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Pouvez-vous faire confiance à votre jugement sur votre propre musique?

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C’est un sujet très populaire ces derniers temps — je pense qu’en raison de la pandémie et de l’isolement qui l’accompagne, les gens comptent beaucoup sur les contacts en ligne pour obtenir un retour sur leur musique. L’absence de tests musicaux en personne et le fait de ne pas pouvoir aller dans les clubs ont changé la façon dont nous pouvons analyser notre propre musique.

J’ai récemment participé à un streaming en direct organisé pour soutenir un ami du nom de Denis Kaznacheev, qui a été emprisonné pour quelque chose que nous pensons tous être impossible (mais c’est un autre sujet). Être dans une pièce avec 4 personnes, jouer en live et recevoir des commentaires après des mois d’isolement a été une expérience étrange. La première chose qui m’est venue à l’esprit, c’est que ma musique était nulle. Oui, j’ai aussi vécu ça de temps en temps, et j’avais oublié comment le fait de jouer de la musique pour et devant des gens change la dynamique d’une chanson. En studio, ça sonne d’une manière spécifique, mais ajoutez un auditeur et tout d’un coup, c’est différent.

Une chanson, un contexte différent, une ambiance complètement différente. Y avait-il quelque chose que je pouvais faire pour prédire cela?

Techniquement, il n’y avait absolument rien de mal dans ce que j’ai fait. Les gens qui ont écouté l’émission ont adoré. Le problème, c’était l’ambiance, la sensation du morceau, par rapport à ce que j’avais en tête. Dans des articles précédents, j’ai parlé de l’importance d’un morceau de référence, et cela aurait pu m’aider dans cette situation particulière, et aurait pu aussi aider à mieux classer ma musique. Mais comme vous le savez, il n’y a pas de plug-in qui puisse empêcher cela. C’est pourquoi beaucoup de gens ont du mal à juger leur propre musique.

Validation technique

En ce qui concerne les éléments techniques, vous pouvez vous autoévaluer à l’aide de quelques outils pratiques.

Pour voir si votre morceau, comparé à une référence, a le même ton et est équilibré, je vous recommande d’utiliser Reference. Cet outil est mon plug-in de prédilection lorsqu’un client insiste pour que la piste sur laquelle je travaille ressemble à une chanson particulière. Je charge le morceau de référence et, après avoir fait correspondre le volume, je peux voir si les basses, les médiums et les aigus sont réglés de la même manière que mon mixage. Cela vous montre également si vous avez, par groupe, le même niveau de compression ou de largeur. Il ne ment pas et vous pouvez le faire correspondre pour avoir quelque chose de similaire. Mais comment élever une bande pour qu’elle corresponde à la référence?

J’utilise un compresseur multibande pour compresser et/ou un EQ. Un égaliseur à trois bandes peut être utile pour ajuster, mais un compresseur multibande peut vraiment donner le ton. Vous réglerez les cross-overs de chaque bande pour qu’ils correspondent à la référence et en les ajustant, vous verrez qu’ils réagissent à votre gain ou réduction. Bien que vous puissiez utiliser n’importe quel compresseur multibande, je vous recommande vivement le Fabfilter MB.

La même société qui fabrique Reference a également créé un plug-in appelé Mixroom qui, avec la même idée que Reference, se concentre sur les moyennes et hautes fréquences. C’est un peu délicat à utiliser au début, mais une fois que j’ai trouvé des chansons de référence qui ont été analysées correctement, cela m’a donné des indications intéressantes sur ce qu’il faut pousser ou enlever. J’ai trouvé qu’il était assez intéressant de faire de la rétro-ingénierie pour certains mixages compliqués.

Souvent, les gens me disent qu’ils n’aiment pas se comparer à qui que ce soit ou qu’ils optent pour leur propre style, mais c’est comme essayer de dessiner votre grand-mère à partir d’un simple souvenir. Certaines personnes peuvent faire mieux que d’autres, mais l’audio est abstrait et vous devez vous comparer à quelqu’un d’autre pour savoir ce qui manque ou ce qui déborde. Je veux dire que même dans un mixage, je compare mes pistes pour voir leurs pics, leurs densités et leurs panoramiques pour m’assurer que l’un ne croise pas l’autre, à moins de créer quelque chose comme un tout.

Les gens ont du mal à avec l’intensité sonore (loudness), mais c’est un peu plus facile à gérer. Vous aurez besoin d’un outil de mesure tel que le IKmultimedia TR5 Metering ou le charmant Hawkeye from Plugin Alliance. Ils sont coûteux, mais indispensables. Pour un mixage, vous devez garder à l’esprit quelques détails : le pic le plus fort doit être de -6 dB, le RMS (plus ou moins la densité) entre -13 et -20 dB. En LUFS, je suggère d’être autour de -15 dB et de conserver une gamme dynamique au-dessus de 10. Un plug-in tel que Reference indique également l’intensité sonore, ce qui peut être très utile pour voir si vous êtes dans la même fourchette.

Veuillez considérer que ce sont des chiffres auxquels j’ai affaire souvent, et que pour certains genres, cela peut être complètement différent.

Si vous avez du mal avec les basses, les gars de Mastering The Mix ont un outil de validation/amélioration des basses fréquences avec l’excellent plug-in Bassroom. Là encore, vous aurez besoin d’une référence de qualité pour faire l’affaire, mais une fois chargée et avec un peu de pratique, les basses fréquences faibles et muddy appartiendront au passé.

Ce sont les meilleurs outils de validation technique que j’ai utilisés ces dernières années. Ils sont efficaces, abordables et très utiles dans tout ce que je fais.

Faire le mixage et le mastering soi-même

Quiconque fait de la musique depuis un certain temps ou a étudié l’ingénierie du son conviendra que faire le mixage ou le mastering soi-même n’est pas le vrai problème. C’est faisable, comprenez-moi bien, mais vous ne gagnez pas. Avec la liste précédente de tous les outils techniques que j’ai partagés, vous pouvez faire des mixages vraiment efficaces, mais peut-être que parfois ce n’est pas suffisant.

En tant qu’ingénieur, la principale chose que je dirai est que quelqu’un d’autre pourrait repérer des choses qui sont dans vos angles morts, en plus cette personne est également émotionnellement détachée de la musique elle-même, donc prendre des décisions semble moins risqué en soi. Si vous avez lu ce blogue régulièrement, vous savez que je fais souvent référence à notre dualité en tant qu’êtres humains pour y voir un côté analytique et un côté créatif. Lorsque je travaille avec des musiciens, je les invite à voir cette dualité comme un muscle. Votre côté créatif a besoin d’être exercé, il doit être constamment nourri parce que c’est une éponge. Vous voulez trouver la routine parfaite et être efficace, puis la briser en morceaux pour réinventer votre nouvelle façon de faire de la musique en les recombinant pour une nouvelle version de vous-même.

Pour moi, faire de la musique, ce n’est pas essayer d’être en pleine possession de son potentiel, mais plutôt se mettre toujours dans un état d’instabilité et de risque, pour que de nouvelles idées créatives émergent. Vous allez relier les points du passé pour créer un chemin dans le présent.

Cet état d’esprit n’est pas toujours technique, et il est brut. Je vous invite à ne pas l’apprivoiser, mais à créer des idées spontanées et des projets bruts.

Cette approche est en fait l’exact opposé de celle qui consiste à s’asseoir devant son ordinateur pour concevoir et régler une snare. Il n’y a rien de mal à cela si vous le souhaitez, mais comme je le dis aux gens, les artistes devraient devenir des experts du flux, pas de la perfection. Ils veulent être des artistes, pas des artisans. Mais je ne vous empêcherai pas d’être les deux — j’ai juste souvent l’impression que la production technique ne vieillit pas aussi bien que les idées créatives solides. La seule chose qui résiste à l’épreuve du temps est la simplicité, qui s’accompagne d’une maîtrise à la fois du flux et de l’expertise technique.

Si vous voulez être un maître en tout, vous serez également très moyen en tout pendant un certain temps, voire pour toujours.

Alors, imaginez que vous avez une idée géniale, mais que vous êtes très moyen dans le mixage et nouveau dans le mastering — vous serez probablement en train de massacrer votre idée quand vous essaierez de faire l’un ou l’autre. Oui, vous économisez de l’argent et vous apprenez en le faisant vous-même, mais je pense que si vous aspirez à sortir quelque chose sur un bon label, à attirer l’attention, il serait bon que quelqu’un, même un ami, regarde votre mix. Mais si vous voulez vraiment tout faire vous-même, procurez-vous des outils solides pour vous assurer d’en tirer le meilleur parti.

Si vous voulez vous entraîner au mixage, je vous suggère d’essayer de trouver ce que j’appelle, un compagnon d’échange qui peut vous envoyer ses mixes et vice-versa. Vous apprendrez tous les deux en vous mettant au point mutuellement, et retourner ensuite à votre propre musique vous semblera plus facile, et plus clair aussi.

Validation psychologique

Aujourd’hui, la psychologie est un domaine où il n’y a pas d’outils d’aide disponibles. C’est cet entre-deux où vous avez peut-être fait quelques mixes différents et ne savez pas lequel est le meilleur. Vous savez que techniquement tout est là et en ordre, mais dans la dernière partie, vous essayez d’étiqueter votre chanson dans un de ces paniers : Bon, Pas bon, Encore à travailler, Prêt pour le mastering… etc.

Les producteurs avancés, expérimentés et vétérans sont-ils exemptés de cet état d’esprit? Pas du tout. Après des décennies de production musicale, je n’ai toujours aucune idée si ma musique est « bonne » ou non, même si elle est entrée dans le top 10 de Beatport ou si mes amis l’aiment tous. Au fond de moi, parfois, je doute de moi-même. Cependant, j’ai établi quelques règles personnelles pour m’aider à juger si je pense que mon propre travail est décent ou non.

