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Les meilleurs séquenceurs génératifs + Conseils et astuces

septembre 17, 2021/dans Blogue/par pheek

La musique électronique se distingue des autres genres musicaux par le fait qu’il s’agit d’une composition à spectre complet, généralement réalisée par une ou deux personnes. Ces personnes sont responsables de la mélodie, de l’harmonie, du rythme et des aspects du timbre.

Comparez cela à un groupe où des individus assument chacun de ces rôles. Ils s’entraînent pendant des années pour remplir un aspect du mixage. Ils sont souvent capables de penser à l’idée dans leur tête bien avant d’être capables de la manifester sur leur instrument.

Dans la musique électronique, nous sommes responsables de nombreux aspects d’une chanson. Il est irrationnel pour nous d’être capable de jouer de chaque instrument qui entre dans notre morceau ou même d’avoir toutes les idées pour ledit instrument.

Les séquenceurs sont des musiciens de session virtuels

Pour compenser ces lacunes, nous avons des outils à notre disposition. L’un de ces outils est le séquenceur. Ils sont utilisés pour la notation, où vous les utilisez comme un robot pour jouer les « partitions » numériques que vous écrivez. Ils peuvent aussi fonctionner de manière plus générative en imitant un instrumentiste vivant qui improvise et apporte sa propre contribution à la musique.

Mes séquenceurs préférés pour la musique électronique sont des musiciens de session virtuels, à la base. Et les meilleurs séquenceurs génératifs offrent ce genre de liberté et d’inspiration.

Les séquenceurs fournissent des idées et maintiennent une certaine fraîcheur

Si vous voulez rester original et continuer à avoir de nouvelles idées, il est important que vous commenciez à creuser dans le séquençage, en particulier dans ceux que je considère comme les meilleurs séquenceurs génératifs.

La musique pop, le jazz, l’avant-garde et la musique électronique présentent un bon ratio d’éléments répétitifs et séquencés, même s’ils sonnent différemment les uns des autres. C’est parce que les sons séquencés, bien qu’ils soient programmés, peuvent être divers, vivants et imprévisibles d’une manière qui imite l’humain.

Mes séquenceurs préférés pour la musique électronique

Clip MIDI D’Ableton :

Le clip MIDI d’Ableton est le séquenceur qui nous est le plus familier. Il est apparu comme une représentation de ses prédécesseurs matériels, qui étaient parfois encombrants dans leur programmation de séquences multinotes, polyrythmiques, avec des vélocités, volumes et autres dynamiques variables comme l’enveloppe du sample.

Bien sûr, sur de nombreuses machines, vous pouvez utiliser ces fonctionnalités, mais pas après avoir appuyé sur un ensemble de touches et de processus pour ouvrir l’interface, qui souvent n’était pas représentée graphiquement de manière évidente (enfin, pas aussi évidente que celle d’Ableton).

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un séquenceur génératif pur, le clip MIDI d’Ableton a évolué pour permettre d’autres fonctions, comme l’automatisation complexe, l’expression, la génération, la transposition et d’autres caractéristiques qui étaient plus difficiles à programmer sur les séquenceurs matériels. Si vous y ajoutez quelques effets et que vous randomisez les paramètres du clip MIDI, vous obtiendrez l’un des meilleurs séquenceurs génératifs, surtout pour son prix.

Audiomodern

Audiomodern crée d’excellents plug-ins séquenceurs qui se concentrent sur la génération algorithmique. Ils en ont un spécifique à la mélodie et aux lignes de basse (Riffer), un pour les percussions (Playbeat), et un pour les accords (Chordjam). J’utilise ces plug-ins dans plus de 90 % de mes morceaux depuis que je les ai achetés.

Playbeat :

Playbeat n’est pas un step séquenceur normal. Au lieu de dessiner vos notes (ce que vous pouvez faire aussi), il génère des patterns à l’aide d’algorithmes et de la randomisation qui module ses steps, sa hauteur, son volume, et plus encore. Vous pouvez importer vos propres sons et utiliser ses capacités pour générer des motifs inédits.

Ce qui est génial avec Playbeat, c’est que vous pouvez randomiser chaque aspect individuellement, et non pas tous en même temps. Disons que vous êtes satisfait des steps de la batterie, mais que vous voulez un peu plus de variation dans la vélocité des hits de batterie. Pas de problème, vous pouvez randomiser uniquement la vélocité. Il n’y a pas non plus de limites à la longueur des séquences! Vous pouvez créer une séquence infiniment longue et écrire toute une section de percussion générée. Vous pouvez ensuite ajouter ou soustraire les éléments que vous souhaitez pour obtenir un son frais.

Riffer :

Riffer est comme Playbeat, sauf qu’il le fait avec la mélodie et les lignes de basse. Il dispose de 53 gammes orientales et occidentales différentes qu’il génère en fonction de la tonalité de votre morceau, et vous pouvez définir le nombre de notes fondamentales pour affiner le thème du motif. Vous pouvez le faire moduler et générer différents volumes, différentes hauteurs, vélocités et durées de notes. Il permet également une exportation MIDI facile, ce qui vous permet d’utiliser vos motifs pour déclencher n’importe quel dispositif ou plug-ins compatibles MIDI que vous possédez. Vous pouvez définir les paramètres de quantification et même transposer rapidement l’ensemble de la séquence. Les séquences peuvent également être infinies, très utiles pour les sessions de jam complexes.

Chordjam :

Cet outil construit des progressions d’accords et des schémas de progression d’accords en utilisant une randomisation déclenchée par l’utilisateur, tout comme les deux autres plug-ins Audiomodern. Il génère automatiquement des variations imprévisibles, mais toujours musicales en assignant de manière aléatoire des paramètres basés sur les restrictions que vous programmez.

Il comprend également des presets pour les progressions d’accords, ce qui vous permet de générer des accords et des séquences aléatoires à l’intérieur d’une progression donnée. Ces progressions d’accords sont également connues sous le nom de progression harmonique et constituent essentiellement la manière dont l’aspect harmonique d’une chanson évolue. En termes plus simples, pensez à une chanson folk, comme celle de Neil Young, et à la façon dont les accords de la guitare suivent un schéma et se résolvent de certaines manières. Ces accords sont souvent basés sur une structure théorique qui définit le déroulement de la chanson. Dans Chordjam, vous pouvez définir ces séquences. Disons que vous aimez une chanson préexistante dont vous pouvez trouver la progression des accords, vous pouvez la définir dans Chordjam et obtenir une approximation structurelle de cette chanson tout en ayant une composition unique qui vous est propre.

Vous pouvez également définir les paramètres pour la randomisation de sa vélocité, ses délais de synchronisation et sa transposition. Il dispose même d’un mode arpégiateur où vous pouvez faire jouer les accords une note à la fois, plutôt qu’en accords « plaqués ».

NCoder Audio

Ces plug-ins Max For Live sont très avancés, surtout pour un seul homme qui les a conçus et programmés. Bien que tous ses plug-ins soient excellents, ses séquenceurs se distinguent. Sans compter qu’ils sont bon marché, puisqu’ils coûtent moins de 15 $ dans la plupart des cas.

Tie

Tie est leur version actualisée d’un séquenceur Max For Live, avec un accent mis sur la facilité pour les producteurs de techno expérimentale.

Tout d’abord, vous définissez les restrictions et les paramètres de votre séquence. Par exemple, vous pouvez définir la note la plus basse de la gamme, la note la plus haute, la vélocité la plus basse et la vélocité la plus haute. Ensuite, vous appuyez sur randomize et une séquence unique de notes et de vélocité est générée. Il est également possible de combiner des longueurs de notes dans un ordre aléatoire, d’effectuer des cycles de notes, de modifier les timings en temps réel ou d’activer et de désactiver les steps, ce qui en fait l’un des meilleurs séquenceurs génératifs.

Polyrandom

Polyrandom est un séquenceur de batterie polyrythmique à 8 voies qui vous permet de créer des séquences percussives complexes et génératives.

Il peut sembler simple à première vue, mais il dispose de quelques astuces ingénieuses dans son arsenal. Il vous offre huit voies de fonctions rythmiques, et chaque voie possède deux paramètres principaux : le nombre de steps dans une mesure, et le nombre de steps utilisés par l’éditeur. En intégrant ces deux paramètres principaux, il est facile de créer des pistes de batterie polyrythmiques qui mettent en évidence des interactions en constante évolution entre les sons que vous choisissez.

On l’appelle « Polyrandom » à cause du petit bouton appelé « rnd ». En cliquant sur ce bouton, les deux paramètres principaux sont rendus aléatoires, puis les steps de la grille sont sélectionnés de manière aléatoire pour être modifiés. En cliquant sur « rnd » sur chaque voie, vous créerez un motif de batterie aléatoire unique que vous pourrez continuer à modifier soit en activant ou désactivant les steps, soit en appuyant à nouveau sur « rnd ». Cela permet de créer des séquences génératives intéressantes et imprévisibles à la volée. Ces capacités aléatoires en font l’un des meilleurs séquenceurs génératifs pour les sons percussifs, en mon humble avis.

