gens pensent qu’ils veulent devenir DJ après une soirée spéciale dans un club. C’est un exemple de stimulation musicale qui donne le coup d’envoi du cycle de l’inspiration. Les gens aiment aussi célébrer l’art, à la recherche d’une sorte de nouvelle stimulation de l’esprit, être inspirés pour créer.

Décrivant son processus créatif, Mozart observe : « Je garde les idées qui me plaisent en mémoire, et comme on a pu me le dire, j’ai l’habitude de les fredonner. Si je continue de cette façon, écrit-il, il me vient bientôt à l’esprit comment je peux rendre compte de ceci ou de cela pour en faire quelque chose de bon… Tout cela met le feu à mon âme » (Harding, ).

L’esprit se sentira satisfait par certaines choses qui l’inspireront à rassembler différents éléments dans une collection qui mènera à la création d’un concept.

Conseil : Avant d’investir et de vous plonger dans la production, essayez de créer une collection de musique personnelle qui vous touche. Il peut s’agir d’une liste de lecture privée sur YouTube, Spotify ou Soundcloud, par exemple. Plus votre collection est riche, plus vous aurez de sources d’inspiration potentielles.

CONCEPTUALISATION

Comprendre votre concept est la clé ici, il s’agit de mettre en mots ce que vous avez en tête. Le syndrome de la page blanche en musique électronique est de faire face à des options illimitées, ce qui peut brider la créativité. Les idées et les concepts vous aident à vous encadrer et à créer vos sons dans une palette qui correspond à votre idée. Par exemple, le fait de savoir que vous voulez faire du « banging techno » vous donne déjà une direction quant à ce que vous allez faire. Le défi dans ce cas particulier serait de vous instruire et de comprendre comment les sons complexes sont enregistrés ainsi que d’autres détails techniques. La conceptualisation mène à la phase suivante qui est la lutte, une partie inévitable du processus créatif nécessaire à l’application de votre concept.

Je trouve qu’il y a deux choses principales qui aident à la conceptualisation :

  • Trouver un équivalent concret dans la vie réelle de votre vision, par exemple des chansons qui contiennent votre idée ou une partie de celle-ci.
  • Trouver des ressources pour vous aider à comprendre ce qu’est réellement votre idée.

Plus votre idée ou concept initial est clair, mieux vous pouvez l’expliquer. De là, vous pouvez trouver quelqu’un qui a l’expérience ou les outils pour vous aider à y arriver si nécessaire.

Conseil : L’utilisation de mémos vocaux pour enregistrer quelque chose que vous entendez ou pour vous laisser des notes est une pratique très utile. Si vous pouvez investir dans un microphone pour essayer de reproduire des sons avec votre bouche ou des objets trouvés, cette technique peut donner des résultats très intéressants.

LA LUTTE (Struggle)

La lutte est la phase dans laquelle beaucoup de gens ont l’impression qu’ils veulent arrêter de faire de la musique et même vendre tout le matériel qu’ils ont dans les cas extrêmes. Peut-être avez-vous déjà vécu cette lutte (elle peut se manifester de plusieurs façons), mais la meilleure approche pour gérer efficacement une lutte est de modérer ce que vous aimez faire, en réduisant le temps ou les efforts que vous consacrez à l’élaboration de votre concept.

Par exemple, au lieu d’être en studio pendant quatre heures, pourquoi ne pas en passer qu’une seule ? Que diriez-vous d’aller vous promener quand surviennent des idées négatives ? Il n’y a pas de précipitation à faire de la musique.

J’ai vu tant d’artistes rester bloqués dans cette phase en étant victimes d’abus de substances, ce qui est de loin la façon la plus risquée pour faire face au blocage de la page blanche. Si vous avez besoin d’une substance pour vous rendre créatif, vous en deviendrez rapidement dépendant.

Conseil : Ma drogue, c’est d’aller courir.

RLA LIBÉRATION ET LA CRÉATIVITÉ

Cette phase correspond au moment où vous criez : « Eurêka ! » Tous les détails techniques se mettent en place et vous pouvez vous exprimer entièrement. J’ai eu ce moment avec deux albums que j’ai fait, Tones Of Void et White Raven. Cependant, pour d’autres albums, j’ai travaillé sans relâche pour trouver un rythme qui me donne l’impression d’être inarrêtable. Je finissais les chansons en une journée, ce qui me prenait normalement des mois. Trouvez une recette, un patch, une série d’effets qui vous donnent des ailes pour transformer n’importe quoi dans le son que vous recherchez.

Pour moi, le moment « Eurêka » est facile à percevoir sur Tones Of Void. J’avais trouvé la série d’effets que j’aimais et je parcourais ma bibliothèque, puis j’ai facilement pu transformer 1-2 sons en une chanson complète. Je l’enregistrais en live, j’effectuais des modifications mineures et je me sentais entièrement satisfait de ce que j’avais. J’ai aussi vu des gens utiliser des synthés modulaires pour faire des patchs autogénératifs où les chansons s’écrivent d’elles-mêmes et c’est vraiment beau à voir.

Conseil : Cette phase n’est pas linéaire et se produit en quelques instants. Trouvez des moyens de sauvegarder vos outils et de comprendre ce qui élève votre travail.

ACHÈVEMENT DU PROJET

Beaucoup de gens ont du mal à terminer leurs projets. La vraie question est de savoir : quand est-il vraiment terminé ? Récemment, j’ai fait une liste d’éléments à vérifier pour vous donner une idée, mais vous pouvez aussi vous donner certains critères. J’aime l’idée que quelque chose n’est jamais vraiment terminé, et cela fait partie de son charme. Savoir que le prochain projet sera meilleur est une façon de laisser tomber tout ce qui a été révisé trop souvent.

