S’imposer des règles pour l’arrangement

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Lorsqu’on se heurte à un mur, il peut être pénible d’avancer et de passer au-dessus. C’est un jeu mental de volonté et de force contre l’effort créatif. Ce qu’il faut savoir : attendre un bref moment d’inspiration et de créativité perdra toujours le bénéfice d’un travail acharné et constant. Ça doit être aussi dur que ça tout le temps ? Y a-t-il un moyen de surpasser les tâches plus difficiles et plus longues ? Je suis la voix que vous entendez dire oui. Et c’est plus facile que vous ne le pensez.

Au fil des ans, en tant que producteur, je n’ai jamais cessé d’apprendre des autres et de trouver des moyens d’améliorer mes compétences et ma technique dans tous les domaines de la production musicale. Je vais partager avec vous une chose que j’aurais aimé avoir apprise plus tôt : créer et s’imposer des règles pour les arrangements. Des règles ? Quoi ? Je vais vous expliquer.

Pour beaucoup de producteurs, le moment où vous arrangez vos morceaux semble être quelque chose que vous n’attendez pas avec impatience. Je comprends, je suis passé par là. J’entends toujours dire que la vibe et l’âme du morceau semblent changer de manière moins excitante quand vous vous asseyez et que vous commencez à l’étaler. On m’a souvent dit : quand j’arrive à ce coin de rue, la fête est finie. Mais n’arrêtez pas la musique tout de suite.

JE RÉUSSIS ET JE SUIS PROLIFIQUE EN TANT QU’ARTISTE PARCE QUE J’ACCOMPLIS LES TÂCHES DIFFICILES. JE NE ME CACHE PAS DES TÂCHES QUE J’ÉVITAIS DE FAIRE. J’Y VAIS TOUT DE SUITE ET JE COMMENCE PAR LES TRAVAUX LES PLUS DIFFICILES. JE LES AI AFFRONTÉS D’UNE MANIÈRE QUI N’EST PLUS DOULOUREUSE OU ENNUYEUSE. L’UTILISATION DES RÈGLES N’EST PAS COMME VOLER EN PILOTE AUTOMATIQUE, BEAUCOUP DE DÉCISIONS DIFFICILES SONT PRÉ-DÉCIDÉES POUR MOI.

 

Cela peut sembler trop facile, ou de pur brio, mais les gens du monde entier utilisent ce processus pour décharger le dur labeur mental de prendre des décisions pour arriver à la ligne d’arrivée plus rapidement. Si vous voulez obtenir des résultats plus cohérents et plus impressionnants, lisez la suite.

(vous savez qu’il s’agit d’une priorité clé dans tout mon blogue, trouver des moyens de maximiser votre créativité et votre efficacité, en organisant notre flux de travail pour passer moins de temps sur le quotidien prenant, et plus de temps sur les parties enrichissantes et excitantes de notre travail)

Parlons de vous imposer des règles internes. Ma définition des règles serait la suivante : utiliser certaines techniques pour créer une structure de chanson engageante. Et n’oubliez pas — les règles peuvent être enfreintes plus tard, mais vous trouverez qu’il est beaucoup plus utile de commencer rapidement et de faire des progrès rapides plutôt que de commencer lentement à partir de zéro.


Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un auditeur peut être attiré par votre chanson — la qualité du mix, une superbe loop, l’accroche du hook, etc. La plupart des gens admettront qu’ils sont attirés par une chanson (ou avoir une chanson dans la tête) par la structure narrative de l’arrangement. La création d’un arrangement serré et bien séquencé est l’un des domaines où de nombreuses personnes ont du mal à réussir. Leurs chansons manquent de corrélation, c’est-à-dire la combinaison de la répétition contre le changement. C’est un domaine de l’écriture de chansons où les règles peuvent aider énormément en prédéfinissant comment chaque son peut être utilisé.

Voici quelques exemples de règles que j’utiliserai :

  1. Direction : ce projet est-il pour le club, pour le casque, pour un projet de cinéma ? Sachant cela, chaque choix qui s’ensuivra sera dicté.
  2. Définition des sections : c’est une partie cruciale, que je vais définir comme une partie de la piste où une idée est utilisée d’une certaine manière, et vous passerez d’une section à l’autre, en entendant une différence claire et perceptible. Selon le genre, certains arrangements sont serrés, couplet, refrain, couplet, refrain, refrain, pont, couplet, etc. Beaucoup d’arrangements s’en tiennent à une formule répétitive, ce qui dans ce cas-ci est une bonne chose, car nous écoutons et savons rapidement à quoi nous attendre. C’est ici que vous pouvez ajouter et créer des variations aux sons qui peuvent augmenter l’intensité de manière puissante pour l’auditeur.
  3. La séquence de percussions : Cette séquence est-elle la même sur 8 ou 16 mesures ? Comme précédemment, vous voulez créer un motif stable qui se répète et qui peut supporter les autres éléments de votre piste. L’avantage d’utiliser des structures répétitives est qu’il suffit d’un petit changement pour introduire un grand changement, qui saura captiver l’oreille de l’auditeur tout de suite, et créer une anticipation pour la partie suivante. Des hats ou des claps sont souvent utilisés pour créer cette variation.
  4. Séquence de blocs et couleur : S’il y a une variation dans la même piste pour un son, je recommande fortement de changer les couleurs des blocs pour indiquer cette différence. C’est amusant et efficace de placer vos blocs dans un motif visuel, bleu-rouge-bleu-rouge-rouge-rouge-bleu-orange.
  5. Blocs superposés : C’est le prolongement naturel de la règle précédente. Imaginez que vous avez deux pistes, chacune ayant ses propres séquences de couleurs, votre motif visuel peut être créé en combinant les deux. C’est très utile lorsque vous voulez que deux sons différents s’appellent ou se répondent l’un l’autre. Vous les verrez l’un au-dessus de l’autre, comme une paire.
  6. Taille des blocs : J’aime faire une séquence pour mes kicks et ensuite les consolider (Cmd + J). Cela va créer un bloc plus grand que je vais dupliquer jusqu’à la fin. Maintenant, je peux exiger que ces blocs ne changent pas du tout, ce qui me permet de concentrer mon énergie sur la création de variations pour mes blocs de percussion plus courts. Imposer des tailles de blocs est l’un des moyens les plus libérateurs pour accélérer le processus d’arrangement !
  7. Blocks statiques vs blocks lives : Vous constaterez que chaque piste que j’ai inclura des éléments individuels qui sont un enregistrement audio de quelques manipulations live. Pour moi, ces blocs sont « Live » (vivants) tandis que ceux qui n’ont pas de manipulation sont « sleepy » (statiques). Vous pouvez décider d’avoir un certain rapport entre les vivants et les statiques.
  8. Rapport de perspective : Peut-être mon préféré. Alors qu’un ratio en tiers est habituel (ex. intro, milieu, fin), vous pouvez aussi en avoir plus, mais chaque ratio doit être de la même longueur plus ou moins. Le nombre de sections qui convient dépend vraiment de vous.
  9. Pourcentage de surprises : simple n’est-ce pas ? Combien de surprises donnerez-vous à l’auditeur ? Un trop grand nombre diminuera l’impact alors qu’un trop petit nombre pourrait ne pas engager suffisamment et ils trouveront votre morceau ennuyeux.
  10. Silences : élément très important. Les silences dans la musique peuvent donner une grande puissance aux notes jouées. Vous aurez besoin d’au moins un petit moment où vous donnerez de l’air à votre mix en ajoutant des silences à une pièce. Pensez de façon créative à la manière dont vous voulez créer de l’espace dans votre séquence.

 

Comme vous pouvez le voir, les règles que vous pouvez créer et appliquer à votre piste peuvent être tout ce que vous souhaitez. La meilleure partie sur l’utilisation des règles dans votre flow de travail est que vous allez considérablement accélérer les choses en déchargeant une grande partie du travail de devinette mentale à un processus qui a déjà été prédécidé. Tout cela signifie plus de plaisir en studio, plus de musique finie, ce qui est une situation gagnant-gagnant sous tous les angles.

VOIR ÉGALEMENT : The Science Behind Tracky Music

Checklist pour savoir si ma track est terminée

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Alors que je travaillais activement sur mon live, je me suis rendu compte que j’utilisais une checklist personnelle pour savoir si ma track était terminée. Des petits détails aux gros morceaux, il est parfois facile d’oublier certaines choses. De la même manière que pour partir en voyage, vous voulez vous assurer d’avoir tout préparé avant de sortir du projet.

Cette liste de contrôle est ce que j’utilise personnellement avant de passer au mixdown. Vous verrez qu’il y a encore des points que j’aborde comme étant du pré-mixing, mais je ne passerai pas trop de temps là-dessus. Dans un article précédent, j’ai expliqué l’importance d’exporter les stems hors de votre projet une fois la production terminée. Cela libère l’utilisation du CPU, donne une sensation de légèreté, donne la possibilité de sauvegarder ou de collaborer et éventuellement de faire un peu de mix dans un autre DAW pour obtenir des textures différentes. Mais surtout, c’est une façon de se dire : « Ok, il est temps de passer à autre chose. »

Avez-vous besoin de tout contre-vérifier pour déclarer que c’est fini ? Non, pas du tout. Il ne s’agit que d’une aide pour vous aider à mieux voir tout ce qui pourrait être couvert (et je suis sûr qu’il me manque encore une ou deux choses là-dedans !)

Catégories de la checklist, par ordre d’importance :

1. L’accroche (idée principale, Hook)

C’est ici que tout commence et se termine. Commençons donc par nous poser ces simples questions :

  • Quel est le hook principal de votre chanson ? Rappelez-vous, l’accroche est ce que quelqu’un chanterait à quelqu’un d’autre pour expliquer de quoi à l’air la chanson. Votre chanson n’en a peut-être pas (et c’est très bien aussi), mais l’accroche est l’un des principaux facteurs pour rendre une chanson mémorable et intemporelle.
  • Quels éléments soutiennent le hook ? Une bonne accroche n’est souvent pas suffisante. Il est utile de la soutenir avec des sons en écho ou des petites bribes de mélodies secondaires.
  • Est-ce que vous visez une structure pop ou un mantra répétitif ? Il peut aussi y avoir une zone grise qui combine les deux. Mais quel que soit votre choix, assurez-vous d’avoir une réponse claire.

2. Design sonore (Sound design)

C’est la section la plus importante pour moi et c’est habituellement là que je passe le plus de temps. J’ai ici des sous-catégories que je vais aborder.

  • Quels sont la direction et le but de cette chanson ? Est-ce surtout pour destiné à être mixé (DJ) ou plus pour l’écoute ? Vinyle ou Spotify ? Chill, dancefloor ou expérimental ? C’est quelque chose qui peut parfois être bon de garder à l’esprit jusqu’à la toute fin où vous pourrez alors supprimer ou ajouter des détails qui changeront le tout.
  • Quelle chanson ou quel artiste serait une référence ? Cela peut être ajouté directement dans une piste. Voir mon article précédent sur comment utiliser une piste de référence.
  • Quel est le rapport entre éléments organiques et éléments synthétiques ? C’est un point auquel je pense en général au début, mais je serai également disposé à le réviser à la fin.
  • Quelle est la tonalité principale de ma chanson ? Pas toujours indispensable si vous faites de la musique inharmonique. Mais il peut être intéressant de décider de la note fondamentale de la basse, du kick et des mélodies.
  • Kick : le kick est-il en accord avec la mélodie ? Est-il compressé en sidechain avec d’autres sons qui rentrent en conflit ? Personnellement, j’essaye aussi d’avoir un kick différent de celui de ma track précédente. Le kick est le dernier élément à concevoir, car il est là pour soutenir et compléter l’ensemble du projet.
  • Snare/clap : souvent aussi important que le kick, j’utilise habituellement un clap si ma dernière track avait un snare, pour alterner. Je vais aussi essayer de les superposer (layering). D’une chanson à l’autre, le son des percussions qui se produira sur les 2e et 4e temps devra varier selon mes goûts. Je veux essayer d’offrir différentes options pour quand je joue mes chansons en live ou en DJ set.
  • Bass : est-elle en tonalité ? Est-elle en sidechain ?
  • Melodie : c’est un peu difficile mais comme expliqué dans ma technique de production non linéaire, j’aime aller et venir dans la track pour voir si la mélodie a un impact, et si celui-ci est positif dans la durée. Trouver une mélodie est déjà assez difficile, mais la rendre agréable au fil du temps est un art en soi.
  • Atmosphère : y a-t-il un arrière-plan dans ce titre ? Qu’y a-t-il en arrière-plan par rapport au premier plan ? J’aime utiliser des bus pour ça.
  • Enregistrement : est-ce que j’utilise des enregistrements de terrain pour cela ?
  • Textures : les textures sont-elles claires et audibles ? Ou est-ce plus subtil ?
  • Quel est le rapport entre les sons répétitifs et les sons changeants ? Certaines personnes aiment toujours avoir le même clap à travers la chanson tandis que dans le Hip Hop, ils aiment souvent en changer. Y a-t-il une règle que vous voulez suivre ? Si oui, à propos de quoi ?

