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Comment composer de manière constante?

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J’ai toujours été intéressé par l’industrie de la restauration et en particulier par le processus d’attribution des récompenses, comme les étoiles Michelin. Il existe un certain nombre de critères qui permettent de déterminer si un chef va obtenir une étoile et je trouve qu’il est possible de s’inspirer de ces points pour les appliquer au travail d’un producteur de musique. Bien qu’il n’y ait pas de notes écrites sur les critères, ce que nous savons, c’est qu’il y a des points clés tels que la capacité, la qualité et la personnalité du chef. Cependant, un point qui ressort vraiment est la constance.

 

C’est un sujet qui revient souvent avec mes clients. Tous rêvent de trouver une formule qui garantira que chaque chanson est bonne et que chaque fois qu’ils entrent en studio, quelque chose de valable sortira du temps investi. Il existe des moyens directs d’y parvenir, mais je vais détaillerai également quelques points peuvent être un peu troublants.

 

GESTION DES ATTENTES

Il est toujours un peu difficile de parler des attentes avec les clients. Il y a quelques points à garder à l’esprit à ce sujet. Tout d’abord, de nombreuses personnes sont d’abord passionnées de musique et comptent sur ce passe-temps pour de multiples espoirs tels que l’acceptation et la validation de leur communauté ou de leurs idoles. Cela suffit à créer de grands objectifs, ce qui crée un stress qui peut entraver la créativité et la productivité. Il en va de même pour d’autres producteurs qui ont sorti de la musique et ressentent une pression pour en faire plus, mais ils sont confrontés à certaines tensions vis-à-vis de ce qu’ils font : sentiment d’être inadéquat, de se heurter à des limites techniques, comparaisons injustes avec d’autres, etc.

Personnellement, je ne crois pas vraiment qu’il soit humainement possible d’avoir des séances positives constantes en studio, où vous êtes 100 % heureux de votre musique. Pour ceux qui y arrivent, je me demande aussi si c’est vraiment amusant, car à long terme, cela peut être très stressant et fatigant.

 

Ainsi, plutôt que d’avoir une constance parfaite dans la musique, je pense qu’il est préférable de changer d’approche pour définir les conditions de votre victoire. Dans l’article Définition de fini, nous avons expliqué comment se fixer des objectifs précis pour reconnaître quand on a terminé un projet tout en acceptant les imperfections avec lesquelles on peut vivre. Mais les conditions de victoire sont légèrement différentes, tout en restant très proches.

 

Par exemple, j’ai connu des musiciens professionnels qui se forçaient à aller au studio tous les jours et à faire au minimum une chanson. Comme je travaillais avec eux, j’ai eu l’occasion d’écouter et je dois dire que je trouvais que les chansons qu’ils me présentaient étaient intéressantes environ 5 % du temps (il y en avait beaucoup). Nous en avons parlé et nous avons constaté que non seulement il n’était pas heureux de la situation ni du résultat, mais qu’il se rendait compte qu’il ne réalisait pas ce qu’il espérait. Nous avons donc travaillé ensemble pour modifier son flux de travail et ses attentes.

J’ai proposé ma technique de création musicale non linéaire dans laquelle il travaillerait sur plusieurs pistes à la fois au lieu d’une seule chanson à la fois. J’ai également demandé ce qu’il aimait le plus faire afin de m’assurer que cette partie représenterait au moins 50 % de son temps de studio. Dans son cas, il aimait la conception sonore et la création de nouvelles chansons, ce qui était parfait. Je lui ai montré que la musique peut aussi être cela et que faire de la musique est une partie importante de la création musicale, mais ce n’est pas la seule partie. Commencer de nouvelles chansons est, pour moi, tout aussi important que de les terminer. Plus vous en commencez, plus vous avez de chances de créer des idées solides et originales. Ensuite, vous récoltez les meilleures pour les transformer en une chanson. Nous avons également revu les différentes façons de faire du sound design et les techniques à essayer.

 

Cela a beaucoup changé les résultats de sa musique et la qualité des morceaux suivants s’est nettement améliorée, même si le rythme de leur sortie s’est ralenti. C’est pourquoi j’encourage parfois les gens à se concentrer sur les morceaux réalisés par saison plutôt que par jours ou semaines.

 

CONDITIONS DE VICTOIRE

Nous avons tous des conditions différentes et il n’y a pas vraiment de meilleure façon de procéder, mais je trouve que les conditions de victoire doivent être différentes des objectifs d’une sortie/release. Certaines personnes se sentent victorieuses lorsqu’elles sortent leur album après des mois de travail, mais elles en redemandent très vite et doivent alors retourner au studio, ce qui peut paraître pénible. Dans mon cas, après des années d’expérience, je constate que mes conditions de victoire se résument à m’éclater lorsque je suis en studio, même si cela implique de travailler dur pour résoudre des problèmes.

Cela implique deux choses différentes : premièrement, il y a une partie de moi qui est là pour résoudre les problèmes, installer le matériel, créer un environnement qui soit exploitable et régler les détails pour s’assurer que tout va bien. Deuxièmement, je dois me préparer à mes conditions en m’assurant que j’ai toutes les compétences nécessaires pour faire de la musique. Ainsi, si dans une Définition de fini, nous fixons les points qui nous permettent de voir que nous avons terminé, dans les Conditions de victoire, nous établissons ce qui est nécessaire pour y parvenir.

 

Comme pour moi, c’est lié au plaisir, j’ai dû faire de l’ingénierie inverse.

 

Cela signifie que j’ai dû revenir sur une séance vraiment amusante et voir ce qui s’est passé pour que cela fonctionne et avoir du plaisir. Le plus souvent, alors qu’une séance peut être gâchée par des problèmes techniques, il est clair que certaines séances dans le studio devraient être consacrées à la prévention des problèmes. Toutefois, d’autres séances devraient être consacrées à la pratique d’une technique ou d’un nouveau concept, de sorte que lorsque je suis dans la zone, j’ai tout sous la main.

 

ET VOUS?

Dans le développement d’un artiste, il y a de nombreuses étapes et phases. Il se peut que vous soyez dans une phase si éprouvante que le plaisir n’est pas au rendez-vous. C’est peut-être parce que vous vous sentez dépassé par un problème spécifique, une limitation du logiciel, un manque de connaissances sur un sujet et que viser le plaisir peut sembler un peu frustrant. Le fait est que, si cela peut vous aider, il y a eu de nombreuses années dans ma vie où j’ai accompli tant de choses sans en savoir beaucoup et que plus j’en savais, plus je ralentissais. Je dis souvent qu’il est important de terminer quelque chose et d’apprendre plutôt que de courir après la perfection.

En d’autres termes, ce qui vous pose problème pourrait en fait être une distraction. Il y a beaucoup de choses à apprendre sur YouTube et si vous ne trouvez pas, il y a toujours des gens pour vous aider — moi y compris. De nos jours, il n’est pas nécessaire de rester longtemps face à un problème, contrairement à ce qui se passait avant l’abondance de tutoriels sur Internet.

 

Vous pouvez peut-être créer des conditions dans lesquelles vous travaillez sur plusieurs choses à la fois, des petites choses, et essayer d’en tirer le meilleur parti.

 

CONTRÔLE DE LA QUALITÉ, ÊTRE PRAGMATIQUE

Nous avons parlé de la partie philosophique et du flux de travail de ce sujet, mais qu’en est-il du côté technique des choses? Quels sont les principaux éléments qui permettent de maintenir une constance entre les morceaux?

Il existe de nombreux points pour lesquels vous pourriez utiliser une liste de vérification. Après des années et des années de travail sur la musique, je vois des corrélations entre les chansons qui parviennent à avoir un certain succès. Je ne vais pas me plonger dans la promotion, la sortie et tout ce qui n’est pas lié à la production, car c’est un peu un trou sans fond qui change tous les 3 à 6 mois. Je n’arrive pas suivre.

 

Dans la création musicale, j’ai l’impression qu’il existe 2 types : commercial et artistique.

 

Par commercial, je ne l’entends pas de manière péjorative. Je fais essentiellement référence à la musique destinée à être poussée pour être vendue. Si vous faites de la musique et que vous voulez la distribuer, il y a des chances que le distributeur la refuse s’il considère qu’elle ne se vendra pas assez. C’est la norme pour les accords P & D (presse et distribution), car la distribution couvre essentiellement les coûts et attend un retour sur investissement. Selon moi, si vous faites de la musique dans l’idée de réaliser des ventes, elle est principalement et clairement commerciale (c’est-à-dire que nous la produisons dans une optique de vente).

 

D’un autre côté, la musique artistique peut être simplement numérique ou sortie aux frais de l’artiste, sans distribution et il y a très peu d’attente de ventes. Ce type de musique est souvent un peu plus audacieux, abstrait, risqué, ne suit pas beaucoup de règles et a plus de chances de ne pouvoir s’adapter à aucune règle.

Si l’on compare cela à un restaurant, le restaurant commercial sait souvent ce qui se vend et propose une direction, un style et des plats vedettes que les gens prennent à chaque visite. Le restaurant artistique est un restaurant qui change de menu chaque jour et prend des risques.

Ils ont tous deux besoin de cohérence sur un certain nombre de choses : ingrédients frais, respect des recettes, cohérence du goût sur chaque assiette, température, etc.

 

C’est à peu près la même chose avec la musique. Il existe certains critères que vous pouvez suivre et qui garantiront que vos chansons seront à la hauteur. Parfois, elles n’auront peut-être pas le même punch, mais si vous respectez les principes de base, vous aurez à coup sûr une certaine constance.

Voici les critères que j’ai en tête :

 

  • Une accroche solide, une idée principale. La raison d’être d’une chanson, c’est que vous avez trouvé une idée solide avec laquelle vous voulez partager une histoire. C’est comme ça que je vois la musique. Si vous pensez à la musique traditionnelle, les gens écrivent une histoire et ce sera l’idée principale. Dans le cas de la musique électronique, le plus souvent, il n’y a pas de voix et ce sont les sons et les idées qui constituent votre histoire. Ne faites pas de chansons simplement faire une chanson (remarque : j’encourage les gens à faire de la musique pour le plaisir, ce qui est différent). Trouvez une idée et construisez une histoire autour d’elle. Il peut s’agir d’un sample, d’un motif, d’un son amusant… Il n’y a pas de règle ici, mais trouvez une idée que vous pouvez écouter pendant 3 à 6 minutes et mettez-la vraiment en avant.

 

  • Chanson en tonalité, dans la gamme. Cela peut sembler bizarre, surtout pour les personnes qui font de la musique atonale ou de la techno industrielle qui utilisent une gamme chromatique, mais s’assurer que tous vos éléments sont dans la même tonalité donnera à la chanson un caractère beaucoup plus complet. Toutes les chansons n’en suivent pas une, mais avoir une harmonie cohérente plaira à beaucoup de gens, surtout si dans un genre spécifique, certaines gammes sont respectées. Un point facultatif ici serait la progression des accords. Vous n’en avez pas toujours besoin, mais si vous en avez une, assurez-vous qu’elle est solide et cohérente. Souvent, lorsque je donne du feedback à des personnes qui débutent dans la production musicale, je remarque qu’elles ne respectent pas ce point de base et une fois qu’elles le font, elles atteignent déjà un autre niveau.

 

  • Règle des tiers dans les arrangements. Il s’agit d’un concept que j’aborde dans les commentaires où j’explique aux producteurs que s’ils divisent leur chanson en 3 sections, elles doivent toutes présenter des variations, afin de donner à l’auditeur un sentiment d’évolution et de maintenir son attention. Si vous comprenez l’expérience d’écoute comme un défi consistant à maintenir l’attention, vous savez que vous devez apporter de nouvelles idées, mais pas trop. La règle du tiers n’échoue jamais. Si vous composez de la pop ou quoi que ce soit qui nécessite une structure, gardez cela à l’esprit également.

 

  • Mixage neutre (flat), mastering coloré. Les clients ne comprennent pas toujours ce qu’est un bon mixage. Si vous gardez un son neutre, mais que vous travaillez avec un ingénieur qui peut le colorer pour qu’il corresponde à des chansons similaires sur le marché, vous aurez très probablement toujours une chanson solide et agréable à écouter, capable de faire face à la concurrence. En outre, un mixage plat signifie que vos éléments ne sont pas trop éparpillés, ce qui est important.

 

  • Évitez le masquage et la phase. C’est plus technique, mais si vous avez un mixage chargé où beaucoup d’éléments sont utilisés, vous finirez très probablement par avoir un mixage muddy. Je ne vais pas vous expliquer comment résoudre ce problème dans cet article et vous pouvez consulter Google à ce sujet, mais gardez à l’esprit que c’est essentiel pour la qualité.

 

  • Obtenez une rétroaction. Montrez votre morceau à des gens en qui vous avez confiance et demandez-leur un retour spécifique. Sinon, les gens diront que c’est cool. Soyez technique sur ce que vous attendez d’eux.

 

  • Demandez de l’aide. Je ne comprends pas pourquoi les gens veulent tout faire eux-mêmes. C’est en fait se préparer à une musique moyenne. Vous apprendrez oui, mais pourquoi ne pas devenir un maître de la musique que vous aimez faire et demander à un maître de vous aider pour le mixage afin d’en tirer le meilleur parti? C’est comme si vous vouliez faire un sandwich, mais que vous vouliez faire le pain vous-même, la mayonnaise à partir de zéro, cultiver les légumes, faire le fromage, etc. Oui, tu peux, mais tu peux aussi acheter les meilleurs ingrédients possible et avoir un super sandwich.

 

  • La quantité pour un travail de qualité. Si vous considérez chaque chanson comme une expérience pour apprendre quelque chose de nouveau ou maîtriser une technique, vous pouvez accélérer votre processus et faire plus de musique. Un bon moyen de maintenir la qualité est de produire beaucoup, beaucoup de chansons, puis de réduire votre production à celles que vous savez être brillantes. Plus vous finissez de la musique, plus vous développez des compétences, qui font que les morceaux suivants sont de meilleure qualité. Ensuite, lorsque vous pourrez choisir ce que vous partagerez à l’étranger, au monde extérieur, ils ne verront que de la qualité.

 

Si vous tenez compte de ces points, vous aurez certainement quelque chose dont vous serez fier et lorsque vous partagerez une chanson, les gens sauront ce qu’ils peuvent attendre de vous, même si vous prenez des risques, sur le plan créatif.

