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Comment composer de manière constante?

septembre 28, 2022/dans Blogue/par pheek

J’ai toujours été intéressé par l’industrie de la restauration et en particulier par le processus d’attribution des récompenses, comme les étoiles Michelin. Il existe un certain nombre de critères qui permettent de déterminer si un chef va obtenir une étoile et je trouve qu’il est possible de s’inspirer de ces points pour les appliquer au travail d’un producteur de musique. Bien qu’il n’y ait pas de notes écrites sur les critères, ce que nous savons, c’est qu’il y a des points clés tels que la capacité, la qualité et la personnalité du chef. Cependant, un point qui ressort vraiment est la constance.

C’est un sujet qui revient souvent avec mes clients. Tous rêvent de trouver une formule qui garantira que chaque chanson est bonne et que chaque fois qu’ils entrent en studio, quelque chose de valable sortira du temps investi. Il existe des moyens directs d’y parvenir, mais je vais détaillerai également quelques points peuvent être un peu troublants.

GESTION DES ATTENTES

Il est toujours un peu difficile de parler des attentes avec les clients. Il y a quelques points à garder à l’esprit à ce sujet. Tout d’abord, de nombreuses personnes sont d’abord passionnées de musique et comptent sur ce passe-temps pour de multiples espoirs tels que l’acceptation et la validation de leur communauté ou de leurs idoles. Cela suffit à créer de grands objectifs, ce qui crée un stress qui peut entraver la créativité et la productivité. Il en va de même pour d’autres producteurs qui ont sorti de la musique et ressentent une pression pour en faire plus, mais ils sont confrontés à certaines tensions vis-à-vis de ce qu’ils font : sentiment d’être inadéquat, de se heurter à des limites techniques, comparaisons injustes avec d’autres, etc.

Personnellement, je ne crois pas vraiment qu’il soit humainement possible d’avoir des séances positives constantes en studio, où vous êtes 100 % heureux de votre musique. Pour ceux qui y arrivent, je me demande aussi si c’est vraiment amusant, car à long terme, cela peut être très stressant et fatigant.

Ainsi, plutôt que d’avoir une constance parfaite dans la musique, je pense qu’il est préférable de changer d’approche pour définir les conditions de votre victoire. Dans l’article Définition de fini, nous avons expliqué comment se fixer des objectifs précis pour reconnaître quand on a terminé un projet tout en acceptant les imperfections avec lesquelles on peut vivre. Mais les conditions de victoire sont légèrement différentes, tout en restant très proches.

Par exemple, j’ai connu des musiciens professionnels qui se forçaient à aller au studio tous les jours et à faire au minimum une chanson. Comme je travaillais avec eux, j’ai eu l’occasion d’écouter et je dois dire que je trouvais que les chansons qu’ils me présentaient étaient intéressantes environ 5 % du temps (il y en avait beaucoup). Nous en avons parlé et nous avons constaté que non seulement il n’était pas heureux de la situation ni du résultat, mais qu’il se rendait compte qu’il ne réalisait pas ce qu’il espérait. Nous avons donc travaillé ensemble pour modifier son flux de travail et ses attentes.

J’ai proposé ma technique de création musicale non linéaire dans laquelle il travaillerait sur plusieurs pistes à la fois au lieu d’une seule chanson à la fois. J’ai également demandé ce qu’il aimait le plus faire afin de m’assurer que cette partie représenterait au moins 50 % de son temps de studio. Dans son cas, il aimait la conception sonore et la création de nouvelles chansons, ce qui était parfait. Je lui ai montré que la musique peut aussi être cela et que faire de la musique est une partie importante de la création musicale, mais ce n’est pas la seule partie. Commencer de nouvelles chansons est, pour moi, tout aussi important que de les terminer. Plus vous en commencez, plus vous avez de chances de créer des idées solides et originales. Ensuite, vous récoltez les meilleures pour les transformer en une chanson. Nous avons également revu les différentes façons de faire du sound design et les techniques à essayer.

Cela a beaucoup changé les résultats de sa musique et la qualité des morceaux suivants s’est nettement améliorée, même si le rythme de leur sortie s’est ralenti. C’est pourquoi j’encourage parfois les gens à se concentrer sur les morceaux réalisés par saison plutôt que par jours ou semaines.

CONDITIONS DE VICTOIRE

Nous avons tous des conditions différentes et il n’y a pas vraiment de meilleure façon de procéder, mais je trouve que les conditions de victoire doivent être différentes des objectifs d’une sortie/release. Certaines personnes se sentent victorieuses lorsqu’elles sortent leur album après des mois de travail, mais elles en redemandent très vite et doivent alors retourner au studio, ce qui peut paraître pénible. Dans mon cas, après des années d’expérience, je constate que mes conditions de victoire se résument à m’éclater lorsque je suis en studio, même si cela implique de travailler dur pour résoudre des problèmes.

Cela implique deux choses différentes : premièrement, il y a une partie de moi qui est là pour résoudre les problèmes, installer le matériel, créer un environnement qui soit exploitable et régler les détails pour s’assurer que tout va bien. Deuxièmement, je dois me préparer à mes conditions en m’assurant que j’ai toutes les compétences nécessaires pour faire de la musique. Ainsi, si dans une Définition de fini, nous fixons les points qui nous permettent de voir que nous avons terminé, dans les Conditions de victoire, nous établissons ce qui est nécessaire pour y parvenir.

Comme pour moi, c’est lié au plaisir, j’ai dû faire de l’ingénierie inverse.

Cela signifie que j’ai dû revenir sur une séance vraiment amusante et voir ce qui s’est passé pour que cela fonctionne et avoir du plaisir. Le plus souvent, alors qu’une séance peut être gâchée par des problèmes techniques, il est clair que certaines séances dans le studio devraient être consacrées à la prévention des problèmes. Toutefois, d’autres séances devraient être consacrées à la pratique d’une technique ou d’un nouveau concept, de sorte que lorsque je suis dans la zone, j’ai tout sous la main.

ET VOUS?

Dans le développement d’un artiste, il y a de nombreuses étapes et phases. Il se peut que vous soyez dans une phase si éprouvante que le plaisir n’est pas au rendez-vous. C’est peut-être parce que vous vous sentez dépassé par un problème spécifique, une limitation du logiciel, un manque de connaissances sur un sujet et que viser le plaisir peut sembler un peu frustrant. Le fait est que, si cela peut vous aider, il y a eu de nombreuses années dans ma vie où j’ai accompli tant de choses sans en savoir beaucoup et que plus j’en savais, plus je ralentissais. Je dis souvent qu’il est important de terminer quelque chose et d’apprendre plutôt que de courir après la perfection.

En d’autres termes, ce qui vous pose problème pourrait en fait être une distraction. Il y a beaucoup de choses à apprendre sur YouTube et si vous ne trouvez pas, il y a toujours des gens pour vous aider — moi y compris. De nos jours, il n’est pas nécessaire de rester longtemps face à un problème, contrairement à ce qui se passait avant l’abondance de tutoriels sur Internet.

Vous pouvez peut-être créer des conditions dans lesquelles vous travaillez sur plusieurs choses à la fois, des petites choses, et essayer d’en tirer le meilleur parti.

CONTRÔLE DE LA QUALITÉ, ÊTRE PRAGMATIQUE

Nous avons parlé de la partie philosophique et du flux de travail de ce sujet, mais qu’en est-il du côté technique des choses? Quels sont les principaux éléments qui permettent de maintenir une constance entre les morceaux?

Il existe de nombreux points pour lesquels vous pourriez utiliser une liste de vérification. Après des années et des années de travail sur la musique, je vois des corrélations entre les chansons qui parviennent à avoir un certain succès. Je ne vais pas me plonger dans la promotion, la sortie et tout ce qui n’est pas lié à la production, car c’est un peu un trou sans fond qui change tous les 3 à 6 mois. Je n’arrive pas suivre.

Dans la création musicale, j’ai l’impression qu’il existe 2 types : commercial et artistique.

Par commercial, je ne l’entends pas de manière péjorative. Je fais essentiellement référence à la musique destinée à être poussée pour être vendue. Si vous faites de la musique et que vous voulez la distribuer, il y a des chances que le distributeur la refuse s’il considère qu’elle ne se vendra pas assez. C’est la norme pour les accords P & D (presse et distribution), car la distribution couvre essentiellement les coûts et attend un retour sur investissement. Selon moi, si vous faites de la musique dans l’idée de réaliser des ventes, elle est principalement et clairement commerciale (c’est-à-dire que nous la produisons dans une optique de vente).

D’un autre côté, la musique artistique peut être simplement numérique ou sortie aux frais de l’artiste, sans distribution et il y a très peu d’attente de ventes. Ce type de musique est souvent un peu plus audacieux, abstrait, risqué, ne suit pas beaucoup de règles et a plus de chances de ne pouvoir s’adapter à aucune règle.

Si l’on compare cela à un restaurant, le restaurant commercial sait souvent ce qui se vend et propose une direction, un style et des plats vedettes que les gens prennent à chaque visite. Le restaurant artistique est un restaurant qui change de menu chaque jour et prend des risques.

Ils ont tous deux besoin de cohérence sur un certain nombre de choses : ingrédients frais, respect des recettes, cohérence du goût sur chaque assiette, température, etc.

C’est à peu près la même chose avec la musique. Il existe certains critères que vous pouvez suivre et qui garantiront que vos chansons seront à la hauteur. Parfois, elles n’auront peut-être pas le même punch, mais si vous respectez les principes de base, vous aurez à coup sûr une certaine constance.

Voici les critères que j’ai en tête :

Une accroche solide, une idée principale. La raison d’être d’une chanson, c’est que vous avez trouvé une idée solide avec laquelle vous voulez partager une histoire. C’est comme ça que je vois la musique. Si vous pensez à la musique traditionnelle, les gens écrivent une histoire et ce sera l’idée principale. Dans le cas de la musique électronique, le plus souvent, il n’y a pas de voix et ce sont les sons et les idées qui constituent votre histoire. Ne faites pas de chansons simplement faire une chanson (remarque : j’encourage les gens à faire de la musique pour le plaisir, ce qui est différent). Trouvez une idée et construisez une histoire autour d’elle. Il peut s’agir d’un sample, d’un motif, d’un son amusant… Il n’y a pas de règle ici, mais trouvez une idée que vous pouvez écouter pendant 3 à 6 minutes et mettez-la vraiment en avant.

Chanson en tonalité, dans la gamme. Cela peut sembler bizarre, surtout pour les personnes qui font de la musique atonale ou de la techno industrielle qui utilisent une gamme chromatique, mais s’assurer que tous vos éléments sont dans la même tonalité donnera à la chanson un caractère beaucoup plus complet. Toutes les chansons n’en suivent pas une, mais avoir une harmonie cohérente plaira à beaucoup de gens, surtout si dans un genre spécifique, certaines gammes sont respectées. Un point facultatif ici serait la progression des accords. Vous n’en avez pas toujours besoin, mais si vous en avez une, assurez-vous qu’elle est solide et cohérente. Souvent, lorsque je donne du feedback à des personnes qui débutent dans la production musicale, je remarque qu’elles ne respectent pas ce point de base et une fois qu’elles le font, elles atteignent déjà un autre niveau.

Règle des tiers dans les arrangements. Il s’agit d’un concept que j’aborde dans les commentaires où j’explique aux producteurs que s’ils divisent leur chanson en 3 sections, elles doivent toutes présenter des variations, afin de donner à l’auditeur un sentiment d’évolution et de maintenir son attention. Si vous comprenez l’expérience d’écoute comme un défi consistant à maintenir l’attention, vous savez que vous devez apporter de nouvelles idées, mais pas trop. La règle du tiers n’échoue jamais. Si vous composez de la pop ou quoi que ce soit qui nécessite une structure, gardez cela à l’esprit également.

Mixage neutre (flat), mastering coloré. Les clients ne comprennent pas toujours ce qu’est un bon mixage. Si vous gardez un son neutre, mais que vous travaillez avec un ingénieur qui peut le colorer pour qu’il corresponde à des chansons similaires sur le marché, vous aurez très probablement toujours une chanson solide et agréable à écouter, capable de faire face à la concurrence. En outre, un mixage plat signifie que vos éléments ne sont pas trop éparpillés, ce qui est important.

Évitez le masquage et la phase. C’est plus technique, mais si vous avez un mixage chargé où beaucoup d’éléments sont utilisés, vous finirez très probablement par avoir un mixage muddy. Je ne vais pas vous expliquer comment résoudre ce problème dans cet article et vous pouvez consulter Google à ce sujet, mais gardez à l’esprit que c’est essentiel pour la qualité.

Obtenez une rétroaction. Montrez votre morceau à des gens en qui vous avez confiance et demandez-leur un retour spécifique. Sinon, les gens diront que c’est cool. Soyez technique sur ce que vous attendez d’eux.

Demandez de l’aide. Je ne comprends pas pourquoi les gens veulent tout faire eux-mêmes. C’est en fait se préparer à une musique moyenne. Vous apprendrez oui, mais pourquoi ne pas devenir un maître de la musique que vous aimez faire et demander à un maître de vous aider pour le mixage afin d’en tirer le meilleur parti? C’est comme si vous vouliez faire un sandwich, mais que vous vouliez faire le pain vous-même, la mayonnaise à partir de zéro, cultiver les légumes, faire le fromage, etc. Oui, tu peux, mais tu peux aussi acheter les meilleurs ingrédients possible et avoir un super sandwich.

La quantité pour un travail de qualité. Si vous considérez chaque chanson comme une expérience pour apprendre quelque chose de nouveau ou maîtriser une technique, vous pouvez accélérer votre processus et faire plus de musique. Un bon moyen de maintenir la qualité est de produire beaucoup, beaucoup de chansons, puis de réduire votre production à celles que vous savez être brillantes. Plus vous finissez de la musique, plus vous développez des compétences, qui font que les morceaux suivants sont de meilleure qualité. Ensuite, lorsque vous pourrez choisir ce que vous partagerez à l’étranger, au monde extérieur, ils ne verront que de la qualité.

Si vous tenez compte de ces points, vous aurez certainement quelque chose dont vous serez fier et lorsque vous partagerez une chanson, les gens sauront ce qu’ils peuvent attendre de vous, même si vous prenez des risques, sur le plan créatif.

Croyances et idées reçues en production musicale

août 16, 2022/dans Blogue/par pheek

Vous faites peut-être de la musique depuis un certain temps ou vous êtes totalement novice en la matière, peut-être sur le point de vous lancer dans ce nouveau passe-temps, et vous avez ce sentiment accablant d’être dépassé ou perdu. Soyons honnêtes, certains passe-temps sont plus faciles que d’autres à démarrer. Vous avez peut-être essayé d’être DJ et vous avez vu à quel point il est rapide de s’y mettre, puis vous avez essayé d’être producteur et vous avez trouvé que la courbe d’apprentissage était raide. C’est pourquoi j’ai pensé écrire un article sur les différents défis auxquels les gens sont confrontés lorsqu’ils débutent et sur les solutions ou les stratégies que je donne aux étudiants pour surmonter les émotions difficiles.