Traitez d’abord les points techniques : c’est pourquoi j’ai commencé cet article avec les points techniques. Je vois dans notre groupe Facebook, des gens qui donnent leur avis, et mon observation est qu’il est souvent biaisé par leur humeur ou leur situation d’écoute. Ce qui est devenu clair pour moi, c’est que pour donner un feedback, il faut une référence commune. Je peux vous dire que votre kick est trop fort, mais par rapport à quoi? J’ai des clients qui se plaignent parfois que la basse est trop forte, mais lors de la même session de mastering ce jour-là, j’ai eu un autre client qui aimait les kicks très, très forts. La différence était risible et les deux avaient un feedback exactement opposé : l’un avait des graves faibles, mais il trouvait que c’était trop alors que l’opposé était une orgie de basses, mais il en voulait plus. Serait-ce seulement ce qu’ils entendent? Oui, probablement, et c’est pourquoi vous devez pouvoir utiliser un FFT pour vérifier, mais aussi, écouter votre musique au milieu d’une playlist qui a d’autres chansons du même genre pour savoir si elle sonne bien.

Un client me disait : « Ça sonne bien en studio, mal dans la voiture et à la maison, c’est une autre chanson… quelle est la bonne impression? »

Celle qui est correcte doit être votre version studio, mais elle doit être techniquement validée par rapport à d’autres chansons. Si elle ne sonne pas bien chez vous, trouvez une chanson qui y sonne bien et étudiez-la en studio pour voir ce que cette chanson a de plus que la vôtre.

Sachez que vous n’aurez jamais vraiment une opinion permanente sur votre musique. Chaque jour, votre humeur peut changer et affecter la façon dont vous appréciez votre musique. En cours de route, vous apprendrez de nouvelles techniques et vous entendrez des erreurs dans votre chanson, vous entendrez une meilleure chanson que la vôtre… tous ces points vous feront douter de vous-même. Vous aurez toujours envie d’aller réparer quelque chose. Comme vous savez que vous n’en serez jamais vraiment satisfait, alors vous pouvez accepter d’aller plus vite. Il suffit de commencer une autre chanson, d’appliquer ce que vous avez appris, d’utiliser vos nouvelles influences et d’essayer quelque chose de nouveau.

Rien d’extérieur ne validera votre musique. Peu importe ce que vous pensez ou faites avec votre chanson, vous pouvez en douter. Cela signifie que vous n’avez pas besoin du dernier synthétiseur ou d’être sur ce label spécifique. «…et puis je serai heureux » est une illusion. Sachant cela, cela vous recentre sur le fait de compter sur une poignée d’amis pour vous donner un avis.

Laissez les choses vieillir. Rien de mieux que de prendre quelques semaines avant d’écouter à nouveau pour savoir ce que vous en pensez.

Ce qui est intéressant, c’est que chaque fois que je reçois des critiques, je commence à voir une perspective que je n’ai pas suffisamment étudiée — super importante. La production musicale et l’ingénierie du son sont souvent décourageantes et c’est la réalité de l’art. Cela dit, je pense qu’il n’y a pas un jour où je fais de la musique où je n’apprends pas quelque chose de nouveau. Acceptez que tout soit un travail en cours. C’est pourquoi les chansons qui prennent trop de temps à terminer sont souvent dues à mon côté perfectionniste qui a pris le dessus, et ce n’est pas là que je peux faire de la magie — c’est souvent l’inverse.

Conseils pour une meilleure clarté dans votre mix

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La clarté d’un mix n’est pas quelque chose que les gens comprennent ou perçoivent bien lorsqu’ils débutent, mais il s’agit d’une composante magique d’une chanson qui distingue souvent les mixages professionnels des mixages amateurs. Les mixes au son clair attirent instantanément votre attention parce qu’ils sont précis, ouverts, aérés et faciles à comprendre. Si la clarté d’un mix peut sembler facile à créer, elle est en fait très difficile à atteindre.

Je peux dire que je commence moi-même à mieux comprendre la clarté. Si vous connaissez bien ma musique, vous savez que j’aime la musique chargée et que mes chansons sont généralement assez pleines, avec de multiples couches de sons. C’est un défi pour moi d’obtenir un mixage clair à cause du nombre de sons que j’utilise, mais c’est aussi la meilleure façon de m’entraîner à mixer clairement, car c’est plus difficile que si je n’utilisais qu’un petit nombre de sons.

Voici quelques points que j’ai appris en créant de la clarté dans mes propres mix.

« Less is more », moins il y en a, plus c’est clair

Moins vous en avez, plus votre chanson sera claire. Rien ne rentre en confrontation et il y a moins à essayer de trouver un endroit approprié pour chaque élément. Lors du mixage, vous devez trouver un endroit approprié pour chaque son que vous utilisez. Si vous avez 5 hi-hats, 3 claps et 5 mélodies, cela peut devenir un véritable défi.

Comment nettoyer un mix et le rendre plus clair?

Je vois beaucoup de clients qui ont du mal à nettoyer leurs mix. La plupart des artistes souffrent d’un étrange processus de pensée qui se résume à quelque chose comme « J’ai peur que l’auditeur s’ennuie, donc je vais remplir mon mix avec autant de choses que possible pour qu’il ne soit jamais déçu ». À cela, je répondrais qu’il y a un remède dans votre DAW… le bouton « mute »! Laissez-moi vous expliquer :

1 – Mettez en boucle une section de votre chanson, la partie où elle est la plus chargée.

2 – Mettez tout en « mute », puis commencez par remettre vos sons essentiels. Quel est le plus petit nombre de sons pouvant communiquer clairement l’idée de votre chanson? Le fait de mettre en sourdine certaines parties d’une chanson crée parfois des perspectives intéressantes et peut révéler des choses dont vous n’aviez pas conscience dans vos arrangements — il faut souvent moins de sons pour créer un mix clair. Cela peut vouloir dire pas de remplissage, pas de décorations, pas d’arrière-plan, juste l’essentiel.

3 – Vos sons essentiels partagent-ils un espace commun dans le spectre des fréquences?

Techniquement, si vous en avez moins, les sons sont susceptibles d’occuper moins d’espace et de se heurter moins fréquemment les uns aux autres. En général, il y a quelques zones où vos sons peuvent entrer en conflit :

  • Fréquence : Si vous divisez le spectre en 4 ou 5 bandes, vous voulez que chaque bande ait le même nombre de sons. Les basses fréquences seraient inférieures à 100 Hz, puis 100 à 1 K pour les moyennes, 1 K à 3 K pour les moyennes hautes, 3 K à 10 K pour les hautes, puis 10 K+ pour les sons aériens et les transitoires. Si vous avez du mal à couper vos sons, vous pouvez également isoler certains sons dans différentes bandes.
  • Amplitude : Aussi appelée volume, l’amplitude est souvent mal comprise. Les gens veulent que tout soit TRÈS fort et ont peur que les sons secondaires ne soient pas entendus. Tout se fait entendre dans un mix et parfois, les choses qui sont moins fortes sont bien meilleures. Certains sons doivent être les plus forts, puis les autres doivent être mixés par rapport à ceux-ci. Plus la distance d’amplitude entre vos sons est grande, plus ils auront l’impression de respirer. C’est votre gamme dynamique, un concept qui est souvent mal compris. Je vous recommande de jouer avec des niveaux ici et là. Avoir une modulation sur l’amplitude d’un son est un bon moyen de créer une bouffée d’air frais dans un mix. Vous pouvez utiliser un outil comme MTremolo pour vous donner un coup de main à cet égard.
  • Longueur du sample : C’est quelque chose que beaucoup négligent, mais qui est très important lorsqu’il s’agit d’échantillons. Dans de nombreux cas, les échantillons que les gens utilisent sont trop longs (trop de decay) et cela peut causer beaucoup de bruit, surtout une fois compressé. Prenez les kicks, par exemple ; les gens adorent les gros kicks, mais ne réalisent pas à quel point un long kick est problématique dans les basses fréquences, surtout en mastering. Il coule dans les basses et tout devient mou. J’utilise souvent Transient Shaper (by Softubes) pour raccourcir kicks ou d’autres éléments de percussion. Vous pouvez pousser l’attaque si vous voulez et réduire le decay. Vous pouvez également réduire le decay d’un sample dans Ableton si vous allez dans « Preserve » pour le faire passer en « Trans », vous assurer que c’est à sens unique, et jouer avec le pourcentage pour supprimer le decay.
  • Espace stéréo : Je l’ai déjà expliqué et je m’abstiendrai de me répéter, mais la clarté stéréo est cruciale. Si vos sons sont diffusés de façon incontrôlée, vous risquez d’avoir des problèmes de phase, ce qui signifie que vous vous retrouverez avec des trous et des sons fantômes alors qu’ils devraient être entendus. Je sais que la découverte des problèmes de phase peut être un mystère pour beaucoup de nouveaux producteurs, mais avec un bon système de mesure, vous pouvez les voir. Vous pouvez aussi écouter une partie de votre chanson en mono pour voir si tout se passe bien.

Les erreurs de mix qui provoquent le chaos

Il existe un certain nombre d’outils et d’habitudes qui peuvent créer le chaos dans un mix — je les rencontre souvent, et en voici quelques exemples pour lesquels je peux donner des conseils :

1- Utilisation de boucles de samples : Il n’y a rien de mal à utiliser une boucle préfabriquée ou à échantillonner quelque chose à partir d’une source, mais vous ne pourrez pas accéder aux sons de la boucle individuellement, et vous risquez de vous faire piéger en traitant des problèmes qui existent déjà dans la boucle ou l’échantillon. Si vous utilisez une boucle, placez-la au centre de votre chanson et assurez-vous que les autres samples s’y rattachent. Conseil : L’utilisation de boucles chargées peut être un peu problématique, mais vous pouvez utiliser un compresseur multibande pour les contrôler, ou les mettre en mono et utiliser un outil stéréo multibande comme la the Shaperbox 2 pour décider de la position de chaque son.