 

Croyances et idées reçues en production musicale

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Vous faites peut-être de la musique depuis un certain temps ou vous êtes totalement novice en la matière, peut-être sur le point de vous lancer dans ce nouveau passe-temps, et vous avez ce sentiment accablant d’être dépassé ou perdu. Soyons honnêtes, certains passe-temps sont plus faciles que d’autres à démarrer. Vous avez peut-être essayé d’être DJ et vous avez vu à quel point il est rapide de s’y mettre, puis vous avez essayé d’être producteur et vous avez trouvé que la courbe d’apprentissage était raide. C’est pourquoi j’ai pensé écrire un article sur les différents défis auxquels les gens sont confrontés lorsqu’ils débutent et sur les solutions ou les stratégies que je donne aux étudiants pour surmonter les émotions difficiles.

 

CROYANCES ET IDÉES REÇUES EN PRODUCTION MUSICALE

 

Il existe tellement d’idées reçues sur notre passion qu’il est difficile d’en faire la liste, mais je vais essayer de démystifier les idées qui déroutent les personnes avec lesquelles je travaille.

« LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE EST FACILE À PRODUIRE » OU UNE VARIANTE, « SI VOUS AVEZ TOUT CE DONT VOUS AVEZ BESOIN, ALORS C’EST FACILE »

 

C’est honnêtement celle que je rencontre le plus souvent. Je discute aussi souvent avec des étrangers à ce sujet et j’ai recueilli un grand nombre de théories. Donc, pour commencer, dire que c’est facile, ce n’est absolument pas vrai. J’ai exploré la musique pendant 30 ans et il y a encore des moments où je ne suis pas totalement sûr de ce que je fais. De plus, j’apprends quelque chose de nouveau chaque jour où je pratique.

 

Faut-il tout savoir pour faire de la musique? Non, absolument pas. J’ai pu faire plus de 20 albums et sur certains d’entre eux, je ne faisais qu’effleurer la surface de ce qu’est la production.

 

L’idée que c’est facile vient de la comparaison avec quelqu’un qui prend une guitare et exécute parfaitement la théorie musicale, les rythmes et tout ce qui est lié à la musique. C’est plus difficile et c’est quelque chose que tout le monde ne peut pas faire. En apparence, la technologie a démocratisé la création musicale en créant un grand nombre d’outils, de logiciels et de matériels qui permettent à beaucoup de gens de faire plus que ce que tout le monde pouvait faire il y a plus de 30 ans. Cela ne veut pas dire que c’est plus facile.

 

Si vous voulez faire une boucle et jouer de la musique, oui, cela peut être similaire aux jeux vidéo et c’est honnêtement là que se trouve le plus grand plaisir. Quiconque veut aller plus loin aura vite l’impression que ce n’est pas suffisant et en voudra plus.

 

C’est là que la deuxième variante entre en jeu, avec l’idée que vous avez besoin de quelque chose d’autre pour le faire. Toutes les publicités auxquelles nous sommes exposés ou si vous parlez à d’autres producteurs, ils vous diront rapidement tout ce dont vous avez besoin… Ce qui est un peu un piège.

 

Je l’ai déjà dit plusieurs fois, mais pour faire de la musique, il faut au minimum un appareil capable de produire un son (téléphone portable, tablette, matériel informatique, ordinateur) et quelque chose pour écouter (casque, enceintes). C’est vraiment tout ce dont vous avez besoin.

 

Lorsque je dis cela aux gens, j’obtiens souvent la fameuse réponse « Je savais que c’était facile! ».

 

C’est alors que je lâche la bombe.

 

Oh oui, c’est facile… Il vous suffit de comprendre la théorie de base de la conception sonore, le flux du signal, les principes fondamentaux de la musique, l’ingénierie, la narration et peut-être aussi l’enregistrement, pour n’en citer que quelques-uns. Et encore, c’est déroutant parce qu’en tant que nouveau venu, vous pouvez être conscient du peu que vous savez et cela déclenche la confusion et la frustration.

 

C’est donc là qu’il y a un paradoxe. D’un côté, tout est là, mais cela ne signifie pas que vous saurez comment vous y prendre pour réaliser ce que vous voulez faire.

 

Mon approche est simple : il s’agit de convaincre toute personne qui se lance dans la musique de commencer par de petits pas. J’ai vu beaucoup de gens qui voulaient apprendre à jouer du piano et certains des premiers exercices qu’ils commencent sont de se familiariser avec les mains sur les notes, de jouer avec les gammes et, en gros, de s’entraîner à monter et descendre les touches. Si vous apprenez le piano, c’est ce que vous vous attendez à faire au début, car c’est la base du jeu.

 

En ce qui concerne la musique électronique, les gens ont des idées très variées. Ils veulent faire une chanson, ils veulent faire de la musique comme un artiste qu’ils aiment, ils veulent essayer ceci et cela… Il y a tellement de choses à faire et il n’y a pas vraiment de méthodologie, alors les gens essaient et échouent souvent.

 

D’autres mythes s’ensuivent.

 

« On fait une chanson en commençant par le début et en la terminant ».

 

Celle-ci est probablement la plus nuisible de toutes, car elle place les gens dans un flux de travail qui est contre-productif, aliénant et tout simplement pas amusant du tout. Si vous connaissez ce blogue, vous savez que je pense que faire une chanson à la fois est l’une des pires façons de travailler. Réfléchissons donc à ce que cela signifie pour vous de faire une chanson, ou à ce qu’une chanson est censée être.

 

Pour certains, c’est une petite histoire, pour d’autres, c’est une expérience, ou cela peut être un morceau à jouer par les DJ. Ce qu’elles ont toutes en commun, c’est qu’elles ont un début et une fin, plus quelques idées qui évoluent (ou non) au milieu. Certaines chansons ont une seule idée, d’autres plusieurs. Mais ce que cela signifie, c’est que chaque chanson a besoin d’au moins une idée. C’est là que la musique commence, en trouvant des idées. Cela signifie que vous pouvez écouter une musique que vous aimez et aimer quelque chose en elle. Peut-être avez-vous envie de sampler quelque chose d’un vieux disque ou simplement d’écrire vous-même les notes d’une mélodie.

 

J’insiste généralement sur l’importance de trouver des idées comme l’une des principales choses à faire, parce que ce n’est pas difficile à faire et parce que c’est amusant. L’autre chose que je dis aux personnes qui débutent est de passer d’innombrables heures dans leur logiciel de musique et de ne pas avoir d’autres objectifs que de tout tester avec une curiosité et une ouverture infinie. Plus vous avez d’objectifs face à quelque chose que vous ne comprenez pas, plus vous risquez d’être perdu et de vous désintéresser. L’une des principales conditions pour trouver le flux dans une activité est de faire quelque chose qui semble faisable, mais un peu difficile tout en s’amusant.

 

Il faut commencer par explorer, se familiariser avec le logiciel et faire de petites expériences.

 

Voici quelques petits projets que vous pouvez réaliser si vous êtes vraiment novice en la matière :

 1- FAITES GLISSER UN MORCEAU OU DES ÉCHANTILLONS QUE VOUS AIMEZ DANS VOTRE LOGICIEL ET JOUEZ AVEC.

Coupez-le, ajoutez des effets, étirez-le, augmentez ou diminuez son pitch, détruisez-le sauvagement et voyez ce qui se passe. Notez ce que vous faites et soyez conscient que certains outils donnent des résultats spécifiques.

 

 2- PASSEZ DU TEMPS À JOUER 1-2 NOTES SUR UN CLAVIER ET ÉCOUTEZ LES RÉSULTATS.

Cela signifie, testez tous les synthés que vous avez, les samplers. Jouez des notes longues ou courtes, et voyez comment ils se comportent. Enregistrez les notes et essayez d’enregistrer le son, détruisez-le.

 

3- ÊTRE RÉACTIF AU LIEU DE COLLECTIONNER.

L’une de mes approches en matière de musique consiste à choisir n’importe quel son et à me dire que si quelqu’un me payait 1000 dollars pour faire une chanson avec ce son, que ferais-je? Le problème pour de nombreuses personnes est qu’elles ont accès à beaucoup trop de choses et qu’elles vont passer toute la session de studio à chercher un son spécifique qu’elles ne trouveront jamais. Cela vous rend créativement paresseux. Vous apprendrez davantage en travaillant avec quelque chose de médiocre qu’en recherchant le son parfait. Vous pourriez même apprendre à créer des sons que vous aimez en faisant des gaffes.

 

Si nous sommes d’accord sur le fait que ce sont les idées qui font les chansons et que vous aimez des idées spécifiques, vous devez vous entraîner à jouer pour acquérir de l’aisance, de la spontanéité et du contrôle afin de pouvoir éventuellement créer vos propres idées. C’est pourquoi j’invite les gens à jouer avec ce qu’ils ont pour acquérir une certaine fluidité.

 

DONC, POUR RÉSUMER :

 

Pour faire de la musique, on n’a pas besoin de beaucoup.

Il y a beaucoup de choses à savoir, mais il n’est pas nécessaire de tout savoir pour s’amuser.

Si tu t’amuses, tu auras envie de passer du temps à explorer.

Reste curieux de ce qui te semble inutile ou trop compliqué.

L’exploration signifie la pratique.

La pratique apporte de nouvelles idées.

Les idées peuvent être transformées en chansons.

Il est plus facile de tirer le meilleur parti d’un son que de chercher le son parfait.

La simplicité est synonyme de sophistication.

 

Faire de la musique, c’est s’amuser. Si vous n’avez pas l’impression de vous amuser, vous ne le voyez pas sous le bon angle.

 

Dernière croyance qui cause du tort :

 

« J’AI DE GRANDES IDÉES EN TÊTE, MAIS JE N’ARRIVE PAS À LES METTRE ENSEMBLE DANS MES CHANSONS »

 

Tout ce que l’on a en tête est merveilleux, mais une fois que l’on essaie de le reproduire, les choses ne sont jamais vraiment identiques à ce que l’on attend. Depuis des années que je fais de la musique, je n’ai jamais vraiment réussi à traduire mon monde intérieur en sons. Peut-être que si vous êtes un chanteur ou un artiste folklorique, c’est plus facile, mais dans le domaine de la musique électronique, les choses sont complètement différentes. Vous pouvez avoir une belle idée de mélodie, mais il vous faut le bon son. Vous pouvez avoir le bon son, mais la mélodie risque de ne pas correspondre. Plus vous poursuivez quelque chose d’abstrait, moins vous aurez de prise sur ce que vous contrôlez réellement.

 

Il y a un grand nombre d’éléments qui peuvent vraiment obscurcir votre jugement et courir après quelque chose m’a toujours apporté de la frustration. J’ai parfois eu beaucoup plus de plaisir à travailler sur des idées simplistes qu’à me lancer dans un projet très ambitieux. Cela ne signifie pas que vous devez vous arrêter, mais il est important de comprendre où vous en êtes, techniquement, et de fonctionner avec vos compétences actuelles.

 

Quelqu’un m’a demandé comment faire de très longs morceaux techno comme le font certains artistes. Je lui ai répondu : « Ne fais pas ça ». Il était surpris et déçu. Je lui ai expliqué qu’il était plus important qu’il devienne d’abord très bon dans ce qu’il fait maintenant. Ensuite, une fois que la base est solide, on peut élargir et faire quelque chose d’un peu plus difficile. J’ai exploré des morceaux plus longs une fois que j’ai réussi à en faire de solides de 6 minutes, puis je suis passé à 8, puis 10, et enfin plus.

 

UN CONSEIL BONUS :

 

« Mon ami m’a dit que ce logiciel est nul »

 

J’aurais pu ajouter beaucoup de citations ici, mais ce que je veux dire, c’est que beaucoup de gens vous diront quelle est leur expérience et comment ils sont arrivés à certaines conclusions, mais au final, ce n’est que le point de vue de quelqu’un. Je me méfie toujours des gens qui me disent de ne pas faire quelque chose (surtout si je n’ai jamais demandé de conseils) et je suis plus curieux de ceux qui expliquent comment ils ont réussi à faire quelque chose que j’aime. Beaucoup de gens ont des règles auto-imposées qui sont super bizarres et qui ne sont soutenues par rien de technique. J’ai souvent entendu des affirmations bidon selon lesquelles un logiciel n’était pas assez bon (FLStudio, par exemple, est souvent décrié) ou qu’un plug-in n’est pas fait pour la musique, alors que je connais beaucoup de gens qui ont fait des idées incroyables avec les installations et les ressources les plus ridicules. Ce qui compte, ce n’est pas ce que vous utilisez, mais ce que vous en faites.

 

Les albums sont-ils toujours d’actualité?

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Les albums sont-ils encore pertinents? OK, c’est une question un peu délicate, parce que oui, je pense qu’ils le sont toujours. Il y a eu une tendance ces quatre dernières années, où les gens disent que « le concept de l’album est mort, personne n’écoute les albums, bla-bla-bla ». J’entends souvent dira ça. Si vous regardez les tendances actuelles, c’est logique : vous regardez sur Spotify et beaucoup de gens sortent des EP et des singles parce que c’est le moyen le plus sûr de jouer l’algorithme pour obtenir des lectures.

Cependant, le concept des singles et des EPs m’ennuie à mourir. Je déteste ça. Quand je vois une chanson, je me dis : « Oh, je veux entendre l’album dont elle est tirée. » Alors je vais vérifier et très souvent, c’est un single. Cela me rebute tellement que parfois je me mets en colère. C’est comme si les artistes avaient perdu leurs balls, faute d’un meilleur terme. C’est comme s’ils étaient dictés par le système capitaliste qui dit que sortir des singles est le moyen le plus efficace de commercialiser leur art. Je pense que c’est un problème parce que l’art et le capitalisme vont rarement de pair. Quand je vois un single, tout ce qui me vient à l’esprit, c’est : « Où est votre sens artistique? Où est votre vision? Où est votre âme? C’est tout ce que vous avez à dire? »

Pour ma part, je trouve que les albums sont narratifs. Quand je vais voir un film comme Doom ou Star Wars, ça m’énerve un peu parce qu’il n’y a pas de point culminant, au contraire, ils vous tiennent en haleine pendant des années en attendant le prochain film. Personnellement, je préférerais voir un film qui dure cinq heures plutôt que trois films. C’est pourquoi j’aime les séries dont tous les épisodes sont publiés en une seule fois, comme sur Netflix. Je sais que c’est suffisamment long pour que je m’investisse dans les personnages, et à la fin, j’aurai l’impression d’avoir perdu des amis et d’avoir vécu quelque chose.

Pour moi, un album, en particulier les longs albums qui durent au moins une heure, c’est comme une fenêtre sur le studio de l’artiste. J’ai l’impression de jeter un coup d’œil dans son studio et d’entendre la musique sur laquelle il a travaillé au cours des six derniers mois ou de l’année écoulée. Parfois, à l’écoute des chansons, on a l’impression que les artistes ont vécu des expériences qui ont changé leur vie, ou qu’ils ont été inspirés par un certain artiste, et qu’ils ont ensuite trouvé une réponse artistique à leurs influences, comme s’ils essayaient de faire une déclaration dans une culture spécifique.