CROYANCES ET IDÉES REÇUES EN PRODUCTION MUSICALE

Il existe tellement d’idées reçues sur notre passion qu’il est difficile d’en faire la liste, mais je vais essayer de démystifier les idées qui déroutent les personnes avec lesquelles je travaille.

« LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE EST FACILE À PRODUIRE » OU UNE VARIANTE, « SI VOUS AVEZ TOUT CE DONT VOUS AVEZ BESOIN, ALORS C’EST FACILE »

C’est honnêtement celle que je rencontre le plus souvent. Je discute aussi souvent avec des étrangers à ce sujet et j’ai recueilli un grand nombre de théories. Donc, pour commencer, dire que c’est facile, ce n’est absolument pas vrai. J’ai exploré la musique pendant 30 ans et il y a encore des moments où je ne suis pas totalement sûr de ce que je fais. De plus, j’apprends quelque chose de nouveau chaque jour où je pratique.

Faut-il tout savoir pour faire de la musique? Non, absolument pas. J’ai pu faire plus de 20 albums et sur certains d’entre eux, je ne faisais qu’effleurer la surface de ce qu’est la production.

L’idée que c’est facile vient de la comparaison avec quelqu’un qui prend une guitare et exécute parfaitement la théorie musicale, les rythmes et tout ce qui est lié à la musique. C’est plus difficile et c’est quelque chose que tout le monde ne peut pas faire. En apparence, la technologie a démocratisé la création musicale en créant un grand nombre d’outils, de logiciels et de matériels qui permettent à beaucoup de gens de faire plus que ce que tout le monde pouvait faire il y a plus de 30 ans. Cela ne veut pas dire que c’est plus facile.

Si vous voulez faire une boucle et jouer de la musique, oui, cela peut être similaire aux jeux vidéo et c’est honnêtement là que se trouve le plus grand plaisir. Quiconque veut aller plus loin aura vite l’impression que ce n’est pas suffisant et en voudra plus.

C’est là que la deuxième variante entre en jeu, avec l’idée que vous avez besoin de quelque chose d’autre pour le faire. Toutes les publicités auxquelles nous sommes exposés ou si vous parlez à d’autres producteurs, ils vous diront rapidement tout ce dont vous avez besoin… Ce qui est un peu un piège.

Je l’ai déjà dit plusieurs fois, mais pour faire de la musique, il faut au minimum un appareil capable de produire un son (téléphone portable, tablette, matériel informatique, ordinateur) et quelque chose pour écouter (casque, enceintes). C’est vraiment tout ce dont vous avez besoin.

Lorsque je dis cela aux gens, j’obtiens souvent la fameuse réponse « Je savais que c’était facile! ».

C’est alors que je lâche la bombe.

Oh oui, c’est facile… Il vous suffit de comprendre la théorie de base de la conception sonore, le flux du signal, les principes fondamentaux de la musique, l’ingénierie, la narration et peut-être aussi l’enregistrement, pour n’en citer que quelques-uns. Et encore, c’est déroutant parce qu’en tant que nouveau venu, vous pouvez être conscient du peu que vous savez et cela déclenche la confusion et la frustration.

C’est donc là qu’il y a un paradoxe. D’un côté, tout est là, mais cela ne signifie pas que vous saurez comment vous y prendre pour réaliser ce que vous voulez faire.

Mon approche est simple : il s’agit de convaincre toute personne qui se lance dans la musique de commencer par de petits pas. J’ai vu beaucoup de gens qui voulaient apprendre à jouer du piano et certains des premiers exercices qu’ils commencent sont de se familiariser avec les mains sur les notes, de jouer avec les gammes et, en gros, de s’entraîner à monter et descendre les touches. Si vous apprenez le piano, c’est ce que vous vous attendez à faire au début, car c’est la base du jeu.

En ce qui concerne la musique électronique, les gens ont des idées très variées. Ils veulent faire une chanson, ils veulent faire de la musique comme un artiste qu’ils aiment, ils veulent essayer ceci et cela… Il y a tellement de choses à faire et il n’y a pas vraiment de méthodologie, alors les gens essaient et échouent souvent.

D’autres mythes s’ensuivent.

« On fait une chanson en commençant par le début et en la terminant ».

Celle-ci est probablement la plus nuisible de toutes, car elle place les gens dans un flux de travail qui est contre-productif, aliénant et tout simplement pas amusant du tout. Si vous connaissez ce blogue, vous savez que je pense que faire une chanson à la fois est l’une des pires façons de travailler. Réfléchissons donc à ce que cela signifie pour vous de faire une chanson, ou à ce qu’une chanson est censée être.

Pour certains, c’est une petite histoire, pour d’autres, c’est une expérience, ou cela peut être un morceau à jouer par les DJ. Ce qu’elles ont toutes en commun, c’est qu’elles ont un début et une fin, plus quelques idées qui évoluent (ou non) au milieu. Certaines chansons ont une seule idée, d’autres plusieurs. Mais ce que cela signifie, c’est que chaque chanson a besoin d’au moins une idée. C’est là que la musique commence, en trouvant des idées. Cela signifie que vous pouvez écouter une musique que vous aimez et aimer quelque chose en elle. Peut-être avez-vous envie de sampler quelque chose d’un vieux disque ou simplement d’écrire vous-même les notes d’une mélodie.

J’insiste généralement sur l’importance de trouver des idées comme l’une des principales choses à faire, parce que ce n’est pas difficile à faire et parce que c’est amusant. L’autre chose que je dis aux personnes qui débutent est de passer d’innombrables heures dans leur logiciel de musique et de ne pas avoir d’autres objectifs que de tout tester avec une curiosité et une ouverture infinie. Plus vous avez d’objectifs face à quelque chose que vous ne comprenez pas, plus vous risquez d’être perdu et de vous désintéresser. L’une des principales conditions pour trouver le flux dans une activité est de faire quelque chose qui semble faisable, mais un peu difficile tout en s’amusant.

Il faut commencer par explorer, se familiariser avec le logiciel et faire de petites expériences.

Voici quelques petits projets que vous pouvez réaliser si vous êtes vraiment novice en la matière :

1- FAITES GLISSER UN MORCEAU OU DES ÉCHANTILLONS QUE VOUS AIMEZ DANS VOTRE LOGICIEL ET JOUEZ AVEC.

Coupez-le, ajoutez des effets, étirez-le, augmentez ou diminuez son pitch, détruisez-le sauvagement et voyez ce qui se passe. Notez ce que vous faites et soyez conscient que certains outils donnent des résultats spécifiques.

2- PASSEZ DU TEMPS À JOUER 1-2 NOTES SUR UN CLAVIER ET ÉCOUTEZ LES RÉSULTATS.

Cela signifie, testez tous les synthés que vous avez, les samplers. Jouez des notes longues ou courtes, et voyez comment ils se comportent. Enregistrez les notes et essayez d’enregistrer le son, détruisez-le.

3- ÊTRE RÉACTIF AU LIEU DE COLLECTIONNER.

L’une de mes approches en matière de musique consiste à choisir n’importe quel son et à me dire que si quelqu’un me payait 1000 dollars pour faire une chanson avec ce son, que ferais-je? Le problème pour de nombreuses personnes est qu’elles ont accès à beaucoup trop de choses et qu’elles vont passer toute la session de studio à chercher un son spécifique qu’elles ne trouveront jamais. Cela vous rend créativement paresseux. Vous apprendrez davantage en travaillant avec quelque chose de médiocre qu’en recherchant le son parfait. Vous pourriez même apprendre à créer des sons que vous aimez en faisant des gaffes.

Si nous sommes d’accord sur le fait que ce sont les idées qui font les chansons et que vous aimez des idées spécifiques, vous devez vous entraîner à jouer pour acquérir de l’aisance, de la spontanéité et du contrôle afin de pouvoir éventuellement créer vos propres idées. C’est pourquoi j’invite les gens à jouer avec ce qu’ils ont pour acquérir une certaine fluidité.

DONC, POUR RÉSUMER :

Pour faire de la musique, on n’a pas besoin de beaucoup.

Il y a beaucoup de choses à savoir, mais il n’est pas nécessaire de tout savoir pour s’amuser.

Si tu t’amuses, tu auras envie de passer du temps à explorer.

Reste curieux de ce qui te semble inutile ou trop compliqué.

L’exploration signifie la pratique.

La pratique apporte de nouvelles idées.

Les idées peuvent être transformées en chansons.

Il est plus facile de tirer le meilleur parti d’un son que de chercher le son parfait.

La simplicité est synonyme de sophistication.

Faire de la musique, c’est s’amuser. Si vous n’avez pas l’impression de vous amuser, vous ne le voyez pas sous le bon angle.

Dernière croyance qui cause du tort :

« J’AI DE GRANDES IDÉES EN TÊTE, MAIS JE N’ARRIVE PAS À LES METTRE ENSEMBLE DANS MES CHANSONS »

Tout ce que l’on a en tête est merveilleux, mais une fois que l’on essaie de le reproduire, les choses ne sont jamais vraiment identiques à ce que l’on attend. Depuis des années que je fais de la musique, je n’ai jamais vraiment réussi à traduire mon monde intérieur en sons. Peut-être que si vous êtes un chanteur ou un artiste folklorique, c’est plus facile, mais dans le domaine de la musique électronique, les choses sont complètement différentes. Vous pouvez avoir une belle idée de mélodie, mais il vous faut le bon son. Vous pouvez avoir le bon son, mais la mélodie risque de ne pas correspondre. Plus vous poursuivez quelque chose d’abstrait, moins vous aurez de prise sur ce que vous contrôlez réellement.

Il y a un grand nombre d’éléments qui peuvent vraiment obscurcir votre jugement et courir après quelque chose m’a toujours apporté de la frustration. J’ai parfois eu beaucoup plus de plaisir à travailler sur des idées simplistes qu’à me lancer dans un projet très ambitieux. Cela ne signifie pas que vous devez vous arrêter, mais il est important de comprendre où vous en êtes, techniquement, et de fonctionner avec vos compétences actuelles.

Quelqu’un m’a demandé comment faire de très longs morceaux techno comme le font certains artistes. Je lui ai répondu : « Ne fais pas ça ». Il était surpris et déçu. Je lui ai expliqué qu’il était plus important qu’il devienne d’abord très bon dans ce qu’il fait maintenant. Ensuite, une fois que la base est solide, on peut élargir et faire quelque chose d’un peu plus difficile. J’ai exploré des morceaux plus longs une fois que j’ai réussi à en faire de solides de 6 minutes, puis je suis passé à 8, puis 10, et enfin plus.

UN CONSEIL BONUS :

« Mon ami m’a dit que ce logiciel est nul »

J’aurais pu ajouter beaucoup de citations ici, mais ce que je veux dire, c’est que beaucoup de gens vous diront quelle est leur expérience et comment ils sont arrivés à certaines conclusions, mais au final, ce n’est que le point de vue de quelqu’un. Je me méfie toujours des gens qui me disent de ne pas faire quelque chose (surtout si je n’ai jamais demandé de conseils) et je suis plus curieux de ceux qui expliquent comment ils ont réussi à faire quelque chose que j’aime. Beaucoup de gens ont des règles auto-imposées qui sont super bizarres et qui ne sont soutenues par rien de technique. J’ai souvent entendu des affirmations bidon selon lesquelles un logiciel n’était pas assez bon (FLStudio, par exemple, est souvent décrié) ou qu’un plug-in n’est pas fait pour la musique, alors que je connais beaucoup de gens qui ont fait des idées incroyables avec les installations et les ressources les plus ridicules. Ce qui compte, ce n’est pas ce que vous utilisez, mais ce que vous en faites.

Comment utiliser une accroche pour finaliser un morceau?

avril 9, 2022/dans Blogue/par pheek

Je comprends que de nombreux artistes construisent une boucle, puis développent le morceau à partir de là. Cependant, très souvent, ils se perdent, car ils n’ont aucune idée de la direction à prendre. Ils entendent leur boucle et pensent : « Wow, c’est vraiment cool, je pourrais l’écouter pendant des heures ». Puis, après l’avoir écoutée pendant des heures, ils se rendent compte qu’ils ne savent pas où aller avec ça.

Bien sûr, il y a beaucoup de gens qui peuvent créer une boucle et ensuite construire à partir de celle-ci, mais une chose que je remarque dans le coaching est que ce n’est souvent pas le cas. Certaines personnes n’arrivent pas à terminer une chanson parce qu’elles n’ont pas de vision du produit fini. À l’inverse, d’autres ne peuvent pas terminer leurs chansons parce qu’ils ont une vision trop forte et veulent l’intégrer dans un modèle qui leur est propre. Le problème est que les chansons originales ne correspondent pas à un modèle défini.

Par conséquent, il doit y avoir une ligne délicate entre la planification et l’instinct. C’est alors que les chansons s’assemblent avec facilité.

L’ACCROCHE EST VOTRE CHANSON

Une personne qui excelle dans ce domaine est le magnat de la production Timbaland. Si vous ne le connaissez pas, il a composé des morceaux pour Justin Timberlake, Rihanna, J Cole, Missy Elliot et des dizaines d’autres vedettes de la pop.

Oui, oui, un artiste pop, mais si vous avez l’esprit ouvert sur la musique, vous vous rendrez compte qu’il est difficile d’écrire de la musique pop. Ce qui est particulièrement difficile, c’est d’écrire continuellement des chansons pop qui sont en tête des charts, comme Timbaland. Il n’y a que quelques personnes sur la planète entière qui ont ce talent, et il faut donc le respecter.

J’ai récemment regardé des tutoriels de production de Timbaland et l’une des choses sur lesquelles il insiste est que toutes les grandes chansons commencent par une accroche. Bien sûr, cela peut prendre un certain temps pour obtenir cette accroche, mais il reconnaît que c’est l’accroche que les gens retiennent de la musique. Pas la percussion, ni même les couplets, mais l’accroche. Si vous ne savez pas ce qu’est une accroche, pensez à « Superstition » de Stevie Wonder. Quelle est la seule partie de cette chanson dont vous vous souvenez? Oui, cette partie. C’est l’accroche.

D’autres bons exemples sont « Sweet Caroline » de Niel Diamond, ou « Harder, Better, Faster, Stronger » de Daft Punk.

