J’ai toujours été intéressé par l’industrie de la restauration et en particulier par le processus d’attribution des récompenses, comme les étoiles Michelin. Il existe un certain nombre de critères qui permettent de déterminer si un chef va obtenir une étoile et je trouve qu’il est possible de s’inspirer de ces points pour les appliquer au travail d’un producteur de musique. Bien qu’il n’y ait pas de notes écrites sur les critères, ce que nous savons, c’est qu’il y a des points clés tels que la capacité, la qualité et la personnalité du chef. Cependant, un point qui ressort vraiment est la constance.

 

C’est un sujet qui revient souvent avec mes clients. Tous rêvent de trouver une formule qui garantira que chaque chanson est bonne et que chaque fois qu’ils entrent en studio, quelque chose de valable sortira du temps investi. Il existe des moyens directs d’y parvenir, mais je vais détaillerai également quelques points peuvent être un peu troublants.

 

GESTION DES ATTENTES

Il est toujours un peu difficile de parler des attentes avec les clients. Il y a quelques points à garder à l’esprit à ce sujet. Tout d’abord, de nombreuses personnes sont d’abord passionnées de musique et comptent sur ce passe-temps pour de multiples espoirs tels que l’acceptation et la validation de leur communauté ou de leurs idoles. Cela suffit à créer de grands objectifs, ce qui crée un stress qui peut entraver la créativité et la productivité. Il en va de même pour d’autres producteurs qui ont sorti de la musique et ressentent une pression pour en faire plus, mais ils sont confrontés à certaines tensions vis-à-vis de ce qu’ils font : sentiment d’être inadéquat, de se heurter à des limites techniques, comparaisons injustes avec d’autres, etc.

Personnellement, je ne crois pas vraiment qu’il soit humainement possible d’avoir des séances positives constantes en studio, où vous êtes 100 % heureux de votre musique. Pour ceux qui y arrivent, je me demande aussi si c’est vraiment amusant, car à long terme, cela peut être très stressant et fatigant.

 

Ainsi, plutôt que d’avoir une constance parfaite dans la musique, je pense qu’il est préférable de changer d’approche pour définir les conditions de votre victoire. Dans l’article Définition de fini, nous avons expliqué comment se fixer des objectifs précis pour reconnaître quand on a terminé un projet tout en acceptant les imperfections avec lesquelles on peut vivre. Mais les conditions de victoire sont légèrement différentes, tout en restant très proches.

 

Par exemple, j’ai connu des musiciens professionnels qui se forçaient à aller au studio tous les jours et à faire au minimum une chanson. Comme je travaillais avec eux, j’ai eu l’occasion d’écouter et je dois dire que je trouvais que les chansons qu’ils me présentaient étaient intéressantes environ 5 % du temps (il y en avait beaucoup). Nous en avons parlé et nous avons constaté que non seulement il n’était pas heureux de la situation ni du résultat, mais qu’il se rendait compte qu’il ne réalisait pas ce qu’il espérait. Nous avons donc travaillé ensemble pour modifier son flux de travail et ses attentes.

J’ai proposé ma technique de création musicale non linéaire dans laquelle il travaillerait sur plusieurs pistes à la fois au lieu d’une seule chanson à la fois. J’ai également demandé ce qu’il aimait le plus faire afin de m’assurer que cette partie représenterait au moins 50 % de son temps de studio. Dans son cas, il aimait la conception sonore et la création de nouvelles chansons, ce qui était parfait. Je lui ai montré que la musique peut aussi être cela et que faire de la musique est une partie importante de la création musicale, mais ce n’est pas la seule partie. Commencer de nouvelles chansons est, pour moi, tout aussi important que de les terminer. Plus vous en commencez, plus vous avez de chances de créer des idées solides et originales. Ensuite, vous récoltez les meilleures pour les transformer en une chanson. Nous avons également revu les différentes façons de faire du sound design et les techniques à essayer.

 

Cela a beaucoup changé les résultats de sa musique et la qualité des morceaux suivants s’est nettement améliorée, même si le rythme de leur sortie s’est ralenti. C’est pourquoi j’encourage parfois les gens à se concentrer sur les morceaux réalisés par saison plutôt que par jours ou semaines.

 

CONDITIONS DE VICTOIRE

Nous avons tous des conditions différentes et il n’y a pas vraiment de meilleure façon de procéder, mais je trouve que les conditions de victoire doivent être différentes des objectifs d’une sortie/release. Certaines personnes se sentent victorieuses lorsqu’elles sortent leur album après des mois de travail, mais elles en redemandent très vite et doivent alors retourner au studio, ce qui peut paraître pénible. Dans mon cas, après des années d’expérience, je constate que mes conditions de victoire se résument à m’éclater lorsque je suis en studio, même si cela implique de travailler dur pour résoudre des problèmes.