Je trouve qu’aujourd’hui, en tant qu’artistes et musiciens, nous devons aller de l’avant et nous affirmer dans la façon dont nous nous exposons dans la musique. Si cela signifie que nous allons avoir un album avec seulement deux chansons solides, où les autres sont des expériences, alors qu’il en soit ainsi. Il y a un certain romantisme dans un album où l’artiste est libéré de la pression de devoir montrer à chaque fois le meilleur de lui-même pour les singles.

De plus, avec les albums, j’aime le fait que l’on puisse s’asseoir et l’écouter en mode aléatoire et avoir une histoire différente à chaque fois. Parfois, je fais ça pendant une semaine d’affilée et je m’imprègne du potentiel créatif de quelqu’un.

Une autre chose que j’aime, c’est quand un artiste a plusieurs albums, et que parfois vous en écoutez un et vous vous dites : « Wow, ça sonne complètement différemment, mais je vois une relation avec le précédent. » C’est agréable de voir l’évolution entre les deux.

J’aime écouter des albums, parce que je veux entendre la musique que vous avez faite en décembre, par exemple, même si elle n’est pas parfaite. J’adore ça. C’est pourquoi lorsque je fais un album, je le fais généralement en un jour ou deux, afin de rassembler les pensées que j’avais à ce moment-là.

En général, je ne passe jamais plus d’une heure et demie sur une chanson, ce que beaucoup de gens trouvent fou. Quand on me demande comment je fais pour écrire un album aussi rapidement, ma réponse est assez simple : j’ai un flux de travail efficace. Cela ne veut pas dire que je ne travaille sur la musique que par tranches d’une heure et demie. Le travail se fait en amont, en m’assurant que j’ai tous les éléments nécessaires pour créer un mood board efficace.

Comme je passe du temps à mettre de l’ordre dans mes échantillons et mes sons quand je fais une chanson, je sais exactement ce que je veux, et j’ajoute les choses autour à partir de mon modèle. Puis je continue ce que j’ai fait dans la précédente, et une fois que j’ai terminé celle-ci, j’ouvre la troisième, et ainsi de suite. Et à la fin de la journée, j’ai une tonne de nouvelles chansons.

Certaines personnes me demandent : « Comment faites-vous pour jammer si vous n’avez pas un tas de matériel — c’est pénible de tout faire en MIDI à chaque fois ». Eh bien, si vous utilisez Ableton, ce n’est pas pour rien qu’il s’appelle Ableton Live. Utilisez la vue session, et commencez à cliquer sur les clips que vous avez chargés — vous n’avez pas besoin de quelque chose de sophistiqué.

J’ai aussi un autre élève qui chante simplement dans un clip audio et le convertit ensuite en MIDI en utilisant l’option d’Ableton. La traduction n’est pas parfaite, mais cela fait partie du plaisir du jeu — cela crée des restrictions.

Rappelez-vous également que vous n’êtes pas obligé de terminer une chanson en une seule fois — vous pouvez travailler sur plusieurs chansons en même temps. Lorsque vous vous sentez bloqué sur une chanson, commencez-en une autre ou ouvrez un projet précédent.

Une autre clé pour faire des albums rapidement est d’en faire une habitude. Prince enregistrait quelques morceaux par jour, et maintenant il y a une bibliothèque de musique dans son coffre-fort. Ricardo Villalobos est dans le même cas : il ne passe généralement pas plus d’une journée sur ses chansons. Il se contente de jammer. Une grande partie de cette motivation vient du succès, mais pour réussir à notre époque, il faut sortir du lot, et sortir une tonne de choses est un bon moyen d’y parvenir. Le succès, tout comme la production, est une corvée, ne l’oubliez jamais, mais il s’accompagne de beaucoup de satisfaction personnelle.

Le problème de la « bonne » musique

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Le problème de la bonne musique, c’est qu’elle est subjective. L’idée qu’une personne se fait d’une « bonne » chanson est certainement différente de celle d’une autre personne, à moins qu’elle ne provienne d’un milieu culturel similaire. Et même s’ils partagent le même bagage culturel, les gens diffèrent toujours entre ce qu’ils pensent être bon et ce qui ne l’est pas. Il en va de même pour les personnes qui qualifient la musique d’« intéressante ».

Le terme « intéressant » est lui aussi subjectif. Ce qui est intéressant pour moi peut ne pas l’être pour vous. Par exemple, je peux apprécier un aspect technique d’une chanson que quelqu’un qui ne comprend pas cet aspect technique peut ne pas apprécier.


L’ART EST SOUVENT PHILOSOPHIQUE

La base de cet article est partie d’un de mes clients qui est venu me demander si je pouvais rendre sa chanson intéressante. Cela m’a laissé perplexe, car comme je l’ai dit précédemment, ce qui est intéressant pour moi peut ne pas l’être pour quelqu’un d’autre. Cela a donné lieu à un débat sur la question de savoir si c’est vraiment le mandat de l’artiste d’être intéressant. Est-ce la faute de l’artiste si la musique n’est pas assez « intéressante »? Après tout, la musique est subjective.

Par exemple, certaines personnes détestent absolument la musique diffusée à la radio, mais si vous avez déjà dirigé un club, vous savez que ce sont les soirées Top 40 qui vous rapportent le plus d’argent. Il est raisonnable de supposer que pour les clients, il y a quelque chose dans cette musique qui la rend « intéressante », sinon ils ne seraient probablement pas là. Bien sûr, ce n’est peut-être pas la musique elle-même, mais ça pourrait être le but… l’intention.

J’ai eu l’impression que mon client n’apprécie pas les débats philosophiques autant que moi, donc il a pu être simplement ennuyé. Mais c’est ce qui m’a fait penser à cet article, car lorsque les gens viennent me voir et me demandent de rendre leur morceau « intéressant » ou « bon », j’aimerais avoir une référence à leur montrer pour les aider à décrire ce qu’ils veulent vraiment dire. C’est donc le but de cet article : donner aux gens les outils pour objectiver quelque chose qui est intrinsèquement subjectif.

 

« INTÉRESSANT » ET INTENTION

Au lieu d’intéressant, il est préférable de décrire un contexte ou une émotion qui va avec. Vous voulez peut-être que la chanson soit excitante, émotionnelle, tendue ou qu’elle ait un flux narratif. Vous l’imaginez peut-être dans la bande-son d’un film, ou vous voulez qu’elle soit jouée dans un club. Ces éléments auront des caractéristiques techniques et compositionnelles différentes, qui se segmentent en termes spécifiques.

Par exemple, si vous voulez qu’une chanson soit jouée dans un club, cela nécessite une compression plus importante, et souvent une plus grande densité afin qu’elle puisse suivre le volume sonore de toutes les pistes avec lesquelles elle est mixée. En revanche, si vous souhaitez qu’elle soit intégrée à une bande-son, elle sera plus transparente et utilisera des fréquences qui n’entreront pas en conflit avec ce à quoi elle est superposée, qu’il s’agisse de dialogues, de bruits de fond dans le film, etc.

La longueur de la chanson a également son importance. Si quelqu’un vient me voir et me dit « Je veux une chanson adaptée à la radio » et qu’il me donne une chanson de 8 minutes, nous devons trouver comment en isoler 5 minutes pour une version radio. Il se peut même que nous devions ajouter d’autres éléments de composition pour qu’il y ait une cohérence dans la chanson lorsque nous la réduisons de manière aussi importante.

De nos jours, qu’on le veuille ou non, les médias sociaux dirigent tout autour de nous. Il y a des tonnes de DJs qui obtiennent des bookings parce qu’ils ont une grande présence sociale, plutôt qu’une production artistique. Cela signifie que, pour être compétitifs, beaucoup d’artistes qui ont une production artistique importante doivent créer du contenu pour Instagram ou TikTok. Et si c’est bon pour TikTok, ce n’est pas forcément bon pour Spotify. J’ai lu un article sur le fait de faire de la musique qui attire l’attention dans les 4 premières secondes, et s’ils ne le font pas, alors ils échoueront sur des sites comme Instagram Reels et Tiktok. Encore une fois, ce sont des choses que je dois savoir pour rendre la musique « intéressante » pour ces contextes.

 

L’AXE DE LA MUSIQUE « INTÉRESSANTE »

Les pensées susmentionnées s’expliquent mieux par un axe, je pense. Cet axe est assez arbitraire, car il s’agit de mon axe personnel, mais je pense qu’il illustre bien l’intention de la musique en général.

L’axe est un diagramme circulaire de l’intention, de l’émotion et de la technicité. Et quelque part autour de ce camembert, il y a la distribution.

Lorsque tous les éléments sont en harmonie, la magie opère. S’ils sont déséquilibrés, il y a de fortes chances que le son ne soit pas bon.

La finalité est le contexte : est-ce destiné à la boîte de nuit, à l’écoute à la maison, au cinéma, etc. L’émotion est la partie existentielle de la musique ; c’est la partie qui la rend humaine. Si elle est trop émotionnelle, elle risque de ne pas se développer, d’avoir l’air rustre ou ennuyeuse. La technicité, c’est la musicalité et l’ingénierie. Bien que vous vouliez que votre morceau soit techniquement sain, s’il est trop technique, comme un album de Dream Theater, il peut sembler sans émotion ou prétentieux. En revanche, s’il y a trop peu de technicité, cela peut sembler négligé. La clé est de trouver un équilibre entre les deux pour atteindre votre objectif.

Parfois, les chansons sont « volontairement » peu techniques. Il s’agit de chansons qui peuvent sonner de manière saccadée ou dont le mixage est médiocre, mais vous pouvez dire, en vous basant sur le style de musique, que cela a pu être intentionnel. Prenez la musique « lofi » par exemple : elle est volontairement mixée de façon bizarre.

Ou parfois, les choses sont délibérément très émotionnelles afin d’illustrer un point. Peut-être que cela fait partie d’un scénario pour une comédie ou une parodie sur la romance ou quelque chose du genre. Cela nécessite forcément une piste émotive à l’extrême.

Cependant, tous ces exemples ont un but, qui les justifie.

La distribution est la dernière partie. Le morceau sera-t-il sur vinyle, ou est-il destiné à TikTok? S’il s’agit d’un vinyle, certains travaux de mastering seront nécessaires. Vous devrez également tenir compte de la longueur des chansons, car elles doivent tenir sur les sillons.

Si c’est pour TikTok, comme je l’ai mentionné plus haut, vous devez attirer leur attention en 4 secondes, sinon l’algorithme ne fonctionnera pas correctement.

 

L’ATTENTION EST UN FACTEUR IMPORTANT

En ce moment, l’un de mes projets consiste à créer un album d’ambient de 12 heures. Est-ce que je m’attends à ce qu’il soit écouté avec attention? Non, c’est une musique de fond qui crée une ambiance.

L’idée est venue de ces listes de lecture, ou stations, que je laisse jouer pendant toute une journée parce que c’est une présence qui n’est pas écoutée activement. Il s’agit davantage d’une atmosphère que d’une attention.

Il existe différents niveaux d’attention : passif (en arrière-plan), attentif (qui s’arrête de faire ce qu’il fait pour écouter avec attention), critique (soit des personnes formées à la théorie musicale/à l’ingénierie musicale qui écoutent pour trouver les défauts). C’est à l’artiste de définir cette intention.

 

QUELLE EST VOTRE INTENTION?

Un jour, un label m’a demandé de la « bonne musique » et j’ai répondu que cela n’avait aucun sens. Je n’entre pas en studio en pensant que je vais faire de la « mauvaise musique ». J’essaie de faire quelque chose qui a du sens, c’est tout.

Au bout du compte, la question est : que recherchez-vous? Recherchez-vous l’appréciation, l’intégrité artistique ou l’attention? Vous ne pouvez pas avoir les trois, car vous ne pouvez pas plaire à tout le monde. Mais cela a-t-il vraiment de l’importance?

Est-il préférable de produire un seul ou plusieurs styles?

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Pourquoi les gens produisent-ils toujours le même genre de morceaux alors que d’autres disposent d’un large éventail de styles? Je dois admettre que je suis victime du premier cas. J’ai toujours produit le même type de musique. Bien sûr, elle sonne souvent différemment, mais dans l’ensemble, j’utilise la même formule et le même flux de travail, ce qui se traduit par un ensemble de chansons qui sonnent de manière assez identique. Par conséquent, certaines personnes se demandent pourquoi je n’élargis pas mon éventail de possibilités.

En réponse, j’essaie donc de sortir du moule et de créer quelque chose de complètement différent. Ensuite, les personnes qui m’écoutent en raison de ma constance s’agacent et commencent à se plaindre. Il n’y a pas de victoire ici, c’est pourquoi je suggère toujours de faire de la musique pour soi. Au bout du compte, la meilleure chose que vous puissiez faire est d’être satisfait de votre produit fini. Cependant, explorons les avantages et les inconvénients des deux méthodes.

 

Produire un son similaire

OK, parlons d’abord de la production de la même chanson encore et encore. À l’ère des algorithmes et des listes de lecture, c’est une approche judicieuse si vous voulez construire une image de marque. Avec le streaming, les auditeurs ont aujourd’hui un choix infini. Ils peuvent aller sur Spotify ou YouTube et construire leurs propres listes de lecture qui correspondent à leur humeur. Et quand ils veulent renforcer leur humeur, ils vont souvent chercher des chansons d’artistes connus qui satisfont cette émotion. Si vous êtes un artiste qui produit un tas de styles différents, ils n’iront peut-être pas écouter vos nouveautés, car ils savent qu’elles ne répondront pas à ce point d’ancrage émotionnel. En revanche, si vous avez une palette de sons, de tempos et de styles qui s’inscrivent dans un cadre similaire, les auditeurs peuvent compter sur vous pour produire quelque chose qui répond à leur besoin.

 

L’avantage des améliorations progressives sur un son

Une autre raison de produire des morceaux à la sonorité similaire est que l’artiste veut continuer à améliorer quelque chose. Souvent, ils pensent que s’ils continuent à travailler dans la même veine, leurs morceaux s’amélioreront progressivement, ce qui peut les conduire à une sorte de percée. S’ils décident de prendre la tangente dans d’autres domaines, ils risquent de perdre cet objectif de vue. Ils peuvent même se mettre à faire des choses plus prévisibles, à l’emporte-pièce, car souvent, lorsque les artistes explorent de nouveaux genres, ils commencent à regarder des tutoriels que des milliers d’autres producteurs ont regardé. Souvent, cela fait régresser leur son, alors qu’en gardant le cap, ils auraient pu créer des sons nouveaux et excitants, même s’ils s’inscrivent dans un cadre stéréotypé qu’ils ont défini au fil de leurs années de production.