2- Cauchemars d’autopan : Faire bouger les choses peut sembler passionnant, mais cela n’aide pas à mixer avec clarté si vous en faites trop. Utiliser plusieurs effets d’autopan sur les sons peut être cool, mais l’oreille humaine ne peut gérer qu’un certain nombre de choses complexes. Si à la première écoute, on ne peut pas comprendre le mouvement clairement, il y a des chances que la modulation n’aide pas. Conseil : n’utilisez qu’un seul effet d’autopan par morceau, au maximum.

3- Delays et reverbs : Les reverbs et delays multiplient ou allongent les sons, les chansons sont plus chargées et donc potentiellement plus confuses. La réverbération peut être utile, mais un type comme Hall peut rendre les choses un peu difficiles. Je vous recommande de régler votre réverbération sur une courte durée et sur un faible niveau de wet/dry. Une réverbération plus sombre peut également aider à préserver les aigus de votre chanson. Conseil : L’utilisation de la réverbération avec une Chamber/Room au début peut vous aider à comprendre combien vous devez en utiliser. De plus, si vous pouvez utiliser un delay au lieu d’une réverbération pour créer des sons plus larges, utilisez un égaliseur pour apprivoiser les fréquences qui entrent en conflit.

4- Compression intense : La compression colle et ajoute du corps aux sons, mais un compresseur avec une release lente et un ratio élevé peut aussi gâcher la précision d’un son. Garder certains transitoires intacts peut vraiment aider un son à sortir d’un mixage. Si vous compressez, utilisez peut-être le rapport magique de 1:1.5 avec une attaque lente pour aider les transitoires à ressortir. Conseil : La compression parallèle est toujours utile pour la clarté.

Mon dernier conseil général est de toujours vérifier votre mix en mono… ça aide vraiment!

J’espère que cela a été utile.

Conseils de mix pour la ligne de basse et les basses fréquences

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Le mixage des basses fréquences (ou low-end en anglais) est un sujet souvent demandé dans notre communauté et notre groupe Facebook. Il est important de gérer efficacement les basses fréquences dans la musique électronique pour lui apporter la gloire qu’elle mérite, car c’est l’une des parties les plus importantes du genre. Dans cet article, je vais vous donner des conseils sur la façon de traiter les basses fréquences de plusieurs points de vue, non seulement du point de vue des logiciels, mais aussi du point de vue du monitoring. Comme j’écris ceci pendant la quarantaine pandémique COVID-19, je proposerai également quelques conseils sur la façon de manipuler les basses fréquences à la maison.

La théorie

Je n’entrerai pas ici dans une théorie d’ingénierie ennuyeuse, car ce n’est pas le style de mon blogue. J’aime garder les choses simples et directes. Alors pour rendre le concept de basses fréquences facile à comprendre, abordons quelques points importants :

  • Pour les besoins de cet article, « basses fréquences » signifie 20 Hz à 300 Hz.
  • Les basses fréquences correspondent en fait à la partie fondamentale de votre chanson. Si cette plage de fréquence est trop encombrée (muddy), votre morceau n’est pas fluide.
  • Le low-end est la partie la plus puissante de votre chanson en matière de volume sonore. Si votre chanson comporte beaucoup de graves et peu de médiums, elle sera moins forte en théorie tout en étant très forte en réalité d’un point de vue technique.
  • Des basses trop puissantes donnent une impression muddy et de vide dans un contexte de club bruyant.
  • L’absence de graves rend la chanson molle.

Quand il s’agit de mixer, je commence généralement par tout couper à 20 Hz avec un filtre ou un EQ passe-haut d’une inclinaison de 24 dB/octave. Cela permet de réduire le grondement inutile (rumble) que la plupart des systèmes de sonorisation ne peuvent pas reproduire. Si vous alimentez les moniteurs avec des fréquences indésirables, cela enlève de la précision aux « bonnes » fréquences. Je coupe donc tout sur le bus master/mix, mais j’utilise aussi un filtre/EQ passe-haut sur chaque piste en supprimant toutes les fréquences inutiles. Lors du mixage des claps, par exemple, j’enlève tout ce qui est en dessous de 300 Hz.

Bandes de basses fréquences

  • 20-30 Hz : Il s’agit de la zone du sub. Pas toujours présente dans tous les systèmes de sonorisation, mais quand c’est le cas, cela crée vraiment une chaleur remarquable.
  • 30-50 Hz : Je trouve que cette section est l’endroit où une chanson gagne en puissance. La plupart des clubs coupent à 30 Hz, de même pour les disques vinyle — cette zone est cruciale.
  • 50-80 Hz : La zone qui crée beaucoup de punch.
  • 80-100 Hz : Punch, présence et précision.
  • 100-320 Hz : C’est le corps de la chanson et donne beaucoup de poids.

J’ai l’habitude de tout mettre en mono en dessous de 150 Hz. Cela solidifie vraiment les basses fréquences et évite les problèmes de phase souvent présents, ce qui permet de gagner en clarté. Le vinyle nécessite des basses fréquences en mono, sinon le découpage fera sauter le disque. J’ai vu des producteurs qui apprécient l’effet bizarre des basses fréquences stéréo, mais c’est surtout pour l’écoute à domicile, et ils savent qu’il peut y avoir des problèmes.

Les fréquences sont partagées par de nombreux sons, et plus vous laissez de l’espace pour que votre contenu basses fréquences puisse respirer, plus il sera performant. Je sais que cela prend du temps, mais il n’y a rien de tel que de faire les choses de cette façon par rapport à l’utilisation d’un outil de side-chaining. Cette phase de mix est essentielle pour la clarté. Plus vous apportez de soin à chaque piste, meilleurs seront les résultats en fin de compte.

Comme les basses fréquences comportent les notes fondamentales, dans la musique électronique et la musique orientée vers la danse, il est généralement important de choisir une note clé pour votre chanson et de ne pas trop la changer. Vous pouvez la changer autant que vous voulez, bien sûr, mais si vous le faites, vous allez avoir quelques maux de tête.

Les défis du mixage des basses fréquences

La gestion des basses fréquences présente de nombreux défis, mais avec le temps, j’espère que certaines de mes suggestions ici vous aideront à les relever plus efficacement.

Monitoring

En général, les personnes qui ne peuvent pas entendre ou traiter correctement les basses fréquences ne sont pas équipées adéquatement. Utiliser un sub est un plus, mais il n’aura jamais la précision d’un outil comme le Subpac. Le Subpac est un appareil portable qui reproduit les basses fréquences de manière plus physique, ce qui permet de mieux comprendre ce qui se passe — vous sentez directement les basses fréquences dans votre dos. Les écouteurs, en revanche, peuvent vous induire en erreur, car vous ne pouvez pas entendre ces plages de fréquences correctement.

Après avoir déterminé les options de monitoring pour votre installation, vous devez comparer votre mix (A/B) avec un autre morceau pour voir où se situent vos basses fréquences par rapport à lui. Il y a deux plug-ins que je recommande vivement pour les tâches de comparaison A/B : Bassroom et REFERENCE. Les deux vous permettent de choisir une chanson que vous aimez, puis mesurent votre travail en référence à cette chanson pour vous montrer comment manipuler votre chanson pour obtenir le résultat souhaité. Faire cela sans ces plug-ins est très difficile, à moins d’être un ingénieur chevronné.

La tâche de comparaison A/B nécessite quelque chose de très important que beaucoup de gens ont du mal à comprendre : vous devez trouver une chanson de qualité avec des basses fréquences bien mixées pour comparer votre travail.

Vous ne pouvez pas faire de la musique de qualité si vous n’y avez jamais été exposé au préalable.

Les approches de mix des basses fréquences varient également beaucoup en matière de genres et de producteurs. Je vous recommande de choisir une chanson en A/B dont vous aimez le feeling et le son, puis d’essayer de l’émuler avec ces plug-ins. Par exemple, certains producteurs techno préfèrent que la basse soit présente jusqu’à 20 Hz et le kick jusqu’à 80 Hz, alors que dans d’autres genres, ce sera l’inverse. L’un n’est pas meilleur que l’autre — ce ne sont que des styles — mais les deux créeront une certaine sensation sur une piste de danse.

Gammes de fréquences partagées

En parlant de kick, je devrais aussi mentionner les pads, les toms et les synthés, car ils partagent tous l’espace dans le grave avec les éléments de basse. Cela peut rapidement devenir désordonné en bas, et plus l’espace est partagé, plus c’est muddy. Si vous regardez les différents groupes que j’ai mentionnés, j’essaie de faire en sorte qu’un son par section occupe chaque groupe. C’est pourquoi la compression side-chain peut s’avérer utile — lorsque le kick frappe, vous pouvez appliquer un ducking (effet de pompe) à tous les autres signaux qui pourraient être présents dans cette plage également. Vous pouvez également mettre en side-chain la basse avec des percussions ou un synthétiseur pour qu’ils disposent tous d’un moment, mais pas en même temps. Pour une compression side-chain de qualité, je vous recommande vivement de regarder le plugin Shaperbox 2 plugin. C’est un « couteau » qui permet de pomper, de filtrer et d’appliquer de la mono à votre basse avec une extrême précision — c’est dingue.

L’espace n’est pas seulement partagé en fréquences, mais aussi en temps. Nous aimons tous les basses fréquences et je vois des gens qui sont un peu trop excités et qui ont beaucoup trop de decay sur tous leurs sons graves, ce qui signifie que beaucoup de choses doivent être supprimées. Plus les sons sont courts, plus le low-end est clair. Vous pouvez travailler cela avec Shaperbox 2, mais aussi avec le très utile mTransientMB qui peut vous aider à produire des sons vraiment percutants.