Alexkid – Sequencer Bundle A

Ces séquenceurs Max For Live sont programmés par un producteur nommé AlexKid. Je trouve que c’est un moyen efficace de faire des boucles percussives rapides avec des capacités mi-génératives, mi-programmées.

Il y a 4 séquenceurs différents dans ce bundle, chacun ayant sa propre fonction. Combinés, ils constituent l’un des plus puissants et des meilleurs séquenceurs génératifs du marché.

Coin Locker Babies

Ok, celui-ci n’est pas nécessairement percussif, mais il est chouette, surtout pour les producteurs d’ambient et de techno. Vous pouvez l’utiliser pour n’importe quel son, et lui faire générer des séquences basées sur 18 échelles exotiques, donc le monde est à vous!

Probabilistic Sequencer

Un autre séquenceur aléatoire basé sur la probabilité. Utilisez-le pour créer des lignes de basse, des mélodies, des boucles percussives et plus encore, en cliquant sur quelques boutons. Vous pouvez faire en sorte que chaque ligne ait une longueur différente, ce qui permet de rendre les choses moins linéaires et plus naturelles.

Cute Little Sequencer

Il s’agit d’un séquenceur amusant et facile à utiliser qui crée des polyrythmies intéressantes et des mélodies à base de gammes. Vous pouvez l’utiliser pour séquencer n’importe quels synthétiseur soft ou hardware ou boîte à rythmes, et l’utiliser pour créer des motifs vraiment intéressants.

Hats4Dayz – 16 Step Probabilistic Sequencer for Hi-Hats

Nous faisons de la musique de danse, alors bien sûr, nous aimons les hihats dynamiques, car ils donnent beaucoup d’énergie à une chanson. Cependant, il arrive souvent que les hihats sonnent exactement de la même manière dans les chansons. Eh bien, n’ayez crainte, Hats4Dayz est là : l’un des meilleurs séquenceurs génératifs, spécialement pour les hats. Ce séquenceur affecte les steps, la vélocité, les accents et le timing des hihats, et peut leur appliquer des paramètres de manière aléatoire. Vous pouvez également contrôler la fréquence à laquelle le hat s’ouvre et se ferme, ce qui donne une excellente variation dans la composition.

XO

XO by XLN Audio est un excellent séquenceur. Il vous offre de nombreuses possibilités de sélection de sons en établissant une carte de tous les sons que vous avez sur votre disque dur, en les analysant, puis en suggérant des sons similaires dans votre arsenal.

Une fois que vous avez trouvé le son parfait sur votre disque dur, vous pouvez le charger dans le séquenceur intégré, où vous pouvez le programmer avec une myriade de fonctions différentes, notamment le swing, les accents, la vélocité, le panoramique, la hauteur, la tonalité et, en gros, tout ce que vous pouvez imaginer sur un séquenceur.

Vous pouvez également utiliser le mode « playground », leur version du séquençage génératif, qui vous permet de générer, de commuter et de moduler une quantité diverse et générative de motifs et de paramètres.

Ensuite, une fois que vous avez trouvé le groove parfait, vous pouvez facilement exporter les motifs vers un rack de batterie Ableton personnalisé ou un clip MIDI.

Reason Beat Map

Si vous ne le saviez pas déjà, Reason est maintenant un VST qui peut être chargé dans Ableton. À l’intérieur de Reason se trouve un séquenceur appelé Beat Map, et il est très puissant. D’une certaine manière, il me rappelle Grids de Mutable Instruments, si vous êtes familier avec ce module eurorack.

Il existe différents types de cartes, et selon l’endroit où vous vous positionnez sur la carte, vous pouvez générer des séquences algorithmiques.

Tout d’abord, vous chargez votre kit de batterie, comme Kong, qui est fourni avec Reason. Il va se mapper lui-même en automation à Beat Map. Ensuite, Beat Map va cracher un motif. Vous pouvez modifier les paramètres, et glisser sur la carte physique pour modifier ces motifs. Il crée de superbes boucles pour toutes sortes de genres, de la DnB, à la house, à la techno, aux breaks, et tout ce qui se trouve entre.

Une autre caractéristique intéressante est le contrôle de la densité, qui détermine le nombre de notes jouées à partir de ce motif. Vous pouvez commencer par un simple clap, et au fur et à mesure que vous déplacez la densité, il changera parfois de position. Ou un nouveau clap aléatoire apparaîtra pour faire un fill. Vous avez l’impression de contrôler un vrai batteur, ce qui explique pourquoi il s’agit de l’un des meilleurs séquenceurs génératifs.

Conseils et astuces pour les séquenceurs

Un mauvais son fera mal sonner une bonne séquence

Lorsque vous séquencez une mélodie ou une percussion, il y a un piège dans lequel vous pouvez vous engager par erreur : vous pouvez avoir un bon motif, mais quelque chose ne va pas. Vous continuez à modifier le motif, et cela ne s’améliore pas, et souvent cela empire. Souvent, je trouve que ce n’est pas le motif qui est inintéressant, mais plutôt le son que vous avez choisi. Un son adéquat est important.

Un moyen facile de remédier à cela est de charger tous les sons dans un sampler d’Ableton, puis de changer le son qui joue en déplaçant le sélecteur. Ainsi, si vous attribuez un son à toutes les notes de l’échantillonneur, chaque note devient un son. Ensuite, si vous déplacez le sélecteur comme un bouton, il fera rapidement défiler les sons.

Ok, cela peut être déroutant. Regardez simplement cette vidéo.

Couper les samples leur donne du caractère

Tous les samples n’ont pas la même longueur, donc lorsque vous testez des sons, coupez toujours le son à une longueur très courte pour avoir une idée du groove du motif que vous avez. Les sons plus courts ont souvent plus de dynamique, et vous pouvez alors modifier le decay ou le release pour ouvrir le son et trouver le point idéal.

Accorder vos samples à la tonalité de la chanson

Certaines personnes ne réalisent pas que vous pouvez accorder les percussions qui ne sont pas harmoniques. Vous pouvez les accorder sur la hauteur ou la tonalité de la chanson, et parfois cela permet de mieux trouver l’espace dans le mix. Si vous n’avez pas de contenu harmonique, vous pouvez en générer en activant la fonction FM du sampler. Vous pouvez ajouter une onde sinusoïdale ou carrée. En ajoutant cela au son, vous pouvez ajouter de l’harmonie et de la texture. Il suffit de trouver la fonction OSC sur l’échantillonneur, sous laquelle se trouve la fonction FM, ou de regarder cette vidéo pour plus de précisions.

Avoir une piste Master MIDI

Vous pouvez créer une piste MIDI qui contrôle les fonctions de tous les autres séquenceurs. Ainsi, plutôt que d’avoir 5 motifs différents pour 5 séquenceurs différents, vous pouvez avoir une piste maîtresse qui affecte tous les différents séquenceurs et enregistre leurs motifs dans a piste. Cela rend les choses plus organisées. Lorsque vous avez beaucoup de pistes, vous pouvez vous perdre en ajoutant et en soustrayant des éléments. Au lieu de cela, créez une bonne base sur la piste maîtresse, comme un simple beat house, puis ajoutez-y des éléments provenant des séquenceurs.

C’est un peu ma propre astuce pour garder les choses organisées de sorte que vous ne vous retrouviez pas avec un tas de couches confuses et difficiles à naviguer.

D’abord, ayez 1 ou 2 canaux MIDI maîtres qui envoient la structure principale du morceau. Ensuite, prenez un groupe de canaux MIDI avec du contenu qui reçoit le MIDI de l’un ou l’autre canal maître. Maintenant, vous pouvez avoir plusieurs canaux de percussion et vous pouvez toujours recevoir le contenu du canal de percussion maître, ce qui vous permet d’essayer les mêmes idées dans différents séquenceurs. De cette façon, vous évitez d’ajouter de plus en plus de couches en vous limitant à l’idée principale de la chanson. Cela peut également être fait pour les mélodies.

Résumé :

En fin de compte, les meilleurs séquenceurs génératifs sont ceux qui ont le plus de sens pour vous en tant que producteur. Tous ceux que j’ai énumérés, je les utilise intensivement dans mes productions, ainsi que dans le travail que je fais pour mes clients. Grâce à eux, trouver de nouvelles idées est un jeu d’enfant, et je ne me sens pas du tout dévalorisé par cela. En fait, c’est plutôt le contraire, en abandonnant le contrôle à une autre entité, vous participez à un dialogue efficace, et un dialogue efficace est la base de beaucoup des meilleures idées du monde.

J’espère qu’au fur et à mesure que l’industrie évolue, nous pourrons nous débarrasser de la notion ridicule de pur bricolage de la musique électronique et la considérer pour ce qu’elle est censée être : une collaboration sociale et technologique pour créer un son futuriste et avant-gardiste.