 

3. Le groove

C’est une section un peu moins condensée mais très importante si la chanson est plus percussive et pour le dancefloor.

  • Le groove est-il emprunté à une chanson ou à un template de groove ? Est-il personnalisé ?
  • Quelle est la signature du morceau ? Est-elle globale ou différente selon les parties ?
  • Est-ce qu’il y a un groove global appliqué ou est-ce que ce morceau utilise plusieurs grooves selon les parties ?
  • Exportez toutes les boucles de percussions en MIDI pour ajuster le groove.
  • Qu’est-ce qui est répétitif et ce qui ne l’est pas ? Trouvez un équilibre sain entre les sons répétés à travers la chanson et d’autres sons qui changent sur 1-2-3-4 mesures.
  • Y a-t-il un sidechain entre les pistes pour créer un effet de pompe subtil ou au contraire très présent ? Cela peut faire une différence.
  • Quels sont les sons modulés ? C’est une des choses les plus importantes à faire si vous voulez que votre chanson soit plus organique que synthétique. C’est une chose de sélectionner les bons samples organiques, mais la façon dont vous les programmez sera cruciale pour l’impression générale. Souvent, l’oreille humaine est très sensible au mouvement, même si la musique est jouée en arrière-plan. Vous seriez surpris de ce que les gens remarquent et de ce qu’ils ne remarquent pas.

 

4. FX/RETOURS

L’utilisation des retours (sends) est cruciale pour donner une impression d’unité à la piste. L’une des erreurs les plus fréquentes que je vois de la part des nouveaux producteurs est d’utiliser plusieurs reverbs partout dans le projet au lieu d’en utiliser une seule comme send. J’utilise habituellement des sends multiples pour créer des effets 3D élaborés et sophistiqués pour les percussions et les mélodies. L’un des points les plus importants est de les utiliser avec soin, jusqu’à la fin.

  • Cette chanson est-elle sèche ou plus chaleureuse ? Quelle place attribuer au reverb ?
  • Quel type de réverbération est-ce que je veux pour cette piste ? Petite ou grande ? Les options sont le hall, room, plates, convolution et quelques autres.
  • Qu’est-ce qui va avoir un effet 3D ? Vous ne voudrez peut-être pas mettre toute la chanson en 3D, car cela va à l’encontre de l’idée. Ce qui rend la chanson 3D, c’est la quantité de sons que vous mettez en plein dans la figure, par rapport à ceux que vous mettez en arrière-plan. Une combinaison saine des deux aura un meilleur effet.
  • Un seul delay pour le projet ! Sur quelle signature ?

 

5. Structure/arrangements

J’ai fait référence à la structure comme des Legos dans un article précédent. Ils ont souvent la même façon d’être construits pour plusieurs raisons. C’est pourquoi une track de référence peut nous aider à briser nos idées narratives. Je recommande toujours de déposer des marqueurs dans les arrangements de cette façon : un au début, un à la fin et un au milieu. Cela établira ce que j’appelle des perspectives et vous aidera à voir si votre narration générale est équilibrée et si les choses sont bien organisées.

À partir du milieu, je poserais encore une fois un marqueur entre le début et le milieu, puis un dans la dernière partie. Votre chanson doit comporter 4 parties distinctes. Les sections 1-2 sont intro et outro. La partie du milieu est l’endroit où votre chanson se développe et existe.

  • Est-ce que votre chanson a une intro/outro ? Commencez-vous immédiatement dans l’action ou développez-vous ?
  • Combien d’espace avez-vous pour que le mix DJ ?
  • Vos éléments mélodiques évoluent-ils correctement à travers chaque section ?
  • Votre chanson a-t-elle au moins un développement, centre d’intérêt par section ?
  • Est-ce que la chanson a une surprise importante environ aux 2/3 de sa longueur ? Je recommande toujours d’y réfléchir.

 

J’ai donc abordé les principaux points que je couvre habituellement. Je pourrais aller plus loin, mais c’est ce que vous verrez dans la production. Au-delà, nous tomberions dans le mix et c’est un tout nouvel article à venir.

Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

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De temps à autre, l’excitation d’ouvrir une session, entièrement inspiré, pleinement motivé, littéralement gonflé à bloc me frappe, et c’est incroyable. Sérieusement, d’après mon expérience, il n’y a vraiment rien qui m’excite autant parce que quand tu sais que ton idée est bonne et que tout semble s’assembler parfaitement, tu sais que ça va être énorme. C’est différent cette fois-ci. Alors, vous commencez, vous ouvrez un drum rack, vous mappez le midi, vous ajustez la saturation… telleeeeeeeement bon… puis, votre Facebook bipe, le gars de l’assurance appelle, votre plug-in freeze, et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous avez complètement perdu le groove, le rêve est terminé avant qu’il ne commence. Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes à l’infini.

Pourquoi l’inspiration s’évanouit-elle si vite ? Pourquoi y a-t-il tant d’obstacles ? S’asseoir pour faire de la musique doit-il toujours être aussi difficile ? Si vous vous rappelez l’expérience que j’ai décrite ci-dessus, vous avez goûté à l’amertume du bouc émissaire en musique.

Il faudra toujours résoudre des problèmes et surmonter des obstacles, à la fois imprévus et prévisibles. Mais pour le meilleur ou pour le pire, ils font partie intégrante de la musique. Questions et distractions… Au lieu de les combattre, nous devons réduire au minimum leur effet sur nous et, dans la mesure du possible, réduire au minimum les risques de distractions.

EN REPENSANT À PRESQUE 100 % DES CONSULTATIONS ET AU COACHING QUE J’AI PU FAIRE, JE TROUVE QU’IL Y A QUATRE PRINCIPAUX « PROBLÈMES » QUI SEMBLENT TOURNER AUTOUR ET ACCAPARER NOTRE ATTENTION. BIEN QU’IL Y AURA TOUJOURS UNE CERTAINE FORME DE DISTRACTION, SI NOUS TRAVAILLONS À MINIMISER CES QUATRE PROBLÈMES, NOUS SERONS PLUS À MÊME DE RESTER SUR LA BONNE VOIE LORS DE NOTRE PROCHAINE SESSION.

Nous parlons de solutions créatives à des problèmes communs.

Problème numéro un : comment et où vous inspirez-vous ? Je crois qu’il y a une énergie spéciale qui vient à nous quand elle sait que nous sommes dévoués à elle. Quand je dis elle, je veux dire le travail. Les coureurs professionnels disent que la partie la plus difficile de courir un marathon, c’est simplement d’avoir la motivation de mettre ses chaussures et de quitter la maison. Boom. Il suffit de vous poser et de commencer — ouvrez votre DAW, et commencez à faire du bruit, vous allez bientôt devenir excité et vous orienter vers quelque chose de cool. L’une des approches les plus importantes et les plus simples de la production musicale, que je recommande toujours, est de faire de la musique quand on se sent bien. J’ai lu plusieurs articles sur l’importance des rituels — où vous concevez et réalisez un rituel qui vous rend heureux à l’intérieur et à l’extérieur, et dans cette zone, votre esprit entrera dans un espace très positif, ce qui est super important lorsque nous exigeons de la créativité et de l’imagination.

Problème numéro deux : comment puis-je savoir assez de choses sur la production musicale pour être un one-man band ?
C’est impossible de tout savoir, et vous n’en avez pas besoin. Ce que vous voulez vraiment connaître, ce sont les tenants et aboutissants de votre DAW, et les instruments que vous utilisez. Si vous avez acheté tous les derniers synthétiseurs et que chacun d’entre eux est différent, il vous faudra un certain temps pour les connaître tous à 100 %. Alors que si vous utilisez un ou deux instruments, lisez les manuels et apprenez tout ce que vous pouvez JUSTE sur ces deux synthétiseurs – vous serez beaucoup plus rapide pour produire et atteindre les sons que vous voulez en connaissant moins (moins d’instruments à apprendre), et en vous concentrant plus (maîtrisant ceux que vous utilisez).

Less is more (moins, c’est plus). J’ai regardé une interview vidéo d’un producteur qui a fait des tracks pour Kendrick Lamar ~ le mec a 18 ans, et enregistre tout dans Garage Band sur son iPhone. Il a une guitare et un téléphone. C’est tout, et il fait d’énormes avancées dans son travail, même avec l’équipement le plus rudimentaire.

Trouvez un moyen d’être absorbé. Demandez-vous quelle partie de la production musicale vous fait oublier le temps, la nourriture et tout le reste ? C’est un espace où vous êtes dans la zone, totalement absorbé, et où rien d’autre ne compte. Adoptez ce processus et soyez conscient du fait que lorsque cela se produit, il se peut que vous n’atteigniez pas ce niveau de concentration et de résultats lors d’autres étapes en cours de route. Pour certains, cet état ne viendra à eux qu’en mixant, et pour d’autres, il viendra tout en étant enfermé dans un mixdown, etc. sachez trouver votre flow.

Problème numéro trois : comment puis-je m’en tenir à une direction dans ma musique ?
Bien qu’il n’y ait pas de réponse claire à cette question, je vais simplifier les choses en disant que — vous avez de multiples options, et vous n’avez pas à vous engager dans une seule. Enregistrez les deux idées, et utilisez la fonction « enregistrer-sous », vous permettant d’enregistrer une deuxième version de la track et de décider plus tard dans quelle direction vous préférez vous engager.

Et enfin problème numéro quatre : quel sera le futur de ma chanson ?

Personne ne peut voir l’avenir, donc c’est impossible à savoir. Je ne crois pas que ce soit une utilisation productive de votre temps de rêver de ce qu’elle pourrait être un jour… sans l’avoir terminée, elle restera sur votre disque dur pour toujours, ce qui n’est pas ce que vous souhaitez. Ce qui importe maintenant, c’est de se concentrer sur les choses importantes :
Faire de la musique, terminer des projets, promouvoir votre travail, établir des contacts avec d’autres producteurs.

(Pour en savoir plus sur la façon de vous promouvoir en tant qu’artiste de manière personnelle, consultez cet article.)

Pour conclure, la résolution de problèmes peut être aussi compliquée ou aussi simple que vous le souhaitez. Alors qu’une étude a suggéré que devant l’anxiété, une des meilleures choses à faire est de prendre une pause de 2 jours, je vous encourage à prendre une semaine de congé pour commencer.

Photo par Oskar Wimmerman sur Unsplash

Dans un excellent article de psychologie, j’ai lu que lorsqu’on est confronté à un défi, il est essentiel de comprendre exactement avec quoi on est mis à l’épreuve — c’est-à-dire qu’il faut savoir quel est le vrai problème. Pour savoir et comprendre quel est le problème, vous devez être capable de l’expliquer à quelqu’un d’autre avec clarté, avec une description claire. Comprendre le problème et les options qui s’offrent à vous. J’ai lu que les négociateurs qui s’entretiennent avec des terroristes lors de prises d’otages élimineront de nombreuses options, jusqu’à ce qu’il en reste deux, afin de parvenir à une résolution rapide et satisfaisante. Réduisez vos options pour avancer rapidement. Prendre une décision à la hâte peut aussi avoir un effet négatif, alors ne vous sentez pas obligé de toujours prendre une décision tout de suite — donnez-vous du temps pour vous éloigner du problème et faites confiance à votre cerveau pour comprendre qu’en arrière-plan, sous la surface, une solution créative émergera à un moment donné, souvent quand on s’y attend le moins.