Que faire de toutes ces chansons similaires?

Lorsque vous avez 100 chansons et qu’elles sont toutes identiques, que faites-vous? Est-ce du gaspillage? Si vous sortez ces 100 chansons, vous allez vous épuiser, car toutes ne méritent pas d’être sorties. Je recommande généralement de faire des paquets de 3 ou 4 chansons et de voir lesquelles fonctionnent en les passant à des amis DJ qui peuvent les jouer. Ils vous diront lesquelles fonctionnent et lesquelles ne fonctionnent pas.

N’oubliez pas non plus de stocker tous vos projets. Vous ne savez jamais quand vous pourrez revenir en arrière et terminer un morceau avec les nouvelles compétences que vous avez acquises.

 

Comment changer votre son, sans devenir un modèle standardisé?

Cependant, il existe des moyens pour les producteurs de conserver un modèle tout en changeant leur son. Par exemple, ils peuvent changer la tonalité. Chaque tonalité est associée à une ambiance différente, et même si les timbres et les samples sont les mêmes, la nouvelle tonalité peut redéfinir l’impact émotionnel. Vous pouvez toujours conserver l’ambiance que les auditeurs attendent si vous changez la tonalité pour quelque chose d’harmoniquement pertinent par rapport à la tonalité d’une chanson précédente. Il suffit de consulter le Cycle des quintes (Circle of Fifths) pour savoir ce qui fonctionne sur le plan harmonique.

Les compositeurs peuvent également changer de signature rythmique ou ajouter des polyrythmies dans leur musique. Dans la musique de danse, il est souvent difficile de faire quelque chose en dehors du 4/4. Bien sûr, il y a des morceaux qui fonctionnent, comme « Neon Drum Pattern » de Jon Hopkin, qui est en 5/4, ou le classique de la rave, « American Dream » de Jakatta. Cependant, ces morceaux sont difficiles à mixer et constituent une race rare de chansons de danse. Ce que je suggère, c’est d’utiliser des triolets, ou de faire en sorte que votre chanson soit à mi-temps ou à temps coupé. Une autre chose que vous pouvez faire est de mettre votre rythme en 4/4, et votre lead en 6/4, puisqu’ils sont tous deux en temps commun. Cependant, si vous ne vous souciez pas de savoir si vos chansons sont mixables, n’hésitez pas à faire des chansons en 9/8 ou 17/4. Qui s’en soucie? Comme je l’ai dit, il s’agit de se sentir satisfait de sa musique, et rien d’autre.

 

Produire de nombreux styles différents

OK, alors parlons des artistes qui ont un tas de styles différents. Je dirais que c’est aussi mon cas, puisque je produis du dub techno, de la minimale, de l’ambient, etc. Cependant, comme je l’ai déjà mentionné, mon son provient d’une racine similaire.

Ensuite, il y a des artistes qui sont partout, et qui ne peuvent pas rester attachés à un seul processus. Le groupe Underworld en est un bon exemple. Vous les connaissez peut-être pour leur chanson Born Slippy, mais ils sont bien plus que cela. À l’origine, il s’agissait d’un groupe de rock des années 80 qui a évolué vers le mastodonte de la techno que nous connaissons aujourd’hui. Cependant, si vous parcourez leur catalogue, vous entendrez de nombreux genres de musique. Il y a la house, la techno et les breaks, bien sûr. Mais il y a aussi des ballades, et des morceaux ambiants. Parfois, il y a aussi des chansons big beat. Et de temps en temps, ils reviennent à leurs racines et font une chanson plus rock.

Un autre bon exemple est Radiohead. Ils changent de style pratiquement à chaque album. Ok Computer ne ressemble pas à Kid A, Kid A ne ressemble pas à In Rainbows, In Rainbows ne ressemble pas à King of Limbs, A Moonshaped Pool ne ressemble pas à King of Limbs. Ce processus a commencé avec Kid A lorsqu’ils ont voulu faire un anti-album destiné à aliéner leurs admirateurs en changeant radicalement les choses, en remplaçant la batterie par des boîtes à rythmes, les guitares par des synthés et les voix normales par des voix déformées. En d’autres termes, ils en avaient assez de la célébrité. Mais cela s’est retourné contre eux, et il est devenu l’album le plus acclamé par la critique de cette décennie.

 

Avoir une signature artistique pour lier le tout

Cependant, s’il y a une chose qu’Underworld et Radiohead ont en commun, c’est qu’ils ont une signature artistique, qu’ils l’aiment ou non. Avec Underworld, c’est le timbre des sons qu’ils ont choisi, associé au chant parlé de Karl Hyde. Avec Radiohead, c’est le vernis de la production et le timbre crooner distinct de Thom Yorke. Cela permet au fan de rester ancré dans la familiarité, même lorsque les styles changent.

 

Nous vivons à une époque différente

N’oubliez pas qu’Underworld et Radiohead sont d’une autre époque. Ils ont existé à une époque où, je crois, les labels recherchaient des artistes qui repoussaient les limites de leur créativité. Aujourd’hui, avec le streaming algorithmique, les labels recherchent souvent la cohérence, parce qu’ils ont des artistes mis dans des cases qu’ils peuvent commercialiser auprès d’une population donnée. Si vous souhaitez emprunter cette voie, vous devrez peut-être vous autoéditer ou faire beaucoup de recherches pour trouver un label qui a encore cette ancienne éthique.

Frank Zappa a donné une grande interview dans laquelle il déplore que les jeunes cool qui dirigent des labels aient ruiné l’expression artistique. Il dit que dans les années 60, la raison pour laquelle tant de musique étonnante et avant-gardiste a été diffusée dans le grand public est que les responsables des labels étaient de vieux hommes d’affaires qui ne connaissaient rien à la musique. Ils se disaient : « Qu’est-ce que j’en sais? On sort le disque et on voit ce qui se passe. » Puis certains de ces disques ont eu beaucoup de succès, alors ils ont engagé de jeunes hippies aux cheveux longs pour les conseiller. Ces hippies sont devenus suffisants et ont décidé qu’ils savaient ce qui était le mieux, parce qu’ils avaient du goût, et c’est ainsi qu’a commencé le déclin de la musique avant-gardiste, parce que souvent, ils n’avaient aucune idée, même s’ils pensaient tout savoir.

Cette situation s’est progressivement aggravée, et aujourd’hui, ces dirigeants de labels ont mis au point des formules pour déterminer ce qui doit être publié et ce qui ne doit pas l’être. Heureusement, nous vivons à une époque où l’autodistribution est possible, et avec le bon marketing et la chance, vous ne savez jamais où votre musique multigenre peut aller.

 

Quelle que soit la route que vous avez choisie, ça n’a pas d’importance  

Quelle que soit la voie que vous choisissez, il n’y a pas de bon ou de mauvais choix. Sortir le même genre de chanson peut-être satisfaisant d’un point de vue commercial, mais d’un point de vue artistique, cela peut devenir ennuyeux. Il y a de fortes chances pour que la plupart des musiciens ne partent pas en tournée avec des milliers de fans en adoration, il est donc préférable de faire ce que vous voulez, plutôt que d’essayer de satisfaire un public potentiel. Mais si vous avez un son et que vous savez comment le commercialiser, alors, par tous les moyens, affinez-le. Dieu sait que c’est ce que j’ai fait. Mais je me suis aussi étendu à d’autres genres. Donc peut-être que quelque part au milieu se trouve une approche solide.

Aimez-vous réellement votre morceau? Ou y êtes-vous simplement trop attaché?

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  • Le processus créatif implique beaucoup de fantasmes. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez des foules, et la réaction que vous obtiendrez des promoteurs. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez de vos homologues créatifs et sur la réaction que vous obtiendrez de vos amis. Peut-être que la personne pour laquelle vous avez le béguin l’aimera. Peut-être parviendrez-vous à le faire signer par le label de vos rêves, ce qui marquera le début de votre carrière de musicien. Cela crée souvent un profond sentiment d’amour pour votre morceau.

Cependant, il faut savoir que beaucoup de gens ressentent cette adoration dans la phase euphorique de la composition, lorsque vous avez découvert une boucle étonnante ou la structure de base d’un morceau qui vous enchante.

C’est le moment où vous lancez la bille sur le flipper métaphorique et faites rebondir votre idée au sommet du plateau, où elle commence à rebondir sur les cloches, les sifflets et les bumpers fixes et clignotants, l’envoyant dans un espace de possibilités infinies.

Puis, après un certain temps, le rythme ralentit et vous commencez à voir que la bille tombe de plus en plus profondément vers vos flippers et que si vous ne visez pas juste, vous risquez de détruire votre piste à jamais.

C’est ce moment de réflexion personnelle et de doute que connaissent la plupart des créatifs. C’est dans cette période qu’il peut vous arriver de penser que vous avez gâché tout le morceau en ajoutant une partie qui ne suscite pas la même joie qu’avant, un peu comme si vous recherchiez l’euphorie de la première fois que vous avez pris une drogue.

Le problème, c’est que vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous pouvez être convaincu qu’il est toujours incroyable, et vous entêter à ne rien suggérer.

Ou bien, dans l’autre sens, vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous avez l’impression de devoir en faire quelque chose, mais vous ne l’aimez plus comme avant. Il existe des solutions à ces deux conflits, qui résultent de la même émotion : l’amour de votre morceau.

 

A photo of Ableton next to a cup of coffee.

 

Quelle est la solution pour ne pas aimer son morceau à outrance?

C’est une question difficile, car les gens s’entêtent souvent dans leur art. Ils l’aiment tellement qu’ils ne peuvent pas absorber les réactions ou le rejet de leurs pairs à son sujet. Souvent, c’est parce que leur amour pour ce titre est basé sur l’analyse cognitive de l’attachement, plutôt que de croire réellement que c’est un titre incroyable.

Par conséquent, ce sophisme est souvent construit sur des coquilles d’œufs et la critique peut sembler être une attaque personnelle, et donc le créateur le protège de l’opinion et du rejet, de peur d’être rejeté lui aussi. Cela conduit parfois les gens à ne pas sortir leur morceau du tout, à toujours « attendre le bon moment ».

La façon de surmonter cette peur? Se foutre de ce que disent les autres. La plupart des grands artistes se moquent de l’opinion des autres. On entend toujours des histoires sur les albums que les critiques ont décriés ou sur les œuvres qui sont restées obscures pendant des décennies avant d’être dépoussiérées et appréciées. Ou bien il y a l’inverse, où la controverse de leur art était attrayante pour certains, et consternante pour d’autres, créant un maelström médiatique.

C’est ce qui s’est passé pour John Cage et Karlheinz Stockhausen, qui ont créé des musiques parmi les plus complexes de l’histoire moderne, que la plupart des gens ne comprennent toujours pas. Mais ils sont tous deux considérés comme importants dans le canon de la musique.

Ils savaient que leur musique était dérangeante, mais ils s’en moquaient probablement, car ils pensaient qu’elle était importante, et l’ont donc diffusée.

Si les gens veulent que leur musique soit diffusée, surtout s’ils s’accrochent au fantasme original que d’autres personnes l’écoutent, ils doivent la soumettre à la critique. Qu’il s’agisse de vos amis ou d’une campagne de marketing destinée aux médias et aux DJ, vous allez ressentir un rejet, même si votre musique est vraiment brillante. C’est parce que la musique est subjective.

 

A photo of Deadmau5, who understands that his love for his tracks can often be misguided.

Credit: Wikipedia

Quelle est la solution pour savoir si vous aimez toujours votre morceau?

Si vous êtes arrivé au point où vous pouvez sortir la chanson, mais que vous avez encore des doutes à son sujet, gardez à l’esprit que vous n’avez vraiment aucune idée de la façon dont elle sonnera pour les autres. Rappelez-vous, lorsque vous avez commencé le morceau, certains éléments ont fait rebondir votre cerveau sur le flipper imaginaire. Il y a donc de fortes chances que d’autres personnes l’aiment aussi.

Deadmau5, qu’on l’aime ou qu’on le déteste, sait comment finir les morceaux et a sorti des hymnes parmi les plus marquants de la rave moderne. Avec son hit, Strobe, il a eu ce conflit. Il l’aimait assez pour le terminer, mais pas assez pour en être certain.

Comme son label n’avait rien reçu depuis un moment, il a décidé de le leur envoyer, en suggérant qu’il pourrait figurer sur la face B d’un disque, un autre élément de contenu pour aiguiser l’appétit de ses fans. Puis, à sa grande surprise, elle a décollé en 2009, juste au moment de l’explosion de l’EDM, contribuant à propulser sa carrière dans la stratosphère.

Si vous écoutez Strobe, vous comprendrez peut-être pourquoi il n’avait pas confiance en lui. Elle dure au moins deux minutes de plus que les autres chansons de l’album, soit 10:33, et il faut attendre quelques minutes avant que le kick n’entre en jeu. Ce n’est pas forcément un hymne radio.

Mais croyez-le ou non, les gens aiment la musique exigeante, car elle les fait réfléchir.

 

Un exemple moins classique est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé une chanson que je trouvais assez bonne, mais dont il avait des doutes. J’ai dit : « Et si je l’envoyais à quelques labels pour voir ce qui se passe. »

Alors je l’ai envoyée à quelques labels, et elle n’a pas seulement été signée, elle a été reprise à un tas d’endroits différents. Mon client avait des doutes, et ses doutes ont été balayés quand le disque a eu autant de succès que tous les autres qu’il avait sortis.

Vous ne savez pas non plus pour qui les titres vos sonner. S’il est possible qu’ils ne correspondent pas à votre public principal (souvent fantasmé), ils peuvent trouver un écho auprès d’un public entièrement nouveau.

Un bon exemple est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé des morceaux ambient qu’il avait créés, ce qui était surprenant compte tenu de son travail précédent. Ce qui était également surprenant, c’est qu’ils avaient tous ces noms à consonance indienne.

Il s’est avéré que ces noms indiens étaient en fait des mots sacrés dans une secte religieuse, et lorsque les gens les recherchaient sur Google en rapport avec la secte, ses chansons apparaissaient. Ainsi, sa musique est devenue, en quelque sorte, une musique sacrée et a fini par être plus populaire que tous les autres morceaux plus connus sur lesquels nous avons travaillé ensemble.