Différence entre la musique artistique et la musique commerciale

avril 3, 2021/dans Blogue/par pheek

On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques. Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris. Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce? Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.

La compression : Conseils et recommandations (Pt. I)

avril 24, 2019/dans Blogue, Conseils, Mixdown, Production/par pheek

Après deux articles importants sur les égaliseurs, il est temps de commencer à discuter de l’utilisation de la compression, car ces deux-là fonctionnent vraiment bien ensemble ! Je vous proposerai mes propres recommandations sur certains des meilleurs plug-ins VST de compression. Votre propre sélection de VST devrait toujours commencer par quelques-unes de ces deux catégories :
Pour les EQ :

Un égaliseur paramétrique pour les besoins chirurgicaux.
Un EQ Shelving pour la tonalité.
Un égaliseur analogique pour la coloration.

Pour la compression, il y a aussi plusieurs choix et il est facile de se perdre, donc l’une des choses que je trouve importante pour commencer est d’expliquer les différentes familles de compresseurs (plus approprié pour les relier à des modèles).

FET

Ce type de compresseur est l’un des plus populaires sur le marché. Il est connu pour son agressivité et pour sa capacité à ajouter un max de punch aux sons, mixes, avec beaucoup d’attitude. Le compresseur FET, qui signifie Field Effect Transistor, est apparu plus tard dans l’histoire des compresseurs, lorsqu’ils ont remplacé les tubes par un modèle qui rendait les sons plus chauds et plus riches : il est immédiatement devenu un favori dans les studios. Le 1176 est un des plus populaires d’entre eux.

Utilisation : Punch incroyable sur les percussions et ajoute de la vie aux textures, ainsi qu’aux pads.

Plug-ins recommandés :

FET Compressor (Softube)

FETpressor (PSP)

Black Limiting 76 (IkMultimedia)

Opto

Ce type est à peu près l’opposé du FET (bien qu’il y ait des gens qui argumenteraient à ce sujet). Le modèle Opto est lisse et super chaud. Pas idéal pour les percussions, mais je l’utilise en parallèle (voir les techniques ci-dessous), ce qui peut donner du corps au kick, par exemple. Le fonctionnement de ce modèle est très intéressant. Il s’agit essentiellement d’une lampe qui réagit au son entrant et s’allume en fonction du signal entrant. Je ne suis pas le meilleur pour expliquer cela, mais cela résume bien la situation, et cela fait que le compresseur Opto n’est pas le plus agressif, car il offre de la douceur.

Utilisation : Idéal pour les pads, les synthés, les textures. Je vous recommande de l’expérimenter avec des percussions, mais en mode parallèle.

Suggestions de VST :

Bx_Opto (Brainworx)

Opto compressor (IKMultimedia)

Le Renaissance Compressor de Waves offre également un mode Opto.

VariMu

Le VariMu est comme le prince des compresseurs de par sa finesse et son élégance. Manley a popularisé le VariMu avec leur célèbre version. C’est un cousin de l’Opto dans la façon dont il fonctionne, et il est aussi très doux. Souvent utilisé en mastering, il fonctionne comme un charme pour gérer les problèmes de punch ou pour garder de la cohérence dans un mix qui a besoin de glue général. Ce n’est pas la meilleure façon de créer du punch, mais lorsqu’il est utilisé en combinaison avec un autre compresseur, il peut vraiment créer de beaux résultats.

Utilisation : Sur votre mix ou sur un groupe. Il collera le tout de la manière la plus délicieuse qui soit.

Suggestions de plug-ins :

The Manley Compressor par UAD

MJUC de Klanghelm

DynaMU par IKMultimedia

VCA

Ce type de compresseur est également très populaire tout comme le FET. Je dirais que la plupart des compresseurs génériques sont souvent basés sur ce modèle. Comme il est basé sur le contrôle de tension, ce compresseur est un outil de type chirurgical. Il est vraiment efficace pour faire ressortir les percussions, mais il peut aussi être utilisé pour contrôler les transitoires (transients) violents.

Utilisation : Boostez vos kicks avec et contrôlez les transients des hats avec un autre réglage.

Mes préférés :

TDR Kotelnikov

U-He Presswerk

API 2500 (il y a quelques imitations de UAD et Waves, alors regardez par là).

Techniques

Vous avez peut-être les meilleurs plug-ins, mais si vous ne savez pas comment les utiliser, vous allez rater le plein potentiel de ces outils incroyables. Je dirais que si ce n’est pas le cas, sachez qu’un grand nombre de producteurs, même ceux qui ont de l’expérience, ont de la difficulté à les comprendre pleinement. Comme vous trouverez une multitude de tutoriels sur le Web, j’aimerais vous expliquer ma vision de manière simple.

Mais d’abord, laissez-moi vous expliquer ce que fait la compression. Il prend le son entrant et surveille la crête la plus forte (peak) et vérifie si elle est plus forte qu’un certain point : le seuil (threshold). Si c’est le cas, il poussera le signal situé au-dessus du seuil vers le bas. J’aime l’imaginer comme quand on rentre dans un bain, où l’eau monte en s’y asseyant. La façon dont un compresseur « pousse vers le bas » l’audio sera contrôlée par l’attaque (à quelle vitesse il réagit), le relâchement (pour combien de temps) et le rapport (de combien).

J’aimerais comparer le compresseur à un four, et la musique entrante à la pâte. Le compresseur ne fonctionne pas comme, disons, une réverbération où si vous le mettez sur un son, vous entendrez automatiquement ce qui est en train d’être modifié. Le fonctionnement des compresseurs VST est vraiment, pour moi, comme un four. Tu dois enfourner le son, le faire cuire, puis le sortir.

Utilisez donc ces paramètres lorsque vous utilisez la compression :

Signal entrant. Vous devrez augmenter le volume du signal entrant pour vous assurer qu’il atteint ou dépasse le seuil. Si le signal est trop faible, il ne sera pas traité.
Seuil. Abaissez-le si nécessaire. Vous verrez que la plupart des compresseurs ont un « GR » pour la mesure de réduction de gain (gain reduction). Cela commencera à pomper lorsque le signal atteindra le seuil. Si rien ne se passe, abaissez le seuil et/ou augmentez le signal entrant.
Attack/release. Une attaque rapide fera réagir rapidement le départ de pompage tandis qu’une attaque lente sera moins agressive. Vous pouvez ensuite ajuster le déblocage pour contrôler la durée du pompage.
Ratio. C’est la quantité qui sera réduite. Par exemple, un rapport de 2:1 signifie que pour 2 dB au-dessus du seuil, il sera réduit de 1 dB au-dessus du seuil. Par exemple, 8:1 donne un résultat plus agressif.
Make-up gain/Output. Votre signal de sortie sera réduit au cours du processus afin que vous puissiez utiliser le make-up gain pour ajuster le signal traité afin qu’il corresponde ou soit plus fort que le signal entrant.

Donc oui, ça sonne bizarre sur le papier, mais la compression consiste à baisser le volume pour rendre les choses plus fortes.

En ce qui concerne mon analogie avec le pain, vous devez vous assurer qu’il soit cuit (se compresse) avant de le sortir.

Maintenant, les techniques pour lesquelles vous pouvez utiliser la compression :

Limiter. C’est l’utilisation la plus connue d’un compresseur. C’est un moyen de s’assurer que le son ne dépasse jamais un certain niveau. Idéal sur un bus master pour éviter de clipper. Vous pouvez l’utiliser dans une certaine mesure sur les bus pour maximiser le volume. Mais assurez-vous que ce n’est pas trop, car cela peut distordre dans le mastering.
Side-chain, ducking. Populaire dans la musique électronique, cela fait que la compression fonctionne sur la base d’un signal entrant. J’y reviendrai dans un prochain article.
Compression parallèle. Pour ce faire, vous devez mettre la compression dans un bus AUX/Send, puis lui envoyer tout ce qui a besoin de compression. Ceci assure que le signal original est mélangé avec le signal compressé, ce qui ajoute de la puissance, du volume et de la précision.
Compression en série. À utiliser avec précaution, mais donne des résultats très puissants. Il s’agit de mettre deux compresseurs (ou plus) dos à dos. Un peut être en parallèle (grâce au dry/sewet) et le second, non. Cela donne des sons très puissants, percutants, lourds. Idéal pour les sons faibles et pâles..

C’est tout pour les bases de la compression ! Je parlerai ensuite de l’art de la conception sonore à l’aide de la compression et des égaliseurs.

VOIR AUSSI : Astuce de compression : Le compresseur Multi-bande (Pt.II)

Les meilleurs plug-ins d’EQ et diverses astuces sur leur utilisation (Pt. II)

avril 24, 2019/dans Blogue, Mixdown, Produits/par pheek

Dans mon article précédent concernant les meilleurs plug-ins d’égaliseur, j’ai couvert certains de mes égaliseurs préférés et certaines de leurs utilisations. Après avoir reçu de nombreux compliments à propos de ce post, j’ai décidé de continuer avec une deuxième partie. Dans le post suivant, je vais partager avec vous quelques astuces que vous pouvez facilement réaliser vous-même face à certaines situations de mix, et je vous décrirai également brièvement la compression.