CRÉER DES ACCROCHES DANS D’AUTRES STYLES

Mais vous me demanderez peut-être : « Mais Pheek, tu fais de la musique de danse d’avant-garde, et la plupart de tes étudiants sont des artistes de musique de danse d’avant-garde. Comment diable puis-je m’inspirer des accroches pop? » Eh bien, une accroche peut être définie de manière assez vague. Prenons « Alberto Balsam » d’Aphex Twin. À bien des égards, cette chanson suit le format « only-hooks » que des producteurs comme Max Martin prônent, où chaque phrase est une accroche, d’une certaine manière. Presque chaque phrase a une sorte d’élément mémorable, mais de cette façon, l’accroche est moins définie. S’il y avait une accroche, ce serait probablement lorsque le synthétiseur arrive pour la première fois et qu’il continue d’une certaine manière tout au long de la chanson.

La clé de l’accroche d’« Alberto Balsam » est qu’elle définit facilement le reste de la chanson. Dès qu’il apparaît, qu’il soit repris par un groupe de rock, ou qu’il figure sur votre liste de lecture (parce que, Dieu vous en garde, vous ne verrez probablement jamais RDJ le jouer en concert), vous savez que c’est « Alberto Balsam ».

Cet exemple est facile parce qu’il est prédominant dans tout le morceau et que tout le reste n’est qu’une improvisation par-dessus. Et tout ce que vous avez à faire, dans de nombreux cas, c’est de jammer sur l’accroche, et vous obtiendrez quelque chose de mémorable.

MODIFICATEURS D’ACCROCHE

Mais avant d’écrire votre accroche, il est bon de réfléchir à la direction émotionnelle que vous voulez prendre, car c’est l’accroche qui définira cette direction. Par exemple, voulez-vous que votre chanson soit exaltante? Dans ce cas, vous devez créer une tension et la relâcher. Peut-être même dans une tonalité triomphante, comme le ré majeur.

Si vous voulez qu’elle soit émotionnellement relaxante, alors vous devez changer de tonalité, peut-être du majeur au mineur. Ce sont souvent ces « modificateurs d’accroche » qui rendent une chanson spéciale.

Si vous voulez augmenter l’intensité de la chanson, vous pouvez augmenter la densité de la chanson — avec un délai, une réverbération, une autre couche de percussion. Cela peut se faire avec la vélocité ou le volume.

Cependant, dans la musique de club, à un moment donné, quelqu’un a inventé le « breakdown » pour augmenter l’intensité du morceau, et maintenant nous sommes condamnés parce que 95 % des morceaux électroniques en contiennent. Il n’est pas nécessaire d’avoir des ruptures. Au lieu de cela, nous pouvons avoir des événements, qui peuvent être là pour surprendre les gens, changer leurs émotions, ou n’importe quoi, vraiment.

Dans une chanson, j’ai entendu Timbaland poser une question à Siri. Oui, c’est ringard, mais cela a interrompu la chanson et a suffisamment déconcerté les gens pour qu’au moment de la reprise, la chanson soit à nouveau fraîche. Dans la musique de danse, il peut s’agir d’un échantillon bizarre ou d’un enregistrement de terrain ; il peut s’agir d’un silence gênant.

TOUT CONSTRUIRE AUTOUR DE L’ACCROCHE

Pour revenir à « Alberto Balsam », vous remarquerez que l’accroche est prédominante sur l’ensemble de la chanson. À partir de là, le reste de la chanson se matérialise autour d’elle. Si c’était votre chanson, vous n’auriez qu’à ajouter des percussions, en retirer, ajouter des couplets. Il n’y a pas une tonne de timbres dans cette chanson, mais chacun d’entre eux fonctionne parce qu’il se situe au-dessus de l’accroche. Vous voyez ce que je veux dire, toutes les grandes chansons commencent par l’accroche, maintenant?

CRÉEZ QUELQUE CHOSE DE NOUVEAU

Peut-être qu’un jour, vous créerez une transition qui deviendra le nouveau breakdown, où les gens commenceront à copier votre modificateur d’accroche. Parce qu’en fin de compte, c’est ce qui se passe de nos jours : suivre le leader. Il suffit de regarder les charts Beatport pour voir que toutes les formes d’onde se ressemblent : mais à un moment donné, il y a eu une forme d’onde qui était différente et qui est arrivée en tête des charts.

Cependant, si vous considérez les chansons comme des éléments mémorables et des modificateurs d’accroche qui font sortir l’auditeur de sa transe, alors vous pourrez peut-être créer quelque chose de durable et de mémorable. Alors la prochaine fois que vous déciderez que « cette partie a besoin d’un breakdown », demandez-vous si vous pouvez faire quelque chose de différent à la place. Parce que le but est de donner aux gens quelque chose de différent pour que le familier redevienne frais — et il y a d’autres façons de le faire que d’enlever la batterie et de la réintroduire.

Le problème de la « bonne » musique

avril 9, 2022/dans Blogue/par pheek

Le problème de la bonne musique, c’est qu’elle est subjective. L’idée qu’une personne se fait d’une « bonne » chanson est certainement différente de celle d’une autre personne, à moins qu’elle ne provienne d’un milieu culturel similaire. Et même s’ils partagent le même bagage culturel, les gens diffèrent toujours entre ce qu’ils pensent être bon et ce qui ne l’est pas. Il en va de même pour les personnes qui qualifient la musique d’« intéressante ».

Le terme « intéressant » est lui aussi subjectif. Ce qui est intéressant pour moi peut ne pas l’être pour vous. Par exemple, je peux apprécier un aspect technique d’une chanson que quelqu’un qui ne comprend pas cet aspect technique peut ne pas apprécier.

L’ART EST SOUVENT PHILOSOPHIQUE

La base de cet article est partie d’un de mes clients qui est venu me demander si je pouvais rendre sa chanson intéressante. Cela m’a laissé perplexe, car comme je l’ai dit précédemment, ce qui est intéressant pour moi peut ne pas l’être pour quelqu’un d’autre. Cela a donné lieu à un débat sur la question de savoir si c’est vraiment le mandat de l’artiste d’être intéressant. Est-ce la faute de l’artiste si la musique n’est pas assez « intéressante »? Après tout, la musique est subjective.

Par exemple, certaines personnes détestent absolument la musique diffusée à la radio, mais si vous avez déjà dirigé un club, vous savez que ce sont les soirées Top 40 qui vous rapportent le plus d’argent. Il est raisonnable de supposer que pour les clients, il y a quelque chose dans cette musique qui la rend « intéressante », sinon ils ne seraient probablement pas là. Bien sûr, ce n’est peut-être pas la musique elle-même, mais ça pourrait être le but… l’intention.

J’ai eu l’impression que mon client n’apprécie pas les débats philosophiques autant que moi, donc il a pu être simplement ennuyé. Mais c’est ce qui m’a fait penser à cet article, car lorsque les gens viennent me voir et me demandent de rendre leur morceau « intéressant » ou « bon », j’aimerais avoir une référence à leur montrer pour les aider à décrire ce qu’ils veulent vraiment dire. C’est donc le but de cet article : donner aux gens les outils pour objectiver quelque chose qui est intrinsèquement subjectif.

« INTÉRESSANT » ET INTENTION

Au lieu d’intéressant, il est préférable de décrire un contexte ou une émotion qui va avec. Vous voulez peut-être que la chanson soit excitante, émotionnelle, tendue ou qu’elle ait un flux narratif. Vous l’imaginez peut-être dans la bande-son d’un film, ou vous voulez qu’elle soit jouée dans un club. Ces éléments auront des caractéristiques techniques et compositionnelles différentes, qui se segmentent en termes spécifiques.

Par exemple, si vous voulez qu’une chanson soit jouée dans un club, cela nécessite une compression plus importante, et souvent une plus grande densité afin qu’elle puisse suivre le volume sonore de toutes les pistes avec lesquelles elle est mixée. En revanche, si vous souhaitez qu’elle soit intégrée à une bande-son, elle sera plus transparente et utilisera des fréquences qui n’entreront pas en conflit avec ce à quoi elle est superposée, qu’il s’agisse de dialogues, de bruits de fond dans le film, etc.

La longueur de la chanson a également son importance. Si quelqu’un vient me voir et me dit « Je veux une chanson adaptée à la radio » et qu’il me donne une chanson de 8 minutes, nous devons trouver comment en isoler 5 minutes pour une version radio. Il se peut même que nous devions ajouter d’autres éléments de composition pour qu’il y ait une cohérence dans la chanson lorsque nous la réduisons de manière aussi importante.

De nos jours, qu’on le veuille ou non, les médias sociaux dirigent tout autour de nous. Il y a des tonnes de DJs qui obtiennent des bookings parce qu’ils ont une grande présence sociale, plutôt qu’une production artistique. Cela signifie que, pour être compétitifs, beaucoup d’artistes qui ont une production artistique importante doivent créer du contenu pour Instagram ou TikTok. Et si c’est bon pour TikTok, ce n’est pas forcément bon pour Spotify. J’ai lu un article sur le fait de faire de la musique qui attire l’attention dans les 4 premières secondes, et s’ils ne le font pas, alors ils échoueront sur des sites comme Instagram Reels et Tiktok. Encore une fois, ce sont des choses que je dois savoir pour rendre la musique « intéressante » pour ces contextes.

L’AXE DE LA MUSIQUE « INTÉRESSANTE »

Les pensées susmentionnées s’expliquent mieux par un axe, je pense. Cet axe est assez arbitraire, car il s’agit de mon axe personnel, mais je pense qu’il illustre bien l’intention de la musique en général.

L’axe est un diagramme circulaire de l’intention, de l’émotion et de la technicité. Et quelque part autour de ce camembert, il y a la distribution.

Lorsque tous les éléments sont en harmonie, la magie opère. S’ils sont déséquilibrés, il y a de fortes chances que le son ne soit pas bon.

La finalité est le contexte : est-ce destiné à la boîte de nuit, à l’écoute à la maison, au cinéma, etc. L’émotion est la partie existentielle de la musique ; c’est la partie qui la rend humaine. Si elle est trop émotionnelle, elle risque de ne pas se développer, d’avoir l’air rustre ou ennuyeuse. La technicité, c’est la musicalité et l’ingénierie. Bien que vous vouliez que votre morceau soit techniquement sain, s’il est trop technique, comme un album de Dream Theater, il peut sembler sans émotion ou prétentieux. En revanche, s’il y a trop peu de technicité, cela peut sembler négligé. La clé est de trouver un équilibre entre les deux pour atteindre votre objectif.

Parfois, les chansons sont « volontairement » peu techniques. Il s’agit de chansons qui peuvent sonner de manière saccadée ou dont le mixage est médiocre, mais vous pouvez dire, en vous basant sur le style de musique, que cela a pu être intentionnel. Prenez la musique « lofi » par exemple : elle est volontairement mixée de façon bizarre.

Ou parfois, les choses sont délibérément très émotionnelles afin d’illustrer un point. Peut-être que cela fait partie d’un scénario pour une comédie ou une parodie sur la romance ou quelque chose du genre. Cela nécessite forcément une piste émotive à l’extrême.

Cependant, tous ces exemples ont un but, qui les justifie.

La distribution est la dernière partie. Le morceau sera-t-il sur vinyle, ou est-il destiné à TikTok? S’il s’agit d’un vinyle, certains travaux de mastering seront nécessaires. Vous devrez également tenir compte de la longueur des chansons, car elles doivent tenir sur les sillons.

Si c’est pour TikTok, comme je l’ai mentionné plus haut, vous devez attirer leur attention en 4 secondes, sinon l’algorithme ne fonctionnera pas correctement.

L’ATTENTION EST UN FACTEUR IMPORTANT

En ce moment, l’un de mes projets consiste à créer un album d’ambient de 12 heures. Est-ce que je m’attends à ce qu’il soit écouté avec attention? Non, c’est une musique de fond qui crée une ambiance.

L’idée est venue de ces listes de lecture, ou stations, que je laisse jouer pendant toute une journée parce que c’est une présence qui n’est pas écoutée activement. Il s’agit davantage d’une atmosphère que d’une attention.

Il existe différents niveaux d’attention : passif (en arrière-plan), attentif (qui s’arrête de faire ce qu’il fait pour écouter avec attention), critique (soit des personnes formées à la théorie musicale/à l’ingénierie musicale qui écoutent pour trouver les défauts). C’est à l’artiste de définir cette intention.

QUELLE EST VOTRE INTENTION?

Un jour, un label m’a demandé de la « bonne musique » et j’ai répondu que cela n’avait aucun sens. Je n’entre pas en studio en pensant que je vais faire de la « mauvaise musique ». J’essaie de faire quelque chose qui a du sens, c’est tout.

Au bout du compte, la question est : que recherchez-vous? Recherchez-vous l’appréciation, l’intégrité artistique ou l’attention? Vous ne pouvez pas avoir les trois, car vous ne pouvez pas plaire à tout le monde. Mais cela a-t-il vraiment de l’importance?

Mise à jour de service : la finalisation de track est désormais exclusive

janvier 3, 2022/dans Blogue/par pheek

Cette décision a été difficile à prendre, car j’ai beaucoup aimé collaborer sur de nombreux morceaux qui m’ont été envoyés par le biais du service de finalisation de track que je propose. Cependant, j’ai constaté qu’en permettant à tout le monde d’acheter ce service, cela devient non seulement une source de stress considérable, mais aussi que le rapport travail/récompense n’est pas toujours au rendez-vous. Par conséquent, je suspends indéfiniment mon service de finalisation des tracks, sauf pour les personnes avec lesquelles j’ai eu le plaisir de travailler dans le passé.

Cependant, plutôt que de simplement mettre le service en pause, j’ai l’impression que je dois une explication. Cet article de blogue sera un peu différent de la plupart des autres et comportera deux auteurs. D’abord, j’expliquerai mon raisonnement, puis une personne qui a utilisé mon service à plusieurs reprises expliquera ce qu’elle pense de la collaboration avec moi.

Le point de vue de Pheek

J’ai des clients qui ont des exigences assez élevées, ce qui ne me pose aucun problème et je suis heureux de les aider. Paradoxalement, de nombreux producteurs viennent me voir et aiment leur morceau tel qu’il est. Pourtant, ils veulent quand même que je travaille dessus. C’est déroutant pour moi, car si vous aimez votre morceau, pourquoi y faire quelque chose d’autre? La musique est subjective, donc elle ne sera jamais parfaite pour tout le monde. La seule chose qui compte, c’est qu’elle soit géniale pour vous.

Cependant, ils m’engagent malgré tout et ont un morceau dans lequel ils s’investissent émotionnellement parce qu’ils y ont mis beaucoup d’efforts. Ils veulent juste que le morceau soit parfait, et ils pensent que je peux le faire. Ce qui n’est pas vrai. Engager un ingénieur ne va pas tout arranger, et transformer un morceau en la piste la plus populaire du classement Beatport. Et même si cela peut parfois arriver (généralement par pure chance), les ingénieurs ne peuvent réparer que ce qu’ils sont autorisés à faire, et doivent souvent faire face aux « préjugés cognitifs » des gens envers leur morceau.