Une fois que vous pouvez sauvegarder votre fichier et être satisfait, faites un back-up et cette phase est simplement terminée.

TRANSMISSION, VALIDATION ET CÉLÉBRATION

Vous savez quand vous aimez tant votre chanson que vous voulez la partager avec le monde entier ? C’est de cela qu’il s’agit dans la phase de célébration dont j’ai parlé tout à l’heure. Nous voulons que notre travail soit validé, mais il y a une partie de nous-mêmes qui veut aussi transmettre nos idées aux autres. Cela crée le désir de faire une « célébration » et de donner de l’inspiration musicale à d’autres.
Il y a cependant des gens qui craignent de partager leur musique. Ce n’est un secret pour personne que la plupart des musiciens recherchent l’approbation de leur communauté et la musique est un moyen de le faire. Ce qui empêche certaines personnes de partager leur travail avec d’autres, c’est la peur d’être critiqué. Cependant, la transmission et la validation sont nécessaires pour passer à « la célébration », qui est la fin d’un cycle, mais aussi le début d’un autre.

J’adorerais entendre vos histoires sur votre inspiration. Partagez, s’il vous plaît !

Ma musique ne me ressemble pas

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Est-ce que cela vous arrive ? Vous démarrez un projet avec une idée et une direction, « Je vais faire un morceau techno », vous démarrez une boîte à rythmes, vous mettez une ligne de base, vous commencez à jammer, à chercher des sons, à créer un groove, et une heure plus tard vous écoutez une boucle de 8 mesures qui sonne totalement différent de ce que vous avez décidé de faire. « Ma musique ne me ressemble pas ». Oui, ça arrive à beaucoup de gens, et ça peut être vraiment frustrant de faire de la musique qui vous est totalement étrangère.
Il y a une déception particulière qui vient avec le fait de ne pas être capable de faire le genre de musique que vous voulez créer. Beaucoup de producteurs avec qui j’ai travaillé parlent de commencer un projet avec une seule direction en tête, mais au fur et à mesure que le titre évolue, ils perçoivent les sons qu’ils ont choisis et l’émotion de la chanson comme complètement à l’opposé de leur direction originale.

Pourquoi est-ce que ça continue d’arriver ? Qu’est-ce qui se passe exactement ?

D’après ce que j’ai vécu moi-même, je comprends la confusion. J’aimerais suggérer d’examiner la situation d’un autre point de vue, qui, à mon avis, sera beaucoup plus positif et productif pour vous en tant que producteur. C’est une question de contexte.

Tout d’abord, nos humeurs et nos pensées changent constamment. Nous sommes dynamiques et il y a de multiples versions de nous. Ce que je veux dire, c’est que vous êtes une personne quand vous conduisez avec de la musique très forte, il y en a une quand vous écoutez de la musique lors d’une fête, il y en a une autre quand vous écoutez de la musique faite pour les écouteurs. Il y a une grande différence entre la personne que vous êtes en écoutant de la musique et la personne que vous êtes en faisant de la musique. Les deux comptent, les deux sont bien.
Astuce : dès que vous démarrez un projet, enregistrez-le immédiatement avec un nom qui décrit le genre ou la sensation de la chanson que vous voulez créer. Un nom aussi simple que « techno… » ou « house… ».

Il est utile de commencer vos productions avec un objectif et une intention claire à l’esprit, sinon, il est assez facile de s’éloigner. Cela étant dit, mon opinion personnelle est que la dérive est une bonne chose, et va de pair avec le fait d’être dans le moment, et plus en contact avec le VOUS qui est dans le studio à ce moment-là.
Si vous êtes vraiment en contact avec vos émotions ou si vous suivez les sons qui vous excitent, la dérive dans d’autres directions va se produire. C’est simplement un processus de découverte.

La façon dont je vois la musique est similaire à la naissance d’une étrange créature extraterrestre sortie de nulle part. Même si la musique que vous avez créée vous semble complètement étrangère, il est important d’être patient avec le matériel, car plus tard dans les phases de production ou de mixage, vous apprenez à apprivoiser doucement quelque chose de brut et de sous-développé en une créature évoluée avec une personnalité unique. Si votre musique sonne un peu différemment de ce que vous avez décidé de faire, je crois que c’est une bonne chose.

Si vous avez lu mes messages au fil du temps, vous savez que j’encourage fortement la Méthode Bonsaï, et l’habitude de ne pas passer trop de temps sur une piste. Travailler rapidement et finir rapidement aiguisera considérablement vos compétences en production, et vous serez un producteur beaucoup plus prolifique. Vous voulez que vos sons soient un peu bruts, incontrôlables et étranges. Ces sons sont les joyaux non sculptés que vous ne pouvez faire que lorsque vous cessez de vous censurer. C’est ce que vous recherchez.

EMBRASSER LES RÉSULTATS INATTENDUS, ET EMBRASSER LE CHANGEMENT.

Imaginez le nombre d’idées avec lesquelles vous aurez à travailler si vous commencez 20 pistes à partir de zéro plutôt que d’essayer de polir une chanson pendant 20 heures. Passer trop de temps sur un titre enlèvera souvent au côté brut de votre enregistrement initial. Cette vivacité est précisément le son qui nous a excité en premier lieu, et il est important d’embrasser ces bruits, rythmes et grooves innatendus. Enlever tout le charme brut de votre matériel pourrait être comparé au photoshopping du corps d’une belle et naturelle femme adulte dans la minceur d’un enfant pour atteindre une certaine mesure de perfection. Voici quelques conseils essentiels pour bien démarrer vos pistes.