Filtres

Au cas où vous ne le saviez pas déjà, les EQs sont des filtres, des mathématiques vraiment complexes que chaque développeur a codé dans des formules plus ou moins différentes. Cela explique pourquoi certains EQs sont très chers : à cause du temps investi dans le perfectionnement des courbes. Beaucoup de gens ne s’en rendent pas compte, mais les égaliseurs ont un son différent les uns des autres et vous pouvez le remarquer sur un système son de haute qualité.

« La plupart des gens n’ont pas un système de haute qualité, alors à quoi bon… », vous dites.

Eh bien, si vous utilisez des outils de haute qualité, en fin de compte, vos sons réguliers seront « améliorés » en qualité aussi, ce qui fera finalement une différence où que vous les jouiez.

Le conseil numéro un pour un meilleur mixage est d’utiliser des filtres ; cela seul peut apporter des améliorations spectaculaires.

Par exemple, vos kicks peuvent sembler muddy si vous n’enlevez pas les fréquences qui se trouvent sous la note fondamentale. Si cela semble compliqué, permettez-moi de l’expliquer en termes très simples :

Sur votre égaliseur, le premier point à gauche doit être mis sur filtre, puis sur coupe-bas (low cut).
La pente doit être réglée sur 24 dB/octave.
Positionnez-vous ensuite à 20 Hz pour commencer, puis montez les fréquences jusqu’à ce que vous entendiez votre kick perdre de la puissance. Si cela se produit, vous filtrez maintenant trop haut et vous devez reculer un peu.
Ma règle générale est de couper les kicks à 20 Hz par défaut.

Ce conseil ne s’appliquait qu’aux kicks, mais vous devriez appliquer cette idée à pratiquement tout ce qui se trouve dans votre mix. Cependant, à part le kick, je n’utiliserais pas une pente de 24 dB/octave sur quoi que ce soit d’autre à moins qu’il y ait de gros problèmes. C’est à vous d’expérimenter, mais si vous voulez tester quelque chose d’intéressant, essayez avec 18 ou 12 pour couper d’autres sons et vous verrez que cela laisse une sensation moins numérique, donnant à vos sons clarté et chaleur.

Je réduirais aussi les aigus là où ils ne sont pas nécessaires, mais pas trop non plus.

Les percussions, les mélodies et les sons aigus tels que les hi-hats bénéficieraient d’un filtre coupe-haut (high cut) de 6 dB/octave; cela lisse les choses d’une belle façon.

Certains de mes filtres préférés pour ce genre d’utilisation sont :

EVE-AT1 de Kuassa

SliceEQ par Kilohertz

PSP MasterQ2: Smooth!

Coupes nettes

Les coupes chirurgicales, nettes et statiques sont très utiles pour traiter une résonance. Beaucoup de gens se demandent comment les repérer et comment savoir si c’est vraiment quelque chose à couper ou si cela a quelque chose à voir avec l’acoustique de la pièce. Il n’y a pas d’autre moyen de le savoir que de comparer souvent à des pistes de référence pour valider.

Si souvent, j’ai des clients qui m’envoient un projet Ableton et je vois des coupes vraiment bizarres. Est-ce que c’est mauvais ?

Oui et non.

Tout d’abord, si vous utilisez l’égaliseur natif d’Ableton, passez-le immédiatement en mode suréchantillonnage (oversampling) pour une meilleure qualité.

Deuxièmement, le découpage peut changer quelque chose dans votre environnement, mais vous couperez aussi de façon permanente des fréquences qui ne doivent pas nécessairement être modifiées, ce qui pourrait également provoquer des problèmes de phase (c’est-à-dire pendant toute la durée de la chanson).

*Remarque — n’utilisez pas trop d’égaliseurs sur une même chaîne, car cela provoquera sûrement un déphasage !

Alors, comment repérer une fréquence rebelle ?

Parfois, je me contente d’utiliser un spectromètre pour obtenir des indices si je n’arrive pas à localiser l’endroit où elle se trouve. Essayez toujours d’utiliser un spectrum meter sur votre master pour avoir une indication globale de votre mixage. Si vous voyez des sons qui commencent à dépasser 0 dB, cela *pourrait* être un problème; pas toujours, mais cela pourrait arriver. Ce que vous recherchez, c’est une pointe fine de +3-6 dB. Cela sera certainement un problème.

Mon instinct serait d’essayer de baisser le volume du son lui-même si c’est possible. Parfois, ce n’est pas le cas, et c’est pourquoi on utilise un égaliseur.

Isoler le son dans la piste appropriée.
Insérez l’égaliseur de votre choix (voir ci-dessous pour des suggestions).
Choisissez un point d’égalisation, réglez-le sur la fréquence que vous avez repérée, puis réglez le Q sur 3-4. Coupez 4 dB pour commencer, puis plus si nécessaire.
Sur l’égaliseur, il devrait y avoir un gain de sortie. Si vous avez réduit cette fréquence, ce serait bien d’augmenter le gain d’environ la moitié de ce que vous avez réduit. Idéalement, j’aime compresser, mais nous y reviendrons plus tard.

CONSEIL : Évitez les coupures brusques dans les basses fréquences. Cela peut causer des problèmes comme un déphasage, ou du mud. Si vous devez vraiment le faire, assurez-vous d’utiliser un utility mono par la suite.

J’ai révélé certains de mes plug-ins d’égalisation préférés dans le premier post de cette série, mais je vais en ajouter d’autres :

Cambridge EQ par Universal Audio: Fonctionne à merveille sur les synthés et les mélodies.

AE600 de McDSP.

Voxengo CurveEQ: Solide sur un contenu percussif.

Coupes larges, renforcements et shelving

Pour renforcer certaines fréquences, de nombreuses lectures sur le sujet de l’EQing recommanderont d’y aller avec modération et d’essayer d’avoir un Q très bas pour ainsi avoir une courbe ouverte. Cependant, il n’y a pas vraiment de règles sur ce que vous devriez ou ne devriez pas faire. Explorez, échouez et soyez audacieux, parce que parfois de grandes choses en ressortent.

Mon seul drapeau rouge concerne les courbes d’égalisation de plusieurs points vraiment compliquées que vous pouvez faire dans Fabfilter ProQ2. Cela induit parfois des résonances bizarres lorsque vous exportez, ce qui n’est pas bon pour le mastering à moins de vouloir ennuyer les oreilles des gens.

Aussi, pensez différemment. Si vous allez utiliser 3-5 points qui renforcent tous des fréquences, alors pourquoi ne pas commencer par augmenter le gain sur la sortie de votre EQ et réduire ce que vous ne voulez pas.

Mais pour booster, j’aime avoir un Q inférieur à 1. Ça donne des résultats vraiment intéressants !

Par exemple, essayez de booster 2-3 dB à 500 Hz pour donner instantanément présence et corps à une chanson.
Essayez à 8 kHz pour ajouter une présence brillante et lumineuse aux percussions métalliques.
Boostez à 1 kHz sur votre snare pour les faire sortir de votre mix.

Expérimentez comme ceci. Au début, cela semblera subtil, mais avec de la pratique, de grands résultats seront obtenus.

Mes préférés du moment :

Sie-Q de SoundToys pour son superbe shelving.

MEqualizer de MeldaProduction.

VOIR AUSSI :

Compression : Astuces et recommandations (Pt. 1)

Comment réinventer votre musique?

juillet 30, 2018/dans Blogue, Production, Sound Design/par pheek

Si vous trouvez que toutes vos pistes commencent à se ressembler, il y a plusieurs façons de réinventer votre son. Il y a quelque temps, j’ai écrit un article sur le fait que nous avons parfois l’impression que notre musique finit toujours par sonner de la même façon. J’ai fait un test avec des amis et je leur ai demandé d’importer leurs 10 derniers morceaux dans Ableton Live pour comparer les formes d’onde de chacun des morceaux. Visuellement, cela révèle immédiatement si leurs structures sont les mêmes. Par exemple, certaines personnes introduisent toujours les hats après 4 mesures et mettront en pause kick juste avant. D’autres mettront une première pause après 2 minutes, puis une autre à peu près au même endroit à chaque fois. Nous avons des habitudes et des préférences dans la musique ; il est possible de finir par suivre le même chemin avec chaque piste.

Si vous prenez la production musicale au sérieux, vous voudrez porter une attention particulière à la façon dont vous présentez votre art. Si vous vous en tenez toujours aux mêmes routines et habitudes, vous pourriez avoir de la difficulté à garder les choses intéressantes, surtout si plusieurs labels veulent travailler avec vous. Discutons de quelques points importants pour améliorer votre son, sans perdre la signature sonore que vous avez peut-être déjà développée.