Cela implique deux choses différentes : premièrement, il y a une partie de moi qui est là pour résoudre les problèmes, installer le matériel, créer un environnement qui soit exploitable et régler les détails pour s’assurer que tout va bien. Deuxièmement, je dois me préparer à mes conditions en m’assurant que j’ai toutes les compétences nécessaires pour faire de la musique. Ainsi, si dans une Définition de fini, nous fixons les points qui nous permettent de voir que nous avons terminé, dans les Conditions de victoire, nous établissons ce qui est nécessaire pour y parvenir.

 

Comme pour moi, c’est lié au plaisir, j’ai dû faire de l’ingénierie inverse.

 

Cela signifie que j’ai dû revenir sur une séance vraiment amusante et voir ce qui s’est passé pour que cela fonctionne et avoir du plaisir. Le plus souvent, alors qu’une séance peut être gâchée par des problèmes techniques, il est clair que certaines séances dans le studio devraient être consacrées à la prévention des problèmes. Toutefois, d’autres séances devraient être consacrées à la pratique d’une technique ou d’un nouveau concept, de sorte que lorsque je suis dans la zone, j’ai tout sous la main.

 

ET VOUS?

Dans le développement d’un artiste, il y a de nombreuses étapes et phases. Il se peut que vous soyez dans une phase si éprouvante que le plaisir n’est pas au rendez-vous. C’est peut-être parce que vous vous sentez dépassé par un problème spécifique, une limitation du logiciel, un manque de connaissances sur un sujet et que viser le plaisir peut sembler un peu frustrant. Le fait est que, si cela peut vous aider, il y a eu de nombreuses années dans ma vie où j’ai accompli tant de choses sans en savoir beaucoup et que plus j’en savais, plus je ralentissais. Je dis souvent qu’il est important de terminer quelque chose et d’apprendre plutôt que de courir après la perfection.

En d’autres termes, ce qui vous pose problème pourrait en fait être une distraction. Il y a beaucoup de choses à apprendre sur YouTube et si vous ne trouvez pas, il y a toujours des gens pour vous aider — moi y compris. De nos jours, il n’est pas nécessaire de rester longtemps face à un problème, contrairement à ce qui se passait avant l’abondance de tutoriels sur Internet.

 

Vous pouvez peut-être créer des conditions dans lesquelles vous travaillez sur plusieurs choses à la fois, des petites choses, et essayer d’en tirer le meilleur parti.

 

CONTRÔLE DE LA QUALITÉ, ÊTRE PRAGMATIQUE

Nous avons parlé de la partie philosophique et du flux de travail de ce sujet, mais qu’en est-il du côté technique des choses? Quels sont les principaux éléments qui permettent de maintenir une constance entre les morceaux?

Il existe de nombreux points pour lesquels vous pourriez utiliser une liste de vérification. Après des années et des années de travail sur la musique, je vois des corrélations entre les chansons qui parviennent à avoir un certain succès. Je ne vais pas me plonger dans la promotion, la sortie et tout ce qui n’est pas lié à la production, car c’est un peu un trou sans fond qui change tous les 3 à 6 mois. Je n’arrive pas suivre.

 

Dans la création musicale, j’ai l’impression qu’il existe 2 types : commercial et artistique.

 

Par commercial, je ne l’entends pas de manière péjorative. Je fais essentiellement référence à la musique destinée à être poussée pour être vendue. Si vous faites de la musique et que vous voulez la distribuer, il y a des chances que le distributeur la refuse s’il considère qu’elle ne se vendra pas assez. C’est la norme pour les accords P & D (presse et distribution), car la distribution couvre essentiellement les coûts et attend un retour sur investissement. Selon moi, si vous faites de la musique dans l’idée de réaliser des ventes, elle est principalement et clairement commerciale (c’est-à-dire que nous la produisons dans une optique de vente).

 

D’un autre côté, la musique artistique peut être simplement numérique ou sortie aux frais de l’artiste, sans distribution et il y a très peu d’attente de ventes. Ce type de musique est souvent un peu plus audacieux, abstrait, risqué, ne suit pas beaucoup de règles et a plus de chances de ne pouvoir s’adapter à aucune règle.

Si l’on compare cela à un restaurant, le restaurant commercial sait souvent ce qui se vend et propose une direction, un style et des plats vedettes que les gens prennent à chaque visite. Le restaurant artistique est un restaurant qui change de menu chaque jour et prend des risques.

Ils ont tous deux besoin de cohérence sur un certain nombre de choses : ingrédients frais, respect des recettes, cohérence du goût sur chaque assiette, température, etc.

 

C’est à peu près la même chose avec la musique. Il existe certains critères que vous pouvez suivre et qui garantiront que vos chansons seront à la hauteur. Parfois, elles n’auront peut-être pas le même punch, mais si vous respectez les principes de base, vous aurez à coup sûr une certaine constance.