VOTRE TRAVAIL EST CE QUE VOUS VOULEZ QU’IL SOIT.

En tant que personne, nous sommes en constante évolution, et nos goûts musicaux évolueront également. C’est idéal que votre musique vous soit étrangère et progresse tout en comprenant que votre progression peut se produire dans un ordre que vous ne pouvez pas prédire. Au fil du temps et du travail, ce que vous êtes vraiment en tant que musicien commencera à prendre forme.

Entendre la musique que vous avez faite dans le passé, c’est comme regarder des images de vous-même d’une autre époque. Ça laisse une empreinte. Regardez les photos de vous-même du passé et repérez celles que vous aimez. Elles peuvent être esthétiquement bonnes, mais je parie que vos images préférées seront celles qui rappellent un moment particulier de votre vie. Voyez-le avec les sons bruts et originaux que vous trouvez. Ceux qui sont audacieux sont les sons qui se démarqueront au fil des années et vous apporteront peut-être une attention inattendue.

Astuce : Exportez une version de votre piste avant d’enregistrer et de fermer votre projet. Comparez son évolution. Partagez-la aux personnes qui vous connaissent. Voyez ce qui les fait tripper.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de cet article, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

VOIR AUSSI : Analyse d’une track de référence.

8 erreurs courantes de mix et production audio

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Depuis le lancement de mon label et après des années à recevoir un grand nombre de démos et d’artistes, j’ai remarqué que la plupart du temps, les nouveaux producteurs et musiciens font le même genre d’erreurs lorsqu’ils sont au début de leurs années de production audio. Quand j’ai commencé mon studio à plein temps, j’ai aussi remarqué que j’avais — pour la plupart — les mêmes questions et frustrations au sujet de la production audio sur une base régulière. Cet article présente une liste des erreurs de mix les plus courantes et des erreurs générales que les musiciens commettent lorsqu’ils commencent à jouer.

LES ERREURS LES PLUS COURANTES QUE JE VOIS DE LA PART DES MUSICIENS EN CE QUI CONCERNE LE MIXAGE ET LA PRODUCTION AUDIO :

NE PAS INVESTIR DANS DE BONS MONITEURS (HAUT-PARLEURS, ÉCOUTEURS).

C’est une des choses les plus importantes. Vous dépendez de ce que vous entendez pour obtenir des résultats de qualité. C’est toujours un peu déroutant pour moi, que certaines personnes ayant un monitoring médiocre espèrent rivaliser avec des artistes qui ont tant investi dans un studio professionnel. Si vous n’entendez pas ce que vous faites, c’est un peu comme travailler à l’aveugle et les résultats sur de bons systèmes sonores seront catastrophiques. Tant de gens vont tester la musique dans leur voiture pour voir si elle est bien faite, ce qui est en quelque sorte correct, mais pas productif.

Ce que je suggère, c’est d’essayer de passer un après-midi à écouter de la musique que vous connaissez sur différents haut-parleurs. N’investissez pas dans des moniteurs bon marché parce que c’est tout ce que vous pouvez vous permettre. Cela vous causera de nombreux problèmes en cours de route. Faites confiance à vos oreilles.

UN MANQUE DE RÉFÉRENCES

Vous ne pouvez pas produire de la musique de qualité si vous n’avez pas été exposé à de la musique de qualité. Cela signifie que vous devez avoir en votre possession une grande bibliothèque de musique pour écouter, mais aussi pour passer autant de temps à écouter de la musique qu’à la produire. Plus vous vous immergez dans une musique qui sonne bien, plus vos oreilles se familiarisent avec la façon dont les choses doivent sonner. Cela peut signifier écouter des vinyles ou des fichiers .wav de bonne qualité.

Ce que je suggère, c’est d’avoir des sessions régulières d’écoute, de manière attentive ou en fond sonore. Les deux sont importants. Faites une liste de lecture sur Spotify ou sur votre ordinateur, de musique que vous connaissez bien et entraînez vos oreilles à connaître cette musique dans ses moindres détails.

FAIRE TROP SOUVENT DES COMPARAISONS AVEC DES MUSICIENS PROFESSIONNELS

C’est l’inconvénient du référencement, car il peut vous jouer des tours. Je connais des gens qui ont des goûts étonnamment bons en musique et qui veulent commencer à produire, mais lorsqu’ils commencent à voir le travail qui les attend, ils deviennent vite frustrés. Si vous vous comparez à un artiste qui tourne depuis 20 ans, il y a de fortes chances que vous vous prépariez pour une défaite.

Ce que je suggère, c’est de se concentrer davantage sur l’expérience de faire de la musique que sur le résultat, au début.

PENSER QU’IL EST FACILE DE FAIRE DE LA MUSIQUE

On ne peut blâmer personne d’autre que la culture générale qui dit depuis des années que « faire de la musique électronique », c’est « appuyer sur quelques boutons ». Les gens voient un DJ avec les poings en l’air et ils pensent « Je pourrais faire ça…. ». Cet état d’esprit vous donnera un réveil brutal quand vous commencerez à travailler dans un DAW et à plonger dans la conception sonore. La musique électronique n’exige pas les mêmes compétences que le piano, mais elle sera exigeante en termes de détails techniques. Il y a tellement de possibilités que vous pouvez devenir fou en essayant de savoir par où commencer. Malheureusement, beaucoup de gens s’en rendent compte et deviennent déprimés.