APPRENEZ D’ABORD À VOUS CONNAITRE

Vous ne pouvez pas changer ou vous réinventer si vous n’êtes pas conscient de vos routines. Que voulez-vous changer ou améliorer dans votre son ? Parfois cela semble évident, mais d’autres fois, il est important de répondre à cette question. Il y a deux façons principales de répondre à cette question, mais vous devrez d’abord rassembler tous les morceaux que vous avez faits au cours des derniers mois et les écouter (ou demander à un ami de les écouter, ce qui peut être mieux, car il n’y aura pas de biais) pour déterminer les points communs qu’ils partagent.

Une autre façon, et c’est ce que je fais, c’est d’ouvrir vos derniers dossiers de projet et de regarder les arrangements. Il y aura quelque chose que vous pourriez faire régulièrement et qui doit changer. Une fois que vous le savez, la meilleure chose à faire est de commencer à prendre des notes dans le projet lui-même en mettant des marqueurs là où vous avez tendance à faire une chose spécifique. Mettez autant de marqueurs que possible, puis supprimez le contenu et faites de ce nouveau projet votre modèle de départ pour vos futurs projets.

Vous utilisez toujours le même kick ? Les mêmes samples ? Le même synthétiseur ? Réverbération ? Si vous utilisez toujours les principaux effets inclus dans votre DAW, n’oubliez pas que des milliers d’autres personnes utilisent également ces effets, et il est peut-être temps d’effectuer une mise à niveau vers de nouveaux VSTs : certains sont très abordables. Ce qui est très intéressant, c’est que parfois nous ne nous rendons pas compte que nous utilisons les mêmes samples. Si vous utilisez des appareils analogiques, cela pourrait devenir un problème à moins que vous n’ajoutiez un peu de couleur ou de personnalité à vos sons. Les machines sont souvent limitées à ce qu’elles peuvent faire et dépendront de l’aide extérieure.

Par exemple, si vous utilisez toujours le même type de kick ou de claps, vous pouvez peut-être commencer à le superposer avec quelque chose d’autre.

ASTUCE : C’est la partie la plus longue du processus, mais elle sera payante — utilisez des amis pour recueillir des commentaires intensifs ou notre groupe Facebook.

CHERCHER L’INSPIRATION

C’est la partie amusante et cela demande un peu d’ouverture d’esprit. Je vous encourage à faire ces choses :

Quelles sont vos principales inspirations musicales ? Quels artistes aimez-vous ? Essayez de découvrir ce qui les inspire ou qui les inspire. C’est peut-être un artiste inconnu ou quelque chose de complètement différent. Par exemple, Bruno Pronsato est un ancien batteur de rock et cela a eu une grande influence sur lui. Il arrive souvent que certains artistes s’inspirent d’une musique très différente de celle qu’ils font eux-mêmes.
Essayez d’écouter de la musique sélectionnée au hasard. Cela peut provenir de la radio que vous écoutez ou de Spotify. Il y a aussi un plug-in VST nommé Radio qui est assez cool pour ça. Il vous permet de diffuser la radio directement dans votre DAW et de l’enregistrer — une source inépuisable d’idées. Il offre également des canaux aléatoires à écouter.
Retourner au oldschool. Si vous manquez d’idées, essayez d’explorer différentes époques comme les années 80, 70, etc. Vous pouvez aussi plonger dans le vaste monde du jazz, du hip-hop, du folk, de la musique du monde ou du rock indie pour n’en nommer que quelques-uns. Créez-vous une liste de lecture et notez quelques idées que vous aimez et voyez en elles.

La question la plus importante à se poser quand on écoute d’autres musiques est de se demander ce qui a rendu cette chanson célèbre. Est-ce la qualité de la voix du chanteur ? Une technique innovante ? Une certaine utilisation de l’effet ? Chaque chanson a une histoire et il peut être très perspicace de comprendre ce que c’est.

ASTUCE : Si vous manquez d’idées, plongez dans l’électroacoustique, la Musique concrète ou le Free Jazz. Il faut parfois s’accrocher, mais c’est plein d’idées novatrices.

PENSEZ MODULAIRE

Reaktor de Native Instruments

Je ne parle pas ici de synthés modulaires — quand je dis « penser modulaire », je veux dire qu’il est temps de devenir un maître de la création dans Ableton. Voici quelques suggestions d’outils qui peuvent vous aider à vous améliorer :

Reaktor. Reaktor est un monstre. Si ce n’est pas déjà fait, jetez un coup d’œil à la démo de Native Instruments pour l’essayer. Ce sera intimidant au début, mais c’est payant, créativement parlant. Il y a une énorme communauté d’échange de patches faits avec et la série blocks est une bonne alternative et une introduction aux synthés modulaires. Ce qui est cool, c’est de trouver des outils gratuits qui peuvent être attachés ensemble et reconstruits en instruments de votre choix. Beaucoup d’artistes aiment construire un patch qui devient l’outil dans leurs 5-10 pistes suivantes, puis il évolue vers autre chose. La force de Reaktor est qu’il peut être utilisé comme synthétiseur ou comme effet.
MXXX.
MXXX de Melda Production

MXXX est pour les effets. Il est très, très puissant, car vous pouvez créer une chaîne complexe d’effets dans un seul espace, puis automatiser plusieurs effets à la fois. Je suis plutôt accro à cet outil pour la conception sonore, mais aussi pour le mixage où je peux résoudre certains problèmes.
Reason. Reason (DAW) a une approche plus visuelle et des sons incroyablement étonnants. Il y a quelque chose de très ludique à ce sujet en plongeant des câbles virtuels dans l’interface utilisateur. La dernière version est tout simplement exceptionnelle et a remporté des prix en 2017. Associez-le à Ableton pour unir vos forces. Ableton peut envoyer des notes à Reason et vous refaites passer le son dans votre projet.
Bitwig. Je trouve que ce DAW est très avancé et si vous êtes nouveau dans la production musicale, ce sera un défi d’apprendre à l’utiliser. Comme il est très similaire à Ableton, la transition est assez fluide. Je trouve que la façon dont les plug-ins fonctionnent ensemble est extrêmement créative et facile, sans tuer le CPU. Vous pouvez ajouter des randomizers et des LFOs à peu près n’importe quoi et pour cela seul, cela vaut la peine de l’essayer. Je passe souvent sur Bitwig pour la conception sonore avancée.
Goodheartz. Goodheartz est une collection de plug-ins super sympas. Il y a beaucoup d’options modulaires, mais j’aime celles-ci en raison de leur haute qualité et du fait qu’elles ne poussent pas trop fort le CPU.
Modular de Softubes. Ce plug-in est l’intermédiaire le plus impressionnant par rapport aux vrais synthés modulaires. Vous avez l’équivalent logiciel du matériel réel, un peu comme la version Universal Audio des outils de mixage matériel.
VCV.
VCV Rack (credit : VCV website)

VCV est le nouvel hype – un environnement libre et open source ainsi qu’une interprétation des composants matériels. Il demande un temps d’apprentissage, mais les résultats sont amusants et il vous sortira certainement de votre zone de confort.

CONSEIL : Abusez des démos et des versions d’essai ! Essayez tout, enregistrez toutes vos sessions et utilisez-les comme fichiers wav dans un projet. Les plug-ins qui sont les plus excitants devraient être ajoutés à votre liste d’achats.

COLLABORER

La collaboration est la plus importante pour vous aider à rompre avec vos habitudes. Si vous pouvez trouver quelqu’un qui vit à proximité et à qui vous pouvez rendre visite pour produire en studio, traîner, écouter de la musique et parler de production, cela vous apportera beaucoup d’idées fraîches. Ne vous limitez pas aux personnes qui font la même musique que vous. Il peut s’agir d’un guitariste ou d’un chanteur. Parfois, si vous pouvez essayer de travailler sur une nouvelle chanson avec quelqu’un d’autre, cela fera travailler votre esprit créatif et l’obligera à explorer des techniques auxquelles vous n’avez peut-être jamais été exposé. La collaboration en ligne est également très rafraîchissante. Trouvez des gens sur Soundcloud et voyez si vous pouvez vous lier d’amitié avec eux pour éventuellement travailler avec eux, ou les remixer. Il peut s’agir de quelqu’un dans un domaine qui est totalement hors de votre zone de confort.

Rendre les sons vivants : le mouvement dans la musique électronique

avril 23, 2018/dans Finalisation de tracks et arrangements, Production/par pheek

CRÉER DU MOUVEMENT DANS LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

L’un des concepts les plus méconnus de la musique électronique est le mouvement. Par mouvement, je fais référence à la façon dont chaque son évolue constamment tout au long d’une chanson. Je discutais une fois avec un passionné de synthétiseurs modulaires et il disait ne pas supporter les sons enregistrés comme les samples parce que, selon lui, ces sons sont « morts ». Avec les synthés modulaires, un son peut être répété pendant des minutes et il ne sera jamais exactement le même parce que les composants matériels donnent constamment de légères variations au son. Un son enregistré est figé comme une image. Puisque nous n’avons pas tous le luxe de posséder un synthé modulaire, permettez-moi d’expliquer comment nous pouvons utiliser des outils logiciels pour rendre les sons « vivants » et développer du mouvement dans notre propre musique électronique.