Par conséquent, avec ces clients, il est nécessaire d’expliquer que rien n’est parfait et que le concept de perfection, surtout en art, est une folie. Pour être juste, en tant qu’artiste, j’ai mis des années à accepter ce concept. J’ai fini par comprendre que, quelle que soit l’importance que j’accorde aux imperfections, le résultat final est souvent stérile. C’est quelque chose que personne ne souhaite pour une musique axée sur l’art, car ce sont ces imperfections qui rendent les chansons passionnantes. Ce sont ces imperfections qui les rendent humaines. Et l’humanité, en particulier dans la musique électronique, fait cruellement défaut, car la critique est souvent d’avis que la musique électronique sonne trop artificielle ou robotique.

Cette quête de la perfection perturbe le flux de travail de mes clients, car ils sont souvent obsédés par l’idée d’avoir la piste parfaite plutôt que de simplement la terminer. Pour moi, cela revient à chasser les licornes dans un champ de chocolat, car, comme je l’ai déjà dit, la perfection est un fantasme. Pourtant, cet état d’esprit persiste chez de nombreuses personnes, car elles se fixent des normes qu’elles ne peuvent pas changer facilement.

Maintenant, un état d’esprit perfectionniste serait parfait, s’il était tolérable. Cependant, après toutes ces années de conseil, j’ai remarqué que les perfectionnistes ont un trait de personnalité commun : ils sont des microgestionnaires. Et soyons réalistes, à quand remonte la dernière fois où vous avez entendu quelqu’un faire l’éloge de la microgestion? Probablement jamais, car cela rend tout le monde fou.

Le résultat final est généralement de deux ordres : soit ils disent que la piste est trop proche, soit elle est trop différente de celle qu’ils m’avaient donnée au départ. Cependant, je ne sais généralement pas de quoi il s’agit jusqu’à ce que je leur renvoie la piste. Ils me répondent en me disant ce qui doit encore être corrigé, alors j’y vais et je le corrige, ce que je suis heureux de faire, car il n’y a aucune chance que je réussisse du premier coup si je n’ai pas travaillé avec eux auparavant. Alors, il arrive souvent que je passe des heures à tourner en boucle et à revenir à ce qu’ils m’ont donné au départ. Ou encore, ils demandent tellement d’ajouts qu’ils finissent par déformer le morceau au point qu’il ne correspond plus aux modèles qu’ils ont établis dans leur tête. Si vous êtes producteur, vous savez de quoi je parle : vous pouvez anticiper ce qui va se passer avant que cela n’arrive et si vous vous trompez, ou si c’est différent, cela crée une dissonance cognitive.

Cette dissonance cognitive est due au fait que les producteurs sont émotionnellement attachés à leurs morceaux, et qu’ils ont des représentations heuristiques dans leur esprit de l’endroit où les choses devraient être dans le mixage, ou dans la composition. Ils l’ont égalisé d’une certaine manière, ils n’ont pas intégré certains effets ou éléments de composition qui sont maintenant présents, et lorsqu’ils l’entendent, c’est un choc, car ils s’attendent à ce que ce soit d’une certaine manière. Par conséquent, cela ne leur semble pas « correct ».

Le plus souvent, le home studio d’un producteur n’est pas représentatif du monde extérieur, il n’est donc pas étonnant qu’il ne sonne pas « juste » pour lui. Mais comme ils y sont tellement attachés, ils demandent davantage de modifications, sans se rendre compte que ce qu’ils demandent est en fait incorrect. Cependant, cela m’oblige parfois à revenir en arrière, car ils sont incapables de réaliser que la raison pour laquelle ils m’ont engagé en premier lieu était de leur fournir une piste qui se traduit bien sur tous les systèmes.

C’est encore arrivé récemment, lorsque le producteur s’est plaint que le son n’était pas assez proche de sa piste de référence, qu’il n’a jamais fournie. Je leur ai donc demandé de me l’envoyer, et voilà que la piste de référence n’était pas correctement mixée. Il se trouve que je connaissais assez bien cet artiste et je leur ai donc fourni une référence correcte. Bizarrement, je n’ai pas eu de nouvelles de ce client.

Comme vous l’avez peut-être deviné, je n’aime pas faire des affaires de cette façon. Par conséquent, à partir de maintenant, la finalisation des pistes ne sera accessible qu’aux personnes avec lesquelles j’ai travaillé avec succès dans le passé. Parce qu’en fin de compte, pourquoi voudriez-vous que quelqu’un finisse votre track s’il n’est pas sur la même longueur d’onde créative que vous?

Le point de vue d’Alex Ho Megas

OK, donc aucun d’entre vous ne me connaît. Cependant, je fais du marketing pour Pheek depuis presque un an maintenant. Et parfois, nous échangeons des services, et l’un de ces services est la finalisation des pistes. Il m’a demandé si je pouvais écrire quelque chose sur mon expérience de collaboration avec lui dans ce domaine, puisque nous l’avons fait à plusieurs reprises. Vous vous dites sûrement « comment peut-on être impartial envers son client? » La réponse est que je ne le peux vraiment pas. Cependant, je vais faire de mon mieux pour expliquer ce que c’est que de travailler avec lui.

En lisant le point de vue de Pheek ci-dessus, je comprends intimement la dissonance cognitive qui résulte de la modification de votre habitude de travail. Inconsciemment, vous vous attendez à ce que certaines choses se trouvent à certains endroits. Consciemment, je sais que ces attentes sont probablement erronées puisque je ne dispose pas d’un studio traité et d’une connaissance approfondie du mixage et du mastering. Personnellement, j’aime simplement écrire de la musique et concevoir des sons.

Une chose sur laquelle nous sommes d’accord, c’est que la musique est généralement un processus de collaboration et que la musique électronique est l’un des seuls genres où ce n’est pas souvent le cas. Par conséquent, j’ai engagé Pheek en sachant que la collaboration mène souvent à une meilleure musique. En revanche, je ne suis pas toujours immédiatement satisfait de tout ce que je reçois en retour. Je sais simplement qu’il faut y consacrer du temps et l’envoyer à des personnes en qui j’ai confiance pour qu’elles me donnent leur avis. Ensuite, j’y réfléchis de manière critique et je note les choses que je voudrais changer.

Par exemple, je remarque parfois que l’accordage d’un échantillon est incorrect, ou qu’un élément doit être allongé ou raccourci. Parfois, il y a des parties que je veux mettre en valeur et que Pheek n’a pas mises en valeur, comme la façon dont une snare frappe lors d’une transition. Je discute donc avec lui et lui demande s’il est judicieux de modifier ces éléments. Souvent, il me répond qu’ils peuvent être modifiés, mais je m’assure toujours que 1) ma pièce est incorrecte et 2) qu’une nouvelle perspective est utile. Bien sûr, il m’arrive de passer outre ses recommandations, mais seulement après mûre réflexion. Et pour être juste, je peux toujours me tromper dans ces décisions, mais comme il l’a dit plus tôt dans cet article, la musique est subjective à bien des égards.

Je dirais que le projet le plus difficile sur lequel nous avons travaillé est le dernier en date. Dès le début, il y avait des erreurs de distorsion qui faisaient que les canaux n’étaient pas correctement alignés, ce qui changeait considérablement la composition de la piste. C’était difficile à expliquer, car il n’était pas familier avec la piste et ne pouvait donc pas comprendre ce qui n’allait pas. Pour lui, bien sûr, c’est correct, pourquoi ne le serait-ce pas? Cependant, je lui ai simplement indiqué à quel moment du morceau original il était incorrect, et je lui ai demandé de le comparer à la version qu’il m’a envoyée. Il a fallu un certain temps pour trouver une méthode de communication efficace, mais nous avons fini par y arriver.

Il a ensuite ajouté un certain nombre de bruits parasites à la piste, à ma demande. Cependant, ils étaient soit trop importants, soit trop discrets, et j’ai donc demandé une modification. Celles-ci ne correspondaient pas exactement à ce que je recherchais, alors nous sommes revenus en arrière. Étant alors satisfait, je l’ai envoyé pour un mixdown. Puis j’ai envoyé le mix à un autre ami ingénieur pour voir ce qu’il en pensait, et il ne l’a pas trouvé bon. J’ai donc demandé à Pheek de faire un export des stems et de me les envoyer pour que je puisse voir ce que mes amis en pensaient. C’est assez drôle, après avoir comparé les deux, je préfère celle de Pheek et j’utiliserai sa version lorsque la track sortira. Cet exemple montre simplement que ce morceau a eu une emprise particulièrement forte sur mes perceptions, ce qui est logique, car j’ai travaillé dessus pendant une éternité. Ce n’est qu’après un bon bout de temps que j’ai été capable de casser ces préjugés.

La meilleure recommandation que j’ai à propos de son service de finalisation de tracks est de s’assurer de marquer clairement les endroits où il y a des choses à changer. Notez l’endroit, notez la durée. Assurez-vous d’avoir une copie de l’ancienne piste à portée de main pour lui envoyer et pouvoir le guider clairement lorsque vous avez besoin d’inverser des choses. Assurez-vous de marquer les endroits et les durées sur ces fichiers. Il a publié sur son blogue un article intitulé « Comment communiquer avec un ingénieur du son? » qui fournit des conseils pour faciliter le processus de travail avec lui sur la finalisation des pistes. Cependant, il semble qu’à présent, il ne travaille qu’avec des personnes qu’il a approuvées dans le passé. Donc si vous lisez ceci, et que vous avez réussi à finaliser des pistes dans le passé, je vous recommande de lire cet article.

Une autre bonne chose à lire serait son article sur la finalisation de vos projets, maintenant que le service est devenu exclusif pour les anciens clients.

Est-il préférable de produire un seul ou plusieurs styles?

décembre 24, 2021/dans Blogue/par pheek

Pourquoi les gens produisent-ils toujours le même genre de morceaux alors que d’autres disposent d’un large éventail de styles? Je dois admettre que je suis victime du premier cas. J’ai toujours produit le même type de musique. Bien sûr, elle sonne souvent différemment, mais dans l’ensemble, j’utilise la même formule et le même flux de travail, ce qui se traduit par un ensemble de chansons qui sonnent de manière assez identique. Par conséquent, certaines personnes se demandent pourquoi je n’élargis pas mon éventail de possibilités.

En réponse, j’essaie donc de sortir du moule et de créer quelque chose de complètement différent. Ensuite, les personnes qui m’écoutent en raison de ma constance s’agacent et commencent à se plaindre. Il n’y a pas de victoire ici, c’est pourquoi je suggère toujours de faire de la musique pour soi. Au bout du compte, la meilleure chose que vous puissiez faire est d’être satisfait de votre produit fini. Cependant, explorons les avantages et les inconvénients des deux méthodes.

Produire un son similaire

OK, parlons d’abord de la production de la même chanson encore et encore. À l’ère des algorithmes et des listes de lecture, c’est une approche judicieuse si vous voulez construire une image de marque. Avec le streaming, les auditeurs ont aujourd’hui un choix infini. Ils peuvent aller sur Spotify ou YouTube et construire leurs propres listes de lecture qui correspondent à leur humeur. Et quand ils veulent renforcer leur humeur, ils vont souvent chercher des chansons d’artistes connus qui satisfont cette émotion. Si vous êtes un artiste qui produit un tas de styles différents, ils n’iront peut-être pas écouter vos nouveautés, car ils savent qu’elles ne répondront pas à ce point d’ancrage émotionnel. En revanche, si vous avez une palette de sons, de tempos et de styles qui s’inscrivent dans un cadre similaire, les auditeurs peuvent compter sur vous pour produire quelque chose qui répond à leur besoin.

L’avantage des améliorations progressives sur un son

Une autre raison de produire des morceaux à la sonorité similaire est que l’artiste veut continuer à améliorer quelque chose. Souvent, ils pensent que s’ils continuent à travailler dans la même veine, leurs morceaux s’amélioreront progressivement, ce qui peut les conduire à une sorte de percée. S’ils décident de prendre la tangente dans d’autres domaines, ils risquent de perdre cet objectif de vue. Ils peuvent même se mettre à faire des choses plus prévisibles, à l’emporte-pièce, car souvent, lorsque les artistes explorent de nouveaux genres, ils commencent à regarder des tutoriels que des milliers d’autres producteurs ont regardé. Souvent, cela fait régresser leur son, alors qu’en gardant le cap, ils auraient pu créer des sons nouveaux et excitants, même s’ils s’inscrivent dans un cadre stéréotypé qu’ils ont défini au fil de leurs années de production.

Que faire de toutes ces chansons similaires?

Lorsque vous avez 100 chansons et qu’elles sont toutes identiques, que faites-vous? Est-ce du gaspillage? Si vous sortez ces 100 chansons, vous allez vous épuiser, car toutes ne méritent pas d’être sorties. Je recommande généralement de faire des paquets de 3 ou 4 chansons et de voir lesquelles fonctionnent en les passant à des amis DJ qui peuvent les jouer. Ils vous diront lesquelles fonctionnent et lesquelles ne fonctionnent pas.

N’oubliez pas non plus de stocker tous vos projets. Vous ne savez jamais quand vous pourrez revenir en arrière et terminer un morceau avec les nouvelles compétences que vous avez acquises.

Comment changer votre son, sans devenir un modèle standardisé?

Cependant, il existe des moyens pour les producteurs de conserver un modèle tout en changeant leur son. Par exemple, ils peuvent changer la tonalité. Chaque tonalité est associée à une ambiance différente, et même si les timbres et les samples sont les mêmes, la nouvelle tonalité peut redéfinir l’impact émotionnel. Vous pouvez toujours conserver l’ambiance que les auditeurs attendent si vous changez la tonalité pour quelque chose d’harmoniquement pertinent par rapport à la tonalité d’une chanson précédente. Il suffit de consulter le Cycle des quintes (Circle of Fifths) pour savoir ce qui fonctionne sur le plan harmonique.

Les compositeurs peuvent également changer de signature rythmique ou ajouter des polyrythmies dans leur musique. Dans la musique de danse, il est souvent difficile de faire quelque chose en dehors du 4/4. Bien sûr, il y a des morceaux qui fonctionnent, comme « Neon Drum Pattern » de Jon Hopkin, qui est en 5/4, ou le classique de la rave, « American Dream » de Jakatta. Cependant, ces morceaux sont difficiles à mixer et constituent une race rare de chansons de danse. Ce que je suggère, c’est d’utiliser des triolets, ou de faire en sorte que votre chanson soit à mi-temps ou à temps coupé. Une autre chose que vous pouvez faire est de mettre votre rythme en 4/4, et votre lead en 6/4, puisqu’ils sont tous deux en temps commun. Cependant, si vous ne vous souciez pas de savoir si vos chansons sont mixables, n’hésitez pas à faire des chansons en 9/8 ou 17/4. Qui s’en soucie? Comme je l’ai dit, il s’agit de se sentir satisfait de sa musique, et rien d’autre.