Ce que je suggère avant de plonger dans la production musicale, c’est d’essayer de se lier d’amitié avec un producteur et de passer du temps en studio pour voir si vous appréciez vraiment cela. Regardez des vidéos sur la création musicale pour voir si vous voulez vous lancer également.

INVESTIR TROP, TROP VITE

Je pense au gars qui décide un jour de faire de la musique et qui revient à la maison avec 5000 $ d’équipement sans savoir s’il l’aime ou s’il sait ce dont il a besoin. Voyez d’abord ce que vous aimez faire, puis investissez autour de cela. La production musicale a tellement de dimensions différentes qu’il est important de connaître votre tasse de thé. Le DJing ? Vous aimez les synthés ? La conception sonore ? Faire des boucles ? Il y a des pièces d’équipement dont vous avez besoin en premier, comme je l’ai expliqué dans un article précédent, mais vous n’avez sûrement pas besoin de tout ce que vos amis vous diront d’acheter.

Ce que je suggère a été écrit dans un article précédent sur ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer. On me demande souvent ce dont vous avez besoin pour commencer à faire de la musique : un ordinateur portable et un casque d’écoute, c’est tout ce dont vous avez besoin au début. Construisez autour de ça.

LA RECHERCHE DU « SUCCÈS » AVANT D’ACQUÉRIR LES COMPÉTENCES

C’est un classique. Savoir ce que l’on aime est une chose, savoir ce que l’on fait le mieux en est une autre. Nous avons tous certaines compétences qui semblent naturelles et qu’il faut parfois explorer pour toutes les découvrir. Planifier sa carrière de DJ sans avoir fait quelques gigs et releases, c’est prendre un peu d’avance sur soi-même. Prenez votre temps, appréciez le plaisir de faire de la musique et le succès pourrait venir sur la route. La recherche du succès peut être comme poursuivre un mirage.
Ce que je suggère, c’est de se concentrer sur l’amour de faire de la musique avant toute autre chose. J’encourage souvent les gens à commencer avec peu de choses comme faire de la musique pour des amis ou partager avec des DJs locaux. Si vous construisez un réseau de 5 à 10 personnes, c’est suffisant pour construire lentement votre confiance en vous-même et finalement émerger au bon moment.

UN MANQUE DE PATIENCE

Faire des sons et de la musique de qualité, c’est comme brasser du vin ou de la bière : cela demande du temps, de la patience et une sorte d’isolement personnel pendant un certain temps. Il est important de vous empêcher de partager votre travail avec le monde entier avant qu’il ne soit vraiment terminé. Le maitre mot dans la production musicale est la patience et c’est la même chose pour tous ceux qui veulent passer à un autre niveau.

TECHNIQUES DE PRODUCTION AUDIO INADAPTÉES

Si nous parlons de technologie, ce sont des choses que je trouve toujours dans le travail des nouveaux producteurs. Vous pouvez peut-être commencer à changer vos techniques si vous vous reconnaissez dans cette liste.

  • Un manque de samples de qualité.
  • Ne pas utiliser d’EQs/compression. Celui-ci me surprend toujours.
  • Utiliser trop d’instances d’un effet au lieu d’utiliser les Sends/AUX.
  • Ne pas utiliser au moins un EQ or compresseur de très bonne qualité. Ils font vraiment une différence.
  • Ne pas utiliser de plug-in de channel strips dans le DAW.
  • Pas de mono pour la basses ou quoi que ce soit en dessous de 130hz..
  • Ne pas utiliser de swing/grooves.
  • Être à côté la plaque avec la saturation. Soit il n’y en a pas du tout, soit avec des outils qui ne font pas le travail. Obtenez-en une gratuitement pour avoir un bon kit de départ.
  • Manque de postproduction sur les sons. Chaque fois que vous pensez en avoir fini avec une chanson, vous vous rendez compte qu’il y a un certain nombre de détails que vous avez négligés. La route semble souvent sans fin…. parce qu’elle l’est.
  • Couper le kick trop souvent dans une piste. Cela tue l’énergie, surtout si vous avez de longues pauses sans kick.
  • Ne pas laisser aller les choses. Parfois, une simple idée peut porter une piste pendant un certain temps, mais vous devrez laisser les gens s’enfoncer dans leur esprit, alors pour ce faire, vous devez avoir confiance en ce que vous faites et laisser-aller. Trop souvent, les nouveaux arrivants craignent que l’auditeur s’ennuie et ils continuent d’ajouter ou de changer des choses.

Vous pouvez aussi demander de l’aide et je mettrai à jour cette liste avec plaisir !

La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes

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La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes, comme je l’appelle, consiste à créer des prévisualisations de pistes d’une durée de 2 minutes. Pourquoi cette longueur ?

Si vous regardez la plupart des previews de tracks que les labels et les artistes partagent en ligne, ils durent environ 2 minutes. Ce standard non officiel est devenu populaire pendant les premiers jours de Soundcloud quand on a découvert un petit problème impliquant la possibilité de télécharger des pistes complètes à partir du site : pas le fichier de résolution complète, mais la version streaming, qui est de très mauvaise qualité. Beaucoup de morceaux ont circulé de cette façon et c’est fou de penser que certaines personnes ont utilisé ces versions pour les jouer dans des podcasts ou même en clubs !

Alors, pourquoi poster des morceaux de 2 minutes ?