Tout d’abord, convenons que le mouvement dans la musique électronique provient de certains éléments qui « bougent ». Il existe différentes façons de créer cette sensation :

1. CHANGEMENTS DE VOLUME (AMPLITUDE)

Le changement de volume des percussions est souvent associé au groove et au swing. Les deux peuvent modifier le volume des sons. Cela dit, vous pouvez appliquer un modèle de groove non seulement aux percussions, mais aussi aux mélodies et aux lignes de basse. Si cela ne suffit pas, vous pouvez aussi utiliser l’effet midi velocity qui peut non seulement altérer la vélocité de chaque note, mais dans Ableton Live il y a aussi un randomizer qui peut être utilisé pour créer un effet plus humain. Une autre façon d’ajouter de la dynamique est d’utiliser un effet de trémolo sur un son et de le garder synchronisé ou non. L’effet trémolo affecte également le volume, et c’est une autre façon de créer des grooves sur mesure. Personnellement, j’aime aussi créer des changements d’arrangement très subtils sur l’enveloppe ou le gain de volume, ce qui maintient le son toujours en mouvement.

En général, les LFOs — comme ceux présents dans le patch Max for Live — peuvent être utilisés pour moduler n’importe quoi, et ils créeront automatiquement du mouvement. Associé à chaque LFO, j’utilise souvent un autre LFO pour moduler sa vitesse afin d’obtenir une véritable sensation de non-redondance.

Astuce : Combinez LFOs et modifications manuelles, puis copiez les séquences jusqu’à la fin de la chanson. Je vous suggère d’essayer de sortir de la structure 4/4 et des blocs réguliers pour sortir d’un « template feel ».

2. FILTRE

Une autre excellente façon de créer du mouvement est de faire en sorte que le son change toujours de tonalité. L’utilisation d’un filtre en mode parallèle est un moyen très efficace de créer de la couleur. L’important est de s’assurer que la fréquence et la résonance sont constamment en mouvement en utilisant des LFOs ou des enveloppes. En étant en parallèle, le son semble toujours être le même, mais il y aura un peu plus de corps à cause du filtre. Ce que beaucoup de gens ne savent pas, c’est qu’il y a différents types de filtres, donc vous pouvez essayer différents types de filtres dans différents Sends et votre chanson sera plus en mouvement. Alors que les filtres sont parfaits pour les changements subtils, vous pouvez aussi faire la même chose avec un égaliseur, mais toujours en parallèle. L’ajout d’une enveloppe sur le filtre pour qu’il détecte le signal entrant et change la fréquence est aussi une très belle façon de garder le son organique.

Astuce : Essayez de comparer comment un filtre Moog peut différer d’un filtre ordinaire.

3. TEXTURES

Les textures ou le bruit de fond sont une autre excellente façon d’émuler les appareils analogiques. Il y a plusieurs façons de le faire, mais celle que je recommande est d’obtenir un microphone pour votre iPhone et d’enregistrer un moment de votre prochaine visite au café ou au restaurant, ou même dans votre maison où nous ne nous rendons pas compte qu’il y a encore un très faible niveau de bruit. L’ajout de cet enregistrement à faible volume dans votre chanson ajoute automatiquement un layer de chaque son en évolution. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi convertir certains bruits en patterns de groove qui créent une forme de randomisation sur vos sons. Certains effets de haute qualité tels que la saturation utilisée sur certains sons ajouteront une forme de texture qui empêche vos samples de sonner creux.

Astuce : La modulation FM sur un filtre ou une oscillation peut créer des textures granuleuses.

4. STÉRÉO ET PANORAMIQUE

Pour ce point, il y a différents effets qui jouent avec l’image stéréo et — bien que vous devriez être prudent — il est bon d’avoir au moins un ou deux sons qui ont ce genre d’effets. Parmi ces effets le phaser, le chorus, le flanger, le delay, la reverb et l’auto-pan. Ils peuvent tous donner du mouvement aux sons si la modulation n’est pas synchronisée et si le dry/wet est constamment modifié légèrement.

Astuce : Faites attention aux effets que vous utilisez, car une utilisation excessive peut créer des problèmes de déphasage.

5. TIMING

Un point que les gens négligent souvent : la position d’un son dans un pattern peut changer légèrement tout au long d’une chanson pour créer un sentiment de mouvement. Cet effet est plus facile à créer si vous convertissez tous vos clips audio en midi. En mode midi, vous pouvez utiliser le plug-in Humanizer (Max) pour modifier constamment le timing de chaque note. Vous pouvez aussi le faire manuellement si vous êtes un peu plus dans l’édition de détails, mais à la fin, un Humanizer peut faire la même chose tout en créant des idées inattendues qui pourraient être intéressantes. Une autre astuce est d’utiliser un effet de glitch en mode parallèle pour ajouter quelques courbes dans le timing d’un son de temps en temps.

Astuce : Désactivez le verrouillage de la grille (grid lock) dans la section arrangement pour être intentionnellement imprécis.

Mes tracks ont toujours la même structure

février 22, 2018/dans Blogue, Production/par pheek

(Photo de couverture par Luca Bravo)

Une des choses que je remarque souvent et qui me dérange, c’est que j’ai l’impression que mes chansons sont toujours arrangées de la même façon : ma structure est souvent la même. Bien qu’il n’y ait rien de mal à suivre une structure de chanson régulière, j’ai souvent l’impression que j’ai besoin d’avoir plus de variations d’arrangements dans mon travail et de nouvelles façons de présenter ma musique.

Alors, qu’y a-t-il de mal à répéter des structures de chansons que vous connaissez déjà ?

Il y a plusieurs façons d’obtenir constamment de bons résultats en arrangements qui, pour la plupart, fonctionneront toujours. Quand j’étais DJ Hard Techno ou Drum and Bass à la fin des années 90, j’ai fini par m’ennuyer de tous les morceaux qui avaient exactement la même structure. Oui, c’était extrêmement facile de mixer les morceaux une fois que l’on avait compris les « trucs », mais en même temps, c’était aussi décevant pour les auditeurs et les DJs avec un esprit créatif qui préféraient une musique et un mix plus pointu.

Il est important de ne pas tomber dans des habitudes et des schémas répétitifs ! Vous pourriez trouver de nouvelles astuces d’arrangement tout en explorant et expérimentant de nouvelles structures de chansons.

Avant de passer en mode découpage de vos arrangements, passons en revue quelques règles qui seront très utiles avant de commencer l’édition :

Exportez un fichier .wav de la dernière piste travaillée (n’importe quel projet !), finie ou inachevée. Surtout si vous travaillez avec ma méthode de production de musique parallèlen; cette technique sera très utile. Prenez l’habitude de non seulement enregistrer votre projet à la fin de votre session, mais aussi d’exporter un fichier .wav de ce que vous avez.
Importez votre fichier dans le projet sur lequel vous allez travailler. . Pour importer, déposez votre fichier dans une piste dédiée de la section arrangement.
Utilisez des marqueurs sur les arrangements pour les moments clés, les changements, la transition. Avec ces références, vous pouvez voir si votre projet actuel a des points similaires à ceux de votre fichier .wav précédent, puis vous pouvez le modifier si c’est le cas.
Voyez si les deux projets peuvent être facilement mixés par un DJ. . C’est un bon test pour voir si votre piste est trop chargée, ou si les choses seront agréables à mixer. J’ai dit d’innombrables fois auparavant que si votre musique est intéressante à mixer, les DJs jouerons vos tracks dans tous leurs sets.

Découpez la structure de votre chanson

Avec vos nouvelles habitudes en place, passez maintenant en mode de découpage. Comme je l’ai déjà dit dans un article précédent, How to Turn a Loop Into a Song, vous devrez décider du bpm, de la longueur de votre piste et construire à partir de là. Je vous invite à consulter cet article si vous avez besoin du tutoriel complet à ce sujet.