 

Réflexion sur les attentes

En vieillissant, je réalise que le désir d’être compris ou aimé par les autres est un piège pour le processus créatif. La vraie joie devrait venir du fait qu’une chanson est techniquement solide, ou que vous avez changé de style pour quelque chose que vous n’avez jamais fait auparavant. Ce sont deux choses dont on peut être fier, car elles montrent une amélioration de nos capacités en tant qu’artiste.

J’aime penser que chaque morceau est un journal, et qu’il s’agit de capturer une idée, plutôt que d’essayer de faire quelque chose qui plaira à des milliers de personnes. Les artistes les plus frustrés sont ceux qui attendent beaucoup de leur musique et de son évolution, les moins frustrés sont tout le contraire.

Réflexion sur la collaboration

Comme beaucoup d’entre vous le savent, je fais de la finalisation de morceaux. Que vous le fassiez par mon intermédiaire ou par celui d’un autre musicien de session, je pense que ce que je vais dire est valable pour les deux. En gros, je n’aime travailler qu’avec des personnes qui ont une attente réaliste de leur art ou qui ne me considèrent pas comme une sorte de savant. Tout comme ils ont des attentes élevées pour la piste, ils peuvent aussi avoir des attentes trop élevées pour le travail de session, surtout s’ils font les deux. Car, que les gens s’en rendent compte ou non, ils peuvent avoir des idées subconscientes sur la façon dont leur piste devrait se dérouler sans savoir consciemment comment elle devrait se dérouler.

Ensuite, lorsque moi ou n’importe qui d’autre y va et effectue des modifications, ces clients s’attendent à ce que le son soit complètement différent. De plus, s’ils ont écouté un morceau plusieurs centaines de fois, toute modification sera visible et ne correspondra pas forcément à la cohérence que vous avez programmée dans leur tête. Par conséquent, si vous avez ce genre d’attentes, il est préférable de les abandonner, car elles diminuent le potentiel créatif d’un morceau. Rappelez-vous, il a fallu pas moins de 27 personnes pour écrire « I Feel Love » de Donna Summer. Étaient-elles toutes d’accord? Cela a-t-il diminué la valeur et l’impact du morceau?

Les meilleures personnes avec lesquelles travailler sont celles qui ont une cote d’amour de 6 ou 7 sur 10 pour leur morceau. Ces personnes ont tendance à garder l’esprit ouvert.

 

A photo of someone listening to a track. Don't listen to your track too much or else you might love your track artificially.

 

Différence entre la musique artistique et la musique commerciale

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On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques.  Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

 

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

a wav file illustrating the difference between art music and commercial music on beatport. a wav file showing how underground music can still be commercial music on beatport. a wav file illustrating the difference between art music and commercial music on beatport.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

 

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris.  Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce?  Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

A photo of losing my religion's artwork. It's a stellar example in how the difference between art music and commercial music can be thin. An image of Money's artwork.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Screenshot from the music video for Billie Eilish's Bury A Friend. Album art for Blood Orange's Uncle Ace.


Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

 

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

 

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.

Leçons de coaching en musique électronique

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Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

  • Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
  • Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
  • D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
  • Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

  • Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
  • Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
  • Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
  • Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
  • Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

  • L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
  • Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
  • Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
  • Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
  • Ses attentes sont très élevées.
  • La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
  • Ils voient la musique de manière hiérarchique.

 

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

Bob Ross would have been great at electronic music coaching.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment communiquer avec un ingénieur du son?

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how to communicate with audio engineer photoJ’aime travailler avec des artistes non établis. C’est la raison même du Pheek’s Coaching Corner, et c’est pourquoi je propose mes services à un prix raisonnable. Travailler avec de nouveaux artistes est très enrichissant, car je trouve que les premières œuvres des artistes sont souvent les plus créatives et les plus brutes. C’est chez ces musiciens que l’on trouve des choses qui peuvent être considérées comme originales, présentant les vestiges d’un genre entièrement nouveau. C’est ce point d’équilibre qui existe avant qu’ils ne dérivent de leur propre travail, avant qu’ils ne se tournent vers un style socialement plus acceptable. Cependant, non établi signifie généralement inexpérimenté dans le reste de l’industrie de la musique. Il y a certaines choses que les artistes et les ingénieurs doivent comprendre lorsqu’ils travaillent ensemble, simplifiées par une bonne communication. Si vous êtes capable de traduire les choses dans une langue que l’ingénieur comprend, votre expérience sera beaucoup plus agréable. Dans ce guide, je vous donnerai des conseils, des astuces et des méthodes pour rendre ce processus aussi fluide que possible. Voici donc comment communiquer avec un ingénieur du son.

Tout d’abord, il est nécessaire d’exposer ce que fait et ne fait pas un ingénieur du son chargé du mixage et du mastering.

 

CE QUE PEUT FAIRE UN INGÉNIEUR DU SON

1. SON TRAVAIL CONSISTE À SIMPLIFIER ET À SERVIR DE MÉDIATEUR

Les gens viennent chez quelqu’un comme moi soit pour obtenir des conseils, soit pour avoir accès à un ensemble d’outils dans lequel ils n’investiraient pas autrement. Je dispose d’un certain nombre de plug-ins et de matériel qui permettent de s’assurer que les choses sonnent bien et se traduisent bien sur le plus grand nombre de supports possible. De plus, j’ai accès à des outils de création dont les artistes ignorent peut-être l’existence, mais qui pourraient s’appliquer à leur son.

De plus, les artistes viennent me voir pour obtenir des conseils sur la manière d’utiliser leur son. Ont-ils besoin d’éléments supplémentaires pour atteindre leurs objectifs? Ont-ils un blocage d’écriture, ou leurs compétences les limitent dans ce qu’ils veulent faire ensuite? C’est mon travail de trouver des ressources qui les aideront à atteindre leurs objectifs. Ces ressources sont un sujet que j’aborderai plus loin dans cet article.

2. SON TRAVAIL CONSISTE À COMPRENDRE LE GENRE AVEC LEQUEL ILS TRAVAILLENT

how to communicate with audio engineer

Tous les genres ne sont pas les mêmes et nécessitent un équipement différent. Si vous deviez enregistrer un disque de cow-boy du Far West, ce n’est probablement pas la meilleure idée de se tourner vers un producteur de micro house. Cependant, des groupes de rock sont venus me voir parce qu’ils voulaient que l’essence de leur album soit électronique, tout en restant un album de rock.

Si vous venez me voir en tant que producteur microhouse, c’est que je suis dans ce genre depuis un certain temps et que j’ai beaucoup de ressources à ma disposition. Il m’est donc facile de les exploiter et de trouver des références ou de communiquer avec d’autres artistes qui ont des astuces pour vous aider à porter votre morceau au niveau supérieur.

Cette compréhension du genre me permet de faire de l’ingénierie inverse sur certains aspects de la musique et de l’appliquer à votre morceau. Vous avez un problème avec la simulation d’un certain effet de texture que vous avez entendu sur une piste microhouse? Il y a de fortes chances que je sache comment s’en approcher avec les ressources et l’expérience que j’ai.

De plus, nous savons comment contrôler des choses comme les basses fréquences si vous créez une chanson destinée au club. N’oubliez pas qu’il y aura une compétition entre les fréquences communes d’une autre chanson, comme le kick ou le hi-hat. Il est bon de savoir comment modérer ces choses pour un environnement de club, et c’est là que les ingénieurs entrent en jeu.

 

3. LES INGÉNIEURS DU SON COMPRENNENT LES ASPECTS TECHNIQUES D’UNE SORTIE

Savez-vous à combien de LUFS doit se situer le volume sonore d’une piste exportée en sortie du limiteur pour être correctement normalisée sur Spotify? Et pourquoi pas SoundCloud ou Beatport? Chaque plateforme a des variations de volume différentes dans son codec, et souvent, si vos morceaux ne sont pas téléchargés en tenant compte de ces normes, il peut y avoir des problèmes de traduction. C’est là qu’interviennent les ingénieurs du son. Nous comprenons ces choses ennuyeuses et non créatives et nous savons comment les réaliser dans le mixage et le master, afin que vous puissiez vous concentrer sur votre créativité. Mais si vous voulez apprendre, nous pouvons aussi jouer le rôle d’instructeur.

4. NOUS AIDONS À METTRE L’ACCENT SUR LES MEILLEURES PARTIES

Disons que vous avez un élément plus faible dans votre morceau. Nous pouvons le reconnaître, et aider à le faire ressortir dans le mix, ou même ajouter des éléments qui l’aideront à mieux passer à la partie suivante de la chanson.

 

CE QU’UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS FAIRE

1. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS PLAIRE À TOUT LE MONDE

La perception est la réalité, et certaines personnes ont une perception différente de ce que les choses sont censées être. Surtout lorsqu’il s’agit de leur art. Avec l’audio, les producteurs sont vraiment attachés à leurs sons, pensant qu’ils devraient être spécifiquement à cet endroit du mix, alors qu’en réalité, cela ne se traduira probablement pas comme ils le voudraient. Cela peut venir du fait d’entendre ce son encore et encore dans une pièce particulière, ou sur un support d’écoute pendant la création. Cependant, dans une pièce bien traitée, avec un équipement calibré, ou à l’inverse, dans un club avec un bon ou un mauvais système de sonorisation, il se peut que le son ne se traduise pas exactement comme vous l’aviez prévu. Certaines personnes sont plus judicieuses à ce sujet, et acceptent la réalité. Cependant, d’autres ne peuvent tout simplement pas être satisfaites.

C’est pourquoi j’adopte l’approche selon laquelle il vaut mieux endommager le moins possible un morceau, tout en laissant les fréquences respirer correctement, et le traduire sur le support sur lequel l’artiste imagine qu’il sera écouté.

C’est pourquoi il est important de savoir comment communiquer avec l’ingénieur du son, afin que nous puissions tous deux parvenir à une compréhension mutuelle grâce aux techniques dont je parlerai un peu plus loin.

 

2. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT JAMAIS DIRE CE QUI SONNE BIEN ET CE QUI NE SONNE PAS BIEN, ARTISTIQUEMENT

Pour développer l’idée d’endommager le moins possible un morceau, il faut noter que, comme tout autre art, la musique et le son sont subjectifs. Bien sûr, il y a de bonnes pratiques pour traduire quelque chose, et le téléverser correctement sur des plateformes, mais en ce qui concerne le timbre et l’esthétique d’un son, c’est absolument subjectif. Il y a une raison pour laquelle les admirateurs de techno ne peuvent pas être d’accord sur le fait que toute la techno est bonne, même si c’est le même genre. Là où tout le reste est identique, c’est le degré sonore qui définit en fin de compte une chanson.

Ce n’est pas pour rien que certains préfèrent les cris frénétiques et les lignes de basse martelantes du SH101 de Nitzer Ebb aux douces rêveries de John Prine. En fait, ils peuvent détester John Prine, et les admirateurs de John Prine peuvent détester Nitzer Ebb. Cela signifie-t-il que l’un est meilleur que l’autre? Non, parce que nos réalités sont subjectives.

C’est mon travail de vous aider à obtenir le son que vous désirez réellement, en utilisant des références à d’autres morceaux, ou en ayant une communication claire et simple.

Cependant, il faut noter que nous savons ce qui sonne bien, techniquement. Par exemple, si vous faites de la musique pop, ou si les gens écoutent votre musique (alternative ou pop), ils aiment les médiums, parce que les médiums se traduisent mieux sur les systèmes de haut-parleurs courants, et les écouteurs. Il y a de fortes chances que si vous soumettez votre morceau sur un blogue, il ne sera pas écouté sur un système de sonorisation : il peut être écouté sur un téléphone, allongé sur le lit, et donc riche en médiums.

3. FOURNIR UNE CRITIQUE SANS AVOIR DE SOLUTION

Le talent est subjectif. Il en va de même si quelque chose semble bon. Par conséquent, si un ingénieur donne un avis ou dit que quelque chose pourrait être mieux, il est de son devoir professionnel d’avoir un moyen de l’arranger. C’est pour cela que nous sommes engagés. Cependant, si vous ne recherchez pas ce genre de retour d’information, il est bon que ce rôle soit clairement défini à l’avance.

 

CONSEILS POUR COMMUNIQUER AVEC UN INGÉNIEUR DU SON

1. GARDER LES CHOSES SIMPLES

how to communicate with audio engineer

Les ingénieurs comprennent que les artistes ont beaucoup de choses à dire sur leur travail et qu’ils peuvent utiliser un langage poétique pour le communiquer. Et cette prose conduit parfois à l’élaboration. Cependant, il existe un dicton dans le domaine de la vente, appelé K.I.S.S., qui signifie « Keep It Simple, Stupid » (« Garde ça simple, idiot », dans le sens de « ne complique pas les choses »). C’est parce que les gens comprennent les choses si elles sont simplifiées. Pas besoin d’être technique, ou d’élaborer. Il suffit de dire ce que vous voulez dire. Un bon moyen de communiquer facilement est de donner des exemples de choses qui existent déjà. Soyons réalistes, rien n’est nouveau sous le soleil, donc si nous pouvons identifier l’origine de cette idée, alors peut-être qu’elle peut être recréée, avec un épanouissement qui la fera vôtre.

Pas besoin d’écrire une page entière de texte. Au lieu de cela, il suffit de rester simple. N’utilisez pas non plus de mots vagues comme « Je veux que ça sonne bien ». Cela ne veut rien dire, et c’est subjectif. Ce qui m’amène à mon prochain point…

2. FOURNIR DES RÉFÉRENCES

Pour compléter ce que j’ai dit plus tôt, nous empruntons tous des idées. Même si votre track emprunte beaucoup d’idées différentes et crée quelque chose de nouveau, si vous réfléchissez bien, vous pouvez trouver des morceaux qui donnent le sentiment que vous recherchez, qui peuvent donner des indices sur les fréquences, et maîtriser les caractéristiques que vous voulez égaler.

Les références n’ont pas non plus besoin d’être sonores, elles peuvent être culturelles. Disons que vous imaginez que votre chanson sera jouée en after-hours. Cela signifie que la chanson sera probablement jouée dans un endroit peu fréquenté, ou dans un lieu long et étroit qui n’est pas habituellement utilisé pour la musique. Cela nécessite un mixage spécifique et un prémastering pour exprimer correctement tout son potentiel.

De plus, il y a des moments où l’on crée quelque chose qui n’existe pas. Je ne peux pas savoir comment créer quelque chose s’il n’y a pas de référence, alors ne demandez pas cela, car il est impossible de le savoir sans d’interminables ajustements.