Au bout du compte, pour gagner plus, marquer plus de points, franchir la ligne d’arrivée plus souvent, il faut être autant créatif pour trouver des solutions aux problèmes que dans tous les autres domaines de vos productions. Mettez en place un système qui minimise les risques de distraction.

Conseil rapide — chaque Mac a une application appelée Automator, où vous pouvez assigner une chaîne de commandes pour tout ce que vous souhaitez faire. Regardez cette vidéo pour configurer une façon rapide de fermer tous les programmes, désactiver le wifi, lancer Live et démarrer votre session rapidement.

 

Cheers, JP.

 

 

Mes tracks ont toujours la même structure

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(Photo de couverture par Luca Bravo)

Une des choses que je remarque souvent et qui me dérange, c’est que j’ai l’impression que mes chansons sont toujours arrangées de la même façon : ma structure est souvent la même. Bien qu’il n’y ait rien de mal à suivre une structure de chanson régulière, j’ai souvent l’impression que j’ai besoin d’avoir plus de variations d’arrangements dans mon travail et de nouvelles façons de présenter ma musique.

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Alors, qu’y a-t-il de mal à répéter des structures de chansons que vous connaissez déjà ?

Il y a plusieurs façons d’obtenir constamment de bons résultats en arrangements qui, pour la plupart, fonctionneront toujours. Quand j’étais DJ Hard Techno ou Drum and Bass à la fin des années 90, j’ai fini par m’ennuyer de tous les morceaux qui avaient exactement la même structure. Oui, c’était extrêmement facile de mixer les morceaux une fois que l’on avait compris les « trucs », mais en même temps, c’était aussi décevant pour les auditeurs et les DJs avec un esprit créatif qui préféraient une musique et un mix plus pointu.

Il est important de ne pas tomber dans des habitudes et des schémas répétitifs ! Vous pourriez trouver de nouvelles astuces d’arrangement tout en explorant et expérimentant de nouvelles structures de chansons.

Avant de passer en mode découpage de vos arrangements, passons en revue quelques règles qui seront très utiles avant de commencer l’édition :

  1. Exportez un fichier .wav de la dernière piste travaillée (n’importe quel projet !), finie ou inachevée. Surtout si vous travaillez avec ma méthode de production de musique parallèlen; cette technique sera très utile. Prenez l’habitude de non seulement enregistrer votre projet à la fin de votre session, mais aussi d’exporter un fichier .wav de ce que vous avez.
  2. Importez votre fichier dans le projet sur lequel vous allez travailler. . Pour importer, déposez votre fichier dans une piste dédiée de la section arrangement.
  3. Utilisez des marqueurs sur les arrangements pour les moments clés, les changements, la transition. Avec ces références, vous pouvez voir si votre projet actuel a des points similaires à ceux de votre fichier .wav précédent, puis vous pouvez le modifier si c’est le cas.
  4. Voyez si les deux projets peuvent être facilement mixés par un DJ. . C’est un bon test pour voir si votre piste est trop chargée, ou si les choses seront agréables à mixer. J’ai dit d’innombrables fois auparavant que si votre musique est intéressante à mixer, les DJs jouerons vos tracks dans tous leurs sets.

Découpez la structure de votre chanson

Avec vos nouvelles habitudes en place, passez maintenant en mode de découpage. Comme je l’ai déjà dit dans un article précédent, How to Turn a Loop Into a Song, vous devrez décider du bpm, de la longueur de votre piste et construire à partir de là. Je vous invite à consulter cet article si vous avez besoin du tutoriel complet à ce sujet.

Disons que vous avez enfin une structure qui vous convient. Voici les principaux éléments clés que j’utilise pour éviter la redondance :

  1. Trouvez les sections principales de votre chanson, et coupez le début et la fin. Une « section » d’une chanson est une partie qui est différente des autres par son contenu. Dans la musique pop, ces sections sont appelées ponts, breakdowns, chœurs, etc. Dans la musique électronique, ces genres de sections sont peut-être un peu plus subtiles ou non traditionnelles, mais elles sont toujours là.
  2. Une fois vos sections isolées, déterminez si la perspective est équilibrée. . Par « perspective », j’entends ici le terme comme on l’utilise en photographie ; voyez si votre titre a un ratio équilibré.
  3. Insérez des tranches vides au milieu des parties ainsi que quelques points aléatoires dans la chanson. Ajoutez quelques « clins d’œil » à partir de la piste de référence importée à l’origine. Les « clins d’œil » sont les moments où une chanson peut « répondre » à une autre si elle est mixée correctement.
  4. Déplacez vos blocs/sections découpés. Tentez de faire des échanges farfelus et des mises en perspective. Soyez créatif. Contrairement au conseil souvent utile de « utilisez vos oreilles et non vos yeux », dans ce cas-ci, je suggère fortement de travailler votre structure visuellement, sans aucun son, de sorte que vous ne soyez pas biaisé ou retenu dans votre expérimentation d’arrangement. Si l’idée vous est nouvelle, assurez-vous de faire d’abord une copie de sauvegarde de votre projet. Personnellement, je passe beaucoup de temps à faire quelque chose de visuellement attrayant avec mes blocs avant même d’écouter.
  5. Laissez des erreurs intentionnellement. Avez-vous déplacé quelque chose hors de la grille ? Avez-vous collé une section au mauvais endroit ? Essayez de garder cette structure jusqu’à ce que vous y reveniez.

Essayez de jouer avec la structure de vos tracks et dites-moi comment ça se passe !

Les communautés en ligne remplacent-elles les labels ?

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Je me suis récemment demandé quel sera l’avenir des labels. Les services de streaming remplacent-ils les labels ? Ou d’autres communautés ? Je dirige mon label Archipel depuis 2004 et je n’en ai jamais vraiment tiré de profit, sauf comme carte de visite pour des gigs et autres contacts. L’argent et le temps investis dans Archipel ont été considérables, il est donc difficile de dire si le retour sur investissement a été bon. Plus le monde de la musique numérique se développe, moins il est évident de deviner quels rôles les labels joueront pour les artistes. Les plateformes de streaming comme Spotify n’accordent que peu ou pas d’importance aux labels, et puisque n’importe qui peut en créer un, l’utiliser aujourd’hui n’a plus la même aura qu’autrefois.

Au cours de l’année 2016, j’ai offert un coaching gratuit à tous ceux qui se sont inscrits sur ma liste d’envoi, et bien que ce fut un succès auquel je ne m’attendais pas, j’ai dû le mettre en attente jusqu’à ce que je trouve quelqu’un pour m’aider à gérer le travail en question. Entre-temps, j’ai créé un groupe Facebook pour les personnes avec qui j’avais travaillé afin de leur fournir des commentaires et du soutien. Il y a beaucoup de groupes Facebook et de médias sociaux pour les producteurs et beaucoup ont des thèmes et des règles. Je fais partie de quelques-uns que j’aime bien ; je les ai utilisés pour apprendre des trucs et m’informer de certaines nouvelles liées à la musique. Pour moi, la création d’un groupe a donc été l’occasion de donner aux gens un endroit où ils se sentent libres de partager ce sur quoi ils travaillent, obtenir des commentaires et donner des mots d’encouragement à d’autres personnes.

Ce qui est formidable dans cette initiative, c’est que les gens ont commencé à vraiment participer et à interagir, encore plus que je ne le pensais. C’était assez incroyable de voir certaines personnes unir leurs forces et collaborer, et de voir d’autres aider en donnant des conseils sur l’endroit où envoyer de la musique pour se faire signer. Cette communauté est devenue autonome ; elle fait ce que je faisais auparavant, par courriel. J’en ai été ravi !
D’une certaine façon, quand je dirigeais mon label, j’espérais créer ce genre de synergie, mais pour une raison ou une autre, elle n’est jamais venue. Mon directeur de label et moi avons posté régulièrement sur Archipel, en essayant de trouver des idées, des propositions, des concepts… mais c’était toujours les mêmes qui étaient intéressés. C’était cool, mais ça m’a aussi déconcerté d’avoir un si grand nombre d’artistes (Archipel a presque 200 personnes qui ont collaboré pendant des années !), mais que seulement 5-6 personnes soient vraiment dedans.

Je crois fondamentalement que la plupart des gens veulent se joindre à un label en particulier pour faire partie de sa communauté et se rapprocher des artistes avec lesquels ils ont travaillé.

Bien sûr, l’exposition et le réseautage d’un label jouent aussi un rôle important dans la motivation d’un artiste à s’engager, mais la communauté est un autre élément important de cette motivation.

En l’état actuel des choses, je pense que ces types de groupes en ligne comme celui que j’ai décrit pourraient être aussi bénéfiques qu’un label, car :

  • Vous avez des personnes actives dans les groupes qui ont probablement les mêmes objectifs, motivations et goûts.
  • Il est beaucoup plus facile d’interagir avec des DJs qui peuvent jouer votre musique.
  • Les gens sont ouverts à la communication et aux feedbacks.

 

Votre musique a un impact. L’un des problèmes majeurs de l’industrie musicale actuelle est qu’il y a un énorme sentiment de désespoir dans l’air, qui peut puiser toute l’énergie que nous avons en tant qu’artistes et créateurs. La plupart des artistes ont l’énergie pour construire des projets ou de beaux produits, mais leur travail sera-t-il quelque chose qui restera caché sur les « étagères » de l’internet parce qu’il ne se vend pas ? Toutes les chansons valent-elles la peine d’être transformées en disques ? Y a-t-il une telle demande de continuer à travailler si fort pour créer ?

L’ego nous joue des tours. L’ego nous joue des tours. L’un des plus sournois est de croire que notre musique vaut plus d’attention qu’elle n’en vaut en réalité. Beaucoup d’artistes se sentent anxieux et déprimés à cause de ce constat. Nous voulons partager la musique, mais les petits succès nous dépriment. Cela dit, il est possible de s’attaquer à ce problème majeur en faisant partie d’une communauté : une de ces communautés qui semblent remplacer les labels.

Personnellement, après des années de sorties d’innombrables albums et EPs, je suis maintenant plus excité de savoir si mes cinq amis les plus proches et les plus fiables aiment ma nouvelle chanson. Je suis certain qu’ils l’écouteront et me feront part de leurs commentaires. J’ai décidé de partager mon travail avec un nombre sélectif de personnes qui peuvent faire écho à l’énergie que j’y ai mise. J’en ai marre de courir après les gens et de dire : « Écoute ma track bro ! Tu vas l’aimer ! Laisse-moi des commentaires ! »

Les labels ne seront pas remplacés tant que l’industrie musicale aura besoin de représentants pour les artistes. Tous les artistes rêvent de pouvoir vivre de la musique à plein temps, mais il devient clair que ce n’est pas les labels qui le feront..

Cette approche « spam » ne fait rien avancer pour les parties concernées. Mais le fait de partager votre musique avec cinq personnes qui s’en soucient vaut plus qu’à 1500 qui ne sont pas vraiment dedans. Je crois vraiment que cette approche m’a empêché d’avoir des idées noires…

Conseils pour définir votre son

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La majorité des artistes avec qui je travaille pour le mastering et la finalisation de track, parlent de leur désir de définir leur propre son. C’est important parce qu’en tant que mélomane, dès les premières secondes d’une chanson il vous arrive de dire : « C’est tel groupe, ou tel producteur ! ». Pour parvenir à cette « signature sonore », on retrouve généralement un style de production particulier ou une palette sonore qui sera utilisée de manière personnelle et immédiatement reconnaissable.
Il y a beaucoup de discussions et d’éloges sur l’album « Untrue » de Burial qui est maintenant considéré comme l’un des plus influents de la dernière décennie.