Beaucoup de labels recherchent les artistes en naviguant sur leur page Soundcloud et ce n’est pas bon signe si la page est vide. En conséquence, certains artistes ont commencé à créer de « fausses » chansons, comme des morceaux de 2 minutes, souvent avec des artworks créés à partir d’une application en ligne. Le résultat fou de ce comportement a été que certaines personnes/labels ont commencé à demander aux artistes de sortir certains de ces morceaux de deux minutes, ce qui a forcé les artistes à les terminer.

L’avantage de l’upload de mini-pistes de 2 minutes est que si quelqu’un vous contacte au sujet d’une piste, vous saurez ce qui fonctionne le mieux à partir de toutes les pistes que vous avez en ligne. Ceci est particulièrement utile si vous avez un grand nombre d’esquisses et que vous vous demandez lesquelles ont le plus de potentiel. L’inconvénient de cette approche, si elle est mal faite, c’est qu’elle peut vraiment se retourner contre vous et vous faire paraître (très) peu professionnel.

Cela dit, si votre but est d’obtenir une certaine attraction en ligne, cette méthode peut vraiment être efficace. Certaines personnes ont aussi besoin de motivation et d’orientation pour faire avancer les choses, alors cette approche pourrait être bonne si vous êtes l’un de ces artistes. Voici quelques conseils sur la façon d’aborder cette question de manière efficace, afin d’en tirer le meilleur parti :

Utilisez les pistes en cours pour éviter d’être pris par des demandes inattendues. Plus vous êtes avancé dans les arrangements, mieux c’est. Vous pouvez utiliser une base complexe de 2 minutes comme moyen de trouver les idées finales de votre piste. Télécharger une boucle très simple n’est pas une bonne idée, car elle peut sembler complètement vide.

Assurez-vous qu’il est bien mixé. C’est peut-être la partie la plus difficile, mais assurez-vous que le mix est solide. Utiliser une certaine compression et avoir un limiteur sur le master pour coller le tout ensemble.

Assurez-vous que l’idée principale de la piste est exposée dans l’aperçu. Ce que je veux dire ici, c’est que si quelqu’un écoute votre preview, il aura une idée de la chanson. Si vous avez besoin d’un meilleur exemple, allez sur decks.de et écoutez des extraits de disques pour voir ce que je veux dire.

Avoir quelque chose de fort à dire. Assurez-vous que votre boucle est excitante, qu’elle contient quelque chose de spécial et qu’elle comporte un élément mémorable qui pourrait donner envie d’en entendre davantage. C’est l’aspect le plus critique de votre piste de 2 minutes.

Essayez d’avoir des idées de chansons très différentes les unes des autres. Si vous avez trop d’avant-premières qui sonnent toutes exactement pareil, c’est un peu comme avoir une palette de couleurs avec une multitude de variations beiges ; avoir des couleurs différentes, mais garder une esthétique qui est en accord avec votre style.

S’assurer que le mixdown est solide, puis normaliser. Si vous n’utilisez pas de limiteur, exportez le tout normalisé, cela créera une version plus forte.

Limitez le nombre total de pistes sur votre page Soundcloud. Essayez de ne pas dépasser un nombre entre 10 et 15 tracks. Pourquoi ? Parce que vous ne voulez pas être cet artiste qui a des millions de pistes non signées non plus. Enlever les plus anciens et enlever ceux qui n’ont pas de commentaires ou pas de likes. Ce n’est pas bon pour l’élan (voir mon article précédent).

Indiquez si la piste n’est pas signée. Faites savoir aux gens que le morceau n’est pas signé ou masterisé ; cela aide à clarifier les choses pour ceux qui l’écoutent.

Alors, quand terminer un de ces morceaux de 2 minutes ? Vous devriez décider de la finir lorsqu’il génère une sorte de buzz. Si un DJ vous demande une copie d’un titre pour un podcast, cela peut être aussi important que si un label voulait le signer. Si quelqu’un s’intéresse à votre piste, ne dormez pas dessus ! Faites-moi part de vos résultats !

Comment filtrer vos meilleures idées ?

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Je suis toujours à la recherche de façons d’améliorer ce que je fais et de mieux servir mes clients. Je continue de m’améliorer jour après jour. J’ai lu beaucoup de choses et j’aime particulièrement lire des articles d’entrepreneurs qui m’aident à tirer des leçons de la réussite des autres et à m’inspirer de leurs succès. Quand je tombe sur un article qui me fait tilter, je veux le partager. Un de ces moments est venu d’un article que j’ai lu sur la façon de transformer une idée géniale en entreprise. À travers de nombreux domaines différents, la musique, la technologie, etc. un seul schéma est vrai dans tous les domaines : les meilleures idées vous viennent de façon que vous ne pouvez pas toujours prédire.

Autre chose qui est vrai, pour générer des idées, il faut commencez par un brainstorming.

Dans le monde de la musique, je traduirais cela par un jam. N’ayant aucune direction particulière en tête, vous commencez par bidouiller et essayer tout et n’importe quoi. Faites des sons, appuyez sur les boutons, tournez les boutons, écoutez l’effet de ceci et cela, essayez de nouvelles techniques pour la première fois. Dans un article précédent, je vous avais invité à utiliser YouTube pour découvrir quelque chose de nouveau ou utiliser une nouvelle démo de synthétiseur et enregistrer le résultat.

Jammer librement. On sait que Prince passait du temps dans son studio tous les jours à faire beaucoup de bruit, simplement pour essayer de nouvelles choses, essayer de nouveaux jams, et enregistrer ces expériences qui ont abouti à un monument de musique que personne n’entendait, sauf lui. Je vous encourage à ajouter ceci à votre routine quotidienne, soit très tôt le matin ou en fin d’après-midi.