3. CONTACTEZ-NOUS AVANT D’ACHETER

C’est vrai surtout si vous avez des doutes. Vous n’engageriez pas quelqu’un sans l’avoir testé normalement, alors pourquoi cela serait-il différent? Si vous avez une chanson qui, selon vous, pourrait correspondre à mon esthétique, mais pas tout à fait, alors laissez-moi l’écouter, et je vous ferai savoir si je pense qu’elle vaut la peine d’être travaillée. Croyez-moi, je ne veux pas travailler sur des projets inutilement difficiles, comme vous ne le faites pas.

Vous seriez surpris de voir sur quels projets j’ai travaillé. Par exemple, même si je fais de la musique « underground », j’ai travaillé sur un projet EDM, parce que le producteur aimait que je ne sonne pas EDM.

4.CONNAÎTRE QUELQUES TERMES DE BASE

En tant que producteurs, beaucoup ont au moins quelques connaissances de base sur le spectre de l’ingénierie du son. La plupart savent ce que sont les égaliseurs et les compresseurs, ainsi que la réverbération ou le délai. Ils savent également ce que signifient mono et stéréo. Cependant, il peut y avoir des choses plus spécifiques qu’ils ne connaissent pas, par exemple la différence entre un master transparent et un master coloré. Un master transparent est un mixage dont vous êtes satisfait, mais vous voulez que tout soit bien équilibré. Un master coloré est un mix dont vous n’êtes pas totalement satisfait, et pour lequel vous souhaitez ajouter des textures et d’autres éléments, tels que la compression et la saturation, afin de faire ressortir de nouveaux éléments. En d’autres termes, cela ne vous dérange pas que les choses soient modifiées.

LES AUTRES TERMES COURAMMENT UTILISÉS DANS LES STUDIOS POUR DÉCRIRE LES FRÉQUENCES SONT :

Muddy (Boueux) : Trop de basses.

Boxy : Trop de médiums.

Tinny : Les médiums supérieurs ou les aigus inférieurs ont besoin d’être réduits.

Bright (Brillant) : Semblable à « Tinny ».

Airy (Aéré) : Les hautes fréquences. Celles qui peuvent briser le verre.

Warm (Chaud) : Réduire les aigus ou augmenter les basses fréquences pour donner une sensation de chaleur.

5. NE PAS FAIRE DE LA MICROGESTION

Vous détestez la microgestion au travail? Eh bien, tout le monde la déteste aussi. En faisant de la microgestion, vous vous détournez du travail qui pourrait être fait sur votre projet en indiquant des choses que l’ingénieur reconnaît, mais qui ne doivent pas être faites, ou qui ne sont peut-être même pas nécessaires une fois qu’un autre processus sera fait. Nous sommes des professionnels ; soyons professionnels.

 

Conclusion :

Tout compte fait, si vous apprenez à communiquer correctement avec l’ingénieur du son, vous vous améliorez dans ce que vous faites, parce que vous poursuivez votre formation en comprenant les termes. En outre, vous devenez plus facile à travailler avec et, à un niveau professionnel, un travail facile peut vous mener loin.

Cet ensemble de compétences vous aidera également dans d’autres entreprises artistiques, telles que la collaboration musicale à distance, ou la réalisation de projets DAW collaboratifs, ou même de projets DAW collaboratifs en ligne.

Nous espérons que ce guide s’avérera utile pour aider les artistes à communiquer avec les ingénieurs du son. Comme dans la plupart des choses dans la vie, une communication solide, signifie une expérience solide.

 

Trouver un label à la recherche de talents

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Alors, vous cherchez un label à la recherche de talents? Nous avons beaucoup parlé de la collecte de références pour vos mixages dans les articles précédents. En utilisant un logiciel qui vous aide à faire correspondre le ton d’une piste que vous aimez, avec une certaine analyse, vous pouvez maintenant faire de l’ingénierie inverse pour éventuellement parvenir à quelque chose de similaire. Grâce à cette approche, vous finirez par avoir de la musique que vous voulez faire écouter et qui sera finalement publiée sur un label à la recherche de talents.

Il y a de nombreux avantages à être sur un label. J’ai déjà abordé ce sujet dans de précédents articles. Cependant, l’essentiel est que le fait d’être sur ces labels vous donne accès à une communauté d’artistes que vous appréciez, vous procure une reconnaissance sociale par vos pairs et peut vous apporter des distinctions à exploiter pour obtenir plus de dates. Être sur un label crédible permet également aux artistes de gravir les échelons vers des labels plus importants, tout comme le fait d’avoir un emploi sur votre CV permet de passer à des emplois plus prestigieux.

 

LES LABELS INDÉPENDANTS PAR RAPPORT AUX GRANDS LABELS

Trouver un label à la recherche de talents (comme vous!) revient à avoir une chanson qui correspond à l’esthétique du label. Vous ne sortiriez pas une chanson Dubstep sur un label boutique Minimal Techno, tout comme vous ne sortiriez pas une chanson Minimal Techno sur un label boutique Dubstep. Bien qu’il s’agisse de musique électronique, les contacts auxquels ce label enverrait la chanson sont intrinsèquement différents, puisque les DJ de Dubstep ne mixent généralement pas de Minimal, et vice versa. Cela est particulièrement vrai pour les labels indépendants à la recherche de talents. 

Les grandes maisons de disques (major labels) peuvent avoir une approche plus large des genres qu’elles acceptent, et peuvent signer un morceau de techno minimale, et un morceau de Dubstep puisqu’elles ont plus de ressources pour gérer un son diversifié et que ces genres ont une place dans leur modèle commercial. Cependant, pour se faire remarquer par ces labels, il faut une capacité de commercialisation que beaucoup de petits artistes n’ont pas. Vous avez déjà besoin d’une base de fans solide, d’une marque et de morceaux professionnels.

Parfois, il est possible d’avoir de la chance avec le talent seul, et d’être au bon endroit au bon moment, mais ce n’est pas la norme. Donc si vous décidez de soumettre une démo à Atlantic Records et que vous n’avez pas de base crédible, c’est comme jouer à la loterie. Bien sûr, que les grands labels soient la recherche de nouveaux talents est une chose, mais c’est une circonstance particulière s’ils sont sélectionnés.

 

COMMENT TROUVER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

Il existe de nombreuses approches à cet égard. Une façon solide est de faire une chanson basée sur un morceau de référence, et de voir sur quel label il a été signé. Si vous avez une stature similaire à celle de l’artiste référencé, il y a de fortes chances pour que vous soyez un bon choix. Si vous n’avez pas la même stature que cet artiste, cela ne veut pas dire qu’il a toujours été à ce niveau. Retournez dans son catalogue, et voyez sur quels labels il se trouvait lors de ses précédentes sorties. Ensuite, assurez-vous qu’ils acceptent les démos. Ils le diront généralement sur leur site, ou sur les médias sociaux s’ils le font. Assurez-vous qu’il s’agit de messages et de sorties récentes également. Les petits labels ne durent pas éternellement, tout comme les petites entreprises, et les informations peuvent ne pas être à jour, surtout s’ils n’existent plus. 

Ensuite, vérifiez s’ils ont conservé la même esthétique sonore. Les labels évoluent. Ce n’est pas parce qu’ils étaient dans le Minimal en 2007 qu’ils sont dans le Minimal en 2020. Ils pourraient être dans la Hard Techno maintenant, puisque c’est ce qui se vend. 

Une chose à garder à l’esprit est que beaucoup de labels populaires ont des sous-labels plus petits qui répondent aux besoins des artistes en devenir. Assurez-vous d’y prêter attention. Par exemple, Get Physical a aussi Poesie Musik, qui propose un son mélodique et signe de petits artistes.

Si vous faites partie d’une scène et que vos collègues ont signé pour un label qui correspond à votre son, demandez à être présenté. C’est la façon la plus sûre de se faire connaître par un label. 

 

COMMENT ABORDER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

En gardant à l’esprit l’esthétique d’un label, on peut se poser la question suivante : faut-il faire de la musique en pensant à un label, ou trouver un label basé sur la musique que l’on fait?

Il est difficile de répondre à cette question et il n’y a pas de réponse universelle non plus. C’est la question de la poule ou de l’œuf. Il y a différentes options et peut-être que l’une d’entre elles vous conviendra le mieux. Mais examinons les différents types de réponses qu’elles peuvent vous apporter, car elles pourraient vous donner un aperçu de ce qui se passe. C’est là que beaucoup de gens s’embrouillent.

Dans le scénario le plus courant, les gens viennent me voir pour un mix et mastering avec l’idée terminer de la musique. Une fois que c’est fait, la question qui revient toujours est « et maintenant? » Parfois, il arrive que je vienne de faire le mastering d’une musique similaire et que je suggère certains de mes clients ou, dans d’autres cas, que cela me rappelle quelqu’un que je connais, alors après avoir consulté Discogs, je partage un ou deux indices. C’est l’approche « trouver un label qui cherche un talent qui correspond à quelque chose de déjà fait ». 

La deuxième option consiste à trouver un label sur lequel vous voulez être et à concevoir une musique qui lui corresponde. Vous analysez les BPM des chansons, vous prenez des références de son genre, vous incorporez le timbre et l’instrumentation que vous entendez dans les morceaux. Vous vous assurez que votre mix et votre master ont une couleur similaire à ceux du label.

Cependant, il arrive que vous puissiez faire tout cela et que l’œuvre soit considérée comme peu originale, parce que ce que vous avez fait a été stérilisé par la recherche d’éléments particuliers. Même les labels ayant un son spécifique ne veulent pas que leur travail soit peu original, ils veulent qu’il soit complémentaire. C’est une compétence qui demande beaucoup de dévouement et de pratique pour être affinée. Le processus qui consiste à créer quelque chose de contextuel, mais avec sa propre signature, est l’une des choses les plus difficiles qu’un artiste puisse accomplir, quel que soit le support. Donc, si vous voulez adopter l’approche « trouver un label en produisant pour s’adapter au label », vous devez avoir confiance en vos compétences. En adoptant cette approche, vous diluez également votre potentiel à le soumettre à d’autres labels s’il est rejeté. 

Record label looking for talent

Credit : Tim Marshall

 

LES FACTEURS CLÉS À PRENDRE EN COMPTE EN APPROCHANT UN LABEL

Parfois, votre musique s’adapte parfaitement et vous y avez investi beaucoup de travail, mais le label la rejette. Que dit-il exactement? Ce qu’il dit, c’est que vous n’avez probablement pas eu l’un de ces facteurs :

DÉTERMINATION

La chose la plus importante pour obtenir la signature d’un label est d’être déterminé. Les artistes doivent s’engager à être les meilleurs dans leur art. Ils doivent se consacrer à l’apprentissage des meilleures pratiques pour réussir en tant que musiciens, que ce soit en lisant des articles de blogue comme celui-ci ou en parlant à des pairs qui ont réussi. N’oubliez pas que les artistes vont souvent échouer dans ce qu’ils essaient de faire. C’est une réalité. C’est ce qu’ils font après avoir échoué qui les définit. Comme l’a dit Winston Churchill, « Le succès n’est pas définitif, l’échec n’est pas fatal, c’est le courage de continuer qui compte ».

POTENTIEL COMMERCIAL

Credit: Jorik Kleen

Ensuite, vous voulez vous assurer que vous êtes commercialisable. Oui, tout comme les grands labels, les labels de type boutique veulent s’assurer que les artistes ont une marque. La marque peut parfois être considérée comme l’antithèse de la créativité, mais elle a toujours été une nécessité en musique. Nommez un musicien avec un succès raisonnable qui n’a pas d’image? Les artistes doivent s’assurer que leurs médias sociaux sont en ordre, avoir un dossier de presse électronique, avoir un site web, prendre quelques photos de presse et avoir l’air de s’en soucier. 

En fonction de la taille du label à la recherche de talents, les artistes doivent s’attendre à avoir une base de fans qui est relative à la stature dudit label. Si un artiste n’a que quelques sorties et quelques centaines de fans sur Facebook, il n’est peut-être pas judicieux de s’adresser à un label comme Toolroom Records ou Kompakt. Il est fort probable que leur démo se perde dans le lot, pour ainsi dire.  

SOUMETTRE VOTRE MEILLEUR TRAVAIL

La suite devrait être évidente, mais elle mérite quand même d’être mentionnée. Les artistes doivent s’assurer de présenter leurs meilleurs travaux aux labels qui recherchent des démos. Assurez-vous que tout est bien mixé, et mieux encore, que tout est masterisé. Je peux fournir ces services à un prix raisonnable, et cela contribuera grandement à montrer aux labels qu’il s’agit de musique sérieuse. 

AVOIR UN RÉSEAU SOLIDE

Un autre facteur important pour obtenir des contrats avec des labels compétitifs à la recherche de talents est le travail en réseau. Les artistes doivent veiller non seulement à se nourrir eux-mêmes, mais aussi à nourrir tous ceux qui les entourent. La réciprocité est très importante en tant qu’être humain, alors soyez utile. Les ponts qui brûlent n’éclairent pas toujours le chemin. Comme je l’ai mentionné dans les articles précédents, c’est le moyen le plus sûr de signer avec un label de votre choix. 

PERSONNALISATION

Enfin, lorsque vous vous adressez à un label, veillez à ajouter une touche personnelle à votre démarche. Si vous pouvez trouver le nom de l’A&R, c’est utile. Si vous connaissez quelqu’un qui travaille pour eux, ou qui est en relation avec eux, faites-vous recommander ou mentionnez leur nom. Vous pourrez peut-être indiquer pourquoi vous pensez que votre son correspond bien au label. Plus vous pouvez personnaliser, plus vous avez de chances de vous faire entendre, car cela montre que vous êtes dévoué.

 

DERNIÈRES RÉFLEXIONS SUR LA RECHERCHE D’UN LABEL

Si vous suivez ces approches, vous avez alors une probabilité beaucoup plus élevée d’être signé par un label. Mais personne n’a dit que ce serait facile. Ce n’est pas pour rien que beaucoup de gens se moquent de l’art en tant que cheminement de carrière. Cependant, si vous êtes prêt à vous investir, à vous constituer un réseau et à faire preuve de diligence dans votre métier, ce peut être un travail long et gratifiant qui peut vous faire voyager à travers le monde et vous présenter à des personnes incroyablement intéressantes et talentueuses. N’oubliez pas que sans art, il n’y a pas de culture, et que sans culture, il n’y a pas de société. Ne laissez personne vous dire que ce que vous faites n’a pas d’importance. Ce qui compte, c’est que vous devez travailler dur. Il n’y a pas de raccourcis (sauf si vous avez un fonds d’affectation spécial et une famille soudée).