Pourquoi cet album est-il si bien reçu ?
Pour commencer, les ambiances spectrales, les bruitages et les enregistrements d’un Londres nocturne évoquent une atmosphère spatiale, sombre et sinistre. L’ambiance lourde et downtempo de la musique invite les auditeurs à aller dans leurs propres lieux d’ombres et à y réfléchir. Même les titres de ses morceaux, « Loner », « U Hurt Me », puisent dans un sentiment de dommage émotionnel, auquel beaucoup de gens peuvent réellement s’identifier. Bref, le son lourd et la personnalité derrière ce disque font instantanément penser à du Burial.

Prenant note des différents éléments que les artistes utilisent pour créer leur propre son, analysons certains de ces principes fondamentaux qui influenceront le vôtre.

  • La tonalité : point extrêmement important, car la plupart des artistes adoptent généralement une « vibe » ou une « humeur » dans leur musique, comme la joie, la colère ou la mélancolie. Travaillez-vous souvent avec une même gamme ou une tonalité semblable ? Vos mélodies sont-elles simples, ou écrivez-vous des progressions d’accords complexes ?
  • Le genre : le choix du genre est peut-être l’un des choix les plus évidents pour créer « votre » son et définir votre identité en tant qu’artiste. Êtes-vous en train d’adopter un genre existant ou allez-vous essayer de vous positionner entre-deux ? C’est à double tranchant, car l’originalité comporte un risque, mais la récompense peut être énorme.
  • Les samples: utilisez-vous des samples ? De synthés ? De modulaires ? Orb, par exemple, aimait utiliser des extraits de films spécifiques (des 80’s comme Flash) et Boards of Canada étaient célèbres pour enregistrer leurs parties synthés sur de vieilles cassettes pour les resampler dans une nouvelle session. Considérez les possibilités de votre source sonore.
  • Le rythmes : êtes-vous plus 4/4 ? Influencé par le Breakbeat ? Le Jazz ? Le Hip-hop ? Avec des racines latines ? Prenez note de là où vous vous sentez le plus à l’aise et de votre groove naturel.
  • Techniques : c’est ici que je peux vous aider le plus comme j’ai pu aider mes clients à créer « leur son ».
  • Les erreurs : allez-vous pour quelque chose de cru ou de très pointu et quantifié ? Essayez de voir ce que les erreurs peuvent apporter à votre musique : quelque chose de mal pourrait révéler des choses intéressantes. Comme point de départ de votre prochaine track, n’ayez pas peur d’essayer quelque chose que vous n’auriez peut-être jamais fait.

Les outils et effets que vous utilisez peuvent aussi avoir un impact majeur sur votre son. J’ai déjà abordé cette question, mais il est important de vous rafraîchir la mémoire lorsque vous examinez le choix des effets.

Reverb, Delay : vous pouvez vous choisir un plugin pour travailler avec tout le temps pour une cohérence. Reverb — peut-être que vous choisissez toujours une plate ou alors vous préférez utiliser de grands espaces et de longues tails. Allez-vous utiliser des dub delays ou plutôt un delay court pour obtenir un effet Haas ?

La Compression : voulez-vous que votre son soit compressé ou non ? C’est quelque chose à réfléchir. Trouvez un compresseur qui peut être comme votre couteau suisse en toutes circonstances et utilisez-le.

Le processus de définition de votre son est comparable à celui du designer qui développe les éléments de marque pour un client.

Bien que ce ne soit pas essentiel, mais très certainement utile, un designer vous indiquera quel ensemble de couleurs, polices de caractères, images et direction utiliser dans tout votre travail.

Ce que je fais habituellement avec mes clients pour créer un son plus caractéristique, c’est de prendre une collection de références et de sons avec lesquels ils s’identifient, puis de travailler sur un moyen de reproduire des sons et des idées similaires. Le pad d’ici, la percussion et le swing de là, les kicks faits comme ça, les hats toujours comme ça… et ainsi de suite. Vous choisissez tous vos sons préférés parmi différentes sources (ex. pourquoi ne pas opter pour un style qui vous est tout à fait étranger comme afrobeat si vous aimez la techno ? Et faire une collection. Je peux trouver quel synthétiseur est excellent pour créer ce son, et en jouant avec, vous découvrirez tant de nouveaux sons et serez attirés par un son original, frais et inspirant.

La vérité ? Essayer de définir votre son ne viendra pas du jour au lendemain. C’est un processus qui sera différent pour tout le monde, et vous ne pouvez vraiment pas accélérer les choses parce qu’il n’y a pas de voie rapide vers l’originalité.

Cela étant dit, en toute honnêteté, travailler avec quelqu’un qui a de l’expérience en production et en musique pour vous guider dans les domaines qui vous représentent le mieux est énorme et peut être un atout dans la définition de votre son.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de ce post, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 1)

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Jouer de la musique électronique live est un sujet très vaste et je pourrais y consacrer un blogue entier. C’est le premier d’une série de posts qui donnent quelques conseils pour aider les musiciens électroniques et assistés par ordinateur à interpréter un live set. Mon but ici est de couvrir tout ce que vous devez savoir pour jouer en live.

Avant d’écrire ce post, je me suis entretenu avec Alain Mongeau, directeur du MUTEK Festival, sur la façon dont le festival s’est attaché à prioriser les prestations live. Je lui ai demandé si les live acts étaient encore populaires par rapport aux débuts du festival en 2000. Il a dit que même s’il est important pour eux de promouvoir l’expression live de la musique, il y a toujours de la confusion sur ce que cela implique vraiment.

Premièrement, nous devons répondre à la question essentielle qui est débattue depuis des lustres :

QU’EST-CE QU’UN « LIVE SET » ET POURQUOI LE FAIRE ?

Je ne vais pas vous expliquer cela en détail, mais précisons une chose, personne n’a le droit de dire ce qu’est un live « correct ». Vous devriez avoir votre opinion personnelle sur ce que signifie un « live set » dans la musique électronique, qui sera à son tour le fondement de votre propre approche pour créer un live set.

Avant de répondre à cette question, permettez-moi de vous faire part de mon interprétation personnelle de l’expression « live set » qui a défini mes propres sets depuis le tout premier que j’ai interprété en 1999.

Pour moi, un live de musique électronique ou assisté par ordinateur :

  • Implique de jouer votre propre musique.
  • Ne joue pas les chansons telles quelles. Rien de préenregistré à moins de faire des réglages en live.
  • Implique une certaine improvisation, des expériences et une prise de risque.
  • Signifie qu’il y a des interactions possibles avec le public ; par conséquent, la chronologie des chansons jouées ne devrait pas être planifiée (comme c’est souvent le cas dans un DJ set).
  • Devrait être unique à chaque fois que vous le jouez. Mais je comprends que ce soit difficile et/ou pas important pour tout le monde.

Même si j’ai toujours pensé que ces règles devraient être les « règles » de base des sets live, j’ai rencontré tellement d’artistes bien établis qui ne suivent aucun de ces points et diraient que les « live sets » sont quelque chose de différent. Comme je l’ai dit plus tôt, ce n’est pas à moi de décider comment les « live sets » devraient être. Imaginez votre propre interprétation d’un bon « live set » pour que vous puissiez construire votre session en conséquence.

Cette série de posts abordera certaines façons de préparer un live dans Ableton Live, principalement de mon propre point de vue, mais je vais également couvrir d’autres points.

Pourquoi voulez-vous jouer en live ? C’est un facteur tout aussi important à prendre en considération. Je pense que les sets de musique électronique sont très importants et significatifs pour l’artiste et le public. C’est un moment rare pour un artiste de partager, de se connecter, d’explorer et d’être creatif avec beaucoup d’autres personnes. Je ne crois pas qu’il prenne ses sets à la légère à moins que, eh bien, sa musique soit légère ! Mais même à ce moment-là, je pense que consacrer du temps et de l’amour à votre set peut faire de grandes choses.

PRÉPARATIONS POUR UN LIVE SET

J’aimerais vous présenter trois principaux types de sets live pour vous aider à décider de la direction que vous voulez prendre pour vos propres sets.

LIVE SET TYPE #1 — JOUER DES REPRODUCTIONS PROCHES DE VOS PROPRES MORCEAUX

Ce genre de set est ce que j’ai fait le plus souvent quand je joue en live, mais je m’assure vraiment que peu importe la manière dont je prépare mon set, il a de la place pour l’improvisation. Je me souviens d’une tournée où une personne a vu/entendu mon set trois nuits d’affilée et m’a dit des années plus tard que chaque nuit était très différente, et que chacun ressentait un voyage différent — ce qui m’a vraiment fait plaisir !

  • La logique de ce type de set : Vous avez des morceaux qui sont faits ou à mi-chemin et vous les divisez en scènes et groupes dans Ableton (note : la nouvelle version d’Ableton donne à cette approche un potentiel fou). Je n’aime pas l’idée qu’un artiste joue une seule scène à la fois, l’une après l’autre, jusqu’à ce qu’il arrive à la fin. Je trouve qu’il n’y a pas de prise de risque ici, mais je comprends que certains genres se limitent à cette approche.
  • Quelle quantité de base dois-je utiliser ? Je dirais qu’une chanson moyenne devrait avoir environ 3 à 10 scènes et groupes, et les pistes audio sont plus efficaces si vous vous limitez entre 6 à 12. Pensez aussi au CPU car vous ne voulez pas qu’il freeze au milieu de votre set. Un contrôleur MIDI est souvent limité à 8 faders donc si vous avez plus de canaux, cela devient un peu compliqué, mais des arrangements plus complexes sont toujours faisables.

mutek 2008

LIVE SET TYPE #2 — JOUER PRINCIPALEMENT DES IMPROVISATIONS AVEC PEU OU PAS DE PRÉPARATION

Dans les premières années de mes sets live, c’est ainsi que j’ai abordé les sets live, mais je suis revenu à la première méthode, car je trouve que pour moi le Type #1 est le plus gratifiant. Cependant, cette méthode donnera certainement lieu à des versions complètement nouvelles de votre musique chaque fois que vous jouez.

  • La logique de ce type de set : Dans mes premiers live sets (vers 1998-2002), je préparais le cœur de chaque moment important du set à la maison : je traitais ces moments comme des chansons. Je savais ce que serait la mélodie, un peu de programmation de drums, des effets, etc. À cette époque, je n’avais que du matériel analogique et je gardais la mélodie dans le matériel que j’utilisais. Le récit du set serait que je passerais d’une chanson à l’autre, sans ordre précis, un peu comme vous pouvez le faire maintenant dans Ableton Live. Vous pouvez garder ça simple et passer d’une scène à l’autre sans ordre particulier, ce qui ouvre aussi des portes pour improviser ou ajouter de nouvelles idées à la volée. J’appelle cette approche le live set élastique.
  • Quelle quantité de base dois-je utiliser ? Dans Ableton, contrairement à l’approche que j’ai décrite dans le type #1, en utilisant ce type (#2) je n’ai qu’une seule scène, mais composée de 12 à 15 pistes. Dans un set live de ce type, je jam autour d’une scène en utilisant les clips que j’ai déjà sauvegardés, allant d’une scène à l’autre sans ordre particulier. Dans le passé, je devais m’assurer que tout mon matériel soit réglé sur les paramètres appropriés.

LIVE SET TYPE #3 – JOUER EN ANALOGIQUE OU HYBRIDE AVEC UN ORDINATEUR PORTABLE

Ce genre de live set est amusant et a de l’allure sur scène, mais il est aussi très délicat, surtout à cause des problèmes de synchronisation que vous pourriez avoir entre les machines et l’ordinateur portable. Mais si ça marche, ça peut être épique.