Cela signifie que le choix de votre enveloppe peut être une tâche délicate. Si votre low-end a trop d’attaque, il va concurrencer le kick et rendre les choses muddy. S’il manque d’attaque, il sonnera lent et sans vie. Pour façonner vos sons, je dirais que Shaperbox est le meilleur outil, mais le mieux reste que vous cherchiez à comprendre l’enveloppe attack/decay/sustain/release de vos outils, et peut-être que vous trouviez un bon envelope follower. Certains patchs max 4 live peuvent être très utiles pour cela aussi.

Densité

Ce n’est pas parce que votre low-end est fort qu’il est dense. Si vos basses fréquences sont fortes, il peut y avoir besoin d’une compression pour obtenir plus de densité. Je pense que la meilleure façon d’obtenir cela est d’avoir une compression côte à côte (par exemple, en insérant 2 compresseurs), les deux en mode parallèle (dry/wet à 50 %) qui condensera le signal et le rendra épais, chaud et gras — à peu près ce que nous aimons dans les basses fréquences. Vous pouvez également ajouter des harmoniques en utilisant une certaine saturation. Personnellement, je trouve que la saturation la plus intéressante pour le low-end est la bande ; elle fonctionne tout simplement très bien. Mon préféré est le plugin Voxengo CRTIV Tape Bus, c’est une merveille.

Pratiquer le mixage des basses fréquences

S’entraîner au mixage et à la conception du low-end de votre chanson demande du temps, un bon suivi et une bonne compréhension de chacun des défis qui s’y rattachent. Une fois que vous commencez à travailler dessus et que vous sentez que quelque chose ne va pas, vérifiez à quel défi vous êtes confronté. Essayez d’être méthodique à ce sujet.

Voici comment je l’aborde, étape par étape.

  1. Choisissez la tonalité de base de votre chanson ; Sol (G), par exemple.
  2. Trouvez l’accroche, le motif et l’idée principale de votre chanson, puis accordez-les avec la tonalité. Habituellement, l’idée principale, qui peut être un arpège, se situe autour de G5.
  3. Utilisez la même idée, accordée à G1-2 pour définir votre grave. Il peut y avoir une ou deux octaves de différence. Il soutiendra votre idée principale dans la même tonalité, en s’assurant que votre chanson est unifiée.
  4. Mettez en mono — tous vos éléments sous 150 Hz doivent être en mono.
  5. Ajoutez vos percussions. Vous pouvez accorder chaque élément à la tonalité de base. Accorder le kick peut vraiment donner une sensation différente.
  6. Traitez toutes les pistes avec un high-pass pour éliminer les fréquences inutiles.
  7. Supprimez le decay. Ajustez le decay de tous les sons pour qu’il n’y ait pas de débordement et qu’ils aient plus de dynamique.
  8. Appliquez un side-chain aux éléments qui se masquent les uns les autres.
  9. Ajoutez ou contrôlez l’attaque de chaque son pour plus de précision.

Si vous suivez cette liste, vous obtiendrez déjà de bien meilleurs résultats. Le reste viendra avec le temps.

Écrire des lignes de basse

Cette astuce s’appuie sur mon précédent article sur les progressions d’accords et la theorie musicale. Je viens du monde de la techno dub où nous avions des lignes de basse d’une note et d’une seule mesure qui nous semblaient assez satisfaisantes. Donc quand les gens me demandent si une ligne de basse peut être monotone, je réponds parfois que plus le grave est simple, plus il est efficace. Quelquefois, rendre les choses compliquées ne veut pas dire qu’elles soient bonnes. Cela dit, avoir une ligne de basse sur deux mesures au lieu d’une est souvent assez agréable pour la variation.

Je trouve aussi que les basses puissantes sont celles qui répondent à l’idée principale. La basse en soutien est efficace, mais fera en sorte que votre ligne de basse manque d’interaction et la rendra moins engageante.

Une bonne façon de faire dialoguer la basse est de mettre un LFO carré modulant le volume et de l’utiliser ensuite pour couper certaines parties de votre basse. Si vous modifiez la vitesse du LFO, vous ferez sortir des parties et vous trouverez peut-être une bonne combinaison ou une variation. Dans le hip-hop, on utilise souvent un son sinusoïdal pur et on pompe avec un LFO ou un kick. Cela rend la partie basse très pleine et épaisse.

Oscillateurs

Si vous choisissez de concevoir la basse avec un synthétiseur, il peut être judicieux d’envisager l’utilisation de certaines formes d’ondes. Par exemple, une onde sinusoïdale est chaude et pure, mais il peut avoir des résonances difficiles à éliminer avec un égaliseur à cloche (bell EQ) à cause de la phase. Vous voulez contrôler votre grave uniquement à l’aide de filtres (passe-haut) ou d’un égaliseur à cloche. L’inclinaison d’un filtre vous aidera à contrôler un grondement (rumble). Vous pouvez le mettre à 30 Hz et ensuite changer l’inclinaison de 6 dB/oct. à 12, 18, 24 et voir comment les basses fréquences changent. Ils ont tous un effet très différent, du contrôle à l’atténuation. J’aime utiliser un oscillateur carré, mais je ne suis pas fan des harmoniques qu’il crée, donc je vais en filtrer certaines. Je fais très attention aux résonances dans les graves, mais elles peuvent aussi lui apporter une certaine chaleur. Par exemple, vous pouvez utiliser la résonance comme un oscillateur sinusoïdal supplémentaire, qui apporte de la plénitude au low-end.

J’espère que cela couvre suffisamment les basses fréquences pour vous. N’hésitez pas à partager vos propres découvertes, techniques ou questions supplémentaires!

Le combo EQ-Compression (Pt. III)

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Après avoir examiné en détail l’égaliseur et la compression, je vais donner dans cet article quelques conseils pratiques sur la façon dont ils fonctionnent ensemble. Je vais aussi essayer de clarifier pourquoi beaucoup d’ingénieurs vous diront que tout ce dont vous avez besoin, ce sont ces deux outils pour accomplir la plupart du travail de mixage et de mastering.

Voici quelques termes et idées en lien avec le sujet :

  1. Il n’y a pas de règle sur la façon d’utiliser les égaliseurs ou les compresseurs. Vous lirez beaucoup de points de vue différents en ligne, et certaines personnes affirmeront haut et fort que leur point de vue est juste. Pourtant, après 20 ans d’essais et d’erreurs, j’ai tout de même l’impression d’avoir accompli de grandes choses alors que j’en savais moins que maintenant. Il est très important de compter sur ses oreilles. Parmi les pratiques les plus novatrices, certaines impliquent des gens qui n’ont aucune idée de ce qu’ils font autrement que de suivre leur instinct.
  2. Correction soustractive. Il ne s’agit que d’enlever ce qu’il y a de superflu.
  3. Corrections de couleur. Cela signifie généralement que vous augmenterez les fréquences. Parfois, il peut être nécessaire de couper.

Pour commencer, je vous rappellerai que dans le mastering ou le mixage, l’une des chaînes les plus courantes ressemble à ceci :

[EQ de correction]  –  [Compression]  –  [EQ de couleur]

Il y a une logique précise derrière tout ça. Fondamentalement, vous voulez d’abord enlever les fréquences indésirables, compresser et réajuster les bonnes fréquences, et finalement ajuster la tonalité ou mettre en évidence les détails avec un égaliseur coloré. Ma préférence personnelle pour de meilleurs résultats serait que chaque fois que je coupe, je le fais avec un Q (résonance) assez étroit sur l’égaliseur. Un bon point de départ est de commencer par 2 ou 3, puis d’ajuster. N’hésitez pas à utiliser la référence visuelle FFT qui est souvent incluse dans l’affichage de l’égaliseur, surtout si cette technique est nouvelle pour vous. Je coupe d’abord environ 3 dB, puis jusqu’à 5 dB. Vous voyez comment cela change votre son en bypassant l’égaliseur et en comparant.

Quand il s’agit de compression, il y a différentes choses que vous pouvez faire ici. Par exemple, si vous optez pour une configuration agressive, vous renforcerez ce que vous avez « ouvert » en coupant les mauvaises fréquences. Je suggérerais de commencer par une approche plus exagérée pour voir ce qui va vous ennuyer. Il se peut qu’il ne soit pas possible d’entendre ce qui ne va pas si vous ne poussez pas le son à sa limite.

Une fois que vous voyez et entendez les problèmes plus clairement, vous pouvez couper à nouveau, puis engager une compression parallèle pour mixer une partie du signal entrant avec la compression.

Si vous n’avez pas exploré les fréquences en side-chain, c’est une option où vous pouvez décider que votre compresseur n’appliquera rien à partir de la cible (ex. : rien en dessous de 100hz). Avec cela, vous pouvez filtrer seulement une partie de votre morceau avec l’égaliseur et ensuite compresser pour accentuer la partie que vous voulez mettre en avant.

Le dernier processus de la chaîne est l’égaliseur couleur. Vous pouvez prendre n’importe quel EQ, mais idéalement, j’opterais pour une émulation analogique ou un shelving EQ. Ceux-ci fourniront une esthétique complémentaire à ce que le compresseur a fait. Pour la coloration, vous pouvez explorer. Une façon de l’approcher est d’exagérer complètement une bande pour voir comment cela sonne, puis de continuer vers les basses fréquences. C’est très intéressant non seulement pour le sound design, mais aussi pour mixer des détails plus subtilement ennuyeux. Il peut aussi aider à construire le corps d’un son un peu fade.