L’essentiel du Home Studio : Kits de démarrage pour la production de musique électronique

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Je vais être très honnête ici : si vous aimez mon blogue et que vous voulez me soutenir dans mon objectif de partager mes connaissances, vous pouvez acheter directement à partir des liens ci-dessous, car cela m’apportera une petite commission en retour. Merci !

En raison de la demande populaire et parce que je reçois des questions sur ce qu’il faut acheter pour commencer pour faire de la musique électronique presque tous les jours, j’ai décidé de couvrir le sujet en fonction de différents niveaux d’investissement. Si vous suivez le plan que j’expose ci-dessous, vous n’échouerez pas et vous ne serez pas induits en erreur dans vos décisions d’achat. Cette liste est basée sur des années de discussions avec les gens, de consultations avec les clients et d’essais personnels. Comme nous l’avons déjà mentionné dans un article précédent, nous commencerons par le niveau où vous êtes complètement débutant, puis nous construirons à partir de là. Si vous avez besoin de conseils au-delà des premiers niveaux, faites défiler vers le bas pour accéder aux conseils pour des budgets plus importants et des niveaux de production plus avancés.

KIT NIVEAU 1 : DÉBUTANT

Votre niveau de connaissance : néophyte, vous envisagez de faire de la musique.

Inclus : Ordinateur portable, DAW et casque d’écoute.

Vous n’avez pas besoin de grand-chose pour commencer à faire de la musique. Il y a un mythe que beaucoup de gens croient, que plus vous avez d’équipement, meilleure est la musique que vous ferez et donc qu’il s’agit d’une perte de temps si vous n’avez pas beaucoup d’argent à investir dans les premières étapes. C’est faux, je connais de la musique assez extraordinaire qui a été faite sur les configurations les moins chères que vous pouvez imaginer.

La seule chose que je vous encourage fortement est d’obtenir une version démo d’Ableton, Reason ou Bitwig pour voir lequel vous semble le meilleur, mais mon choix personnel sera toujours Ableton, que j’utilise depuis 2002.

Pour votre ordinateur portable, si vous pouvez investir dans un PC ou un MAC avec au moins un processeur i5 ou i7 et un disque dur SSD, cela fera une différence énorme dans la façon dont vous serez en mesure de gérer les ressources nécessaires. Les plug-ins et les logiciels dépendent principalement d’un processeur puissant pour traiter l’information, tandis que le disque dur rapide permet d’optimiser la façon dont les samples sont lus. Si votre disque dur est lent, il peut créer d’importants ralentissements si vous lisez des fichiers volumineux. Un SSD externe est essentiel si vous comptez sur quelque chose qui n’est pas interne. En ce qui concerne la RAM, plus la RAM est élevée, mieux c’est. Pour l’instant, je trouve qu’un minimum de 6GB fera une différence, mais si vous pouvez en obtenir plus, c’est encore mieux. Une RAM élevée est également un élément essentiel du bon fonctionnement de votre station de travail audionumérique.

DISQUES DURS ET ORDINATEURS PORTABLES

DISQUE DUR EXTERNE SSD de TOSHIBA


ASUS ZENBOOK ULTRA-SLIM LAPTOP, 13.3″ FULL HD, 8GB RAM, 256GB SSD

Vous aurez besoin d’une bonne paire d’écouteurs. Et si finalement vous n’aimez pas la production musicale, vous aurez toujours une bonne paire. Je trouve qu’il peut être trompeur de ne pas y investir beaucoup d’argent, alors si vous le pouvez, obtenez le meilleur que vous pouvez obtenir. Je propose ici des paires pour différents budgets.

CASQUES D’ÉCOUTE (HEADPHONES)

AUDIO-TECHNICA ATH-M20X

SONY MDRZX110NC OVER-EAR À ISOLATION SONORE

AUDIO-TECHNICA ATH-M50X

SENNHEISER HD 598 CS

SENNHEISER HD1 OVER-EAR

KIT NIVEAU 2 : PRENDRE CONFIANCE EN SOI

Votre niveau de connaissance : Vous avez fait quelques chansons et vous commencez à vous sentir limité par le kit de niveau 1 (casque et ordinateur portable).

Inclus : logiciel/plug-ins supplémentaires, haut-parleurs, contrôleur MIDI.

Ok, donc maintenant vous savez que vous voulez faire ça comme un passe-temps ou plus. Je pense qu’il est important d’avoir un meilleur monitoring que votre casque d’écoute, donc obtenir des haut-parleurs devrait être une de vos prochaines priorités. Il n’y a rien de plus important que d’aller à votre magasin local et de passer du temps à tester quelques paires de moniteurs avec la musique que vous connaissez. Alors, préparez votre téléphone et allez écouter, puis vous pourrez prendre une décision et acheter. Mes choix favoris ne fonctionnent peut-être pas pour votre style, mais en voici quelques-uns, y compris pour différents budgets.

HAUT-PARLEURS ET MONITEURS

GENELEC 8010 MONITOR SYSTEM 3″

ADAM AUDIO T7V 7″ ACTIVE STUDIO MONITOR

FOSTEX PMO.3B 3″

YAMAHA HS5 STUDIO MONITOR

CONTRÔLEURS MIDI

Un bon investissement est d’ajouter des contrôleurs à votre DAW afin que vous vous sentiez un peu plus humain dans la façon dont vous interagissez avec votre musique. Cela peut aller d’un contrôleur midi basé sur un pad, à un clavier ou à une table de mixage midi. Cela dépend vraiment de ce que vous faites avec votre musique, mais n’importe lequel d’entre eux sera utile d’une manière ou d’une autre.

AKAI PROFESSIONAL MPK MINI MKII | CONTRÔLEUR USB CLAVIER MIDI 25 TOUCHES & DRUM PAD

MIDIPLUS AKM320 CLAVIER MIDI

ICON I-CONTROLS-POTABLE 9-FADER MIDI CONTROLLER

Si vous êtes sérieux au sujet de votre musique, vous voudrez du matériel original et il est important d’investir dans de bons synthés. Vous pouvez alors combiner des contrôleurs avec des sons. KOMPLETE de Native Instruments est un investissement puissant et rentable pour les années à venir. Sinon, Arturia est aussi assez surprenant.

NATIVE INSTRUMENTS KOMPLETE KONTROL S25

CONTRÔLEUR MIDI USB ARTURIA KEYLAB 25 TOUCHES

KIT NIVEAU 3 : LE HOBBYIST

Votre niveau de connaissance : Vous passez beaucoup de temps à faire de la musique et parvenez à terminer vos chansons.

Inclus: logiciel/plug-ins supplémentaire, mises à jour de l’équipement.

À ce stade, vous pouvez faire de la musique, finir des chansons, et peut-être faire signer certains de vos morceaux sur un label. C’est le stade où se trouvent la plupart de mes clients. En général, leurs besoins sont à peu près les mêmes. Beaucoup n’ont pas investi dans un bon monitoring, qu’il s’agisse d’une carte son ou de moniteurs. Une carte son/interface de qualité fera une grande différence dans la qualité de votre son. Cela semble assez évident, mais beaucoup de gens avec qui je travaille doivent encore être convaincus… jusqu’à ce qu’ils en acquièrent une et viennent me dire que j’avais raison ! Les cartes son ne sont pas comme les moniteurs, ce n’est pas une question de goûts personnels, mais une question de compréhension de ce dont vous avez besoin. La toute première question que vous devriez vous poser est « combien de matériel dois-je enregistrer ? » parce que cela déterminera le nombre d’entrées dont vous avez besoin dans votre interface. Vous pourriez toujours obtenir une petite table de mixage pour vos entrées son puis l’acheminer vers deux entrées stéréo, mais certaines personnes préfèrent avoir plusieurs entrées audio.

INTERFACES AUDIO ET CARTES SON

INTERFACE AUDIO LA PLUS BASIQUE : FOCUSRITE

FOCUSRITE SCARLETT-SOLO GEN2 INTERFACE AUDIO USB

BUDGET MOYEN : MOTU — QUI FAIT AUSSI D’EXCELLENTS CONVERTISSEURS POUR L’ENREGISTREMENT.

MOTU MICROBOOK IIC INTERFACE AUDIO USB

BUDGET ÉLEVÉ : RME

RME BABYFACE PRO PROFESSIONAL INTERFACE AUDIO USB 24 CANAUX AVEC TOTALMIX FX

Ma suggestion personnelle est d’opter pour l’UAD Apollo Twin, qui vous donne aussi accès à tous leurs plug-ins et à la puissance de leur CPU externe.

BUDGET ÉLEVÉ : UAD

UNIVERSAL AUDIO APLTWSII APOLLO TWIN MKII SOLO

Je trouve qu’à ce stade, investir dans un logiciel pour définir votre son et sortir du son interne de votre DAW est une bonne idée. Certaines compagnies que j’adore sont U-He avec leurs synthés étonnants comme Diva, Bazille ou le compresseur Presswork. Je suis aussi sur la liste de diffusion de Plugin Boutique pour obtenir des rabais quotidiens sur les logiciels. Non seulement j’apprends ce qui existe, mais il devient alors possible d’obtenir des rabais pour les plug-ins sur lesquels j’ai eu l’œil. Suivre KVRAudio est aussi une habitude essentielle.

KIT NIVEAU 4 : LE BUNDLE SÉRIEUX

Votre niveau de connaissance : Vous devenez très sérieux et voulez être semi-professionnel.

Inclus : Logiciels/plug-ins supplémentaires, équipement et amélioration du studio.

À ce stade, vous avez organisé votre studio et tous les éléments essentiels sont couverts. Habituellement, c’est là que vous vous sentirez prêt à investir dans des synthétiseurs modulaires, des synthétiseurs, des effets externes et à peaufiner ce que vous avez déjà. Avant toute chose, je vous suggère de vous assurer d’avoir quelque chose pour couvrir les basses fréquences. Si vous avez des voisins et que vous voulez toujours de bonnes relations avec eux, j’opterais pour un Subpac :

BASSES ET SUBWOOFERS

SUBPAC M2X WEARABLE PHYSICAL AUDIO SYSTEM

Cette chose m’a vraiment été utile à la maison et m’a aidé à obtenir des mixs plus précis. Il existe cette version portable, mais aussi une version moins chère pour votre dos lorsque vous êtes assis sur une chaise. C’est une pièce d’équipement qui vous donne l’impression physique d’avoir un subwoofer. Si vous pouvez obtenir un sub, c’est encore mieux. Je peux en recommander beaucoup, mais habituellement quelque chose comme le Yamaha HS8s Studio Subwoofer fera l’affaire pour la maison ou pour un petit studio.

Assurer les basses fréquences est vraiment une partie importante de la musique, et vous ne pouvez y arriver qu’en étant capable d’entendre ce qui se passe là en bas. Pour l’ajuster, vous n’aurez pas vraiment besoin de l’entendre autant que de le sentir, ce que le Subpac fait aussi.

SYNTHÉTISEURS

Pour ce qui est des synthés, il y en a beaucoup d’excellents. Si vous pouvez vous rendre dans un magasin pour en faire l’essai en personne, je vous recommande de le faire. Je peux expliquer dans mes propres mots les détails techniques des sons que chaque synthétiseur peut produire, mais tester un synthétiseur est la meilleure chose à faire, pour savoir s’il s’adaptera vraiment à ce que vous faites. Je pense qu’à mon avis, lorsque vous aurez un synthétiseur, il deviendra un élément important de votre identité artistique. Je vais énumérer quelques-uns de mes préférés, basé sur différentes branches et esthétiques : Roland, Korg, Moog, Elektron.

ASTUCE : Cherchez toujours des démos de synthés sur YouTube pour voir comment ils sonnent !

ROLAND : ESTHÉTIQUE — SON CLASSIQUE

Pilier du monde de la musique électronique, Roland en a fondamentalement façonné ses débuts avec les boîtes à rythmes et le TB-303, source des tonalités acides originales ou encore le Juno qui a façonné la Trance/Deep Techno. Après avoir été silencieux pendant des années, Roland est revenu en force, déployant des produits super solides tels que le Roland Aira TR-8 Rhythm Performer pour la 808, fortement recommandé si vous voulez des kicks classiques. Le son est très classique, propre et efficace. Je recommande le Roland GAIA SH-01 Synthesizer qui a fait un grand retour dans de nombreux genres au cours des dernières années et qui est loin d’être dépassé.

KORG : ESTHÉTIQUE — AVANT-GARDISTE, MODERNE, PROPRE ET CHALEUREUX.

Abordons les bases de Korg comme je connais certains d’entre eux. Le favori pour le moment est certainement le Synthétiseur Analogique Semi-modulaire Korg MS-20 Mini qui est un bon compromis de synthétiseur analogique grâce à ses options de patching. Il peut sembler très moderne et expérimental, mais il peut aussi faire penser à la science-fiction des années 50. Il demande un peu de temps d’apprentissage, mais l’investissement est très gratifiant une fois que vous plongez dedans. Très imprévisible à certains moments, il peut fournir de nombreuses idées remarquables.

Un autre est le Korg Minilogue 4-Voice Polyphonic Analog Synth un synthé super cool qui sonne très propre et moderne. Il est capable de faire des basses précises aussi bien que des pads flous et chauds. Excellent pour la techno.
Il y a aussi une version moins chère. Enfin, super utile et amusante : la série Volca. Il y a un joli petit synthétiseur FM dans cette série — un copain très puissant qui peut fournir des sons vraiment chauds.

MOOG : ESTHÉTIQUE — GRAS, ROND, SON ELECTRO, VINTAGE ET RUGUEUX

Moog est un incontournable pour son nom et l’héritage qu’il a laissé au fil des ans dans tant de chansons que nous avons tous entendues. Les basses grasses et sales proviennent souvent de Moogs et les mélodies audacieuses sont une marque de commerce. Si vous voulez plonger votre orteil dans le monde modulaire, le Mother est une excellente machine à acquérir. Ses sons sont vraiment, vraiment chauds et épais et le patching board est bien conçu pour que vous puissiez commencer intuitivement. Le Moog Sub Phatty est un autre favori de beaucoup pour le nom qu’il porte, et pour ce que vous obtenez en retour. Le Moog Minitaur Bass Synthesizer est une autre bête qui peut produire des sons extrêmement puissants, basses, kicks et leads.

ELEKTRON : ESTHÉTIQUE – TECHNO BERLIN, MUSIQUE DANCE MODERNE ET UNDERGROUND.

Cette société est actuellement le leader préféré des studios. C’est la définition d’un grand nombre des titres techno actuels qui sortent. Le principal badass ici est l’Elektron Digitakt. Il y a deux choses qui définissent le succès de ce monstre : il sonne bien et l’intégration avec Ableton/DAWs en fait un compagnon de bureau idéal. Si vous avez le budget, vous pouvez également obtenir le Elektron Analog Keys qui est une autre brute. Des possibilités folles sur celui-ci et des ressources pour faire à peu près tout ce que vous voulez.