  • La logique de ce type de set : Il n’y a pas de formule magique ici comme pour les approches de type #1 ou de type #2, simplement complétées par une pièce d’équipement telle qu’un synthétiseur, une drum machine ou des éléments modulaires. Vous pouvez utiliser l’ordinateur pour des séquences ou en tant qu’assistant potentiel pour gérer des choses que vous ne pouvez pas faire seul. Bitwig est en fait vraiment très puissant si vous utilisez le modulaire du fait de la façon dont il est construit. J’envisagerais de lancer Ableton Live et Bitwig, synchronisé avec Link. Je trouve que Bitwig est un peu plus précis sur la synchronisation et Ableton est plus facile pour jouer des séquences.
  • Quelle quantité de base dois-je utiliser ? L’erreur que vous pourriez rencontrer avec ce genre de live est de vouloir en faire trop, de couvrir trop d’aspects de votre musique et de ne jamais pouvoir tout faire en live. Je trouve que moins vous aurez à faire en termes de synchronisation et de paramétrage, plus vous serez concentré, ce qui signifie que vous suivrez le flux de vos improvisations et de votre musique plus facilement.

 

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D’AUTRES QUESTIONS QUE VOUS VOUDREZ VOUS POSER SUR LES LIVES

  • Partez-vous pour une seule représentation de votre musique ou prévoyez-vous de la jouer plusieurs fois ?
  • Est-il important pour vous de pouvoir répéter le même set exactement ou voulez-vous qu’il évolue ?

Ces deux questions peuvent également influencer le type de live que vous décidez de construire et de jouer.

RÉFLEXIONS FINALES SUR LES TYPES DE SET LIVE

Pensez à l’avance : pensez à la direction que pourrait prendre votre set live. Par exemple, si vous voulez jouer vos propres morceaux, pensez à ceux que vous voudriez utiliser, et essayez de les avoir tous dans un dossier (utilisez la fonction « tout réunir et sauvegarder » d’Ableton pour vous assurer que vous avez tout sous la main). En ce qui concerne l’improvisation et les sets hybrides, pensez au type de configuration que vous aimeriez avoir et sentez-vous à l’aise avec. Enfin, le public devant lequel vous jouez est important. Vous ne devriez jamais jouer le même set dans un club que lors d’un festival en plein air.

Stay tuned pour la deuxième partie de cette série d’articles sur la musique électronique en live.

L’équipement nécessaire pour faire de la musique – Matériel vs. Expérience vs. Monitoring

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Ce post est la suite logique d’un article que j’ai fait précédemment sur le minimum d’équipement nécessaire pour faire de la musique. En raison de la popularité de ce post et du nombre de questions que j’ai eu par la suite, je voulais plonger plus profondément dans ce sujet.

On me demande souvent ce qui compte le plus entre l’équipement, l’expérience, et le monitoring, je donne alors les conseils suivants :

Le rôle de l’expérience

Il n’y a absolument aucun doute que l’expérience de quelqu’un, plus que toute autre chose, aura le plus grand impact sur la qualité de sa musique. Un producteur avec des années d’expérience sait ce qui marche et ce qui ne marche pas. Même sans l’équipement approprié, il ou elle trouvera les moyens de maximiser les outils auxquels il ou elle est limité afin de tirer le meilleur parti de son équipement, et peut même parfois transformer quelque chose de très insignifiant en œuvre d’art. Ce qu’il faut aussi comprendre, c’est que l’expérience vous aide aussi à prendre des décisions stratégiques fondées sur vos expériences passées. Par exemple, quelqu’un qui a élaboré des produits de haute qualité sait qu’il est important et essentiel de communiquer avec d’autres personnes qui peuvent aider. De plus, si vous êtes confronté à des limites, Internet est rempli d’informations sur la façon de tirer le meilleur parti de votre situation. Vous manquez de samples ? Trouvez un sample pack et achetez-le. Vous manquez d’idées ou de technique ? Cherchez sur YouTube. Il y a une abondance d’informations gratuites ou bon marché. Investir dans de petites choses comme les relations personnelles n’est pas seulement une excellente façon d’obtenir du soutien parmi les gens qui peuvent vous aider plus tard, mais c’est aussi une façon de rester au fait des nouveaux outils qui sortent, des gens qui les développent et qui travaillent avec.

Les enceintes de monitoring

La plus grande erreur que je vois chez les gens qui commencent à peine, c’est d’investir dans des enceintes de monitoring bon marché en raison de leur budget limité. Je sais que c’est délicat, car beaucoup de gens ont de petits budgets. Mais les moniteurs sont quelque chose que vous voulez avoir pour les 10 prochaines années minimum, et vous voulez qu’ils soient la meilleure paire que vous puissiez vous permettre. Bien que l’expérience est la chose la plus importante à considérer, vous ne pouvez pas commencer sans, le monitoring est pour moi ce sur quoi vous devez vous concentrer immédiatement en deuxième position. Les enceintes de monitoring sont vos « yeux » dans la production musicale : si vous ne pouvez pas « voir » ce que vous faites, votre musique ne sera pas précise et le résultat final pourrait être difficile à apprécier une fois qu’elle aura quitté votre studio. Disposer de haut-parleurs adéquats, c’est comme avoir accès à des lunettes lorsque vous ne pouvez pas voir : tout d’un coup, tout est clair et vous saurez exactement ce qui ne fonctionne pas.

  • Budget serré ? Je trouve que si vous ne pouvez pas investir dans de bons moniteurs, cela vaut la peine d’attendre. Il y a plusieurs façons d’amasser de l’argent, par exemple en obtenant un prêt ou en demandant aux membres de la famille. Mais investir dans des haut-parleurs bon marché ne vous sera bénéfique qu’à court terme et constituera un problème majeur à long terme. En attendant, essayez d’obtenir de bons écouteurs qui sont agréables lorsque vous écoutez vos chansons préférées. Allez dans un magasin et passez du temps à comparer des modèles. Le confort est également important.
  • Et si la production musicale n’est pas pour vous ? Si vous voulez produire, c’est probablement parce que vous aimez la musique. Si vous abandonnez la production après avoir acheté des moniteurs (note : contactez-moi avant de le faire !), vous aurez toujours d’excellents haut-parleurs pour mixer ou simplement pour écouter.
  • Disposer d’un caisson de basses (subwoofer) change la donne. Pour moi, c’est un fait indiscutable : vous verrez ce que je veux dire si vous en obtenez un ou si vous tombez sur un setup qui en dispose d’un. Murs fins ? Les voisins en colère vous aimeront si vous achetez un Subpac à la place.

Ce qu’il faut retenir : l’équipement dans la musique est un outil précieux, mais demeure un luxe.

Un jour, un de mes amis est venu chez moi et m’a fait écouter un album époustouflant de son cru. Nous avons rapidement commencé à parler de production et il m’a expliqué qu’il utilisait Cool Edit (un éditeur de son très simple qui au début des années 2000 n’était même pas considéré comme un DAW !) etaucun équipement. Aucun. Tout a été fait à partir de rien et avec beaucoup de patience. Honnêtement, il a changé ma perspective sur l’équipement pour toujours. Chaque fois que quelqu’un me dit qu’il a « besoin de ci » ou « besoin de ça » pour commencer à travailler sur sa musique, j’hurle « n’importe quoi ! » parce que je le sais et que j’ai entendu le contraire.

Le rôle du gear supplémentaire

« Oui, mais j’adore jouer avec des knobs quand je produis ! »

Par où commencer pour explorer la dimension tactile de la production ? Si vous ressentez toujours le besoin d’acheter de l’équipement au-delà d’une bonne paire de moniteurs, je recommanderais ce qui suit :

  • Explorez pour savoir ce que vous aimez faire et investissez en fonction de ça. Ne tombez pas dans le classique « si j’ai juste le [insérer le nom du gear à la mode ici], alors ça ira. » Essayez d’abord de comprendre la musique sur votre ordinateur : jouez avec les synthés, faites des beats, voyez ce que vous aimez, et après quelques chansons, vous remarquerez peut-être que vous aimez les synthés qui sonnent comme un Moog. Apprenez à comprendre le genre de sons que vous aimez, tout comme la façon dont vous découvrez les labels avec lesquels un artiste sort. Plus vous en saurez, plus vous serez en mesure d’investir adéquatement.
  • Achetez d’occasion, louez si possible. Ou allez traîner avec quelqu’un qui a du gear pour l’essayer. Faites une chanson avec son équipement pour voir si ça fonctionne pour vous.
  • Les contrôleurs MIDI sont toujours un bon investissement quoi qu’il en soit, mais ils ne sont pas essentiels..

Honnêtement, il n’y a pas d’équipement minimum pour faire de la musique, mais les choses que j’ai décrites ici vous aideront à démarrer. J’espère que ce sera le cas !

Comment passer au niveau supérieur ?

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Au cours d’une conférence à laquelle j’ai été invité récemment, je parlais avec un groupe de personnes du Collège du Vieux Montréal et on m’a posé une question à laquelle je ne pouvais pas répondre sur le coup. La question était de savoir ce que je considérais comme étant « next level » (ou de niveau supérieur), ce à quoi j’ai répondu en disant « vous allez être déçus par ma réponse ». Et à bien des égards, ce n’était pas la réponse qu’ils voulaient, et j’ai pu constater que certains étaient perplexes, espérant entendre parler de quelque chose de nouveau, d’excitant et de vraiment « next level ».

Maintenant que ce moment est derrière moi, le concept des genres, et ce qui représente le niveau supérieur a eu le temps de trotter dans mon esprit donc j’y ai réfléchi davantage.

Pouvez-vous vous souvenir d’une époque avant Soundcloud ? Avant les listes de lecture d’iTunes, un moment où vous fouilliez avidement les bacs de disques et où vous discutiez avec les disquaires de ce qui était nouveau ? Avez-vous acheté des disques sans même les avoir écoutés simplement parce que vous avez aimé l’artwork et saviez que c’était quelque chose que vous deviez avoir ? Que la musique soit innovante ou non, vous aviez le sentiment d’avoir découvert quelque chose de spécial.

À bien des égards, la quantité écrasante de contenu à laquelle nous sommes confrontés aujourd’hui peut nous faire perdre de vue ce qui se passe. Les musiciens peuvent afficher une track la seconde après l’avoir terminée, et le monde entier peut potentiellement l’entendre en quelques minutes. Pourtant, le raz-de-marée de musique autoproduite est si grand qu’il est aussi plus difficile que jamais de se faire remarquer. Si vous êtes attentif et curieux, vous pouvez remarquer les nouvelles idées des gens, mais la question est maintenant : comment peut-on réellement suivre ?

Voici un fait qu’il faut garder à l’esprit : quelqu’un sait qu’il/elle fait de la musique de niveau supérieur seulement a posteriori.

Si vous vous concentrez sur la musique qui sonne bien pour vous, vos compétences et votre confiance augmenteront naturellement. Si vous prenez du plaisir à faire de la musique, vous tomberez dans cet état d’esprit appelé la zone. Dans cet état d’esprit, vous pouvez atteindre le meilleur de vous-même avec peu d’effort. Ce concept n’est pas ésotérique ou religieux, c’est une expérience connue étudiée en psychologie et un état à la portée de tous. Mais ce n’est pas le sujet de ce post.

La plupart du temps, de nouveaux genres sont créés lorsqu’un artiste crée un pont qui relie différents styles musicaux — pensez à la jungle qui a apporté l’influence des MCs jamaïcaines et des effets sonores avec des beats plus rapides et des basses foudroyantes. Pensez aux mashups underground et à des artistes comme Girl Talk, qui ne peuvent pas être released légalement, mais qui peuvent emprunter de la musique de n’importe où tant qu’elle fonctionne mélodiquement. Pensez aux derniers genres de musique dance qui émergent avec une popularité significative — tropical house, future bass, etc. Pouvez-vous m’expliquer ce que ces genres représentent ?

Sur le plan de la conception sonore, je pense à Serum, un synthétiseur derrière la création des sons de basse electro et dubstep. Est-ce que le côté inédit des sons ou de la technique de production fait que cette musique est innovante ?

Qu’est-ce que le niveau supérieur exactement ?