Pour en revenir à l’article qui m’a fait tilter, le processus de génération d’idées devrait impliquer les deux étapes suivantes :

  1. Séance créative.
  2. Période d’analyse.

L’article indique que le cerveau a beaucoup de difficulté à créer et à analyser en même temps. Au moment de la création et de la découverte, notre cerveau utilise beaucoup d’énergie pour se concentrer sur l’écoute active. Dans cet environnement désordonné et incontrôlé, nos cerveaux sont orientés dans une direction, nous sommes dans la zone. La pièce manquante du puzzle pour moi était de lire que nos cerveaux ont un moment très difficile quand on leur demande de créer et d’analyser en même temps. Ça ne marchera pas dans les deux sens.

C’est pourquoi il est recommandé de séparer les deux tâches, de créer librement un jour, puis d’analyser le matériel le lendemain. Cela expliquerait aussi pourquoi, le plus souvent, quand nous écoutons ce que nous avons fait à notre première session, nous trouvons que finalement c’est tout nul.
Le mot-clé ici est — le plus souvent.

Cela confirmerait aussi ma théorie selon laquelle passer trop de temps en studio est contre-productif parce que sans un changement de perspective, vous n’avez pas assez de recul pour évaluer objectivement vos efforts.

Au fil du temps, j’ai expliqué inlassablement ce processus à d’autres personnes qui avaient du mal. J’ai aussi appris qu’il est parfois préférable de les laisser apprendre par eux-mêmes, à leur propre rythme. Cela confirme l’idée que le processus créatif est très personnel et qu’aucune personne n’apprendra ou ne se développera pas au même rythme.

Session 1 : jammez, amusez-vous, explorez, échouez, réussissez, recommencez.
Session 2 : passez en revue tout ce qui a été enregistré et isolez les idées potentielles qui se démarquent et sont utilisables.
Session 3 : parcourrez les idées isolées. Travaillez autour d’une.
Alternez.

En d’autres termes, essayez d’alterner entre flux créatif et analyse, autocritique et travail plus technique.

Votre cerveau ne peut faire qu’une chose à la fois, pourquoi faire de l’analyse quand vous êtes créatif et pourquoi être créatif quand il est temps d’être autocritique. La principale chose à laquelle vous vous référerez en tant que partie analytique est d’écouter ce qui sonne bien pour vous.

CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER. CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER.

Quand j’étais petit, aller au restaurant avec mes parents était souvent synonyme d’utiliser des crayons et du papier pour dessiner des trucs et gribouiller pendant que nous attendions notre repas. Pour moi, un bout de papier vierge est fait pour être sali. Tout est possible, et j’ai toujours trouvé facile de commencer. Notre jeu préféré était celui où l’on dessinait un truc méconnaissable et où l’on passait le papier à l’autre.

Le deuxième joueur avait la tâche difficile de transformer ce désordre de lignes, de formes et de cercles en quelque chose de reconnaissable comme une voiture, un oiseau ou quelque chose qui demande un peu de temps et d’imagination. Jusqu’à ce jour, j’ai toujours pensé que cet exercice était l’une des tâches les plus créatives que j’aie jamais faites.

Voici donc une autre façon d’aborder la question : prenez quelque chose de totalement aléatoire, même si vous ne voulez vraiment pas travailler avec, quoi que ce soit, et essayez d’en faire quelque chose d’utilisable. Faites une boucle, faites un son jouable, prenez quelque chose de terrible et poussez-vous à y trouver quelque chose d’utilisable. J’ai fait un EP complet il y a quelque temps, où je me forçais à travailler avec des sons et des enregistrements qui n’avaient aucun sens. Il s’avère que c’est un bon exercice, mais aussi très utile, car vous ne dépendez pas seulement d’un bon matériel pour être efficace avec ce que vous avez.

VOIR AUSSI : Le piège du modulaire

S’imposer des règles pour l’arrangement

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Lorsqu’on se heurte à un mur, il peut être pénible d’avancer et de passer au-dessus. C’est un jeu mental de volonté et de force contre l’effort créatif. Ce qu’il faut savoir : attendre un bref moment d’inspiration et de créativité perdra toujours le bénéfice d’un travail acharné et constant. Ça doit être aussi dur que ça tout le temps ? Y a-t-il un moyen de surpasser les tâches plus difficiles et plus longues ? Je suis la voix que vous entendez dire oui. Et c’est plus facile que vous ne le pensez.

Au fil des ans, en tant que producteur, je n’ai jamais cessé d’apprendre des autres et de trouver des moyens d’améliorer mes compétences et ma technique dans tous les domaines de la production musicale. Je vais partager avec vous une chose que j’aurais aimé avoir apprise plus tôt : créer et s’imposer des règles pour les arrangements. Des règles ? Quoi ? Je vais vous expliquer.

Pour beaucoup de producteurs, le moment où vous arrangez vos morceaux semble être quelque chose que vous n’attendez pas avec impatience. Je comprends, je suis passé par là. J’entends toujours dire que la vibe et l’âme du morceau semblent changer de manière moins excitante quand vous vous asseyez et que vous commencez à l’étaler. On m’a souvent dit : quand j’arrive à ce coin de rue, la fête est finie. Mais n’arrêtez pas la musique tout de suite.