Exemples de points de départ — EQ et Compression

Un pad qui manque de corps et de rondeur. Dans ce cas, il est très probable qu’une résonance soit trop forte et que de bonnes fréquences soient cachées derrière elle. Vous pouvez commencer par vérifier s’il y a un pic sur le spectre et avec votre EQ correctif, avec un Q assez étroit (ex. 1,5 à 3), essayez de réduire ce pic sévèrement avec une réduction de 5-6dB. Faites en sorte que le seuil de votre compresseur atteigne le pic le plus élevé, puis réglez la sortie pour qu’elle soit identique à l’entrée. Avec le shelving EQ, remontez les médiums de 2-3dB.

Un kick qui manque de profondeur. Cela pourrait être lié aux médiums du kick qui sont trop forts. Vous pouvez les réduire de 4 à 5 dB, puis les compresser avec un rapport de 8:1. Le shelving EQ devrait alors rehausser les basses en dessous de 100 Hz de 4 dB. Si ce n’est pas le cas, trichez en augmentant sur l’égaliseur correctif en cloche (bell) à 50 Hz.

Des percussions agressives . C’est généralement parce qu’une fréquence résonne autour de 4 à 8 kHz. C’est difficile à dire, mais essayez de couper de 8 dB et de balayer pour voir s’il y a quelque chose de plus agréable. Bypassez pour vérifier et ajustez ensuite votre coupe afin d’éliminer la résonance. Compressez avec une attaque rapide pour contrôler les transients et utilisez un glue compresseur. Le shelving EQ pourrait être utilisé pour faire remonter les aigus.

Suggestion d’EQ : Le TDR SlickEQ GE fera un excellent travail de correction.

Compression : Le nouveau SphereComp est superbe et abordable. Je l’ai testé en sound design et il glue à merveille.

Shelving EQ : J’ai essayé la démo du EVE-AT1 et je pense que vous l’aimeriez aussi. Le prix est incroyablement bon pour ce qu’il offre !

VOIR AUSSI : Trucs et astuces sur la saturation

Le compresseur multibande : astuces de compression (Pt. II)

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Afin de poursuivre avec d’autres conseils sur la compression, j’aimerais vous parler de mon outil préféré, pour un peu tout et n’importe quoi : le compresseur multibande. Pour beaucoup, cette bête est un peu difficile à apprivoiser, mais j’aimerais la décomposer pour que vous puissiez l’inclure à votre routine selon vos besoins. Avant de continuer, j’espère que vous avez lu le premier article sur la compression, et les deux articles sur l’utilisation des EQs.

Lignes directrices en matière de compression

Cas d’utilisation courante de la compression

Maîtriser le « harshness » (les sons agressifs). En utilisant un compresseur, vous pouvez régler l’attaque pour qu’elle soit rapide et la release pour qu’elle soit aussi assez rapide. L’ensemble de l’action du compresseur est ainsi rapide, ce qui permet de contrôler les sons agressifs et de les apprivoiser. Si l’attaque est trop rapide, cependant, elle peut saturer, vous devez donc jongler avec les réglages pour trouver votre sweet spot.

Pour ajouter du punch. Ici c’est le contraire, vous voudrez que l’attaque soit lente et que la release soit rapide. Le compresseur ne sautera pas immédiatement sur le transient, mais créera plutôt une certaine vivacité (snap). Le rapport devrait être d’environs 5:1, voire plus, pour obtenir cet effet dans la plupart des situations.

Pour ajouter de l’épaisseur (thickness). En utilisant votre compresseur en mode parallèle, vous pouvez le régler à environ 50 % du dry/wet, puis le compresser avec une attaque moyenne et une release moyenne-rapide. Je ferais en sorte que le ratio soit aussi élevé que possible. Si votre compresseur n’a pas d’option parallèle, vous pouvez utiliser le compresseur dans un bus AUX/Send.

Pour coller ensemble les éléments d’un mix (glue). Très similaire à l’épaisseur et au punch, vous voudrez l’ajouter à plusieurs pistes et bus à la fois. Encore une fois, compression parallèle, attaque lente, ratio élevé. Ça devrait fonctionner. Expérimentez avec des effets exagérés, puis baissez-le.

En résumé, une attaque rapide fait réagir rapidement le compresseur, ce qui signifie qu’il est là pour contrôler quelque chose. Une attaque lente permet d’améliorer le début du son. Le ratio est la part de cet effet que vous voulez en action, et la release, pour combien de temps.

Action multibande

Le compresseur multibande fonctionne exactement comme les cas d’utilisation expliqués ci-dessus, mais avec celui-ci, nous pouvons régler une gamme de fréquences à affecter. Par conséquent, vous pouvez régler l’épaisseur dans les médiums, contrôler l’agressivité des médiums hauts et améliorer les transients des aigus avec un seul compresseur, mais avec des réglages différents pour chaque section.

Le compresseur multibande possède une caractéristique supplémentaire : l’utilisation de crossovers qui fixent les points de début et de fin de chaque section. Un crossover est simplement une fréquence que vous réglez. Par exemple, le multibande à 3 bandes d’Ableton aura 2 fréquences de crossover. Vous réglez le crossover inférieur qui déterminera l’endroit où l’extrémité basse se termine dans les médiums (ex. 200 Hz) et l’autre sera l’endroit où les médiums se terminent et les aigus commencent (ex. 6 kHz).

Mon point de vue sur les compresseurs multibandes est que je les utilise comme un shelving EQ où je contrôle l’esthétique de chaque section d’une manière différente. Vous pouvez ensuite façonner le ton d’un son ou d’un mix, ou en extraire les moindres détails. Idéale pour les finitions, la compression multibande peut également être utilisée pour mettre en avant des parties de vos sons de la manière la plus efficace.

Voici quelques situations où les effets de la compression multibande peuvent être utiles :

  • Percussion molle : Si votre percussion a besoin de présence, d’épaisseur et de puissance, réglez vos crossovers pour pouvoir contrôler ce qui se passe entre 200hz et 800 Hz, puis jusqu’à 3khz. Renforcez la première section avec une attaque lente et un ratio élevé et essayez d’y ajouter du punch (reportez-vous aux notes ci-dessus sur la façon de procéder).
  • Pad pâle : Encore une fois, disons qu’un pad faible a besoin de présence, un boost entre 250 Hz et 600 Hz. Je compresserais également entre 4 kHz et 8 kHz pour ajouter un peu de brillance, ce qui fonctionne comme pour ajouter de l’épaisseur. Vous pourriez même abaisser votre section pour descendre jusqu’à 90 Hz afin d’obtenir une sensation analogique.
  • Swirl fou : Parfois, les effets de transition sont excellents, mais ne conviennent pas à votre chanson. J’aime contrôler les aigus de plus de 7 kHz d’une manière où ils ne frappent pas agressivement, mais font entrer les médiums de plus de 1 kHz en douceur. C’est une façon de contrôler l’agressivité et la présence; souvent très utile pour créer un mouvement oscillant et caoutchouteux (rubbery).
  • Mix terne : Un mix terne a généralement besoin de brillance qui peut être créée en excitant les aigus et les médiums. Il peut s’agir d’une combinaison de l’ajout d’épaisseur ou de la stimulation des transients. Je dirais d’essayer des sections pointues autour de 4khz à 8khz, puis une autre jusqu’à 11khz et même de compresser au-dessus avec une 3e section pour créer ce que l’on appelle la pixie dust (poussière de lutin).
  • Réverbération stellaire : Un multibande avec une réverbération, c’est beaucoup de plaisir pour moi ! J’aime renforcer les médiums au-dessus de 300 Hz et aussi créer de l’épaisseur entre 2 kHz et 6kHz. Vous pouvez ensuite contrôler les niveaux pour décider du ton de l’espace que vous créez pour votre chanson.
  • Création d’un kick profond : Compressez une section sous 50 Hz, puis une autre jusqu’à 120 Hz, plus une dernière qui va jusqu’à 500 Hz. Je peux vous garantir que si vous avez le ronronnement du sub, alors vous pouvez aussi ajouter un peu de punch autour des médiums pour avoir un kick super profond, mais percutant.

En ce qui concerne mes compresseurs multibandes préférés, en voici quelques-uns :

Neutron 2 (Izotope)

Outil général de mixage qui fait de lui le meilleur assistant pour résoudre de nombreux problèmes. Le transient shaper, les excitateurs, le gate, les compresseurs et tous les autres sont en mode multibande. On ne peut pas faire mieux que ça.

Drawmer 1973 (Softubes)

Le compresseur Drawmer est incroyable pour créer de l’ambient, alors imaginez si vous pouvez le régler en mode multibande, vous obtiendrez alors des moments éblouissants.

Fabfilter Pro-MB (Fabfilter)

Élégant, précis et transparent serait la meilleure façon de décrire celui-ci. Très utile pour la touche finale de votre mix.

VOIR AUSSI : Le combo égaliseur-compression (Pt. III)

La compression : Conseils et recommandations (Pt. I)

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Après deux articles importants sur les égaliseurs, il est temps de commencer à discuter de l’utilisation de la compression, car ces deux-là fonctionnent vraiment bien ensemble ! Je vous proposerai mes propres recommandations sur certains des meilleurs plug-ins VST de compression. Votre propre sélection de VST devrait toujours commencer par quelques-unes de ces deux catégories :
Pour les EQ :

  1. Un égaliseur paramétrique pour les besoins chirurgicaux.
  2. Un EQ Shelving pour la tonalité.
  3. Un égaliseur analogique pour la coloration.

Pour la compression, il y a aussi plusieurs choix et il est facile de se perdre, donc l’une des choses que je trouve importante pour commencer est d’expliquer les différentes familles de compresseurs (plus approprié pour les relier à des modèles).

FET

Ce type de compresseur est l’un des plus populaires sur le marché. Il est connu pour son agressivité et pour sa capacité à ajouter un max de punch aux sons, mixes, avec beaucoup d’attitude. Le compresseur FET, qui signifie Field Effect Transistor, est apparu plus tard dans l’histoire des compresseurs, lorsqu’ils ont remplacé les tubes par un modèle qui rendait les sons plus chauds et plus riches : il est immédiatement devenu un favori dans les studios. Le 1176 est un des plus populaires d’entre eux.