Voici les critères que j’ai en tête :

 

  • Une accroche solide, une idée principale. La raison d’être d’une chanson, c’est que vous avez trouvé une idée solide avec laquelle vous voulez partager une histoire. C’est comme ça que je vois la musique. Si vous pensez à la musique traditionnelle, les gens écrivent une histoire et ce sera l’idée principale. Dans le cas de la musique électronique, le plus souvent, il n’y a pas de voix et ce sont les sons et les idées qui constituent votre histoire. Ne faites pas de chansons simplement faire une chanson (remarque : j’encourage les gens à faire de la musique pour le plaisir, ce qui est différent). Trouvez une idée et construisez une histoire autour d’elle. Il peut s’agir d’un sample, d’un motif, d’un son amusant… Il n’y a pas de règle ici, mais trouvez une idée que vous pouvez écouter pendant 3 à 6 minutes et mettez-la vraiment en avant.

 

  • Chanson en tonalité, dans la gamme. Cela peut sembler bizarre, surtout pour les personnes qui font de la musique atonale ou de la techno industrielle qui utilisent une gamme chromatique, mais s’assurer que tous vos éléments sont dans la même tonalité donnera à la chanson un caractère beaucoup plus complet. Toutes les chansons n’en suivent pas une, mais avoir une harmonie cohérente plaira à beaucoup de gens, surtout si dans un genre spécifique, certaines gammes sont respectées. Un point facultatif ici serait la progression des accords. Vous n’en avez pas toujours besoin, mais si vous en avez une, assurez-vous qu’elle est solide et cohérente. Souvent, lorsque je donne du feedback à des personnes qui débutent dans la production musicale, je remarque qu’elles ne respectent pas ce point de base et une fois qu’elles le font, elles atteignent déjà un autre niveau.

 

  • Règle des tiers dans les arrangements. Il s’agit d’un concept que j’aborde dans les commentaires où j’explique aux producteurs que s’ils divisent leur chanson en 3 sections, elles doivent toutes présenter des variations, afin de donner à l’auditeur un sentiment d’évolution et de maintenir son attention. Si vous comprenez l’expérience d’écoute comme un défi consistant à maintenir l’attention, vous savez que vous devez apporter de nouvelles idées, mais pas trop. La règle du tiers n’échoue jamais. Si vous composez de la pop ou quoi que ce soit qui nécessite une structure, gardez cela à l’esprit également.

 

  • Mixage neutre (flat), mastering coloré. Les clients ne comprennent pas toujours ce qu’est un bon mixage. Si vous gardez un son neutre, mais que vous travaillez avec un ingénieur qui peut le colorer pour qu’il corresponde à des chansons similaires sur le marché, vous aurez très probablement toujours une chanson solide et agréable à écouter, capable de faire face à la concurrence. En outre, un mixage plat signifie que vos éléments ne sont pas trop éparpillés, ce qui est important.

 

  • Évitez le masquage et la phase. C’est plus technique, mais si vous avez un mixage chargé où beaucoup d’éléments sont utilisés, vous finirez très probablement par avoir un mixage muddy. Je ne vais pas vous expliquer comment résoudre ce problème dans cet article et vous pouvez consulter Google à ce sujet, mais gardez à l’esprit que c’est essentiel pour la qualité.

 

  • Obtenez une rétroaction. Montrez votre morceau à des gens en qui vous avez confiance et demandez-leur un retour spécifique. Sinon, les gens diront que c’est cool. Soyez technique sur ce que vous attendez d’eux.

 

  • Demandez de l’aide. Je ne comprends pas pourquoi les gens veulent tout faire eux-mêmes. C’est en fait se préparer à une musique moyenne. Vous apprendrez oui, mais pourquoi ne pas devenir un maître de la musique que vous aimez faire et demander à un maître de vous aider pour le mixage afin d’en tirer le meilleur parti? C’est comme si vous vouliez faire un sandwich, mais que vous vouliez faire le pain vous-même, la mayonnaise à partir de zéro, cultiver les légumes, faire le fromage, etc. Oui, tu peux, mais tu peux aussi acheter les meilleurs ingrédients possible et avoir un super sandwich.

 

  • La quantité pour un travail de qualité. Si vous considérez chaque chanson comme une expérience pour apprendre quelque chose de nouveau ou maîtriser une technique, vous pouvez accélérer votre processus et faire plus de musique. Un bon moyen de maintenir la qualité est de produire beaucoup, beaucoup de chansons, puis de réduire votre production à celles que vous savez être brillantes. Plus vous finissez de la musique, plus vous développez des compétences, qui font que les morceaux suivants sont de meilleure qualité. Ensuite, lorsque vous pourrez choisir ce que vous partagerez à l’étranger, au monde extérieur, ils ne verront que de la qualité.

 

Si vous tenez compte de ces points, vous aurez certainement quelque chose dont vous serez fier et lorsque vous partagerez une chanson, les gens sauront ce qu’ils peuvent attendre de vous, même si vous prenez des risques, sur le plan créatif.

 


Written by: pheek

Fondateur de Audio Services et musicien depuis les années 90's.
"Pheek offers a unique style that maintains excellent mastering quality. The final product is always above status quo and all projects are handled in a timely manner."
Darem Aissa (Soloman's Forest)

Info toggle Questions?

X

Des questions? Envoyez-moi un message.