Pour moi, cela vient du point de vue de chacun. Mon point de vue sur l’innovation a radicalement changé au cours des dix dernières années. Mon intérêt pour le son ne cesse de changer, et ce que je ressens aujourd’hui pourrait être différent la semaine prochaine. J’aime tantôt la musique crue, mais pleine d’originalité, tantôt j’aime la pop généraliste surproduite pour ses techniques délirantes en mix et tantôt je remonte dans le temps pour revisiter les classiques de Miles Davis afin de reconnaître la véritable maîtrise de son art.

Selon moi, la véritable question est de savoir ce que vous cherchez et pourquoi.

Il est rare que mes titres « next level » atteignent la liste de lecture que j’écoute dans ma voiture. La musique de niveau supérieur est souvent celle à laquelle je peux m’identifier sur le plan univers/mélodie/contenu. Je crois que c’est aussi ce à quoi la plupart des gens s’identifient quand ils choisissent de faire une liste de lecture qui les touche. Ce n’est pas toujours quelque chose de grand, de fort, ou de courant, mais c’est souvent un élément musical déjà connu, juste bien réalisé ou un peu différemment. Si l’arrangement d’une chanson est astucieux et précis, il arrive souvent que les tricks provenant du mix ne soient pas la première chose que l’auditeur entendra, il le sentira davantage comme un tout.

Pour résumer cet article, il est essentiel pour tout producteur de se concentrer sur la conception sonore. Vos sons sont vos mots et votre voix en tant qu’artiste et rappelez-vous que c’est ce qui peut attirer l’attention de vos auditeurs plus que votre technique ou vos tricks.

JP

Quand le DIY devient un obstacle

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Je veux vous parler du DIY (bricolage), c’est-à-dire de l’approche do-it-yourself pour faire de la musique. Certaines personnes ont le désir de commencer des projets massifs où elles créent tout elles-mêmes, à partir de zéro. Ils sont à la recherche de samples, ils enregistrent des bouts de ceci et de cela, ils passent des jours à écrire et réécrire des mélodies. Ils font tout eux-mêmes, et cela prend une éternité s’ils ne se laissent pas submerger et ne finissent pas par abandonner le projet. C’est alors que le DIY devient un obstacle.

Cela me rappelle la vidéo qui a parcouru Internet à propos de ce gars qui décide de faire un sandwich à partir de zéro et de créer tous les éléments nécessaires tout seul. Il ramasse le sel de la mer, trait la vache lui-même, apprend à faire du pain, etc. Alerte spoiler — quand le gars mange enfin le sandwich (qui lui a coûté près de 1500 $ en dépenses) le résultat était quelque peu médiocre, et décevant.


Les gens qui se spécialisent font « leur truc » mieux, plus vite, avec de meilleurs éléments, des outils, de la finesse et de l’expérience qui font souvent la différence. Dans le studio, c’est la même chose. Je suis sûr qu’il y a des domaines de la production et de l’écriture musicale que vous n’appréciez pas plus que ça et d’autres que vous pourriez faire toute la journée. Si nous laissons les obstacles nous frustrer et détruire notre énergie mentale, l’effet peut être très néfaste.

Il ne faut pas écarter les obstacles de notre chemin. Les obstacles sont le chemin. (Proverbe bouddhiste)

Vous voyez peut-être où je veux en venir avec ça, car je suis un grand fan de la collaboration musicale et de la productivité en studio. C’est un grand sentiment que de pouvoir avancer rapidement dans vos productions lorsqu’une personne peut participer avec ses forces dans un domaine et vice versa, alors la question est : comment tirer le meilleur parti de vos compétences tout en profitant de l’aide ?

Trouvez ce que vous aimez faire. L’identification de vos forces fera une grande différence dans votre confiance et votre compréhension de vous-même en tant qu’artiste. C’est une tâche à laquelle beaucoup de gens que j’entraîne et avec qui je parle oublient. Est-ce que votre truc est la conception sonore, le mix, la recherche du set de samples parfait ? Les tâches axées sur la production où vous êtes le plus actif et le plus engagé sont là où vous trouverez votre force. D’un autre côté, il est important de comprendre les domaines dans lesquels vous êtes moins à l’aise et moins doué et de garder cela en tête lorsque vous collaborez avec les autres. Si vous pouvez vous spécialiser dans ce que vous faites le mieux, vous serez un atout précieux pour tous ceux qui ont de la difficulté dans ce domaine.

Investissez en vous-même. Quel que soit le domaine dans lequel vous êtes le plus à l’aise, envisagez d’acquérir le meilleur équipement et les meilleures connaissances de cette spécialité. Par exemple, si le mix est votre force, vous devriez absolument suivre Pensado sur YouTube pour en apprendre le plus possible sur le mixage, et vous renseigner sur les plug-ins kick-ass utilisés par les pros. Trouvez votre modèle dans ce domaine et étudiez ce qu’il/elle fait, quel équipement il/elle utilise, comment il/elle l’utilise et surpassez-le ! Découvrez qui sont ses mentors, et ainsi de suite. Si vous parvenez à savoir qui influence votre modèle, vous gagnez en influences critiques.

Surveillez votre ego. Vous êtes-vous déjà vu en train de dénigrer une technique ou un outil parce que vous pensez qu’il n’est pas fait pour vous ? Combien de fois avez-vous rejeté quelque chose sans même lui donner une chance ? Si vous le pouvez, pensez que si vous avez évité certains plug-ins comme les channel strips ou un compresseur spécifique, peut-être même un DAW sans aucun argument pour le faire. En outre, si quelque chose est considéré comme « mauvais », il est important de comprendre la différence avec ce qui est considéré comme bon et de faire votre propre opinion après avoir examiné les faits. J’ai été surpris de lire des choses que les gens ne devraient pas utiliser sur des outils comme la compression multibandes, qui est l’un de mes préférés pour le sound design en ce moment. Pour une raison ou une autre, les producteurs de rock semblent détester la compression multibandes, mais je ne comprends pas pourquoi quand vous voyez ce qu’il est possible de faire avec entre de bonnes mains.

Comme toujours, votre opinion est appréciée et la discussion reste ouverte.

JP

Le piège du modulaire

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En ce moment, c’est la fièvre de la synthèse modulaire, et pour cause. Les sound designers et amateurs de synthés qui veulent porter leur conception sonore à un niveau supérieur ne manqueront pas de superbes modules à collectionner, et rien n’empêche qui que ce soit d’assembler le système de ses rêves. Cela dit, le chemin vers le modulaire n’est pas dépourvu d’embûches, et avant de vous précipiter et de commencer à construire votre propre rack, je voudrais partager quelques idées avec vous avant de tomber dans le piège du modulaire.

Intellijel Rubicon

Intellijel Rubicon

J’ai passé beaucoup de temps récemment à essayer mon propre modulaire. J’ai utilisé le Rubicon d’Intellijel, et je peux témoigner des choses qui enthousiasment les gens — tout le côté désordonné qui rend l’expérience modulaire si particulière, le son unique, lourd et riche, les nombreuses surprises amusantes qui surviennent dans cet environnement quelque peu imprévisible. Même avec des logiciels tels que Reaktor, Reason ou Softube Modular, les sons que vous pouvez générer ne sortiront jamais de la même manière sans de vrais câbles et des modules eurorack.

À mon avis, ce sont là quelques-uns des avantages de l’utilisation d’une configuration modulaire :
La qualité de son provenant du modulaire est sensiblement différente et pure. Le Rubicon Intellijel Rubicon que j’utilise semble avoir un son unique et pur, bien différent de celui des ondes sinusoïdales que j’ai pu entendre sur les synthétiseurs des logiciels. C’est difficile à décrire, mais je peux honnêtement le ressentir plus profondément — tout comme un mixdown analogique sera légèrement différent d’un mixdown numérique. Si comme moi, vous êtes vraiment fasciné par les sons, vous pouvez facilement vous laisser séduire.
Le matériel pratique plonge l’utilisateur dans un flow qui peut devenir addictif. Pour tirer quelque chose de votre setup modulaire, vous devez être activement impliqué dans chaque étape — le raccordement d’un module à un autre, encore et encore, de différentes façons, exige votre engagement total et toute votre attention — c’est très prenant. Le temps peut passer très vite lorsque vous créez de la musique de cette façon : être à ce point concentré sur le son est vraiment incroyable.
Communauté. Vous n’aurez pas besoin de chercher longtemps pour trouver des communautés en ligne utiles et attrayantes sur le modulaire. Vous apprendrez bientôt à utiliser vos modules de manières créatives que vous n’auriez pu soupçonner auparavant. Prenez le temps de rejoindre ces groupes, car les connaissances partagées dans les discussions vous seront précieuses si vous commencez à peine.
Connaissances. D’un point de vue pédagogique, je pense que travailler avec un système modulaire (peu importe sa taille) est l’une des meilleures façons d’apprendre comment le son peut être altéré et modifié. Avec des résultats automatiques, vous entraînerez vos oreilles à comprendre comment un module peut affecter significativement un autre module et comment la combinaison de plusieurs d’entre eux peut créer des sons vraiment étranges et trippants.

Jusqu’à présent, tout est beau et amusant, mais lorsque l’euphorie initiale se dissipe, vous serez probablement surpris par certaines choses que vous n’aviez pas anticipées plus tôt. Voici quelques inconvénients de la configuration modulaire :

Le coût peut être un frein. Construire votre propre rack modulaire vous coûtera cher. Juste le prix des câbles de patch nécessaires pour chaque module pourrait très bien vous faire transpirer, et vous aurez bien sûr besoin d’un boîtier, de sorties, d’entrées, de VCAs, de modules, d’oscillateurs, de LFOs, de filtres…, et ce n’est que le début.
Temps investi. Je ne me plaindrai pas si vous vous perdez pendant des heures dans la synthèse audio, mais c’est ce qui arrive avec un rack cool qui demande toute votre attention. Comme pour n’importe quel autre outil de votre arsenal, vous voudrez être utile et productif avec, ce qui veut dire créer les sons dont vous avez besoin rapidement, mais cela prendra du temps pour y parvenir.
Une marche à franchir. Pour beaucoup de producteurs habitués à créer du son uniquement dans un logiciel, il peut être un peu plus difficile de mettre les choses en route.
Options infinies. Avec des dizaines d’entreprises produisant des filtres, des effets et tout ce qui se trouve entre les deux pour Eurorack, vous pourriez avoir l’impression de ne jamais en avoir assez pour ce que vous voulez faire ou ce dont vous avez besoin.
Ceci étant dit, je recommande de saisir l’occasion pour mettre en pratique le modulaire. Mais avant de construire votre propre rack, faites-vous une faveur et demandez-vous ceci :

Qu’est-ce que vous recherchez exactement avec ça ?

Ce que je veux dire c’est, jouez-vous en live ? Êtes-vous un sound designer à la recherche de sons uniques et originaux pour vos projets et votre travail ? Vous créez un rack pour le plaisir pendant votre temps libre ? Ces questions sont importantes, car vous pouvez ensuite commencer à planifier à l’aide d’un site appelé Modular Grid — une ressource qui s’avérera incroyablement utile pour répondre aux questions de départ.

Une dernière remarque —J’ai l’impression qu’il y a beaucoup d’idées assez trompeuses, et pas vraies du tout sur la notion de « modulaire ». J’entends souvent dire

« combien il est facile de faire de la musique en utilisant des synthétiseurs modulaires, comme vous serez davantage pris au sérieux en tant qu’artiste, et combien d’autres opportunités viendront à vous si vous pouvez construire le rack ultime… »

Reaktor

Reaktor Blocks : Une excellente alternative.