Produire de nombreux styles différents

OK, alors parlons des artistes qui ont un tas de styles différents. Je dirais que c’est aussi mon cas, puisque je produis du dub techno, de la minimale, de l’ambient, etc. Cependant, comme je l’ai déjà mentionné, mon son provient d’une racine similaire.

Ensuite, il y a des artistes qui sont partout, et qui ne peuvent pas rester attachés à un seul processus. Le groupe Underworld en est un bon exemple. Vous les connaissez peut-être pour leur chanson Born Slippy, mais ils sont bien plus que cela. À l’origine, il s’agissait d’un groupe de rock des années 80 qui a évolué vers le mastodonte de la techno que nous connaissons aujourd’hui. Cependant, si vous parcourez leur catalogue, vous entendrez de nombreux genres de musique. Il y a la house, la techno et les breaks, bien sûr. Mais il y a aussi des ballades, et des morceaux ambiants. Parfois, il y a aussi des chansons big beat. Et de temps en temps, ils reviennent à leurs racines et font une chanson plus rock.

Un autre bon exemple est Radiohead. Ils changent de style pratiquement à chaque album. Ok Computer ne ressemble pas à Kid A, Kid A ne ressemble pas à In Rainbows, In Rainbows ne ressemble pas à King of Limbs, A Moonshaped Pool ne ressemble pas à King of Limbs. Ce processus a commencé avec Kid A lorsqu’ils ont voulu faire un anti-album destiné à aliéner leurs admirateurs en changeant radicalement les choses, en remplaçant la batterie par des boîtes à rythmes, les guitares par des synthés et les voix normales par des voix déformées. En d’autres termes, ils en avaient assez de la célébrité. Mais cela s’est retourné contre eux, et il est devenu l’album le plus acclamé par la critique de cette décennie.

Avoir une signature artistique pour lier le tout

Cependant, s’il y a une chose qu’Underworld et Radiohead ont en commun, c’est qu’ils ont une signature artistique, qu’ils l’aiment ou non. Avec Underworld, c’est le timbre des sons qu’ils ont choisi, associé au chant parlé de Karl Hyde. Avec Radiohead, c’est le vernis de la production et le timbre crooner distinct de Thom Yorke. Cela permet au fan de rester ancré dans la familiarité, même lorsque les styles changent.

Nous vivons à une époque différente

N’oubliez pas qu’Underworld et Radiohead sont d’une autre époque. Ils ont existé à une époque où, je crois, les labels recherchaient des artistes qui repoussaient les limites de leur créativité. Aujourd’hui, avec le streaming algorithmique, les labels recherchent souvent la cohérence, parce qu’ils ont des artistes mis dans des cases qu’ils peuvent commercialiser auprès d’une population donnée. Si vous souhaitez emprunter cette voie, vous devrez peut-être vous autoéditer ou faire beaucoup de recherches pour trouver un label qui a encore cette ancienne éthique.

Frank Zappa a donné une grande interview dans laquelle il déplore que les jeunes cool qui dirigent des labels aient ruiné l’expression artistique. Il dit que dans les années 60, la raison pour laquelle tant de musique étonnante et avant-gardiste a été diffusée dans le grand public est que les responsables des labels étaient de vieux hommes d’affaires qui ne connaissaient rien à la musique. Ils se disaient : « Qu’est-ce que j’en sais? On sort le disque et on voit ce qui se passe. » Puis certains de ces disques ont eu beaucoup de succès, alors ils ont engagé de jeunes hippies aux cheveux longs pour les conseiller. Ces hippies sont devenus suffisants et ont décidé qu’ils savaient ce qui était le mieux, parce qu’ils avaient du goût, et c’est ainsi qu’a commencé le déclin de la musique avant-gardiste, parce que souvent, ils n’avaient aucune idée, même s’ils pensaient tout savoir.

Cette situation s’est progressivement aggravée, et aujourd’hui, ces dirigeants de labels ont mis au point des formules pour déterminer ce qui doit être publié et ce qui ne doit pas l’être. Heureusement, nous vivons à une époque où l’autodistribution est possible, et avec le bon marketing et la chance, vous ne savez jamais où votre musique multigenre peut aller.

Quelle que soit la route que vous avez choisie, ça n’a pas d’importance

Quelle que soit la voie que vous choisissez, il n’y a pas de bon ou de mauvais choix. Sortir le même genre de chanson peut-être satisfaisant d’un point de vue commercial, mais d’un point de vue artistique, cela peut devenir ennuyeux. Il y a de fortes chances pour que la plupart des musiciens ne partent pas en tournée avec des milliers de fans en adoration, il est donc préférable de faire ce que vous voulez, plutôt que d’essayer de satisfaire un public potentiel. Mais si vous avez un son et que vous savez comment le commercialiser, alors, par tous les moyens, affinez-le. Dieu sait que c’est ce que j’ai fait. Mais je me suis aussi étendu à d’autres genres. Donc peut-être que quelque part au milieu se trouve une approche solide.

Comment s’amuser en faisant de la musique?

juin 16, 2021/dans Blogue/par pheek

Parfois, faire de la musique peut être une corvée. Pour les gens extérieurs, la musique semble être une expérience passionnante, excitante et amusante, mais tout compositeur sait que faire de la musique demande de la concentration, du dévouement et, franchement, peut parfois être assez ennuyeux. C’est pourquoi il est important de connaître certaines techniques pour s’amuser en faisant de la musique, juste au cas où vous tomberiez dans l’une de ces impasses créatives. Ce que je m’apprête à partager n’est pas une méthode absolue pour s’amuser en faisant de la musique, mais plutôt des petites choses que je fais depuis un certain temps et qui m’enlèvent la pression et me permettent d’être créativement expressif sans tous les aspects pénibles.

Avoir la configuration idéale ne garantit pas de s’amuser ni même de se faciliter la tâche

J’ai déjà écrit sur ce sujet, mais il mérite d’être abordé à nouveau. Tant de créatifs pensent qu’ils ont besoin de la configuration parfaite pour s’amuser. Ils pensent qu’ils ont besoin de ce nouveau module pour leur Eurorack, ou de cette nouvelle interface audio, ou du dernier poly-synth, et qu’alors, et alors seulement, ils auront l’expérience créative idéale. C’est tout à fait faux. Chaque nouveau matériel que vous achetez a une courbe d’apprentissage.

Malheureusement, le monde de la musique électronique n’est pas entièrement standardisé, de sorte que les choses ne seront pas immédiatement intuitives, même si elles sont relativement comparables à quelque chose que vous avez déjà possédé. Il y a de fortes chances qu’un objet vous permette une expression créative plus facile et plus amusante si vous le connaissez déjà. Mais le sophisme cognitif selon lequel « nouveauté égale qualité » se limite à cela, un sophisme. Il existe même un terme pour cela en psychologie cognitive : « l’appel de la nouveauté ».

Par conséquent, si vous voulez vraiment savoir comment vous amuser en faisant de la musique, mon premier conseil serait d’utiliser quelque chose de familier.

Travaillez avec des boucles

Allez sur Loopcloud et commencez à sélectionner des boucles. Plus la boucle est complète, mieux c’est. Le but ici n’est pas de faire quelque chose de super original, le but ici est de passer un bon moment à faire de la musique. Maintenant, déposez ces boucles dans la vue session d’Ableton, et commencez à déclencher des boucles et voyez ce qui se passe. Peut-être que vous pouvez mapper en MIDI quelques effets de base comme le delay, la reverb, le flanger, le gate, le pitch bend, et un filtre. Puis mappez en MIDI les faders de volume sur les canaux du clip. Puis commencez à déclencher des boucles! Ajoutez et retirez les clips, modifiez le dry/wet des effets, modifiez le pitch et faites vivre le son. Pensez à cela comme un DJ, mais dans un esprit de composition.

Loopcloud facilite les choses

Travailler avec Loopcloud facilite le processus de sélection des clips, car il dispose de filtres de recherche intégrés et des algorithmes qui permettent d’identifier des boucles similaires en contexte avec lesquelles vous pouvez jouer. Il vous suffit de cliquer sur « trouver des sons similaires » et Loopcloud peut filtrer pour vous des sons harmoniques ou rythmiques similaires qui fonctionneront bien ensemble. Ensuite, avec leur plug-in natif, vous pouvez charger les échantillons directement dans le DAW sans avoir à télécharger les fichiers et à les trier, ce qui permet une intégration transparente et une utilisation immédiate.

Un autre point positif est que cette fonction de tri rapide des boucles vous apprend à vous amuser à faire de la musique différente de celle que vous faites habituellement. Vous êtes peut-être un DJ minimal house avec un penchant pour la disco house, mais vous n’avez pas beaucoup d’expérience dans ce domaine. Avec les boucles, il est facile de créer quelque chose qui sonne bien sans

Il ne s’agit pas de créer de l’art, mais de s’amuser

Certaines personnes pourraient remettre en question l’intégrité artistique, mais le but est de s’amuser, pas de créer notre magnum opus. Si vous ne pouvez pas passer outre, pensez-y comme un DJ. Lorsque vous êtes DJ, vous ne jouez pas seulement votre musique, mais aussi celle des autres, tout comme d’autres personnes ont créé ces boucles. Cependant, ce que vous créez sera en fin de compte plus unique, et aussi libre de droits.

Il se peut même que vous l’aimiez et que vous l’utilisiez plus tard dans une composition plus sérieuse, mais pour l’instant, le but est de trouver comment s’amuser en faisant de la musique.

Comment s’amuser en faisant de la musique pour un public artificiel?

Un public artificiel, dites-vous, Pheek? Oui, un public artificiel! À notre époque, nous avons accès à une multitude de foules qui danseront quoi que nous fassions! Comment, demandez-vous? C’est simple, en mettant sur YouTube des vidéos de foules qui dansent. Ils se fichent de ce que vous faites, ils s’amusent de toute façon! Alors, allumez votre smart TV, votre projecteur, ou même un écran d’ordinateur auxiliaire, chargez une longue vidéo de gens qui se trémoussent sur de l’acid house des années 90, mettez ce truc en sourdine, et commencez à jammer.

Commencez à jammer!

Mieux encore, laissez l’audio jouer sur la vidéo de la foule en train de danser, chargez votre matériel préféré et commencez à jammer dessus, comme si vous n’étiez qu’un instrument d’accompagnement du mix. Si vous êtes vraiment fantaisiste, vous pouvez acheminer l’audio à travers Ableton en utilisant un câble audio virtuel. Vous pouvez ajouter des effets, des patterns de batterie, des lignes de basse auxiliaires ou des leads, charger des échantillons depuis Loopcloud! En fait, tout ce que votre imagination peut imaginer à la volée, faites-le! Assurez-vous simplement d’appuyer sur le bouton d’enregistrement.

Une fois que vous aurez enregistré tout cela, vous disposerez d’une banque de samples fraîche, pleine de nouvelles idées que vous pourrez incorporer dans de nouvelles productions. Maintenant, tout ce temps de plaisir a été passé à être productif, plutôt que frivole. Vous avez également acquis une solide expérience!

Je pratique cette technique depuis une quinzaine d’années, et elle m’a permis d’obtenir une multitude de nouveaux matériaux et d’inspiration.

Téléchargez une tonne de démos de plug-ins

C’est une idée amusante. En gros, téléchargez les démos d’un tas de plug-ins que vous n’utiliseriez pas autrement. Puis prenez une boucle ou un son quelque part, ou faites-en un rapidement à partir de rien. Chargez ensuite les plug-ins, et commencez à les empiler les uns sur les autres pour voir ce qui se passe. Commencez à feuilleter les presets de chacun d’entre eux, ajustez les boutons et créez des cacophonies sonores massives. Maintenant, filtrez ces sons, et voyez ce qui se passe. Peut-être les resampler, puis ajouter d’autres plug-ins par-dessus, tout en baissant le pitch.

Comment mes abonnés s’amusent en faisant de la musique

lotech/hijack déclare : « Honnêtement, je trouve que l’exploration et l’expérimentation rendent les choses amusantes. Ne l’abordez pas comme un processus. Souvenez-vous simplement que vous aimez la musique et les sentiments que vous ressentez en tant qu’auditeur. Puis allez-y avec cet état d’esprit. Ça marche pour moi (généralement). »

Camilo Jesus Ramirez explique : « Après avoir passé des années à faire de la musique, c’est quand je ne me pousse pas à le faire que je me sens le mieux, je ne fais de la musique que quand j’en ai envie, parfois je ne touche pas à un projet pendant des mois et parfois tous les jours sans arrêt, le plaisir vient quand je me sens d’humeur ».

Steve Moss se lamente : « Chaque fois que j’achète un nouveau matériel ou un nouveau synthé, je dis à ma femme : OK, maintenant je suis comblé. Ma femme me dit : c’est ce que tu dis à chaque fois et tu n’es jamais satisfait! Hahaha. »

Pierre Deniel répond simplement : « LSD ». Je suppose que c’est aussi une façon d’y parvenir!

Il existe de nombreuses façons de s’amuser en faisant de la musique

Il existe de nombreuses façons de vivre une expérience musicale amusante et passionnante sans avoir à réfléchir trop profondément ou sérieusement au processus.

Pour résumer, tout commence par un instrument que l’on n’a pas besoin de démêler. Il est facile d’enlever le plaisir si vous devez passer votre temps à apprendre ou à résoudre un problème. Par conséquent, commencez avec du matériel que vous connaissez bien.

L’étape suivante pour s’amuser est d’essayer quelque chose sans s’y attendre. N’ayez pas peur de vous frotter à de nouveaux genres, surtout avec un outil incroyable comme Loopcloud qui vous permet de charger, de trouver et de trier des samples en un clin d’œil.

N’ayez pas non plus peur d’essayer de nouveaux plug-ins et de faire des choses qui n’ont pas de sens. En fin de compte, personne ne se soucie vraiment de savoir comment vous avez fait quelque chose, du moment que vous le faites.

La vraie magie ici, c’est que si vous l’enregistrez, vous vous retrouverez avec tellement de choses uniques que vous pourrez utiliser dans votre travail futur. Ne sous-estimez jamais l’utilité de s’amuser.

Commentaires sur votre musique : Quand prendre l’opinion des autres au sérieux et quand ne pas s’en soucier

mai 24, 2020/dans Blogue, Conseils/par pheek

Si vous faites de la musique, vous comprendrez ce que j’essaie d’expliquer ici — l’état d’esprit où vous êtes pleinement conscient qu’il est important de faire de la musique uniquement pour vous, mais où vous voulez vraiment la partager avec d’autres personnes qui pourraient potentiellement l’apprécier. Si vous aimez ce que vous faites, peut-être que quelqu’un d’autre l’aime aussi?