Utilisation : Punch incroyable sur les percussions et ajoute de la vie aux textures, ainsi qu’aux pads.

Plug-ins recommandés :

FET Compressor (Softube)

FETpressor (PSP)

Black Limiting 76 (IkMultimedia)

Opto

Ce type est à peu près l’opposé du FET (bien qu’il y ait des gens qui argumenteraient à ce sujet). Le modèle Opto est lisse et super chaud. Pas idéal pour les percussions, mais je l’utilise en parallèle (voir les techniques ci-dessous), ce qui peut donner du corps au kick, par exemple. Le fonctionnement de ce modèle est très intéressant. Il s’agit essentiellement d’une lampe qui réagit au son entrant et s’allume en fonction du signal entrant. Je ne suis pas le meilleur pour expliquer cela, mais cela résume bien la situation, et cela fait que le compresseur Opto n’est pas le plus agressif, car il offre de la douceur.

Utilisation : Idéal pour les pads, les synthés, les textures. Je vous recommande de l’expérimenter avec des percussions, mais en mode parallèle.

Suggestions de VST :

Bx_Opto (Brainworx)

Opto compressor (IKMultimedia)

Le Renaissance Compressor de Waves offre également un mode Opto.

VariMu

Le VariMu est comme le prince des compresseurs de par sa finesse et son élégance. Manley a popularisé le VariMu avec leur célèbre version. C’est un cousin de l’Opto dans la façon dont il fonctionne, et il est aussi très doux. Souvent utilisé en mastering, il fonctionne comme un charme pour gérer les problèmes de punch ou pour garder de la cohérence dans un mix qui a besoin de glue général. Ce n’est pas la meilleure façon de créer du punch, mais lorsqu’il est utilisé en combinaison avec un autre compresseur, il peut vraiment créer de beaux résultats.

Utilisation : Sur votre mix ou sur un groupe. Il collera le tout de la manière la plus délicieuse qui soit.

Suggestions de plug-ins :

The Manley Compressor par UAD

MJUC de Klanghelm

DynaMU par IKMultimedia

VCA

Ce type de compresseur est également très populaire tout comme le FET. Je dirais que la plupart des compresseurs génériques sont souvent basés sur ce modèle. Comme il est basé sur le contrôle de tension, ce compresseur est un outil de type chirurgical. Il est vraiment efficace pour faire ressortir les percussions, mais il peut aussi être utilisé pour contrôler les transitoires (transients) violents.

Utilisation : Boostez vos kicks avec et contrôlez les transients des hats avec un autre réglage.

Mes préférés :

TDR Kotelnikov

U-He Presswerk

API 2500 (il y a quelques imitations de UAD et Waves, alors regardez par là).

Techniques

Vous avez peut-être les meilleurs plug-ins, mais si vous ne savez pas comment les utiliser, vous allez rater le plein potentiel de ces outils incroyables. Je dirais que si ce n’est pas le cas, sachez qu’un grand nombre de producteurs, même ceux qui ont de l’expérience, ont de la difficulté à les comprendre pleinement. Comme vous trouverez une multitude de tutoriels sur le Web, j’aimerais vous expliquer ma vision de manière simple.

Mais d’abord, laissez-moi vous expliquer ce que fait la compression. Il prend le son entrant et surveille la crête la plus forte (peak) et vérifie si elle est plus forte qu’un certain point : le seuil (threshold). Si c’est le cas, il poussera le signal situé au-dessus du seuil vers le bas. J’aime l’imaginer comme quand on rentre dans un bain, où l’eau monte en s’y asseyant. La façon dont un compresseur « pousse vers le bas » l’audio sera contrôlée par l’attaque (à quelle vitesse il réagit), le relâchement (pour combien de temps) et le rapport (de combien).

J’aimerais comparer le compresseur à un four, et la musique entrante à la pâte. Le compresseur ne fonctionne pas comme, disons, une réverbération où si vous le mettez sur un son, vous entendrez automatiquement ce qui est en train d’être modifié. Le fonctionnement des compresseurs VST est vraiment, pour moi, comme un four. Tu dois enfourner le son, le faire cuire, puis le sortir.

Utilisez donc ces paramètres lorsque vous utilisez la compression :

  1. Signal entrant. Vous devrez augmenter le volume du signal entrant pour vous assurer qu’il atteint ou dépasse le seuil. Si le signal est trop faible, il ne sera pas traité.
  2. Seuil. Abaissez-le si nécessaire. Vous verrez que la plupart des compresseurs ont un « GR » pour la mesure de réduction de gain (gain reduction). Cela commencera à pomper lorsque le signal atteindra le seuil. Si rien ne se passe, abaissez le seuil et/ou augmentez le signal entrant.
  3. Attack/release. Une attaque rapide fera réagir rapidement le départ de pompage tandis qu’une attaque lente sera moins agressive. Vous pouvez ensuite ajuster le déblocage pour contrôler la durée du pompage.
  4. Ratio. C’est la quantité qui sera réduite. Par exemple, un rapport de 2:1 signifie que pour 2 dB au-dessus du seuil, il sera réduit de 1 dB au-dessus du seuil. Par exemple, 8:1 donne un résultat plus agressif.
  5. Make-up gain/Output. Votre signal de sortie sera réduit au cours du processus afin que vous puissiez utiliser le make-up gain pour ajuster le signal traité afin qu’il corresponde ou soit plus fort que le signal entrant.

Donc oui, ça sonne bizarre sur le papier, mais la compression consiste à baisser le volume pour rendre les choses plus fortes.

En ce qui concerne mon analogie avec le pain, vous devez vous assurer qu’il soit cuit (se compresse) avant de le sortir.

Maintenant, les techniques pour lesquelles vous pouvez utiliser la compression :

  1. Limiter. C’est l’utilisation la plus connue d’un compresseur. C’est un moyen de s’assurer que le son ne dépasse jamais un certain niveau. Idéal sur un bus master pour éviter de clipper. Vous pouvez l’utiliser dans une certaine mesure sur les bus pour maximiser le volume. Mais assurez-vous que ce n’est pas trop, car cela peut distordre dans le mastering.
  2. Side-chain, ducking. Populaire dans la musique électronique, cela fait que la compression fonctionne sur la base d’un signal entrant. J’y reviendrai dans un prochain article.
  3. Compression parallèle. Pour ce faire, vous devez mettre la compression dans un bus AUX/Send, puis lui envoyer tout ce qui a besoin de compression. Ceci assure que le signal original est mélangé avec le signal compressé, ce qui ajoute de la puissance, du volume et de la précision.
  4. Compression en série. À utiliser avec précaution, mais donne des résultats très puissants. Il s’agit de mettre deux compresseurs (ou plus) dos à dos. Un peut être en parallèle (grâce au dry/sewet) et le second, non. Cela donne des sons très puissants, percutants, lourds. Idéal pour les sons faibles et pâles..

C’est tout pour les bases de la compression ! Je parlerai ensuite de l’art de la conception sonore à l’aide de la compression et des égaliseurs.

VOIR AUSSI : Astuce de compression : Le compresseur Multi-bande (Pt.II)

Comment choisir vos EQ et les utiliser (Pt. I)

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Les gens me demandent souvent mon avis sur les meilleurs plug-ins audio, et il n’y a aucun doute qu’investir dans des égaliseurs et des compresseurs de qualité est l’une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour la conception sonore et le mixage. Vous pouvez faire des choses assez étonnantes rien qu’avec l’égaliseur et la compression, mais bien sûr, vous devez comprendre vos outils pour en tirer le meilleur parti. Dans cet article, je propose quelques exercices, conseils, ainsi qu’une couverture des principaux outils que j’ai rassemblés au cours des dernières années accompagnée de mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’EQ.

Les types d’égaliseurs

Il existe de nombreux types d’EQ et je crois que certains sont plus importants que d’autres. Il m’a fallu un certain temps pour comprendre comment les utiliser pleinement et comment choisir le bon pour des situations spécifiques. Ce sujet est en fait si vaste et si complexe que je pourrais faire une série d’articles sans jamais arriver au bout. Je vais essayer d’éviter d’être trop technique et je vais les expliquer en termes simples pour que tout le monde puisse comprendre.

La façon dont j’aborde les EQ est basée sur différentes actions :

  • Correction. Parfois, un son aura une partie qui sera agressive et ennuyeuse. Je corrigerai la situation en repérant où il semble y avoir un problème, puis je couperai les fréquences. Les coupes correctrices ne sont généralement pas trop étroites (Ex. Q de 3)
  • Chirurgical. Une résonance dans un son vous fait mal aux oreilles et cela nécessite une coupe très étroite. (Q de 6-8+).
  • Ajustements de tonalité. Un égaliseur peut être utilisé pour effectuer des changements de tonalité, par exemple pour décider si vous voulez que votre piste soit plus puissante ou plus claire en augmentant les graves ou les aigus.
  • Coloration. Certains égaliseurs ne sont pas transparents et apporteront une touche musicale aux changements qu’ils apportent. Cela ajoutera de la personnalité.
  • Coupures larges. Le contraire de chirurgical, où le Q rendra la courbe très large. Il fait des changements très subtils, quelque peu tonaux, un peu colorés et parfois un peu correctifs. Essayez-le à différents endroits sur un son et observez les changements.

ASTUCE : L’oreille humaine entendra une différence notable si vous coupez de 3-4 dB minimum. Si vous coupez 6 dB, ce sera assez évident.