Comme je l’ai souligné plus tôt, la mise en place d’un modulaire prend beaucoup de temps, beaucoup d’argent et un apprentissage abrupt que vous n’auriez pas anticipé au début. Regardez des logiciels tels que Reaktor où vous pouvez virtuellement mettre en place pratiquement tout ce que vous pouvez faire avec des composants modulaires. Reaktor n’est qu’à 199 USD et a besoin d’un ordinateur modeste, c’est tout. Beaucoup de gens adorent le look de leurs modulaires en constante évolution, mais ils sont beaucoup moins nombreux à devenir des musiciens respectés grâce à leur équipement modulaire. Il y a quelques exemples qui ont accompli beaucoup de choses avec leurs jouets analogiques, mais il y a beaucoup plus de gens qui ne crachent que des pets et des bips aléatoires, à mi-chemin entre la fascination et la frustration. Ce n’est pas grave si les bips sont votre truc, mais la vague de lettres de fans n’arrive probablement pas aussi vite que vous l’espériez. Enfin, la construction du rack ultime est à bien des égards une course sans fin. Dès l’arrivée de votre nouveau filtre ou VCA, vous avez déjà décidé que vous aviez besoin d’un autre composant pour le rendre encore meilleur, et vous n’êtes presque jamais satisfait de ce que vous avez.
Autres alternatives possibles : Softube Modular, Reason, Bitwig, VCF Rack (gratuit).

Le consensus est là – le modulaire est formidable, addictif et une excellente façon d’apprendre la synthèse. Il est également vrai que la construction d’un rack est extrêmement coûteuse et pas nécessairement plus productive. Puisque ce blog parle de productivité, de créativité et d’aborder tout ce qui nous empêche d’y arriver, j’espère que mes impressions sur le passage au modulaire contribueront à rendre votre expérience positive.

Parlez-moi de vos expériences, de vos idées, de vos impressions ou de quoi que ce soit d’autre en laissant un commentaire ci-dessous.

Cheers ~ JP

Template de mix gratuit pour Ableton Live

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J’ai mis au point un template Ableton gratuit en me basant sur des commentaires qui ont été très utiles à de nombreuses personnes avec qui j’ai travaillé. Le template disponible sur cette page est destiné spécifiquement au mix. J’ai remarqué que souvent, beaucoup d’aspects du mix sont mal compris. J’ai donc créé un template de départ qui rassemble plusieurs outils utiles pour gérer les choses de base — ce template gratuit pour Ableton sera utile à tous les producteurs !

Le template inclut :

  • 6 Groupes: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
  • 3 Bus: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
  • 1 MIXBUS: où les bus sont routés ce qui en fait votre piste de prémaster.
  • 1 Piste de référence: où vous déposez la piste de référence.
  • Plusieurs Sends pour affiner.
  • Différentes macros sur chaque groupe et bus pour vous aider à aborder le ton et les problèmes potentiels.

Ce template ressemble beaucoup à ce que les ingénieurs professionnels utilisent comme celui d’Andrew Scheps pour Puremix, mais j’ai trouvé que le template d’Andrew n’était pas vraiment adapté à la musique électronique. Je suis sûr qu’il serait en désaccord, mais la musique underground n’est pas vraiment gérée comme la musique commerciale.

 

Ce template est-il destiné à la création ou au mix ?

Vous pourriez utiliser ce template pour produire si vous vous sentez à l’aise avec, mais je vous encourage à exporter les stems d’un projet et à utiliser ce template pour le mix. . Oui, c’est un peu plus de travail, mais ça va aussi libérer votre CPU et préparer votre projet pour une nouvelle phase de production. C’est aussi plaisant de mettre un terme aux détails et de se concentrer sur le mix seul.

 

Comment utiliser ce template ?

Il y a plusieurs façons d’utiliser un template comme celui-ci, j’aimerais vous expliquer certaines choses pour que vous puissiez commencer rapidement. Tout d’abord, grouper vos sons est toujours un bon début. J’aime le faire de cette façon :

  • Groupe Kick : Ce groupe est fait pour contenir les différentes couches de vos kicks ; la meilleure façon de faire un kick complet est d’avoir jusqu’à 3 couches, mais cela sera géré par la macro du groupe qui utilise la compression et la saturation. J’ai créé une autre petite macro pour vous aider à booster votre kick avec un générateur de sub et un transient. J’ai inclus quelques sons de ma collection pour vous, mais n’hésitez pas à en ajouter d’autres. Si vous équilibrez le tout correctement, vous aurez de beaux kicks chauds et percutants.
  • Bass/basses fréquences : Ce groupe est essentiellement le même que pour les kicks, mais à utiliser pour les basses fréquences. Incluez les différentes couches de votre basse (sub/mid), et je vous encourage à inclure aussi tout ce qui est en dessous de 200hz comme les toms, synthétiseurs et pads. La macro de ce groupe aidera à les équilibrer.
  • Percussions : Tout ce qui est percussif, bongos, claps, snares et sons synthétiques percussifs. Ce groupe peut être bien rempli, alors n’ayez pas peur d’ajouter plusieurs nouvelles pistes dans le groupe lui-même.
  • Hihats : Hats ou tout ce qui est régulier dans votre groupe, une partie importante de votre groove peut être mise dans cette zone. Dans mon cas, j’inclus parfois les snares. Notez qu’il n’y a pas de manière exacte pour répartir les éléments dans Percussions &amp Hihats. L’expérimentation peut donner des résultats intéressants.
  • Groupes mélodiques : Ces deux groupes travaillent main dans la main. L’un est pour tout ce qui se trouve en arrière-plan et l’autre est pour les éléments mélodiques placés en avant. La façon dont les macros fonctionnent vous aidera à positionner correctement les sons et à en tirer le meilleur parti. Essayez de jouer avec les différents boutons pour voir comment ils influencent les groupes.

Notez que j’applique un filtre passe-haut sur ces groupes alors n’hésitez pas à faire varier la courbe, cela peut parfois influencer le son d’une bonne manière.

Les trois bus sont très intéressants une fois que vous avez fait les niveaux de vos groupes. Par exemple, vous voulez trouver la meilleure relation entre la basse et le kick qui sont routés ensemble. Une fois qu’ils sont équilibrés, le bus vous permet de contrôler les basses et les kicks en même temps ; ceci peut vous aider à décider plus facilement du ton de votre piste en déplaçant le bus vers le haut ou vers le bas.

J’ai également inclus une piste de référence pour vous rappeler d’utiliser une track comme repère ou modèle. Les tracks de référence sont très bien pour vous inspirer des morceaux que vous aimez et que vous aimeriez utiliser dans votre mix.

Les différents Sends sont des outils simples pour simplement booster ou ouvrir votre son. Les Sends sont vraiment destinés à la finition du mix et sont faits pour être utilisés aussi délicatement que possible ; la subtilité peut aussi rendre les choses intenses.

Merci à tous ceux qui ont fourni des commentaires pour le développement de ce template ; je suis ravi de pouvoir aider et prendre du plaisir à faire de la musique !

Cliquez ici pour télécharger gratuitement ce template Ableton :

Template Ableton pour mix 2.0 (Ableton Live 11.3+)

L’intuition pour faire des choix en production

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Dans un sens, l’intuition musicale se définit avec celui qui peut apporter de la magie créatrice dans sa musique, par rapport à celui qui s’en tient à une véritable application technique du logiciel. J’ai souvent eu l’occasion de voir des producteurs expérimentés faire de la musique, que ce soit en studio ou en plein jam. Par exemple, au début des années 2000, nous avons eu le fameux Narod Niki au MUTEK de Montréal où Zip, Villalobos, Dan Bell, Akufen, Cabanne, Dandy Jack, Monolake (même Cassy a chanté pendant quelques minutes) ont tous synchronisé leur ordinateur portable et leur équipement pour improviser un live pour nous. Notre festival local nous a donné de nombreuses occasions de regarder, ce que j’appellerais, des maîtres dans ce qu’ils font, jouer devant une foule pour montrer comment créer et jouer live. L’acte live lui-même, lorsqu’il est fait correctement, doit représenter ce que l’artiste fait dans son studio, mais de manière à faire voyager la foule.

Quand je parle d’un live fait correctement, je fais référence à quelque chose qui est en partie préparé et en partie improvisé : un set qui repose donc sur l’intuition musicale. L’intuition musicale est le combo parfait qui permet à des « accidents créatifs » de survenir et crée un sentiment de prise de risque. Il y a beaucoup de performances préenregistrées dont je ne comprends pas l’intérêt. Ce qui m’intéresse ici, c’est le sujet de l’intuition musicale. Depuis que j’ai commencé à enseigner, cette question est souvent soulevée :

Comment enseigner l’intuition musicale, ou l’intuition en général ?

Il y a 3 points sur l’intuition qu’il nous faut aborder. L’intuition peut être :

  1. Une appréhension ou une connaissance immédiate sans raisonnement ni déduction.
  2. Une connaissance ou conviction acquises uniquement par l’intuition.
  3. Le pouvoir ou la faculté d’acquérir une connaissance directe ou une cognition, sans pensée et déduction rationnelles évidentes.

Ce à quoi je fais référence en utilisant le mot intuition est un peu différent de ces trois points. Pour moi, l’intuition en musique, c’est la manière de faire quelque chose qui semble aléatoire, mais qui se fait de façon très efficace. Partiellement imprévisible, en partie guidé par l’expérience, mais entièrement guidé par une vision personnelle pour arriver à un résultat spécifique. C’est l’intuition musicale.

Un exemple notable serait celui d’un artiste, lors d’un set live, qui drop des sons ou une idée musicale inattendue, mais qui fonctionne avec ce qui se passe au moment présent. Un autre exemple pourrait être celui d’un musicien proposant une idée aléatoire et la faisant prendre tout son sens après 2-3 minutes de développement.

Peut-on apprendre ou développer l’intuition musicale dans la production ?

Je crois dur comme fer que c’est possible. Voici quelques façons d’y parvenir :

  • Écoutez beaucoup de genres musicaux, soyez divers dans la sélection. La meilleure façon d’obtenir de nouvelles idées pour une chanson et d’apporter un vent de fraîcheur qui vient d’ailleurs. Le nombre d’idées que je tire du free jazz ou de la musique indienne est faramineux, je trouve beaucoup de profondeur dans ces genres ; ils existent depuis si longtemps qu’ils ont développé une grande maturité. Essayez de creuser dans des domaines qui semblent obscurs ou passez du temps à écouter de la musique folklorique comme point de départ.
  • Connaître vos outils. C’est frustrant, car il y a toujours quelque chose à apprendre. Je dis souvent aux gens, ce que vous avez besoin de savoir sur votre DAW devrait se limiter à faire des clips et construire des pistes. Le reste s’apprend au fur et à mesure. Mais le principal est que vous devriez être à l’aise avec votre DAW, et son utilisation devrait être une seconde nature pour vous. Le déplacement des blocs, les copier-coller, et les arrangements de base doivent se faire rapidement pour ne pas perdre votre workflow. C’est quand vous commencez à chercher comment faire quelque chose de très simple que vous perdez votre idée initiale. Imaginez que vous ne puissiez pas expliquer à un ami comment se rendre à l’épicerie la plus proche parce qu’il y a trop de détails à expliquer ; ce serait déroutant pour lui et pour vous.
  • Soyez attentif à vos habitudes et aux choses que vous n’aimez pas. Nous sommes pris dans ce qui a déjà fonctionné, et nous avons tendance à le répéter ad nauseam. Bien que ce soit une partie de ce qui attire les gens vers notre musique, même un son en particulier, si nous sommes esclaves de nous-mêmes et des attentes des gens, nous ne pourrons pas grandir en tant qu’artistes. L’intuition musicale progresse avec votre engagement personnel à évoluer et à sortir de votre zone de confort. Plus il vous sera facile d’explorer, plus vous pourrez vous exprimer facilement. Le sens de la maîtrise de la musique vous permettra de devenir plus spontané et de trouver de nouvelles idées.
  • Développer votre curiosité technique. Passez votre temps à lire sur la musique, mais aussi sur des sujets qui ne sont pas reliés à la musique. Beaucoup d’idées me sont venues en lisant des romans de science-fiction, en regardant des danseurs, en lisant des livres d’architecture, en dessinant avec mon fils, en courant dans les bois, etc. Votre cerveau doit faire autre chose que de passer du temps en studio. Vous ne pouvez apprendre que dans une certaine mesure en studio, les nouvelles idées viennent en faisant d’autres choses.
  • Pratiquez seul et avec les autres. Si vous pouvez jouer seul pour vous mettre à l’aise dans votre art, c’est une chose importante. Mais quand vous pouvez jouer avec un ami, cela devient très intéressant, car le dialogue vous force à interagir, proposer, écouter, ajuster. Cela améliorera vos aptitudes de communication musicale considérablement.
  • Jouez pour des amis. J’avais l’habitude de faire des concerts intimes dans le salon où je jouais pour trois ou quatre amis, assis sur le sol, sirotant du thé, dessinant, dansant, bavardant, mais surtout, écoutant attentivement. C’est à ces moments-là que j’ai le plus appris et c’est souvent sous-estimé, car les gens pensent que jouer devant beaucoup de gens est le moment où on s’amuse ; cela peut être le cas, mais ce n’est pas la seule option. L’avantage de jouer pour une poignée d’invités est d’obtenir un feedback intime et instantané, ce qui peut être une expérience enrichissante.