Où faut-il tracer la limite entre faire de la musique pour les autres et la faire pour soi?

Honnêtement, c’est une question difficile. La voix de la raison, chez la plupart des gens, y répondra par quelque chose de moraliste :

Il faut faire de la musique pour soi. Partager c’est bien, mais ne faites pas tout un plat de ce que les gens disent.

Si vous êtes un artiste, à moins que vous ne maîtrisiez vraiment vos émotions, vous aurez, à un moment donné, envie de partager votre travail. Si vous partagez votre travail avec des personnes « aléatoires », en particulier des amis proches ou de la famille, vous obtiendrez le plus souvent des réactions aléatoires qui peuvent être déroutantes et difficiles à analyser de manière constructive. Partager votre travail consiste, à son niveau le plus fondamental, à rechercher une validation. Même les vieux producteurs comme moi, qui ont plus de 20 albums et ont fait des tournées, ont encore besoin de validation. La différence que je vois entre moi et les jeunes artistes, c’est que je choisis avec soin les personnes avec lesquelles je partage ma musique — une façon de savoir si vous êtes toujours pertinent pour les gens en qui vous avez confiance. Dans un précédent article, j’ai expliqué comment établir un réseau de contacts et comment construire un cercle de contacts solides.

Je constate souvent que les artistes ont des sessions très productives et que le morceau qui en résulte est très puissant sur le plan émotionnel. La validation intervient lorsqu’ils cherchent à déterminer si les émotions de la session sont valables ou s’ils ont été hypnotisés par quelque chose de faux.

Ce genre de schéma entraîne un processus de pensée « ils ont raison, j’ai tort » qui provoque une dissonance cognitive. Examinons ce schéma d’un point de vue technique :

Vous faites de la musique uniquement pour vous, mais c’est de la masturbation artistique ; il est normal de vouloir se connecter avec les autres pour valider ces sentiments.
Le contraire est de faire de la musique pour un label, un autre artiste, un public, un club ou un festival, où l’artiste recherche les opinions des autres et n’a pas de contrôle sur son propre travail — il finit généralement par être frustré.

Si vous demandez à quelqu’un un conseil en matière de musique, les gens se mettent parfois dans la position problématique de « J’ai raison, tu as tort ». Ils vous diront ce qu’ils pensent être bon ou pas, en fonction de leur point de vue. Parfois, les gens ne sont pas totalement disposés à donner un véritable retour d’information et seront partiaux. Lorsque la plupart des gens ont la possibilité de critiquer, ils trouvent que quelque chose ne va pas. Ce n’est pas toujours utile, mais parfois, dans le domaine de la musique, notamment en ce qui concerne les aspects techniques de la production, il est utile de recevoir un bon retour d’information.

Quand faut-il prendre les commentaires de quelqu’un au sérieux?

C’est à vous de décider, mais cela dépend fortement de votre capacité et de la précision avec laquelle vous évaluez votre propre travail au préalable. Voici quelques conseils pour évaluer votre propre travail avant de solliciter un retour d’information externe :

1. Si votre piste crée une émotion en vous, n’en doutez jamais, même si elle n’atteint jamais personne. Tous les morceaux n’ont pas besoin d’être publiés, entendus publiquement ou partagés. Vous pouvez faire une chanson pour vous-même et peut-être pour quelques amis : c’est une façon tout à fait valable de faire de la musique. Le « besoin » de diffuser toute votre musique est en réalité une idée fausse selon laquelle vous avez le droit d’être entendu parce que vous avez fait une chanson. Honnêtement, ce n’est pas le cas.

2. Écoutez votre chanson dans différents contextes pour voir ce que vous ressentez. Par exemple, écoutez-la pendant vos déplacements, dans votre salon, dans votre voiture, devant un ami (en personne!) ou au milieu de votre playlist préférée. Cela peut révéler des défauts dans votre travail. Si quelque chose ne va pas et que vous êtes limité techniquement, alors vous savez que demander à quelqu’un un retour d’information avec une demande précise devrait donner de la valeur à votre travail.

3. Utilisez un outil de référence tel que Reference de Plugin Boutique qui, si vous comparez votre travail avec une chanson que vous aimez, vous permet facilement de voir ce qui manque (ton ou volume). Régler les problèmes peut être un obstacle pour certains artistes, et c’est une autre raison pour laquelle il peut être utile d’obtenir une rétroaction.

Une fois que vous avez fait ces trois choses, je mettrais un extrait sur Soundcloud pour obtenir une réaction ou je le partagerais en privé avec quelques amis. Je ne posterais jamais de musique dans des forums sans savoir d’abord comment sont les utilisateurs réguliers. Je ne partage pas non plus avec des amis proches ; ils ne comprennent jamais et parfois cela peut rendre l’amitié gênante. Je préfère avoir deux cercles d’amis : ceux qui sont liés à la musique et ceux qui ne le sont pas.

N’oubliez jamais qu’il est important de faire vieillir une chanson pendant quelques semaines ou quelques mois, tout comme un vin, puis d’y revenir par la suite — cette astuce révèle des détails incroyables que vous ne pouvez pas voir ou entendre au départ.

Quand la rétroaction est-elle inutile et ne vaut pas la peine d’être prise au sérieux?

Lorsque quelqu’un implique que vous devez changer quelque chose dans l’arrangement ou la conception sonore en fonction de ses goûts.
Lorsque quelqu’un discute de certaines « règles non écrites » sur la façon dont la musique « devrait » être faite (par exemple, vous devez faire tous vos sons à partir de zéro, vous ne pouvez pas utiliser d’échantillons, etc.)
Lorsque leur avis technique est douteux. Par exemple, certaines personnes peuvent commenter la basse sans avoir accès à un sub.
Quand quelqu’un qui manque d’empathie ne peut pas comprendre la vision du morceau et essaie plutôt de le voir de son propre point de vue. Par exemple, mon ex n’a jamais compris que la musique que je faisais à la maison se traduirait différemment dans un club.
Quand quelqu’un étiquette votre musique avec des mots à la mode. Parfois, les gens écoutent une chanson et disent « oh, c’est relax », mais ne comprenaient pas que sur un grand système, elle pouvait groover.
Lorsque vous recevez des commentaires tels que « X est bon » ou « X est mauvais ». Comme si la personne avait la compréhension universelle de certains éléments permanents de la musique — ces commentaires ne veulent rien dire du tout. Nous savons tous que si la personne X trouve que c’est mauvais, la personne Y pourrait penser que c’est du génie.

J’espère que cela vous aidera à comprendre quel type de rétroaction mérite d’être prise au sérieux!

VOIR AUSSI : Common mindsets of musicians who have writer’s block and how to solve them

Quand la vie est dure, faites plus de musique

avril 29, 2020/dans Blogue, Conseils/par pheek

Si vous suivez l’actualité depuis le début de l’année 2020 — le COVID-19 bien évidemment, ce qui s’est passé en Australie (les incendies et la situation politique), en Iran et aux États-Unis, etc. — il est clair que nos vies sont toutes affectées par des choses sur lesquelles nous avons l’impression d’avoir très peu de contrôle. Pour beaucoup, les événements et les nouvelles mondiales peuvent accroître les sentiments d’impuissance, d’anxiété ou de frustration.

Cette impression de manque de contrôle n’est pas étrangère aux musiciens, qui doivent constamment faire face au sentiment de ne pas pouvoir contrôler leur chemin ou leur destination. Les situations notables sont, par exemple, ne pas savoir si un label a aimé votre démo, ne pas connaître les chiffres de vente d’une sortie, attendre des nouvelles d’un promoteur qui vous a booké, ne pas savoir si les gens apprécient vraiment votre musique, ne pas savoir comment obtenir le mix que vous voulez, etc.

« Ne pas savoir » devient une incertitude à laquelle les musiciens sont confrontés quotidiennement, et qui peut hanter leurs pensées. Certaines personnes ont également l’impression que le monde devient incontrôlable, alors que pouvons-nous faire exactement pour y remédier?

Pour ceux d’entre vous qui sont musiciens et qui traversent une période difficile, le meilleur conseil que je puisse donner est de faire plus de musique. Aux personnes qui se plaignent de ne pas avoir le temps, je dis : trouvez et prenez du temps pour cela, comme si votre vie en dépendait. Je sais que cela semble exagéré, mais j’aimerais vous expliquer pourquoi, dans mon cas, cela m’a vraiment, vraiment aidé, et je n’exagérerais pas en disant que cela m’a presque sauvé la vie. En tant que musicien ou créateur, il est incroyablement important de prendre le temps de faire de la musique.

Le deuil

En l’espace de 3 ans, j’ai perdu mes deux parents. Mon père nous a quittés le premier en 2016 — un choc énorme, car il était en très bonne santé. J’ai été complètement déstabilisé et j’ai ressenti un vide profond dont je ne voyais pas la fin. La seule chose qui m’a vraiment aidé était d’écouter de la musique ambient quand j’étais à la maison. J’écoutais la musique de William Basinski, qui est très lofi et bizarre, mais également très réconfortant d’une certaine manière. En 1998, juste avant que je décide de faire de la musique en tant que Pheek, j’ai eu une séparation brutale avec ma petite amie à l’époque et j’étais pratiquement invalide, à la maison, ne faisant rien d’autre qu’écouter le même CD encore et encore. La musique était la seule chose qui avait un sens à ce moment-là, et qui faisait que mon chemin dans la vie semblait moins négatif. Écouter de la musique familière était un besoin pour moi, et mon cerveau exigeait que j’écoute un son spécifique. Aujourd’hui, avec la puissance et la portée de ce que Spotify peut faire (ou même YouTube), vous pouvez obtenir des suggestions en fonction de ce que vous écoutez, et tout en étant apaisé, vous découvrez également des musiques similaires. Il y a une quantité infinie de musique, et en tant que musicien, vous avez le pouvoir d’en rajouter ou de vous en inspirer.

Cette rupture et ces journées d’écoute intense m’ont donné envie de faire ma propre musique, une musique de guérison. La musique de Plastikman a conduit à la création de mon surnom Pheek. La perte de mon père m’a amené à faire de la musique ambient pendant 8 mois, en créant surtout des boucles apaisantes que j’écoutais pendant mes déplacements ou à la maison. À quoi sert de faire de la musique si on ne la fait pas d’abord pour soi-même?

Je trouve que c’est quelque chose qui semble parfois manquer aux personnes avec lesquelles je travaille. Cela est devenu superflu — on se concentre sur l’endroit où la chanson va finir au lieu de faire de la musique pour soi-même. Je ne veux pas porter de jugement, mais c’est quelque chose que je vois souvent.

Maintenant, quand il s’agit de s’immerger dans la création musicale et d’y consacrer du temps, cela donne à votre cerveau quelque chose sur quoi se concentrer. Pour combattre mes propres craintes concernant l’incertitude climatique, j’ai décidé de m’inscrire sur ce site web appelé Weeklybeats, où les artistes sont invités à faire une chanson par semaine, pendant toute l’année. J’ai le sentiment que je dois me pousser à faire plus de musique pour moi. Je suis au service des autres depuis un an, mais récemment, j’ai eu le sentiment que ma musique n’était pas une priorité dans ma vie et que mes compétences de producteur en avaient souffert.

Lorsque le cerveau est en mission, il se concentre sur la résolution des problèmes, la créativité dans les nouvelles idées et la recherche de l’inspiration partout. Si vous pouvez remplacer le désespoir par un flux créatif, même s’il n’apporte aucune solution aux problèmes du monde, au moins vous n’êtes pas vous-même un problème : vous faites de la musique et la musique rapproche les gens.

Prendre le temps de faire de la musique

« Je n’ai pas le temps » est l’excuse numéro un que j’entends lorsque je parle de faire plus de musique. Je la sors moi-même régulièrement, et je souffre aussi de l’excuse « je ne sais pas comment trouver plus de temps ». On a une meilleure idée du temps libre quand on devient parent. Lorsque vous avez un enfant, tout votre temps et toute votre énergie sont consacrés à la famille et vous oubliez vos propres besoins. Un moment de 5 minutes de temps libre peut vous sembler de l’or. J’ai senti un changement dans ma production musicale lorsque j’ai eu mon fils en 2010. Je ne pouvais plus me contenter de me réveiller et de faire de la musique, il y avait d’autres responsabilités à gérer, et tout me semblait hors de contrôle. J’ai réussi à utiliser chaque minute que je pouvais trouver pour travailler sur des projets musicaux.

Comment ai-je fait tout en élevant un enfant? Je n’en suis pas totalement sûr, mais je peux vous recommander quelques astuces pour consacrer plus de temps à la musique dans votre propre vie :

Installez une configuration « plus légère » de votre studio dans votre routine. Cette question peut être difficile à résoudre, mais 100 % des personnes que j’ai incitées dans cette démarche m’ont fait part de leurs réactions positives. La plupart du temps, les gens ont leur studio dans un endroit éloigné de leur quotidien. Cela signifie que leur studio est situé soit en dehors de leur appartement, soit dans une pièce isolée. Il est légèrement déconnecté physiquement de vous et il n’aura pas de place dans votre vie, sauf celle d’une image dans votre esprit. J’encourage souvent les gens à rapprocher un studio plus simple dans le salon, la cuisine ou l’endroit où ils se trouvent le plus souvent. Je suggère également de laisser votre ordinateur ou votre matériel allumé pour que vous puissiez, sans attendre, passer et jouer avec la musique. Vous pouvez laisser une boucle tourner pendant que vous cuisinez ou que vous faites le ménage. Le fait d’avoir la musique physiquement proche de votre vie est une grande révélation pour les nouvelles méthodes de production.
Soyez mobile. Cela peut sembler bizarre, mais faire un peu de musique en déplacement est assez amusant. N’oubliez pas que beaucoup de gens utilisent des Airpods pour écouter de la musique chez eux ou en déplacement. Je ne dis pas que vous créerez un chef-d’œuvre de cette façon, mais si vous pouvez trouver quelques idées sur le chemin de l’école ou du travail, alors vous avez quelque chose qui vous tient occupé et créatif. Je vous recommande également d’enregistrer certains moments de votre vie. Nous voyons beaucoup d’images sur les réseaux sociaux, mais pas assez de son ; enregistrer des moments et les écouter plus tard est une expérience irréelle, et vous pouvez aussi en utiliser des parties pour des chansons. Il n’y a rien de plus surprenant que d’ajouter un peu de conversation aléatoire dans un morceau.
N’attendez pas des conditions parfaites pour travailler. L’excuse numéro un de la procrastination invoquée par beaucoup de gens est qu’ils ont besoin de certaines conditions « acceptables » pour faire de la musique. Il peut s’agir de l’installation dont ils disposent, d’un équipement manquant, d’un logiciel manquant ou du moment de la journée. Certaines personnes pensent qu’elles ne peuvent faire de la musique qu’à un moment précis de la journée. Si vous donnez du pouvoir à ces conditions, vous ne contrôlez pas votre créativité et vous croyez que des forces extérieures vous influencent. Je suis désolé sans l’être, c’est faux. Vous, et vous seuls pouvez faire en sorte que cela se produise, et cela commence en s’asseyant et en le faisant simplement. Si vous vous sentez dépassé, alors lancez-vous dans 5 minutes de musique et voyez où cela vous mène.
Engagez-vous. C’est pourquoi j’ai décidé de relever le défi de faire une piste par semaine pour 2020. Au lieu de faire un album cette année, je vais faire des tonnes de musique, de façon régulière. Vous pouvez vous engager de bien d’autres façons. Vous pouvez vous associer avec des amis pour échanger de la musique, faire de la musique pour les DJs locaux ou pour votre Bandcamp.
Laissez-vous aller et laissez votre démarche être libre. Le plus grand ennemi de la créativité est un moule ou une formule, et si vous suivez toujours les mêmes schémas, vous oublierez que la musique peut même être une simple répétition de quelques notes. Essayez d’écouter de la musique néo-classique et minimaliste des années 60 et 70 pour redéfinir la façon dont vous percevez ce que vous faites. Laissez vous aller à explorer des idées aléatoires. Une chanson peut être une idée simple et vous n’avez pas toujours besoin de faire un template ou une piste. Il peut s’agir de quelque chose d’imparfait, enregistré à l’improviste. Il n’y a pas de règles, soyez libre!