JE RÉUSSIS ET JE SUIS PROLIFIQUE EN TANT QU’ARTISTE PARCE QUE J’ACCOMPLIS LES TÂCHES DIFFICILES. JE NE ME CACHE PAS DES TÂCHES QUE J’ÉVITAIS DE FAIRE. J’Y VAIS TOUT DE SUITE ET JE COMMENCE PAR LES TRAVAUX LES PLUS DIFFICILES. JE LES AI AFFRONTÉS D’UNE MANIÈRE QUI N’EST PLUS DOULOUREUSE OU ENNUYEUSE. L’UTILISATION DES RÈGLES N’EST PAS COMME VOLER EN PILOTE AUTOMATIQUE, BEAUCOUP DE DÉCISIONS DIFFICILES SONT PRÉ-DÉCIDÉES POUR MOI.

 

Cela peut sembler trop facile, ou de pur brio, mais les gens du monde entier utilisent ce processus pour décharger le dur labeur mental de prendre des décisions pour arriver à la ligne d’arrivée plus rapidement. Si vous voulez obtenir des résultats plus cohérents et plus impressionnants, lisez la suite.

(vous savez qu’il s’agit d’une priorité clé dans tout mon blogue, trouver des moyens de maximiser votre créativité et votre efficacité, en organisant notre flux de travail pour passer moins de temps sur le quotidien prenant, et plus de temps sur les parties enrichissantes et excitantes de notre travail)

Parlons de vous imposer des règles internes. Ma définition des règles serait la suivante : utiliser certaines techniques pour créer une structure de chanson engageante. Et n’oubliez pas — les règles peuvent être enfreintes plus tard, mais vous trouverez qu’il est beaucoup plus utile de commencer rapidement et de faire des progrès rapides plutôt que de commencer lentement à partir de zéro.


Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un auditeur peut être attiré par votre chanson — la qualité du mix, une superbe loop, l’accroche du hook, etc. La plupart des gens admettront qu’ils sont attirés par une chanson (ou avoir une chanson dans la tête) par la structure narrative de l’arrangement. La création d’un arrangement serré et bien séquencé est l’un des domaines où de nombreuses personnes ont du mal à réussir. Leurs chansons manquent de corrélation, c’est-à-dire la combinaison de la répétition contre le changement. C’est un domaine de l’écriture de chansons où les règles peuvent aider énormément en prédéfinissant comment chaque son peut être utilisé.

Voici quelques exemples de règles que j’utiliserai :

  1. Direction : ce projet est-il pour le club, pour le casque, pour un projet de cinéma ? Sachant cela, chaque choix qui s’ensuivra sera dicté.
  2. Définition des sections : c’est une partie cruciale, que je vais définir comme une partie de la piste où une idée est utilisée d’une certaine manière, et vous passerez d’une section à l’autre, en entendant une différence claire et perceptible. Selon le genre, certains arrangements sont serrés, couplet, refrain, couplet, refrain, refrain, pont, couplet, etc. Beaucoup d’arrangements s’en tiennent à une formule répétitive, ce qui dans ce cas-ci est une bonne chose, car nous écoutons et savons rapidement à quoi nous attendre. C’est ici que vous pouvez ajouter et créer des variations aux sons qui peuvent augmenter l’intensité de manière puissante pour l’auditeur.
  3. La séquence de percussions : Cette séquence est-elle la même sur 8 ou 16 mesures ? Comme précédemment, vous voulez créer un motif stable qui se répète et qui peut supporter les autres éléments de votre piste. L’avantage d’utiliser des structures répétitives est qu’il suffit d’un petit changement pour introduire un grand changement, qui saura captiver l’oreille de l’auditeur tout de suite, et créer une anticipation pour la partie suivante. Des hats ou des claps sont souvent utilisés pour créer cette variation.
  4. Séquence de blocs et couleur : S’il y a une variation dans la même piste pour un son, je recommande fortement de changer les couleurs des blocs pour indiquer cette différence. C’est amusant et efficace de placer vos blocs dans un motif visuel, bleu-rouge-bleu-rouge-rouge-rouge-bleu-orange.
  5. Blocs superposés : C’est le prolongement naturel de la règle précédente. Imaginez que vous avez deux pistes, chacune ayant ses propres séquences de couleurs, votre motif visuel peut être créé en combinant les deux. C’est très utile lorsque vous voulez que deux sons différents s’appellent ou se répondent l’un l’autre. Vous les verrez l’un au-dessus de l’autre, comme une paire.
  6. Taille des blocs : J’aime faire une séquence pour mes kicks et ensuite les consolider (Cmd + J). Cela va créer un bloc plus grand que je vais dupliquer jusqu’à la fin. Maintenant, je peux exiger que ces blocs ne changent pas du tout, ce qui me permet de concentrer mon énergie sur la création de variations pour mes blocs de percussion plus courts. Imposer des tailles de blocs est l’un des moyens les plus libérateurs pour accélérer le processus d’arrangement !
  7. Blocks statiques vs blocks lives : Vous constaterez que chaque piste que j’ai inclura des éléments individuels qui sont un enregistrement audio de quelques manipulations live. Pour moi, ces blocs sont « Live » (vivants) tandis que ceux qui n’ont pas de manipulation sont « sleepy » (statiques). Vous pouvez décider d’avoir un certain rapport entre les vivants et les statiques.
  8. Rapport de perspective : Peut-être mon préféré. Alors qu’un ratio en tiers est habituel (ex. intro, milieu, fin), vous pouvez aussi en avoir plus, mais chaque ratio doit être de la même longueur plus ou moins. Le nombre de sections qui convient dépend vraiment de vous.
  9. Pourcentage de surprises : simple n’est-ce pas ? Combien de surprises donnerez-vous à l’auditeur ? Un trop grand nombre diminuera l’impact alors qu’un trop petit nombre pourrait ne pas engager suffisamment et ils trouveront votre morceau ennuyeux.
  10. Silences : élément très important. Les silences dans la musique peuvent donner une grande puissance aux notes jouées. Vous aurez besoin d’au moins un petit moment où vous donnerez de l’air à votre mix en ajoutant des silences à une pièce. Pensez de façon créative à la manière dont vous voulez créer de l’espace dans votre séquence.