Les principaux types d’égaliseurs sont :

  • Graphique/Fréquences fixes. Influencés par les anciens modèles et le premier égaliseur, les fréquences auxquelles vous aurez accès sont fixes et ne pourront être modifiées. Pour beaucoup de ces modèles, les fréquences sont basées par octave, mais certaines compagnies auront leur propre manière de décider lesquelles sont utilisées.
  • Paramétrique. Un égaliseur très populaire est le Q2 de Fabfilter qui vous permet d’ajouter un point n’importe où et de pouvoir ensuite façonner étroitement ce que vous voulez couper ou amplifier.
  • Shelving/Bande. C’est une partie du spectre qui sera touchée. Par exemple, sur les consoles de mixage DJ, les 3-4 boutons d’égalisation sont essentiellement des shelves de fréquences qui sont modifiées.
  • Dynamique. Celui-ci est avancé. Vous pouvez « commander » un point de votre EQ pour réagir en fonction de certaines conditions. Par exemple, si vous avez un enregistrement de batterie, vous pouvez ordonner que les aigus descendent de 3-4 dB si les cymbales frappent trop fort. Très pratique !

ASTUCE : Si vous aimez le son de l’analogique, vous voudrez peut-être creuser dans la suite d’Universal Audio qui fait l’émulation de pièces d’équipement classiques. La fidélité de la reproduction est absolument époustouflante !

Faisons maintenant quelques associations pour comprendre quel EQ fait quoi :

  • Les coupes chirurgicales et les coupes larges se font principalement à l’aide d’égaliseurs paramétriques. Ce type d’égaliseur vous permettra d’identifier précisément les fréquences indésirables, puis de les couper ou de les amplifier comme vous le souhaitez.
  • L’égaliseur correctif peut également être paramétrique, mais aussi graphique. Une correction peut avoir besoin de précision, mais parfois, ce n’est qu’un moyen de réaligner la courbe du son, ce qu’un égaliseur graphique peut faire facilement.
  • Ajustements de tonalité. Ceci se fait avec des shelves et des EQ à bande.
  • Coloration. Il s’agit essentiellement de fréquences fixes, mais si vous recherchez une émulation analogique ou des égaliseurs qui fournissent un type de saturation, alors vous obtiendrez également des couleurs et une personnalité.

Mes plug-ins d’égalisation préférés

Voici mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’égalisation qui sont des outils précieux à avoir dans votre arsenal. J’ai également inclus des solutions alternatives pour petit budget avec des EQ similaires.

1. Fabfilter ProQ2 (Chirurgical, Coupes larges, Correction, Tonal)

Ce plug-in semble avoir trouvé sa place dans la boîte à outils de nombreux producteurs, surtout parce qu’il peut faire à peu près tout cela. Qu’il s’agisse de courbes complexes, de retouches sur les shelves ou de copier la fréquence d’un son pour l’appliquer à un autre… les façons d’utiliser cette bête sont si nombreuses que vous devrez regarder un tas de tutoriels pour en découvrir toutes les fonctionnalités cachées.

Alternative budgétaire : TDR Nova GE par Tokyo Dawn

2. Electra de Kush Audio (Shelving, réplique analogique)

Peu connu des masses, mais cet EQ est une merveille absolue à avoir sous la main. Je l’utilise dans tous les mixages que je fais et les résultats sont toujours étonnants. Un peu difficile à prendre en main, car l’interface graphique est un peu bizarre, mais même si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, elle façonne le son d’une manière qui le fait ressortir et lui donne de la chaleur.

Alternative budgétaire : RetroQ de PSP

3. BX_Hybrid V2 de Brainworx (Correction, shelving)

Je ne pense pas qu’il y ait un autre plug-in capable de produire les mêmes résultats. Pas aussi polyvalent que le ProQ2, mais ce qui le distingue, c’est qu’il coupe le son en douceur et lisse les choses. Quand j’ai des gens qui étudient le mixage avec moi, je leur demanderais toujours d’acheter celui-ci comme le tout premier EQ à avoir et à utiliser.

Alternative budgétaire : Voxengo Prime EQ

4. Passive EQ par Native Instruments (Shelving, correction, couleur)

Cette émulation du célèbre égaliseur Massive-Passive de Manley est une bombe. J’adore le placer dans un bus avec tout mon contenu mélodique et le transformer en quelque chose qui, comme par magie, devient organique et chaleureux. Il nécessite un peu d’exploration, mais lorsque vous aurez mis la main dessus, vous aurez toujours envie de l’utiliser. Je le trouve assez puissant pour la conception sonore comme moyen de donner de la chaleur dans les basses fréquences.

5. F6 Floating band dynamic EQ de Waves.

Je ne suis pas un grand fan de Waves et de leurs tactiques agressives de vente, mais ce plug-in est vraiment utile. Comme décrit ci-dessus, avec un égaliseur dynamique, vous pouvez apprivoiser certaines fréquences qui se produisent de façon aléatoire. Le problème avec un égaliseur statique, c’est que vous couperez en permanence une fréquence, donc si ce que vous essayez de couper n’est pas toujours là, vous pourriez couper quelque chose qui n’a pas besoin d’être ajusté. C’est pourquoi vous pouvez avoir plus de contrôle avec un égaliseur dynamique. Celui-ci est également très facile à utiliser si vous êtes familier avec le concept et le fait que vous pouvez l’utiliser en MS le rend très polyvalent. Pas aussi facile et fantaisiste que celui de Fabfilter, mais il en fait plus, d’autres façons. Attendez que le prix baisse, vous pourriez l’obtenir autour de 29 $-49 $ si vous êtes assez patient.

Dans le prochain article, j’irai plus en détail dans mes plug-ins préférés et j’expliquerai aussi certains moyens pour en tirer le meilleur parti.



Voir aussi :

Les meilleurs plugins d’égalisation et divers conseils (Pt. II) 

Comment atteindre un équilibre tonal dans le mix?

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L’un des plus grands défis dans la finition d’une chanson est d’ajuster correctement l’équilibre tonal. Il n’y a aucun doute que cette partie est déroutante. Beaucoup de gens — même des producteurs expérimentés — vont encore avoir des problèmes avec l’équilibre tonal certains jours. Il existe des outils et des méthodes pour corriger l’équilibre tonal, mais c’est toujours un défi. Je pense qu’il est important de partager quelques conseils sur la façon dont vous pouvez faciliter le réglage de l’équilibre tonal.

QU’EST-CE QUE L’ÉQUILIBRE TONAL ?

Je vais faire simple : l’équilibre tonal, de mon point de vue, consiste à diviser votre chanson en trois sections de fréquence et à trouver comment les ajuster. Par exemple, dans certains genres, vous voulez que le son soit totalement équilibré, alors que pour la musique électronique orientée vers la danse, vous voudriez que les graves soient plus forts dans le mix. Bien que cela semble extrêmement simple à réaliser, en réalité, cela peut être un cauchemar.

Le plus gros problème avec l’équilibre tonal est que si votre tonalité est fausse, votre travail, lorsqu’il est joué dans un contexte spécifique (ex. dans un club), sonnera complètement faux par rapport à des chansons similaires du même genre.

Les problèmes courants d’équilibre tonal sont les suivants :

Manque dans les basses fréquences : La chanson sonnera faible, avec moins d’énergie et creuse.

Basses fréquences trop fortes : La chanson sera muddy et manquera de corps.

Médiums manquants : La chanson sera vide, sans punch ni corps, et de loin.

Trop de médiums : La chanson devient inutilement agressive et désagréable.

Manque dans les aigus : La chanson manque de définition et de précision dans les sons.

Les aigus sont trop forts : La chanson est fatigante et rêche.

UTILISER LES BONS OUTILS POUR AJUSTER L’ÉQUILIBRE TONAL

Le monitoring est bien sûr crucial pour ajuster l’équilibre tonal d’une chanson. Je dirais que 75 % du temps je reçois un fichier à masteriser et que l’équilibre tonal est complètement déséquilibré, principalement à cause de l’environnement sonore de l’artiste. Bien que nous n’ayons pas tous le budget ou l’espace nécessaire pour avoir un studio entièrement traité, il y a certaines choses que vous pouvez encore faire :

  • Validation croisée. Avec mes haut-parleurs, je vérifierai toujours périodiquement un mixage avec un casque d’écoute pendant que je travaille. J’aime avoir une perspective différente et je trouve que le son que j’ai entre les deux révèle souvent une perspective qui me manquait.
  • Mixer à faible volume. Vous serez surpris d’entendre automatiquement ce qui ne va pas. Réduisez de moitié le niveau de volume avec lequel vous travaillez et écoutez comment le kick sonne, puis la mélodie par rapport à lui, puis la partie haute fréquence, etc. Contre-valider avec une piste de référence.
  • Utilisation d’un subwoofer. Beaucoup de gens vous diront que vous n’avez pas besoin d’un subwoofer pour faire un bon mixage, mais ça aide certainement d’avoir une idée de ce qui se passe là en bas. Beaucoup d’entre nous auront des problèmes avec les voisins alors je vous suggère de n’utiliser qu’avec parcimonie juste pour vérifier votre mix. Une bonne alternative est d’obtenir un Subpac.

    • Il y a aussi des outils que vous pouvez utiliser dans vos productions pour vous aider. J’en utilise beaucoup, mais voici quelques-uns de mes préférés :

    Reference

    Ce plug-in m’a sauvé la vie plusieurs fois. Vous chargez votre piste de référence, ajustez le volume pour qu’il corresponde à celui de la piste de référence, puis vous pouvez basculer entre votre mix et la référence. Il y a même des graphiques dynamiques pour vous montrer quelle partie de votre mix est trop forte ou manquante par rapport à la piste de référence.

    Si la piste est déjà masterisée, vous ne pourrez pas compter sur le vumètre de compression, mais les niveaux seront utilisés de la même manière. Pour 60 $, c’est certainement un élément essentiel à avoir dans sa collection.