LIRE ÉGALEMENT : Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

Ma méthodologie de production musicale : le vaisseau mère (Pt. II)

novembre 27, 2018/dans Blogue/par pheek

Je ne sais pas si vous êtes fan de films de science-fiction, mais je le suis. Une chose que j’aime beaucoup dans ce genre de films, ce sont les invasions d’extraterrestres, où ils tombent du ciel après avoir sauté d’un énorme vaisseau spatial ; où tous les méchants sont rassemblés et ensuite déployés. Dans la création musicale, j’applique un concept similaire à mes propres méthodes de production musicale et à ma méthodologie globale. Depuis que j’ai transmis cette idée aux gens que j’entraîne, je les vois faire des choses vraiment cool en utilisant le concept du « vaisseau mère ». Ils adaptent cette méthode à leur propre façon de faire de la musique, et quand ils me la montrent, j’apprends une chose ou deux sur la façon d’améliorer mes méthodes de production musicale.

Cet article porte sur le concept de vaisseau mère, et je partagerai un template Ableton Live vide que vous pouvez réutiliser pour votre propre travail. Je couvrirai également quelques fonctionnalités d’Ableton qui peuvent vous aider à concrétiser vos idées.

LE VAISSEAU MÈRE : PAR OÙ COMMENCER ?

Connaissez d’abord votre musique. Quels que soient les genres que vous écoutez, apprenez connaitre leurs éléments et ce dont vous avez besoin. Si vous lisez régulièrement ce blog, vous savez que j’insiste toujours sur connaître et utiliser des références. Eh bien, la méthode du vaisseau mère commence aussi par l’utilisation de références. Il y a quelques questions essentielles que vous devez vous poser lorsque vous écoutez vos références :

Quels sont les sons prédominants ? Par exemple, en techno, le kick, les hats et la snare sont presque toujours là et pendant la majeure partie de la chanson. Il y a souvent des percussions et des effets, mais ce ne sont pas les acteurs principaux.
En quoi consiste la mélodie ? La mélodie a-t-elle un seul son (ex. synthétiseur) ou deux ou trois sons différents qui se parlent entre eux ?
Y a-t-il autre chose ? Parfois, nous pouvons nous perdre un peu dans une piste de référence, car il semble y avoir beaucoup de choses qui se passent, peut-être de petits sons en arrière-plan ou des tourbillons de grooves. C’est ce que j’appelle des distractions. Si vous voulez vraiment analyser une chanson, faites une boucle de 2 mesures juste au milieu ou quand la chanson est la plus complète, puis commencez à compter chaque son et donnez un sens à ce que vous entendez.

Une fois que votre chanson a été analysée, vous êtes prêt à construire un template.

LA CONSTRUCTION D’UN VAISSEAU MÈRE VIDE

Si vous avez envie de voir à quoi pourrait ressembler un template Ableton Live « Vaisseau mère vide », vous pouvez le télécharger ici :

[download id= »34555″]

Il ne répond peut-être pas à vos besoins en tout temps, mais c’est quand même une excellente entrée en matière.

Ce modèle vide a été créé par ROOM323 que j’entraîne depuis presque 2 ans. Son modèle de départ est vraiment génial — peut-être même meilleur que le mien — alors je vais expliquer pourquoi je pense qu’il peut être vraiment utile.

Chaque son a sa propre piste.
Il y a juste assez de pistes pour tout couvrir et s’y limiter vous permet de rester concentré.
Les pistes d’arrière-plan et d’effets sont un bon rappel. Parfois nous oublions qu’un aspect de la chanson a été surutilisé, surtout pour des détails en arrière-plan. C’est aussi un rappel pour ne pas en faire trop.
Le stockage de vos boucles vous donne une vue extérieure de tout le potentiel que vous avez.
Il n’y a rien de mieux pour vous aider à prendre des décisions concernant vos différentes chansons.
Il peut être transformé en performance live !

COMMENT UTILISER LE TEMPLATE

La toute première partie de l’utilisation de ce template est de commencer par la collecte des « ingrédients principaux » (voir première partie de cette série). . Cela peut se faire en fouillant sur YouTube, en jammant avec un nouveau synthé VST de démo ou en traînant avec des amis tout en les enregistrant jouer au hasard avec des instruments. Tout peut être potentiellement bon, c’est la façon dont vous l’utilisez qui fera la différence.

« Ce n’est pas la note que vous jouez qui mauvaise — c’est la note que vous jouez après qui la rend bonne ou mauvaise » — Miles Davis

Mettez chaque idée différente dans la piste appropriée du vaisseau mère.
Vous aurez peut-être 5 idées fortes. Vous pouvez maintenant remplir les pistes qui manquent de contenu. Si vous avez une belle mélodie de guitare, alors vous aurez besoin de percussions, de kick, etc.
Pour chaque idée, essayez d’avoir des variations différentes. Peut-être que votre première boucle était bonne, mais si vous retravaillez certains éléments, vous trouverez peut-être une autre option qui est assez cool également. Ces variations peuvent aussi être des scènes différentes de la première boucle.
Il ne reste qu’à jammer !

C’est à peu près tout !

Quand je travaille avec ROOM323, j’aurai 20 idées différentes de lui, alors je pourrai sélectionner les 5 meilleures. De là, je vais choisir une rangée et la déposer dans la section d’arrangement pour commencer à construire une chanson. En termes de productivité, cette méthode est beaucoup plus efficace que de se limiter à une idée par projet qui est ensuite transformé en chanson. Une chose importante à garder à l’esprit, c’est que si pendant votre chanson, vous n’avez plus d’idées, alors vous pouvez simplement revenir dans vos 20 boucles originales pour choisir quelque chose de complémentaire.

Une chose étonnante à propos d’Ableton 10 est que vous pouvez déposer une chanson/sample depuis le navigateur et le déposer dans votre chanson. Il importera votre idée telle que vous l’avez laissée. Cela signifie que vous pouvez construire votre vaisseau mère dès aujourd’hui en ajoutant toutes vos boucles inachevées !

VOIR AUSSI :

MA MÉTHODOLOGIE DE PRODUCTION MUSICALE : PROFONDEUR ET ASTUCES DE MISE EN FORME SPATIALE (Pt. III)

Ma méthodologie de production de musique électronique (Pt. I)

novembre 23, 2018/dans Blogue, Production/par pheek

J’ai réfléchi récemment à la façon de consolider les nombreuses valeurs, observations et principes que je partage régulièrement sur ce blog dans un résumé de méthodes et méthodologie de production musicale. Je donne régulièrement de la rétroaction dans notre groupe Facebook et je trouve que je me répète souvent en ce qui concerne certains détails et points qui me semblent fondamentaux. Il n’y a pas si longtemps, j’ai écrit un post avec une check-list pour voir si tout avait été couvert afin de savoir si votre chanson est terminée, mais que diriez-vous d’une liste de choses à faire pour commencer ? Et quels sont les points majeurs à considérer en amont pour ne pas se perdre ?

Laissez-moi vous décrire mon propre état d’esprit avant de commencer à travailler sur la musique ; cela m’aide beaucoup et je pense que je pourrais aussi vous donner un coup de pouce en termes de productivité.

L’INTENTION

Avez-vous déjà eu des séances magiques ou d’autres au cours desquelles vous avez eu l’impression d’avoir fait les mêmes choses, d’avoir commencé à douter de ce que vous faisiez ? Faire de la musique semble être aussi simple que de pratiquer un sport, mais on ne peut pas le prévoir ou le contrôler, ce qui peut être frustrant. J’ai commencé à noter un dénominateur commun dans toutes mes bonnes sessions : elles ont toutes été commencées avec une intention précise. Ce que j’entends par là, c’est qu’avant — avant même d’ouvrir la session de travail — je passais du temps à développer une idée précise de ce que je voulais faire dans cette session. Il peut s’agir d’une simple conception sonore, d’un mixage, d’un arrangement ou d’un travail sur la session d’un client.

Je résumais en me disant : « Aujourd’hui, à la fin de la journée, je devrais avoir fait X. » Le X étant une sorte d’objectif que je peux facilement quantifier, comme par exemple la finition d’une piste.

Cette habitude importante me met de bonne humeur, m’aide à me concentrer et me prépare à relever de plus grands défis.

Le mood board

Le terme « mood board » est souvent utilisé dans le design visuel. C’est essentiellement un tableau d’affichage avec toutes sortes d’images : l’ambiance, l’esthétique, les concepts. Parfois il peut s’agir d’une texture ou d’un dessin, mais il peut aussi s’agir de quelques images : cela devient une référence pour tous les membres de l’équipe.

Un exemple de mood board graphique (image utilisée avec l’aimable autorisation de https://www.sophierobinson.co.uk)

C’est à peu près la même chose en audio. J’ai un énorme dossier avec de la musique que j’aime pour servir de référence. J’ai aussi des playlists sur YouTube de chaque référence par client. J’en ai une autre sur Soundcloud pour trouver des idées, de l’inspiration et des arrangements. La qualité audio de Soundcloud n’étant pas si bonne, je l’utilise plus pour des idées que pour n’importe quel mix/mastering. Parfois c’est des chansons, parfois c’est juste des atmosphères simples ou un air bizarre juste pour sa réverbération (que je peux utiliser en convolution). Il y a de nouvelles chansons incroyables que je vois dans mon flux tous les jours et je veux vraiment marquer celles que je vois. Honnêtement, j’ai même un mood board sur Instagram/Pinterest. Certaines images m’aident aussi à générer des idées sonores. Ouais, je suis bizarre comme ça.

L’INGRÉDIENT PRINCIPAL

Dans le risotto par exemple, le riz est l’ingrédient principal mais ce plat peut être modifié de différentes manières. L’audio fonctionne de manière similaire.

Cet ingrédient principal est au cœur de votre prochain projet. Je compare souvent faire de la musique avec préparer un repas : je trouve que le fait de compter sur un premier ingrédient important aide à développer un thème pour une chanson. Plus vous travaillez sur quelque chose, plus vous voudrez en ajouter. Rappelez-vous que les chansons sont divisées en sections et ma règle est d’avoir soit un changement majeur, soit un son ajouté par section. Les chansons ont, en général, 3-4 sections. Certaines n’en ont que 2 !

Ainsi, cela signifie que votre ingrédient principal pourrait — en théorie — avoir des changements majeurs 2-3 fois maximum dans une chanson pour rester compréhensible. Bien sûr, c’est ma règle personnelle. Vous avez peut-être d’autres points de vue, et ce n’est pas grave. L’ingrédient principal aura aussi des frères et sœurs. Je forme généralement une famille de 3 sons par chanson. Les ingrédients principaux auront 1 frère et 1 sœur. Le frère sera semblable à l’ingrédient principal comme un moyen de le compléter. Par exemple, une note plus aiguë. Le son de la sœur sera en opposition avec l’ingrédient principal. Par exemple, si l’ingrédient principal a une attaque rapide, la sœur aura une attaque lente.

La mise en place de ces idées m’aide vraiment à voir rapidement ce dont j’ai besoin. Mais connaître cette méthode n’aide pas à trouver les sons réellement. Les sons me viennent à l’esprit de bien des façons : sampler quelque chose que vous aimez, utiliser les jams que vous avez faits sur une machine et enregistrés, recycler des idées plus anciennes, parcourir les possibilités infinies de YouTube, aller dans un magasin local et acheter le disque le plus bizarre que vous pouvez trouver, apprendre une nouvelle façon de concevoir un son à partir d’un tutoriel que vous avez vu, etc. L’idée est d’avoir du matériel à manipuler.

NOTE : Quand je rencontre un obstacle, je fais généralement un remix pour quelqu’un que je connais, pour le plaisir. Remixer est facile et amusant. Vous essayez de jongler avec les éléments et de garder certains d’entre eux fidèles à l’original pour rendre le remix reconnaissable d’une certaine manière. Dans les remixes, on vous donne déjà l’ingrédient principal, puis c’est à la créativité de faire le reste.

LES FONDATIONS DE LA MAISON

Je vous invite à voir votre chanson comme un plat, mais maintenant imaginons-la aussi comme une maison. Pour en construire une, vous avez besoin d’une base solide. Le solide, ce n’est pas pour la rendre forte ou grande. Il s’agit d’être clair. En termes musicaux, nous appelons la fondation sa note fondamentale, la partie la plus basse. Par conséquent, je trouve que mettre quelques notes dans la basse/sub donnera des idées, du support pour la mélodie à venir dans les médiums. Mais si c’est muddy dans les basses fréquences, toute la chanson en pâtira.

ASTICE : Essayez de garder seulement 1 ou 2 éléments en dessous de 80hz.

UNE ACCROCHE (HOOK)

Votre chanson sera mémorable pour les autres s’ils peuvent la chanter à quelqu’un qui ne l’a jamais entendue. Demandez à un ami pour voir si c’est possible. Sinon, votre chanson sera classée dans la catégorie « musique intentionnelle » (dans la même veine que la musique percussive africaine) où vous ne pouvez pas la chanter. Dans la techno, tout le mouvement de la musique roumaine est en partie construit autour d’une combinaison de chansons avec et sans accroches. Ce qui rend cela addictif, c’est qu’on a le sentiment de pouvoir chanter en retour, mais finalement non, et puis quand on mixe, l’interaction de 2 chansons révèle quelque chose à laquelle on ne s’attendait pas.