 

Comme vous pouvez le voir, les règles que vous pouvez créer et appliquer à votre piste peuvent être tout ce que vous souhaitez. La meilleure partie sur l’utilisation des règles dans votre flow de travail est que vous allez considérablement accélérer les choses en déchargeant une grande partie du travail de devinette mentale à un processus qui a déjà été prédécidé. Tout cela signifie plus de plaisir en studio, plus de musique finie, ce qui est une situation gagnant-gagnant sous tous les angles.

VOIR ÉGALEMENT : The Science Behind Tracky Music

Quand le DIY devient un obstacle

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Je veux vous parler du DIY (bricolage), c’est-à-dire de l’approche do-it-yourself pour faire de la musique. Certaines personnes ont le désir de commencer des projets massifs où elles créent tout elles-mêmes, à partir de zéro. Ils sont à la recherche de samples, ils enregistrent des bouts de ceci et de cela, ils passent des jours à écrire et réécrire des mélodies. Ils font tout eux-mêmes, et cela prend une éternité s’ils ne se laissent pas submerger et ne finissent pas par abandonner le projet. C’est alors que le DIY devient un obstacle.

Cela me rappelle la vidéo qui a parcouru Internet à propos de ce gars qui décide de faire un sandwich à partir de zéro et de créer tous les éléments nécessaires tout seul. Il ramasse le sel de la mer, trait la vache lui-même, apprend à faire du pain, etc. Alerte spoiler — quand le gars mange enfin le sandwich (qui lui a coûté près de 1500 $ en dépenses) le résultat était quelque peu médiocre, et décevant.


Les gens qui se spécialisent font « leur truc » mieux, plus vite, avec de meilleurs éléments, des outils, de la finesse et de l’expérience qui font souvent la différence. Dans le studio, c’est la même chose. Je suis sûr qu’il y a des domaines de la production et de l’écriture musicale que vous n’appréciez pas plus que ça et d’autres que vous pourriez faire toute la journée. Si nous laissons les obstacles nous frustrer et détruire notre énergie mentale, l’effet peut être très néfaste.

Il ne faut pas écarter les obstacles de notre chemin. Les obstacles sont le chemin. (Proverbe bouddhiste)

Vous voyez peut-être où je veux en venir avec ça, car je suis un grand fan de la collaboration musicale et de la productivité en studio. C’est un grand sentiment que de pouvoir avancer rapidement dans vos productions lorsqu’une personne peut participer avec ses forces dans un domaine et vice versa, alors la question est : comment tirer le meilleur parti de vos compétences tout en profitant de l’aide ?

Trouvez ce que vous aimez faire. L’identification de vos forces fera une grande différence dans votre confiance et votre compréhension de vous-même en tant qu’artiste. C’est une tâche à laquelle beaucoup de gens que j’entraîne et avec qui je parle oublient. Est-ce que votre truc est la conception sonore, le mix, la recherche du set de samples parfait ? Les tâches axées sur la production où vous êtes le plus actif et le plus engagé sont là où vous trouverez votre force. D’un autre côté, il est important de comprendre les domaines dans lesquels vous êtes moins à l’aise et moins doué et de garder cela en tête lorsque vous collaborez avec les autres. Si vous pouvez vous spécialiser dans ce que vous faites le mieux, vous serez un atout précieux pour tous ceux qui ont de la difficulté dans ce domaine.

Investissez en vous-même. Quel que soit le domaine dans lequel vous êtes le plus à l’aise, envisagez d’acquérir le meilleur équipement et les meilleures connaissances de cette spécialité. Par exemple, si le mix est votre force, vous devriez absolument suivre Pensado sur YouTube pour en apprendre le plus possible sur le mixage, et vous renseigner sur les plug-ins kick-ass utilisés par les pros. Trouvez votre modèle dans ce domaine et étudiez ce qu’il/elle fait, quel équipement il/elle utilise, comment il/elle l’utilise et surpassez-le ! Découvrez qui sont ses mentors, et ainsi de suite. Si vous parvenez à savoir qui influence votre modèle, vous gagnez en influences critiques.

Surveillez votre ego. Vous êtes-vous déjà vu en train de dénigrer une technique ou un outil parce que vous pensez qu’il n’est pas fait pour vous ? Combien de fois avez-vous rejeté quelque chose sans même lui donner une chance ? Si vous le pouvez, pensez que si vous avez évité certains plug-ins comme les channel strips ou un compresseur spécifique, peut-être même un DAW sans aucun argument pour le faire. En outre, si quelque chose est considéré comme « mauvais », il est important de comprendre la différence avec ce qui est considéré comme bon et de faire votre propre opinion après avoir examiné les faits. J’ai été surpris de lire des choses que les gens ne devraient pas utiliser sur des outils comme la compression multibandes, qui est l’un de mes préférés pour le sound design en ce moment. Pour une raison ou une autre, les producteurs de rock semblent détester la compression multibandes, mais je ne comprends pas pourquoi quand vous voyez ce qu’il est possible de faire avec entre de bonnes mains.

Comme toujours, votre opinion est appréciée et la discussion reste ouverte.

JP