Expérimentez ces idées et vous devriez lentement développer votre intuition musicale. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou faites appel à mon service de coaching pour explorer votre musique plus en profondeur.

Ce que recherchent les labels au-delà de la musique

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Si vos productions sont terminées et prêtes à partir, vous avez sûrement cherché des moyens pour les signer. La prochaine étape logique serait d’envoyer une tonne de démos aux labels et d’attendre qu’ils vous rappellent avec un contrat. Il est temps de commencer à vivre le rêve, n’est-ce pas ? Vous avez fait tous vos devoirs et suivi les conseils que vous avez lus en ligne sur la façon d’attirer l’attention des représentants de labels. Le truc, et je déteste vous le dire, c’est qu’il y a une autre information que vous ne voulez probablement pas entendre, mais il est important que vous le sachiez.

Les labels ne veulent pas que vous les contactiez.

Beaucoup de labels ne diront pas « laissez-nous tranquilles », mais avant de jeter l’éponge, permettez-moi d’essayer d’expliquer ce que cela signifie de la manière la plus utile et constructive. Je parle aussi de ma propre expérience, alors ne présumez pas que c’est la norme pour tous les labels.

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Crédit photo : John Hult.

Avec l’énorme croissance des médias sociaux, un flot incessant de nouveaux artistes émergent quotidiennement, tous voulant la même chose — votre attention. Avec de nouveaux outils gratuits pour faciliter le marketing et la promotion au jour le jour, la crédibilité de l’artiste s’est diluée du point de vue du consommateur.
Que vous trouviez cela bon ou mauvais, une nouvelle impression a été créée :

  • Tout le monde est producteur, et,
  • Ils cherchent tous un certain niveau d’attention parce qu’ils ne sont pas contactés. Ironiquement, les gens veulent écouter de la musique plus que jamais, mais le vaste flot de musique nouvelle laisse de nombreux auditeurs submergés par tout cela. C’est la même expérience pour les labels.

Après un tel assaut de nouveaux artistes qui envoient des démos, beaucoup de labels deviennent insensibles à la possibilité de trouver quelque chose de grand. Cela rend les choses plus difficiles pour ceux qui méritent vraiment de l’attention et de la reconnaissance.

Est-ce que tout cela signifie abandonner et arrêter d’envoyer des démos ? Je dirais que ce n’est pas nécessairement le cas. J’ai déjà abordé ce sujet dans des articles précédents, mais j’aborderai ce point plus en profondeur ici.

Il y a une déclaration importante que j’aimerais souligner au sujet de notre industrie : tout le concept de promotion est devenu obsolète et aliéné. Je parle spécifiquement de la promotion d’artistes à label, d’artistes à fans, d’artistes à promoteurs ainsi que de labels à DJs et de labels à fans.

Mais les labels trouveront toujours de la musique de qualité et préféreront s’ils vous trouvent. C’est un fait. Pensez à Perlon par exemple, ils sortent majoritairement la musique de leur cercle d’amis et le morceau à sortir devra être testé par le noyau du label (Zip principalement, mais aussi Ricardo) dans de multiples contextes pour voir s’il est bien reçu par la foule. Les propriétaires de labels sérieux ont une vision très particulière de leur plateforme sonore, et votre musique devra (dans de nombreux cas) suivre leur son établi pour être signée.

À mon avis, si vous voulez être sur le radar d’un label, vous obtiendrez de meilleurs résultats en vous faisant jouer par des DJs.

CE QUE LES LABELS RECHERCHENT AU-DELÀ DE LA MUSIQUE :

La patience : c’est peut-être le trait le plus prisé qu’un label appréciera de votre part. Dans ce monde en évolution rapide, la patience est non seulement rare, mais c’est aussi une qualité sur laquelle nous devons tous travailler. Il s’agit d’avoir confiance que les choses finiront par s’arranger et que les résultats se produiront dans un avenir lointain. Parallèlement à la patience, cela va de pair avec la confiance. L’un va avec l’autre. Cela signifie être capable d’avoir une vue d’ensemble des choses, que peut-être quelque part sur la route, quelque chose de grand se produira. Peut-être pas. Mais il est essentiel de ne pas perdre patience à cause des retards, car ils sont courants dans l’industrie de la musique.

Organisez-vous. Il est très important d’être organisé, tout sera plus facile. Un artiste organisé doit avoir un kit de promotion solide à portée de main — photos professionnelles, votre projet musical et vos fichiers dans l’ordre, prêts à être retouchés ou réparés en cas de problème. Il n’y a rien de plus ennuyeux que d’avoir à revenir en arrière pour réparer un son, vous risquez de causer des retards qui déplacent alors tout le planning, ou même de détruire votre opportunité d’exposition. Il est utile de bien commencer vos productions, de suivre ces conseils de mix et d’éviter les maux de tête plus tard.

Réactivité. Répondre rapidement aux courriels, répondre promptement, la précision de votre communication vous rendra agréable à travailler avec. Les gens débordés apprécient cela, c’est très important.

Flexibilité. C’est le contraire d’être difficile. Les choses ne seront jamais parfaites, alors essayons d’en tirer le meilleur parti.

En fin de compte, c’est à vous de faire le travail, ce qui peut être plus facile lorsque vous prenez du recul et regardez la situation dans son ensemble. Quels sont vos objectifs ? Travaillez à rebours et déterminez les mesures à prendre pour atteindre vos objectifs. Prenez une minute et consultez mon guide de l’autopromotion sans scrupule ici. Ajoutez un peu de chance, un peu de magie ça et là, et des efforts quotidiens ciblés et constants. Bonne chance à vous,

JP

VOIR AUSSI :    Les communautés en ligne remplacent-elles les labels ?

Ma musique ne me ressemble pas

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Est-ce que cela vous arrive ? Vous démarrez un projet avec une idée et une direction, « Je vais faire un morceau techno », vous démarrez une boîte à rythmes, vous mettez une ligne de base, vous commencez à jammer, à chercher des sons, à créer un groove, et une heure plus tard vous écoutez une boucle de 8 mesures qui sonne totalement différent de ce que vous avez décidé de faire. « Ma musique ne me ressemble pas ». Oui, ça arrive à beaucoup de gens, et ça peut être vraiment frustrant de faire de la musique qui vous est totalement étrangère.
Il y a une déception particulière qui vient avec le fait de ne pas être capable de faire le genre de musique que vous voulez créer. Beaucoup de producteurs avec qui j’ai travaillé parlent de commencer un projet avec une seule direction en tête, mais au fur et à mesure que le titre évolue, ils perçoivent les sons qu’ils ont choisis et l’émotion de la chanson comme complètement à l’opposé de leur direction originale.

Pourquoi est-ce que ça continue d’arriver ? Qu’est-ce qui se passe exactement ?

D’après ce que j’ai vécu moi-même, je comprends la confusion. J’aimerais suggérer d’examiner la situation d’un autre point de vue, qui, à mon avis, sera beaucoup plus positif et productif pour vous en tant que producteur. C’est une question de contexte.

Tout d’abord, nos humeurs et nos pensées changent constamment. Nous sommes dynamiques et il y a de multiples versions de nous. Ce que je veux dire, c’est que vous êtes une personne quand vous conduisez avec de la musique très forte, il y en a une quand vous écoutez de la musique lors d’une fête, il y en a une autre quand vous écoutez de la musique faite pour les écouteurs. Il y a une grande différence entre la personne que vous êtes en écoutant de la musique et la personne que vous êtes en faisant de la musique. Les deux comptent, les deux sont bien.
Astuce : dès que vous démarrez un projet, enregistrez-le immédiatement avec un nom qui décrit le genre ou la sensation de la chanson que vous voulez créer. Un nom aussi simple que « techno… » ou « house… ».

Il est utile de commencer vos productions avec un objectif et une intention claire à l’esprit, sinon, il est assez facile de s’éloigner. Cela étant dit, mon opinion personnelle est que la dérive est une bonne chose, et va de pair avec le fait d’être dans le moment, et plus en contact avec le VOUS qui est dans le studio à ce moment-là.
Si vous êtes vraiment en contact avec vos émotions ou si vous suivez les sons qui vous excitent, la dérive dans d’autres directions va se produire. C’est simplement un processus de découverte.

La façon dont je vois la musique est similaire à la naissance d’une étrange créature extraterrestre sortie de nulle part. Même si la musique que vous avez créée vous semble complètement étrangère, il est important d’être patient avec le matériel, car plus tard dans les phases de production ou de mixage, vous apprenez à apprivoiser doucement quelque chose de brut et de sous-développé en une créature évoluée avec une personnalité unique. Si votre musique sonne un peu différemment de ce que vous avez décidé de faire, je crois que c’est une bonne chose.

Si vous avez lu mes messages au fil du temps, vous savez que j’encourage fortement la Méthode Bonsaï, et l’habitude de ne pas passer trop de temps sur une piste. Travailler rapidement et finir rapidement aiguisera considérablement vos compétences en production, et vous serez un producteur beaucoup plus prolifique. Vous voulez que vos sons soient un peu bruts, incontrôlables et étranges. Ces sons sont les joyaux non sculptés que vous ne pouvez faire que lorsque vous cessez de vous censurer. C’est ce que vous recherchez.

EMBRASSER LES RÉSULTATS INATTENDUS, ET EMBRASSER LE CHANGEMENT.

Imaginez le nombre d’idées avec lesquelles vous aurez à travailler si vous commencez 20 pistes à partir de zéro plutôt que d’essayer de polir une chanson pendant 20 heures. Passer trop de temps sur un titre enlèvera souvent au côté brut de votre enregistrement initial. Cette vivacité est précisément le son qui nous a excité en premier lieu, et il est important d’embrasser ces bruits, rythmes et grooves innatendus. Enlever tout le charme brut de votre matériel pourrait être comparé au photoshopping du corps d’une belle et naturelle femme adulte dans la minceur d’un enfant pour atteindre une certaine mesure de perfection. Voici quelques conseils essentiels pour bien démarrer vos pistes.

VOTRE TRAVAIL EST CE QUE VOUS VOULEZ QU’IL SOIT.

En tant que personne, nous sommes en constante évolution, et nos goûts musicaux évolueront également. C’est idéal que votre musique vous soit étrangère et progresse tout en comprenant que votre progression peut se produire dans un ordre que vous ne pouvez pas prédire. Au fil du temps et du travail, ce que vous êtes vraiment en tant que musicien commencera à prendre forme.

Entendre la musique que vous avez faite dans le passé, c’est comme regarder des images de vous-même d’une autre époque. Ça laisse une empreinte. Regardez les photos de vous-même du passé et repérez celles que vous aimez. Elles peuvent être esthétiquement bonnes, mais je parie que vos images préférées seront celles qui rappellent un moment particulier de votre vie. Voyez-le avec les sons bruts et originaux que vous trouvez. Ceux qui sont audacieux sont les sons qui se démarqueront au fil des années et vous apporteront peut-être une attention inattendue.

Astuce : Exportez une version de votre piste avant d’enregistrer et de fermer votre projet. Comparez son évolution. Partagez-la aux personnes qui vous connaissent. Voyez ce qui les fait tripper.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de cet article, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

VOIR AUSSI : Analyse d’une track de référence.

Voir les templates comme des graines.

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En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

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