Avez-vous besoin d’une accroche ? Non. Mais si vous n’utilisez jamais d’accroches dans votre musique, essayez d’en faire une. Ou si vous ne faites de la musique qu’avec des accroches, essayez d’en faire une qui semble… vide. C’est un défi assez difficile de sortir de votre zone de confort, mais cela peut aussi vous faire découvrir des choses que vous ne pensiez pas pouvoir faire.

David Lynch a dit : « Les idées sont comme les poissons. Si vous voulez attraper de petits poissons, vous pouvez rester dans les eaux peu profondes. Mais si vous voulez attraper de gros poissons, vous devez aller plus loin. »

C’est tout pour la première partie sur les méthodes et la méthodologie de production musicale — je vous en dirai plus la semaine prochaine.

Voir aussi :

Ma méthodologie de production de musique électronique (Pt. II)

Principes importants de production musicale

juillet 23, 2018/dans Production/par pheek

En tant que manager de label ou en tant que prof qui donne régulièrement des feedbacks (rejoignez notre groupe Facebook si vous êtes intéressé!), j’ai réalisé que je n’écoute pas la musique comme tout le monde : je base mon écoute sur certains principes de production musicale. Il y a un certain nombre de choses qui attireront mon attention et que la plupart des gens ne remarqueront pas vraiment. J’écoute un certain nombre de principes qui font que — selon mes goûts — une musique est riche, mûre et profonde. Beaucoup de labels recherchent la musique qui se vendra, mais je suis plus intéressé par une musique innovante, ce qui pour moi vient du travail de conception impliqué dans la chanson.

Pourquoi l’innovation en premier ? Je préfère marcher sur de nouvelles terres plutôt que de release quelque chose de bateau. Cela ne paie peut-être pas, mais la gratification différée est plus grande et je peux ainsi attirer des esprits créatifs, qui sont mes personnes préférées.

Je lisais sur le design visuel et j’étais plutôt intéressé par le fait qu’il s’apparente à la production audio. J’ai compilé quelques principes de base de la production musicale qui s’appliquent à la fois à la sphère audio et à la sphère visuelle.

L’ÉQUILIBRE

L’équilibre peut être atteint de différentes manières : du champ stéréo à l’équilibre mid/side, ou encore l’équilibre entre les basses et les hautes fréquences. J’aime entendre comment l’équilibre a été conçu et exagéré — l’emphase d’une zone qui se déplace vers une autre. Je veux sentir que l’artiste joue avec l’équilibre, ou montre qu’il peut proposer un décalage d’équilibre pendant toute la durée de sa chanson. L’équilibre est pour moi, l’umami de l’audio, et je veux faire l’expérience de quelque chose qui me semble plein.

ASTUCE : Dans la dernière étape de l’arrangement, essayez de vérifier chaque zone (gauche/droite, mid/side, fréquences basses, médiums, aiguës) pour voir comment elles sont liées les unes aux autres.

LE CONTRASTE

Celui-ci est un peu délicat. Comment appliquer un contraste en audio ? Cela peut être dans la façon dont vous sélectionnez vos sons par exemple. Peut-être avoir un certain nombre de sons qui ont une attaque très forte par rapport à d’autres qui sont doux. Peut-être un contraste de volume, de compression, d’harmoniques ou de simple vs très détaillé. Lorsque vous apportez un certain nombre de sons ou de mélodies, pensez à la façon dont chacun d’entre eux peut varier. C’est utile, car cela peut élargir votre palette de sons ou les faire évoluer vers autre chose. Un de mes contrastes préférés est celui entre les sons texturés et ceux qui sont lisses ; un autre type de contraste que j’aime entendre est une distinction entre le brut et le subtil sur certains éléments.

ASTUCE : Essayez d’importer deux échantillons à la fois qui sont très différents. Ex. 2 claps, l’un brillant et l’autre brut, puis passer de l’un à l’autre pour créer du contraste.

L’EMPHASE

Quel est l’élément qui devrait attirer votre attention en premier ? C’est, dans la conception, le point focal de votre œuvre d’art et dans l’audio, la mise en avant d’un son poussera l’auditeur à embarquer. C’est généralement dans les fréquences moyennes, juste en face de vous. Il est rare que votre élément clé soit déplacé vers la droite et si c’est le cas, ce sera vraiment déroutant tout au long de la chanson. Une bonne façon de créer un point focal sera de décider ce qui sera à l’avant et ce qui sera à l’arrière.

ASTUCE : Utilisez un élément principal en mono et égalisez les médiums un peu plus fort pour le pousser vers l’avant. Regroupez tous les sons à placer à l’arrière, là où vous diminuez légèrement les médiums en mode mid/side.

LE MOUVEMENT

J’en parle beaucoup dans ce blogue et si vous n’avez pas consulté certains des articles passés sur la façon d’obtenir plus de mouvement dans vos pistes, je vous invite à y jeter un coup d’œil. Le mouvement est l’une des parties les plus importantes des arrangements musicaux. Le mouvement, c’est la vie, rien de moins. Quand la musique est statique, elle est morte, ennuyeuse, redondante, synthétique d’une mauvaise manière, et terriblement aliénante. Vous avez besoin que votre son bouge dans l’espace, dans le champ stéréo ainsi qu’en haut et en bas — il y a tant de façons d’obtenir du mouvement.

ASTUCE : EQ, auto-pan, compression, filtres sont vos meilleurs amis pour le mouvement.

PATTERN (MOTIF)

Les idées et les accroches dépendent toujours d’un motif précis. La prochaine fois que vous écouterez votre chanson préférée, essayez de déterminer le motif de la chanson. Parfois c’est simple, parfois ce sont des motifs multiples qui sont superposés. Maintenant, le motif est plus que la percussion ; c’est l’ordre des éléments qui réapparaissent tout au long de la chanson. Dans la techno, il y a un micro motif (par exemple à l’intérieur d’une barre) qui fait partie d’un motif beaucoup plus grand. Le décoder, c’est un peu comme lire du morse. Mais l’un des points clés des motifs, comme l’explique Miles Davis, est de comprendre l’importance du silence parce que c’est ce qui les crée.

ASTUCE : Lors de la création d’un motif, essayez d’ajouter des idées supplémentaires aléatoires en utilisant l’effet MIDI d’Ableton, « Random ». Avoir un motif en développement peut faire des merveilles sur la timeline d’une chanson très simple.

LE RYTHME

C’est la suite logique du principe du pattern (motif), car ils vont de pair, mais sont légèrement différents. J’aime voir le rythme comme tout ce qui amplifie le flow du motif que vous avez créé. Les templates de groove d’Ableton sont particulièrement liés au rythme et au swing. Mais surtout, une chose à comprendre est la transition d’une section à l’autre, ainsi que ce qui est régulier ou irrégulier. Vous pouvez avoir un motif très simple, presque ennuyeux, mais avec un rythme impeccable, vous pouvez le rendre très engageant pour l’auditeur. Cependant, cela ne fonctionne pas dans l’autre sens ; un rythme médiocre transformera un bon pattern en déchet.

ASTUCE : Essayez de DJer vos morceaux à différentes étapes de la production. Vous pouvez étirer votre idée/concept jusqu’à 5-6 min et voir comment ça sonne, mixé en tant que DJ. Bien sûr, mixez-le avec quelque chose dont vous aimez le rythme et voyez comment le vôtre s’intègre.

L’UNITÉ

C’est la touche finale d’une chanson : « s’assurer que tous les éléments marchent bien ensemble ». Parfois, j’entends de la musique et j’ai l’impression qu’il y a quelques sons qui ne fonctionnent pas du tout. Peut-être que cela vous est arrivé et que vous n’êtes pas sûr de ce que c’est exactement. Voici une liste rapide des éléments à prendre en considération lors de l’élaboration d’une nouvelle idée :

Assurez-vous que toutes les mélodies sont dans la même gamme ou dans des tonalités compatibles.
Utilisez l’accordeur pour vous assurer que les éléments les plus importants sont dans la gamme.
Ayez toujours certains sons qui sont en relation « question/réponse » avec d’autres.
Certain sounds should either be working together or complementing one another (eg. played at same time or shuffling).
Utilisez un swing/groove global pour les sons principaux.
Tenez-vous-en à 1-2 reverbs pour créer un espace commun.

PRINCIPE FINAL : RENDRE VOTRE TRAVAIL COMPRÉHENSIBLE, DURABLE ET DÉTAILLÉ.

Voici une devise personnelle que j’applique à l’analyse de mon propre travail :

« Cette chanson est-elle compréhensible ? » Si je demande à une personne de la chanter, peut-elle se rapporter à un élément ?
« Cette chanson est-elle basée sur une tendance ou bien vieillira-t-elle correctement ? » J’aime analyser les chansons que j’aime encore après 20 ans et essayer de voir ce que j’aime encore dedans. J’essaie ensuite d’appliquer le concept avec mes connaissances actuelles. Il peut s’agir d’un concept ou d’une technique.
« Ai-je couvert tous les détails ? » La dernière série d’arrangements que je ferai sera de passer prudemment à travers ma chanson, une mesure à la fois pour voir si je suis au courant de tous les détails, comme le volume, les attaques, la position, etc. Tant que je ne le fais pas, la chanson n’est pas terminée.

J’espère que cela vous aidera à percevoir votre musique différemment et à créer votre musique plus efficacement !

Conseils de base pour les arrangements

juillet 3, 2018/dans Finalisation de tracks et arrangements/par pheek

Étant donné le volume horaire de mixage que je fais régulièrement, je travaille sur de nombreux projets d’une grande variété de clients. Je dois aussi faire beaucoup de « nettoyage » avant de travailler sur le mix d’une chanson. Je voulais partager avec vous des conseils de base pour les arrangements, ce qui accélérera la construction de la chanson et aidera à l’améliorer à la fin.

NETTOYER UN PROJET POUR PLUS DE CLARTÉ

Le « nettoyage » est quelque chose que beaucoup de gens négligent, mais cela vous aidera à mieux comprendre ce qui se passe dans une chanson. J’encourage fortement les gens à travailler sur plusieurs projets à la fois avec ma technique de production non linéaire; un projet propre vous aidera à comprendre où vous en étiez lors de votre dernière session.

Voici quelques conseils pour obtenir un projet plus propre et plus clair :

Nommez vos pistes/samples avec quelque chose de simple. Par exemple, renommez cette boucle « rolling_AD252 » en « percussion ». Gardez les choses simples et claires et ayez votre propre vocabulaire.
Colorez chaque piste en fonction du contenu. Par exemple, rouge pour le kick, marron pour la basse, bleu pour la mélodie, etc. Sur Live 10, vous pouvez ensuite appliquer cette couleur aux clips.
Créez une timeline logique dans votre arrangement. C’est là que 90 % échouent ! Les premiers sons de votre chanson devraient être déplacés vers l’avant et vers le haut, et au fur et à mesure que les sons arrivent, ils devraient être déposés en dessous. Puisque l’arrangeur se déplace de gauche à droite, vous verrez apparaître les sons dans l’ordre d’apparition, comme ils le font pour les films.
Mettre des marqueurs pour voir les points clés. Les marqueurs sur la timeline vous aident à voir comment les choses se répètent dans une certaine logique et aussi à voir où faire les transitions.
Consolidez les blocs de sons, changez de couleur s’il y a des changements. Consolidez tous les petits blocs pour pouvoir les dupliquer facilement et voir vos arrangements plus clairement.
L’arrangement n’est pas le mix. N’ajoutez pas encore tous vos effets et compressions, concentrez-vous sur la timeline, puis vous pouvez facilement grouper et faire votre mix si tout a été étiqueté et coloré correctement.

Avant consolidation

Clips consolidés

Et dupliqués

PENSEZ À L’ÉQUILIBRE

Quand vous faites une chanson, vous devez penser à quelques points clés pour garder les gens intéressés :

Gardez les choses en mouvement pour éviter la redondance.
Avoir un développement logique.
Apportez des surprises.
Avoir des transitions solides.

Tout cela peut être vu visuellement si votre projet est propre et clair. Voici comment :

L’image ci-dessus est un bon départ. Vous pouvez voir que ces blocs sont assez simples et répétitifs. Habituellement, quand j’entends une chanson comme ça, je visualise automatiquement les blocs qui entrent et sortent ; j’appelle ce type d’arrangement « blocky ». Il ne se passe pas grand-chose, rien de très excitant, et l’équilibre des chansons « blocky » est extrêmement rigide, ennuyeux.

Cependant, le fait d’avoir une chanson « blocky » peut être facilement corrigé.

Un son peut sonner à nouveau si vous le « réinitialisez ». Vous pouvez « réinitialiser » un son en l’enlevant, puis en le ramenant à un point clé. C’est une bonne façon pour l’auditeur d’apprécier différentes combinaisons de sons. Si vous laissez tous vos clips jouer tout le temps, vous ne pouvez pas apprécier si X joue avec Y seul. C’est pourquoi je trouve qu’une chanson avec 3 hats et/ou 3 pistes de percussion vous donne une très large gamme de combinaisons, mais vous aurez besoin d’être créatif pour toutes les explorer dans une chanson. Cela peut être fait en coupant occasionnellement certains sons.
Transitions, transitions, transitions. L’ai-je assez dit ? Vous pouvez faire de jolies transitions avec un effet, un silence, un son qui roule ou qui se répète, un échange de sons, une automation de volume, etc. Explorez !
Automation, fondu (fade in). Si tous vos sons arrivent en même temps, essayez d’avoir des fondus de temps en temps.
Créez des variations. Si les sons ont été programmés d’une manière spécifique dans une section, faites-les varier dans la section suivante.
Longueur variable des patterns. Si vous avez plusieurs patterns qui font une mesure, essayez d’en avoir certains qui en font deux, d’autres quatre, et d’autres encore d’une demie mesure. La richesse des combinaisons où les sons se mélangent au fil du temps sera captivante pour les oreilles !
Ne mettez pas tous vos atouts musicaux dès le début. Essayez de faire apparaître de nouveaux sons par section.

Cette dernière image montre ce à quoi ressemble un projet en ayant ajouté quelques trous, ce qui donnera beaucoup plus de dynamisme et de surprise à votre chanson. Prenez votre temps ! Vous pouvez faire confiance à l’auditeur en laissant les choses aller et évoluer. Si vous n’aimez pas les chansons en constante évolution et que vous préférez les arrangements dénudés, c’est à peu près la même chose : prenez votre temps pour faire entrer les choses et utilisez des automations.

J’espère que cela vous aidera !