Disons que vous avez enfin une structure qui vous convient. Voici les principaux éléments clés que j’utilise pour éviter la redondance :

Trouvez les sections principales de votre chanson, et coupez le début et la fin. Une « section » d’une chanson est une partie qui est différente des autres par son contenu. Dans la musique pop, ces sections sont appelées ponts, breakdowns, chœurs, etc. Dans la musique électronique, ces genres de sections sont peut-être un peu plus subtiles ou non traditionnelles, mais elles sont toujours là.
Une fois vos sections isolées, déterminez si la perspective est équilibrée. . Par « perspective », j’entends ici le terme comme on l’utilise en photographie ; voyez si votre titre a un ratio équilibré.
Insérez des tranches vides au milieu des parties ainsi que quelques points aléatoires dans la chanson. Ajoutez quelques « clins d’œil » à partir de la piste de référence importée à l’origine. Les « clins d’œil » sont les moments où une chanson peut « répondre » à une autre si elle est mixée correctement.
Déplacez vos blocs/sections découpés. Tentez de faire des échanges farfelus et des mises en perspective. Soyez créatif. Contrairement au conseil souvent utile de « utilisez vos oreilles et non vos yeux », dans ce cas-ci, je suggère fortement de travailler votre structure visuellement, sans aucun son, de sorte que vous ne soyez pas biaisé ou retenu dans votre expérimentation d’arrangement. Si l’idée vous est nouvelle, assurez-vous de faire d’abord une copie de sauvegarde de votre projet. Personnellement, je passe beaucoup de temps à faire quelque chose de visuellement attrayant avec mes blocs avant même d’écouter.
Laissez des erreurs intentionnellement. Avez-vous déplacé quelque chose hors de la grille ? Avez-vous collé une section au mauvais endroit ? Essayez de garder cette structure jusqu’à ce que vous y reveniez.

Essayez de jouer avec la structure de vos tracks et dites-moi comment ça se passe !

Comment passer au niveau supérieur ?

février 22, 2018/dans Blog mosaïque, Blogue, Production/par pheek

Au cours d’une conférence à laquelle j’ai été invité récemment, je parlais avec un groupe de personnes du Collège du Vieux Montréal et on m’a posé une question à laquelle je ne pouvais pas répondre sur le coup. La question était de savoir ce que je considérais comme étant « next level » (ou de niveau supérieur), ce à quoi j’ai répondu en disant « vous allez être déçus par ma réponse ». Et à bien des égards, ce n’était pas la réponse qu’ils voulaient, et j’ai pu constater que certains étaient perplexes, espérant entendre parler de quelque chose de nouveau, d’excitant et de vraiment « next level ».

Maintenant que ce moment est derrière moi, le concept des genres, et ce qui représente le niveau supérieur a eu le temps de trotter dans mon esprit donc j’y ai réfléchi davantage.

Pouvez-vous vous souvenir d’une époque avant Soundcloud ? Avant les listes de lecture d’iTunes, un moment où vous fouilliez avidement les bacs de disques et où vous discutiez avec les disquaires de ce qui était nouveau ? Avez-vous acheté des disques sans même les avoir écoutés simplement parce que vous avez aimé l’artwork et saviez que c’était quelque chose que vous deviez avoir ? Que la musique soit innovante ou non, vous aviez le sentiment d’avoir découvert quelque chose de spécial.

À bien des égards, la quantité écrasante de contenu à laquelle nous sommes confrontés aujourd’hui peut nous faire perdre de vue ce qui se passe. Les musiciens peuvent afficher une track la seconde après l’avoir terminée, et le monde entier peut potentiellement l’entendre en quelques minutes. Pourtant, le raz-de-marée de musique autoproduite est si grand qu’il est aussi plus difficile que jamais de se faire remarquer. Si vous êtes attentif et curieux, vous pouvez remarquer les nouvelles idées des gens, mais la question est maintenant : comment peut-on réellement suivre ?

Voici un fait qu’il faut garder à l’esprit : quelqu’un sait qu’il/elle fait de la musique de niveau supérieur seulement a posteriori.

Si vous vous concentrez sur la musique qui sonne bien pour vous, vos compétences et votre confiance augmenteront naturellement. Si vous prenez du plaisir à faire de la musique, vous tomberez dans cet état d’esprit appelé la zone. Dans cet état d’esprit, vous pouvez atteindre le meilleur de vous-même avec peu d’effort. Ce concept n’est pas ésotérique ou religieux, c’est une expérience connue étudiée en psychologie et un état à la portée de tous. Mais ce n’est pas le sujet de ce post.

La plupart du temps, de nouveaux genres sont créés lorsqu’un artiste crée un pont qui relie différents styles musicaux — pensez à la jungle qui a apporté l’influence des MCs jamaïcaines et des effets sonores avec des beats plus rapides et des basses foudroyantes. Pensez aux mashups underground et à des artistes comme Girl Talk, qui ne peuvent pas être released légalement, mais qui peuvent emprunter de la musique de n’importe où tant qu’elle fonctionne mélodiquement. Pensez aux derniers genres de musique dance qui émergent avec une popularité significative — tropical house, future bass, etc. Pouvez-vous m’expliquer ce que ces genres représentent ?

Sur le plan de la conception sonore, je pense à Serum, un synthétiseur derrière la création des sons de basse electro et dubstep. Est-ce que le côté inédit des sons ou de la technique de production fait que cette musique est innovante ?

Qu’est-ce que le niveau supérieur exactement ?

Pour moi, cela vient du point de vue de chacun. Mon point de vue sur l’innovation a radicalement changé au cours des dix dernières années. Mon intérêt pour le son ne cesse de changer, et ce que je ressens aujourd’hui pourrait être différent la semaine prochaine. J’aime tantôt la musique crue, mais pleine d’originalité, tantôt j’aime la pop généraliste surproduite pour ses techniques délirantes en mix et tantôt je remonte dans le temps pour revisiter les classiques de Miles Davis afin de reconnaître la véritable maîtrise de son art.

Selon moi, la véritable question est de savoir ce que vous cherchez et pourquoi.

Il est rare que mes titres « next level » atteignent la liste de lecture que j’écoute dans ma voiture. La musique de niveau supérieur est souvent celle à laquelle je peux m’identifier sur le plan univers/mélodie/contenu. Je crois que c’est aussi ce à quoi la plupart des gens s’identifient quand ils choisissent de faire une liste de lecture qui les touche. Ce n’est pas toujours quelque chose de grand, de fort, ou de courant, mais c’est souvent un élément musical déjà connu, juste bien réalisé ou un peu différemment. Si l’arrangement d’une chanson est astucieux et précis, il arrive souvent que les tricks provenant du mix ne soient pas la première chose que l’auditeur entendra, il le sentira davantage comme un tout.

Pour résumer cet article, il est essentiel pour tout producteur de se concentrer sur la conception sonore. Vos sons sont vos mots et votre voix en tant qu’artiste et rappelez-vous que c’est ce qui peut attirer l’attention de vos auditeurs plus que votre technique ou vos tricks.

Template de mix gratuit pour Ableton Live

janvier 14, 2018/dans Blogue, Mixdown, Production/par pheek

J’ai mis au point un template Ableton gratuit en me basant sur des commentaires qui ont été très utiles à de nombreuses personnes avec qui j’ai travaillé. Le template disponible sur cette page est destiné spécifiquement au mix. J’ai remarqué que souvent, beaucoup d’aspects du mix sont mal compris. J’ai donc créé un template de départ qui rassemble plusieurs outils utiles pour gérer les choses de base — ce template gratuit pour Ableton sera utile à tous les producteurs !

Le template inclut :

6 Groupes: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
3 Bus: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
1 MIXBUS: où les bus sont routés ce qui en fait votre piste de prémaster.
1 Piste de référence: où vous déposez la piste de référence.
Plusieurs Sends pour affiner.
Différentes macros sur chaque groupe et bus pour vous aider à aborder le ton et les problèmes potentiels.

Ce template ressemble beaucoup à ce que les ingénieurs professionnels utilisent comme celui d’Andrew Scheps pour Puremix, mais j’ai trouvé que le template d’Andrew n’était pas vraiment adapté à la musique électronique. Je suis sûr qu’il serait en désaccord, mais la musique underground n’est pas vraiment gérée comme la musique commerciale.

Ce template est-il destiné à la création ou au mix ?

Vous pourriez utiliser ce template pour produire si vous vous sentez à l’aise avec, mais je vous encourage à exporter les stems d’un projet et à utiliser ce template pour le mix. . Oui, c’est un peu plus de travail, mais ça va aussi libérer votre CPU et préparer votre projet pour une nouvelle phase de production. C’est aussi plaisant de mettre un terme aux détails et de se concentrer sur le mix seul.

Comment utiliser ce template ?

Il y a plusieurs façons d’utiliser un template comme celui-ci, j’aimerais vous expliquer certaines choses pour que vous puissiez commencer rapidement. Tout d’abord, grouper vos sons est toujours un bon début. J’aime le faire de cette façon :

Groupe Kick : Ce groupe est fait pour contenir les différentes couches de vos kicks ; la meilleure façon de faire un kick complet est d’avoir jusqu’à 3 couches, mais cela sera géré par la macro du groupe qui utilise la compression et la saturation. J’ai créé une autre petite macro pour vous aider à booster votre kick avec un générateur de sub et un transient. J’ai inclus quelques sons de ma collection pour vous, mais n’hésitez pas à en ajouter d’autres. Si vous équilibrez le tout correctement, vous aurez de beaux kicks chauds et percutants.
Bass/basses fréquences : Ce groupe est essentiellement le même que pour les kicks, mais à utiliser pour les basses fréquences. Incluez les différentes couches de votre basse (sub/mid), et je vous encourage à inclure aussi tout ce qui est en dessous de 200hz comme les toms, synthétiseurs et pads. La macro de ce groupe aidera à les équilibrer.
Percussions : Tout ce qui est percussif, bongos, claps, snares et sons synthétiques percussifs. Ce groupe peut être bien rempli, alors n’ayez pas peur d’ajouter plusieurs nouvelles pistes dans le groupe lui-même.
Hihats : Hats ou tout ce qui est régulier dans votre groupe, une partie importante de votre groove peut être mise dans cette zone. Dans mon cas, j’inclus parfois les snares. Notez qu’il n’y a pas de manière exacte pour répartir les éléments dans Percussions &amp Hihats. L’expérimentation peut donner des résultats intéressants.
Groupes mélodiques : Ces deux groupes travaillent main dans la main. L’un est pour tout ce qui se trouve en arrière-plan et l’autre est pour les éléments mélodiques placés en avant. La façon dont les macros fonctionnent vous aidera à positionner correctement les sons et à en tirer le meilleur parti. Essayez de jouer avec les différents boutons pour voir comment ils influencent les groupes.