    Shelving/EQ à bande

    Quand j’ai commencé à faire de la musique, je n’aimais vraiment pas mettre les EQ en shelf car je sentais qu’ils n’étaient pas utiles, mais une fois que j’ai commencé à les étudier, je dois dire que c’est presque devenu une de ces obsessions qu’on peut avoir pour un plug-in. Il y en a beaucoup, alors je vais en nommer quelques-unes et vous expliquer comment en tirer le meilleur parti.

    • Tonelux (Softubes): L’un des outils les plus reconnus et les plus acclamés sur le marché. Il permet de faire les choses rapidement. Souvent en solde aussi.
    • Solid EQ (Native Instruments): J’adore celui-ci parce que vous avez une certaine précision sur ce que vous faites et c’est un bon mélange entre un égaliseur musical et un égaliseur transparent.
    • Maag Audio EQ4: Celui-ci est parfait pour les aigus. C’est l’un des plus utilisés dans l’industrie du mastering pour obtenir un son « aérien » approprié.
    • Hammer DSP (Kush Audio): Très musical, chaleureux et remarquable en tout temps. Souvent, il suffit de jouer avec dans le bus principal pour révéler toutes les différentes ambiances qu’une chanson peut avoir.
    • Sie-Q (Sound Toys): Un peu comme Hammer. Musical, et assez magique dans la façon dont il gère les médiums.
    • ValvEQ (Kazrog): Une bonne alternative au coûteux Bax EQ de Dangerous. Il gère également votre tonalité en mode MS.

    UTILISER LES BONNES TECHNIQUES D’ÉQUILIBRE TONAL

    Si l’égalisation, la validation croisée et d’autres outils ne semblent pas fonctionner pour vous, je vous recommanderais une technique très simple pour vous aider.

    Fondamentalement, nous limiterons notre équilibre tonal à trois sections, mais vous pouvez en dégager quatre ou cinq si vous voulez. Cependant, plus le nombre est bas, plus cela sera facile par la suite. Sachant cela, je vous encourage à utiliser Ableton Live 10 pour l’utilisation de la fonction de groupe dans les groupes. Vous pouvez créer des groupes alternatifs où vous passez toutes les pistes en utilisant les basses fréquences dans un groupe, puis les médiums, en terminant par les aigus.

    Si vous n’avez que trois groupes ou bus, vous limitez vraiment vos options à ces 3 faders à contrôler. Moins vous en avez devant vous, plus vous serez concentré.

    Comme je le fais d’habitude, je vais commencer par le spectre principal et le mettre le plus fort, puis mixer les 2 autres en conséquence. J’ai souvent l’impression que le fait de connaître d’abord le niveau de basses fréquences m’aidera grandement à régler le reste.

    Sound Design : créer les sons que vous avez dans la tête

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    Il se peut que vous ne soyez pas vraiment capable de reproduire à 100% les sons que vous imaginez dans votre esprit en utilisant le sound design, mais je peux vous donner quelques conseils pour bâtir un bon point de départ et vous en rapprocher le plus possible. Tout comme dans la peinture et le cinéma, notre imagination nous joue souvent des tours, vous pouvez avoir « la meilleure idée de tous les temps », mais une fois que vous vous êtes mis à y travailler, vous vous rendez vite compte qu’il y a un monde de différence entre votre imagination et le résultat final.

    Alors, y a-t-il un moyen d’utiliser le sound design pour transposer ces idées en quelque chose de concret ?

    Oui, absolument.

    Les sons ont une structure, une forme et une couleur, et quand vous « entendez » quelque chose dans votre esprit, vous devez traduire cette idée en une description précise qui vous permettra de commencer à la créer réellement.

    Pour bien démarrer dans le processus de conception sonore, posez-vous la question suivante :

    Pouvez-vous expliquer votre idée verbalement ?

    La première étape consiste à analyser les caractéristiques physiques du son. Gardez à l’esprit que le son a plusieurs axes et caractéristiques :

    • Temps : Un son peut être court, long ou entre les deux. L’aspect temporel correspond essentiellement à sa durée.
    • Enveloppe : Le truc avec l’enveloppe ADSR (Attack, Decay, Sustain et Release) est ce à quoi je fais référence ici. Par exemple, votre son démarre-t-il fort et disparaît ensuite en fade out, ou peut-être fait-il le contraire ?
    • Spectre de fréquence : La hauteur du son est-elle haute ou basse ?
    • Harmonique ou inharmonique : Votre son a-t-il une tonalité ou est-il basé sur un bruit ?
    • Position : Votre son est-il statique ou panoramique ? Bouge-t-il ?

    Deuxièmement, vous devez identifier un matériau source pour votre son et décider comment il sera façonné :

    • Dans un article précédent, j’ai parlé de superposition des sons. Une bonne façon de commencer est d’essayer de trouver des sons déjà existants, et de les superposer de façon à obtenir quelque chose de proche de ce que vous avez à l’esprit. Par exemple, la superposition d’un tom, d’un clap et d’un snap — quand ils sont assemblés — forme un son arrondi qui s’étend jusqu’aux aigus. Lorsque vous combinez vos sons et layers, je vous recommande d’utiliser un bon compresseur de type Opto ou Vari-MU : ils sont musicaux et créent une belle dimension sonore. Découvrez le Vari Comp de Native Instrument ou encore le Novatron de chez KUSH, arrivé en force en 2017 comme l’un des meilleurs outils sur le marché à un prix raisonnable.
    • Si vous êtes plus dans la synthèse, vous pouvez expérimenter une approche soustractive en utilisant plusieurs oscillateurs avec un bon filtre. J’utilise habituellement l’opérateur d’Ableton mais cette année, le Repro 5 de U-He a été vraiment utile pour moi en termes de design sonore avec des sons subtils et ronds. J’aime avoir mes basses fréquences et mediums réglés en sinewave pour ensuite façonner les harmoniques en square ou triangle. Expérimentez sans fin !
    • Une autre option intéressante serait d’utiliser des enregistrements sur le terrain. Vous pourriez penser que cette approche est un peu étrange, mais vous pouvez même essayer de faire le son avec votre bouche, ou d’essayer de trouver des objets à frapper : vous finirez toujours avec un son intéressant. Vous serez également surpris par tout ce que vous pouvez faire avec l’enregistrement de votre propre voix. Pour un bon enregistreur de terrain abordable, consultez n’importe lequel des enregistreurs de terrain de chez Zoom, ils en font même un qui peut se brancher à votre iPhone, ce qui est très pratique.

    Sound design - Native Instruments' Vari Comp

    Native Instruments’ Vari Comp

     

    Et enfin, une fois que vous avez établi votre source, vous pouvez vous plonger dans la sculpture de votre son :

    Temps : il y a différentes choses que vous pouvez faire pour manipuler le temps et la durée de vos sons. Modifier le pitch (la hauteur) d’un élément pour le ralentir ou l’accélérer est amusant. La synthèse granulaire est aussi une option, avec par exemple le Mangle VST. J’aime aussi avoir une reverb sombre avec une tail pour étirer la longueur d’un son. N’importe quelle réverbération peut faire du bon travail ici, mais vous pourrez facilement expérimenter avec les gratuites trouvées sur KVR.

    Sound design - The Mangle granular synthesizer

    The Mangle granular synthesizer

    Enveloppe : Si vous avez un gros son brut que vous voulez modeler, il y a encore plusieurs options. Si vous utilisez Ableton, le moyen le plus simple serait d’utiliser les enveloppes de volume ou de gain à l’intérieur du clip. Il y a aussi d’autres outils d’enveloppe de volume ; un que j’aime bien est le Volume Shaper de Cable Guys; vraiment puissant et fun.

    • ASTUCE : Si vous voulez un transient vraiment rapide sur votre enveloppe, essayez d’utiliser une transient shaper. Les transient shapers peuvent également aider pour le sustain.
    • ASTUCE 2 : Un compresseur VCA avec une attaque lente peut également vous donner d’excellents résultats.

    Spectre de fréquence : Comme j’ai pu le mentionner, j’aime personnellement expérimenter avec un pitch shifter, mais aussi avec un égaliseur à 3 bandes et un compresseur ; surtout un FET, un peu plus agressif (je recommande d’en apprendre un peu plus sur les différents types de compresseurs si vous ne les connaissez pas tous). De cette façon, vous pouvez contrôler des parties spécifiques de votre son et manipuler ces parties pour les mettre en valeur. Ce n’est pas la seule manière, il y a tellement d’autres façons créatives d’utiliser un EQ seul (comme l’UAD Cambridge), mais j’aime combiner des effets multiples et jouer entre eux jusqu’à obtenir le son adéquat.

    Harmoniques : Les harmoniques peuvent souvent être manipulés avec de la saturation et/ou distorsion. Si vous êtes à la recherche d’un bon outil de distorsion, vous pouvez consulter le Scream VST de Citonic qui offre des tonnes d’options. Sinon, le Saturation Knob de Softubes est un excellent outil pour des changements allant de subtils à drastiques. Je suggère de jouer avec les filtres aussi ; ils peuvent améliorer certaines parties de vos sons, surtout si vous les utilisez en parallèle (via une piste send/bus).
    Position : Essayez n’importe quel panner. Il y a plusieurs plug-ins de panning sur le marché, mais il faut faire attention à ce que vous ne fassiez pas trop voyager votre son dans la phase de conception ; vous ne savez pas encore quelle sera la position de vos autres sons et vous risquez de tout défaire plus tard de toute façon. Boostez le son avec un chorus ou un doubler pour manipuler encore plus la position du son, mais comme déjà mentionné, essayez de ne pas faire de folies avec le panning lorsque vous créez un seul son.

    Ce ne sont là que quelques trucs et idées de sound design pour vous aider à commencer à créer les sons que vous imaginez dans de votre tête. Amusez-vous bien !

     

    Bonus : Une bonne façon de trouver des idées de sound design inattendues est d’utiliser la randomisation. Voici un excellent tutoriel de mon pote offthesky.