Notez que j’applique un filtre passe-haut sur ces groupes alors n’hésitez pas à faire varier la courbe, cela peut parfois influencer le son d’une bonne manière.

Les trois bus sont très intéressants une fois que vous avez fait les niveaux de vos groupes. Par exemple, vous voulez trouver la meilleure relation entre la basse et le kick qui sont routés ensemble. Une fois qu’ils sont équilibrés, le bus vous permet de contrôler les basses et les kicks en même temps ; ceci peut vous aider à décider plus facilement du ton de votre piste en déplaçant le bus vers le haut ou vers le bas.

J’ai également inclus une piste de référence pour vous rappeler d’utiliser une track comme repère ou modèle. Les tracks de référence sont très bien pour vous inspirer des morceaux que vous aimez et que vous aimeriez utiliser dans votre mix.

Les différents Sends sont des outils simples pour simplement booster ou ouvrir votre son. Les Sends sont vraiment destinés à la finition du mix et sont faits pour être utilisés aussi délicatement que possible ; la subtilité peut aussi rendre les choses intenses.

Merci à tous ceux qui ont fourni des commentaires pour le développement de ce template ; je suis ravi de pouvoir aider et prendre du plaisir à faire de la musique !

Cliquez ici pour télécharger gratuitement ce template Ableton :

Template Ableton pour mix 2.0 (Ableton Live 11.3+)

L’intuition pour faire des choix en production

novembre 26, 2017/dans Blog mosaïque, Blogue, Blogue, Mixdown, Production/par pheek

Dans un sens, l’intuition musicale se définit avec celui qui peut apporter de la magie créatrice dans sa musique, par rapport à celui qui s’en tient à une véritable application technique du logiciel. J’ai souvent eu l’occasion de voir des producteurs expérimentés faire de la musique, que ce soit en studio ou en plein jam. Par exemple, au début des années 2000, nous avons eu le fameux Narod Niki au MUTEK de Montréal où Zip, Villalobos, Dan Bell, Akufen, Cabanne, Dandy Jack, Monolake (même Cassy a chanté pendant quelques minutes) ont tous synchronisé leur ordinateur portable et leur équipement pour improviser un live pour nous. Notre festival local nous a donné de nombreuses occasions de regarder, ce que j’appellerais, des maîtres dans ce qu’ils font, jouer devant une foule pour montrer comment créer et jouer live. L’acte live lui-même, lorsqu’il est fait correctement, doit représenter ce que l’artiste fait dans son studio, mais de manière à faire voyager la foule.

Quand je parle d’un live fait correctement, je fais référence à quelque chose qui est en partie préparé et en partie improvisé : un set qui repose donc sur l’intuition musicale. L’intuition musicale est le combo parfait qui permet à des « accidents créatifs » de survenir et crée un sentiment de prise de risque. Il y a beaucoup de performances préenregistrées dont je ne comprends pas l’intérêt. Ce qui m’intéresse ici, c’est le sujet de l’intuition musicale. Depuis que j’ai commencé à enseigner, cette question est souvent soulevée :

Comment enseigner l’intuition musicale, ou l’intuition en général ?

Il y a 3 points sur l’intuition qu’il nous faut aborder. L’intuition peut être :

Une appréhension ou une connaissance immédiate sans raisonnement ni déduction.
Une connaissance ou conviction acquises uniquement par l’intuition.
Le pouvoir ou la faculté d’acquérir une connaissance directe ou une cognition, sans pensée et déduction rationnelles évidentes.

Ce à quoi je fais référence en utilisant le mot intuition est un peu différent de ces trois points. Pour moi, l’intuition en musique, c’est la manière de faire quelque chose qui semble aléatoire, mais qui se fait de façon très efficace. Partiellement imprévisible, en partie guidé par l’expérience, mais entièrement guidé par une vision personnelle pour arriver à un résultat spécifique. C’est l’intuition musicale.

Un exemple notable serait celui d’un artiste, lors d’un set live, qui drop des sons ou une idée musicale inattendue, mais qui fonctionne avec ce qui se passe au moment présent. Un autre exemple pourrait être celui d’un musicien proposant une idée aléatoire et la faisant prendre tout son sens après 2-3 minutes de développement.

Peut-on apprendre ou développer l’intuition musicale dans la production ?

Je crois dur comme fer que c’est possible. Voici quelques façons d’y parvenir :

Écoutez beaucoup de genres musicaux, soyez divers dans la sélection. La meilleure façon d’obtenir de nouvelles idées pour une chanson et d’apporter un vent de fraîcheur qui vient d’ailleurs. Le nombre d’idées que je tire du free jazz ou de la musique indienne est faramineux, je trouve beaucoup de profondeur dans ces genres ; ils existent depuis si longtemps qu’ils ont développé une grande maturité. Essayez de creuser dans des domaines qui semblent obscurs ou passez du temps à écouter de la musique folklorique comme point de départ.
Connaître vos outils. C’est frustrant, car il y a toujours quelque chose à apprendre. Je dis souvent aux gens, ce que vous avez besoin de savoir sur votre DAW devrait se limiter à faire des clips et construire des pistes. Le reste s’apprend au fur et à mesure. Mais le principal est que vous devriez être à l’aise avec votre DAW, et son utilisation devrait être une seconde nature pour vous. Le déplacement des blocs, les copier-coller, et les arrangements de base doivent se faire rapidement pour ne pas perdre votre workflow. C’est quand vous commencez à chercher comment faire quelque chose de très simple que vous perdez votre idée initiale. Imaginez que vous ne puissiez pas expliquer à un ami comment se rendre à l’épicerie la plus proche parce qu’il y a trop de détails à expliquer ; ce serait déroutant pour lui et pour vous.
Soyez attentif à vos habitudes et aux choses que vous n’aimez pas. Nous sommes pris dans ce qui a déjà fonctionné, et nous avons tendance à le répéter ad nauseam. Bien que ce soit une partie de ce qui attire les gens vers notre musique, même un son en particulier, si nous sommes esclaves de nous-mêmes et des attentes des gens, nous ne pourrons pas grandir en tant qu’artistes. L’intuition musicale progresse avec votre engagement personnel à évoluer et à sortir de votre zone de confort. Plus il vous sera facile d’explorer, plus vous pourrez vous exprimer facilement. Le sens de la maîtrise de la musique vous permettra de devenir plus spontané et de trouver de nouvelles idées.
Développer votre curiosité technique. Passez votre temps à lire sur la musique, mais aussi sur des sujets qui ne sont pas reliés à la musique. Beaucoup d’idées me sont venues en lisant des romans de science-fiction, en regardant des danseurs, en lisant des livres d’architecture, en dessinant avec mon fils, en courant dans les bois, etc. Votre cerveau doit faire autre chose que de passer du temps en studio. Vous ne pouvez apprendre que dans une certaine mesure en studio, les nouvelles idées viennent en faisant d’autres choses.
Pratiquez seul et avec les autres. Si vous pouvez jouer seul pour vous mettre à l’aise dans votre art, c’est une chose importante. Mais quand vous pouvez jouer avec un ami, cela devient très intéressant, car le dialogue vous force à interagir, proposer, écouter, ajuster. Cela améliorera vos aptitudes de communication musicale considérablement.
Jouez pour des amis. J’avais l’habitude de faire des concerts intimes dans le salon où je jouais pour trois ou quatre amis, assis sur le sol, sirotant du thé, dessinant, dansant, bavardant, mais surtout, écoutant attentivement. C’est à ces moments-là que j’ai le plus appris et c’est souvent sous-estimé, car les gens pensent que jouer devant beaucoup de gens est le moment où on s’amuse ; cela peut être le cas, mais ce n’est pas la seule option. L’avantage de jouer pour une poignée d’invités est d’obtenir un feedback intime et instantané, ce qui peut être une expérience enrichissante.

Expérimentez ces idées et vous devriez lentement développer votre intuition musicale. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou faites appel à mon service de coaching pour explorer votre musique plus en profondeur.