8 erreurs courantes de mix et production audio

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Depuis le lancement de mon label et après des années à recevoir un grand nombre de démos et d’artistes, j’ai remarqué que la plupart du temps, les nouveaux producteurs et musiciens font le même genre d’erreurs lorsqu’ils sont au début de leurs années de production audio. Quand j’ai commencé mon studio à plein temps, j’ai aussi remarqué que j’avais — pour la plupart — les mêmes questions et frustrations au sujet de la production audio sur une base régulière. Cet article présente une liste des erreurs de mix les plus courantes et des erreurs générales que les musiciens commettent lorsqu’ils commencent à jouer.

LES ERREURS LES PLUS COURANTES QUE JE VOIS DE LA PART DES MUSICIENS EN CE QUI CONCERNE LE MIXAGE ET LA PRODUCTION AUDIO :

NE PAS INVESTIR DANS DE BONS MONITEURS (HAUT-PARLEURS, ÉCOUTEURS).

C’est une des choses les plus importantes. Vous dépendez de ce que vous entendez pour obtenir des résultats de qualité. C’est toujours un peu déroutant pour moi, que certaines personnes ayant un monitoring médiocre espèrent rivaliser avec des artistes qui ont tant investi dans un studio professionnel. Si vous n’entendez pas ce que vous faites, c’est un peu comme travailler à l’aveugle et les résultats sur de bons systèmes sonores seront catastrophiques. Tant de gens vont tester la musique dans leur voiture pour voir si elle est bien faite, ce qui est en quelque sorte correct, mais pas productif.

Ce que je suggère, c’est d’essayer de passer un après-midi à écouter de la musique que vous connaissez sur différents haut-parleurs. N’investissez pas dans des moniteurs bon marché parce que c’est tout ce que vous pouvez vous permettre. Cela vous causera de nombreux problèmes en cours de route. Faites confiance à vos oreilles.

UN MANQUE DE RÉFÉRENCES

Vous ne pouvez pas produire de la musique de qualité si vous n’avez pas été exposé à de la musique de qualité. Cela signifie que vous devez avoir en votre possession une grande bibliothèque de musique pour écouter, mais aussi pour passer autant de temps à écouter de la musique qu’à la produire. Plus vous vous immergez dans une musique qui sonne bien, plus vos oreilles se familiarisent avec la façon dont les choses doivent sonner. Cela peut signifier écouter des vinyles ou des fichiers .wav de bonne qualité.

Ce que je suggère, c’est d’avoir des sessions régulières d’écoute, de manière attentive ou en fond sonore. Les deux sont importants. Faites une liste de lecture sur Spotify ou sur votre ordinateur, de musique que vous connaissez bien et entraînez vos oreilles à connaître cette musique dans ses moindres détails.

FAIRE TROP SOUVENT DES COMPARAISONS AVEC DES MUSICIENS PROFESSIONNELS

C’est l’inconvénient du référencement, car il peut vous jouer des tours. Je connais des gens qui ont des goûts étonnamment bons en musique et qui veulent commencer à produire, mais lorsqu’ils commencent à voir le travail qui les attend, ils deviennent vite frustrés. Si vous vous comparez à un artiste qui tourne depuis 20 ans, il y a de fortes chances que vous vous prépariez pour une défaite.

Ce que je suggère, c’est de se concentrer davantage sur l’expérience de faire de la musique que sur le résultat, au début.

PENSER QU’IL EST FACILE DE FAIRE DE LA MUSIQUE

On ne peut blâmer personne d’autre que la culture générale qui dit depuis des années que « faire de la musique électronique », c’est « appuyer sur quelques boutons ». Les gens voient un DJ avec les poings en l’air et ils pensent « Je pourrais faire ça…. ». Cet état d’esprit vous donnera un réveil brutal quand vous commencerez à travailler dans un DAW et à plonger dans la conception sonore. La musique électronique n’exige pas les mêmes compétences que le piano, mais elle sera exigeante en termes de détails techniques. Il y a tellement de possibilités que vous pouvez devenir fou en essayant de savoir par où commencer. Malheureusement, beaucoup de gens s’en rendent compte et deviennent déprimés.

Ce que je suggère avant de plonger dans la production musicale, c’est d’essayer de se lier d’amitié avec un producteur et de passer du temps en studio pour voir si vous appréciez vraiment cela. Regardez des vidéos sur la création musicale pour voir si vous voulez vous lancer également.

INVESTIR TROP, TROP VITE

Je pense au gars qui décide un jour de faire de la musique et qui revient à la maison avec 5000 $ d’équipement sans savoir s’il l’aime ou s’il sait ce dont il a besoin. Voyez d’abord ce que vous aimez faire, puis investissez autour de cela. La production musicale a tellement de dimensions différentes qu’il est important de connaître votre tasse de thé. Le DJing ? Vous aimez les synthés ? La conception sonore ? Faire des boucles ? Il y a des pièces d’équipement dont vous avez besoin en premier, comme je l’ai expliqué dans un article précédent, mais vous n’avez sûrement pas besoin de tout ce que vos amis vous diront d’acheter.

Ce que je suggère a été écrit dans un article précédent sur ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer. On me demande souvent ce dont vous avez besoin pour commencer à faire de la musique : un ordinateur portable et un casque d’écoute, c’est tout ce dont vous avez besoin au début. Construisez autour de ça.

LA RECHERCHE DU « SUCCÈS » AVANT D’ACQUÉRIR LES COMPÉTENCES

C’est un classique. Savoir ce que l’on aime est une chose, savoir ce que l’on fait le mieux en est une autre. Nous avons tous certaines compétences qui semblent naturelles et qu’il faut parfois explorer pour toutes les découvrir. Planifier sa carrière de DJ sans avoir fait quelques gigs et releases, c’est prendre un peu d’avance sur soi-même. Prenez votre temps, appréciez le plaisir de faire de la musique et le succès pourrait venir sur la route. La recherche du succès peut être comme poursuivre un mirage.
Ce que je suggère, c’est de se concentrer sur l’amour de faire de la musique avant toute autre chose. J’encourage souvent les gens à commencer avec peu de choses comme faire de la musique pour des amis ou partager avec des DJs locaux. Si vous construisez un réseau de 5 à 10 personnes, c’est suffisant pour construire lentement votre confiance en vous-même et finalement émerger au bon moment.

UN MANQUE DE PATIENCE

Faire des sons et de la musique de qualité, c’est comme brasser du vin ou de la bière : cela demande du temps, de la patience et une sorte d’isolement personnel pendant un certain temps. Il est important de vous empêcher de partager votre travail avec le monde entier avant qu’il ne soit vraiment terminé. Le maitre mot dans la production musicale est la patience et c’est la même chose pour tous ceux qui veulent passer à un autre niveau.

TECHNIQUES DE PRODUCTION AUDIO INADAPTÉES

Si nous parlons de technologie, ce sont des choses que je trouve toujours dans le travail des nouveaux producteurs. Vous pouvez peut-être commencer à changer vos techniques si vous vous reconnaissez dans cette liste.

  • Un manque de samples de qualité.
  • Ne pas utiliser d’EQs/compression. Celui-ci me surprend toujours.
  • Utiliser trop d’instances d’un effet au lieu d’utiliser les Sends/AUX.
  • Ne pas utiliser au moins un EQ or compresseur de très bonne qualité. Ils font vraiment une différence.
  • Ne pas utiliser de plug-in de channel strips dans le DAW.
  • Pas de mono pour la basses ou quoi que ce soit en dessous de 130hz..
  • Ne pas utiliser de swing/grooves.
  • Être à côté la plaque avec la saturation. Soit il n’y en a pas du tout, soit avec des outils qui ne font pas le travail. Obtenez-en une gratuitement pour avoir un bon kit de départ.
  • Manque de postproduction sur les sons. Chaque fois que vous pensez en avoir fini avec une chanson, vous vous rendez compte qu’il y a un certain nombre de détails que vous avez négligés. La route semble souvent sans fin…. parce qu’elle l’est.
  • Couper le kick trop souvent dans une piste. Cela tue l’énergie, surtout si vous avez de longues pauses sans kick.
  • Ne pas laisser aller les choses. Parfois, une simple idée peut porter une piste pendant un certain temps, mais vous devrez laisser les gens s’enfoncer dans leur esprit, alors pour ce faire, vous devez avoir confiance en ce que vous faites et laisser-aller. Trop souvent, les nouveaux arrivants craignent que l’auditeur s’ennuie et ils continuent d’ajouter ou de changer des choses.

Vous pouvez aussi demander de l’aide et je mettrai à jour cette liste avec plaisir !

Se fixer des objectifs

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Comme beaucoup d’entre vous le savent déjà, j’offre des services de coaching personnel depuis 2016, et j’ai pu observer des percées étonnantes avec mes clients. À chaque fois, il est préférable d’entamer une conversation pour connaître les objectifs qu’ils se sont fixés. Dans de nombreux cas, je les aide à voir la situation dans son ensemble et à trouver des moyens d’atteindre ces objectifs d’une manière très personnelle et unique à chacun d’entre eux.

Il y a beaucoup de mythes qui circulent à propos de la musique, ce qui n’aide vraiment pas les producteurs. J’estime qu’il est important de démystifier la désinformation et de partager à l’appui les objectifs les plus courants de la part de mes clients.

Les deux objectifs les plus courants que j’entends sont :
Je veux devenir un producteur connu et être signé sur plusieurs labels.
Je veux devenir assez respecté pour pouvoir tourner.

LE BUT D’OFFRIR MON SERVICE DE COACHING EST D’AIDER LES GENS À ALLER DE LÀ OÙ ILS SONT MAINTENANT, JUSQU’À CE QU’ILS VEULENT ÊTRE DANS LE FUTUR.

Avoir quelqu’un pour vous pousser de façon créative peut faire toute la différence, alors autant penser grand, n’est-ce pas ? Les grands objectifs exigeront souvent de grands changements, et je veux partager ma stratégie pour atteindre les objectifs de mes clients, qu’ils ne s’imaginaient pas atteindre d’eux-mêmes.

Une fois que vous vous êtes fixé un objectif, vous devez imaginer travailler en sens inverse pour déterminer tous les petits pas que vous devrez faire pour y arriver. Le truc, le travail acharné vous gardera concentré sur l’atteinte de vos objectifs, mais de temps en temps, des forces hors de votre contrôle feront une grande différence. L’une étant connue sous le nom de chance.

Il y a beaucoup de choses que vous ne pouvez pas contrôler dans votre quête pour devenir un producteur connu, principalement parce que se faire connaître implique que vous avez été au bon endroit, au bon moment. Même une tentative de reproduire pas à pas les actions d’un autre artiste qui a atteint un certain niveau de succès ne signifie pas que ces actions fonctionneront pour vous.

Il est très courant pour les artistes d’essayer de reproduire ce que d’autres avant lui ont fait, ce qui peut bien sûr fonctionner. Mais le résultat le plus probable sera d’être connu comme quelqu’un sans originalité si vous suivez les étapes de quelqu’un de près.

PENSER LARGE ET À LONG TERME, C’EST TRÈS BIEN ET CELA METTRA VOTRE VISION À L’ÉPREUVE, MAIS SOUVENT, PENSER TROP LOIN VOUS DISTRAIT DE CE QUI DOIT ÊTRE MIS EN MOUVEMENT À COURT TERME.

La vérité est que, où que vous vouliez aller en musique, vous devez d’abord produire une tonne de morceaux et trouver votre chemin dans ce processus. Bonus : (manière infaillible de savoir si vos pistes sonnent bien, traduction bientôt disponible.

Maintenant, l’un des objectifs les plus courants que j’amène les gens à se fixer est de commencer à compléter une piste par semaine. Leur principal ennemi dans ce processus est de s’attacher à l’endroit où la piste se terminera. On peut dire sans risque que nous espérons tous que notre musique attirera l’attention, sera jouée, sera signée, mais ces points sont souvent incontrôlables. Bonus : façons simples pour créer plusieurs pistes à partir d’une seule idée, traduction bientôt disponible.

Être signé, entendu ou joué dans des clubs ne devrait pas être votre destination finale, c’est simplement une étape dans chaque processus grandissant de votre vie de musicien. La preuve en est que la musique de mauvaise qualité peut souvent attirer beaucoup d’attention alors que certains morceaux fantastiques sont ignorés. Pourquoi ?

Cela m’amène au deuxième objectif le plus important vers lequel je travaille généralement et dont on parle souvent sur mon blogue : le développement de votre réseau. À mon avis, d’une façon ou d’une autre, tout se résume à cela. TELLEMENT plus que votre matériel, ou le nombre de remixes à votre actif. Le support sur lequel vous pouvez vraiment compter, ce sont les gens autour de vous à long terme. Votre réseau peut vous aider à accomplir du travail audacieux et de grandes choses, à vous surpasser, à grandir grâce à la collaboration et à l’inspiration.

À l’ère du numérique, de nombreuses personnes sont devenues moins sociales, ce qui peut rendre plus difficiles les sorties et les rencontres avec de nouvelles personnes. Je comprends ça. Pourtant, le fait de ne pas faire partie d’un réseau solide ne signifie pas que vous ne créerez pas de la bonne musique, cela signifie simplement que sans ce soutien, vous ne serez peut-être pas poussé à créer votre meilleure musique.

Enfin, trouver votre chemin concerne ce que vous voulez vraiment. Cela peut vous venir de deux façons : savoir ce que vous aimez, ce que vous aimez faire et ce que vous faites magnifiquement bien. Que vous le croyiez ou non, tout le monde a un talent, et grâce au travail et à la pratique, ce talent peut être reconnu dans le monde entier. Alors, quel est le vôtre ? Certaines personnes sont étonnantes dans la création d’arrangements dynamiques, d’autres dans la gestion d’un label. Lorsque vous pouvez relier ce que vous faites naturellement bien avec ce que vous aimez faire, vous entrerez dans une zone de flux où vous pourrez accomplir de grandes choses.

Ma destination en tant que coach est cette zone. C’est là où je veux conduire les gens. Je trouve beaucoup de réconfort à voir mes clients atteindre ce point, car cela crée vraiment une plénitude et récompense le travail qu’ils créent, ainsi que mon rôle dans le partenariat.

En fin de compte, est-ce que j’essaie de les détourner de leur objectif initial de signer sur des labels et de faire des tournées ? Non, pas du tout. Ce qui est vrai, c’est que je les prépare à y arriver en me concentrant sur la seule chose qu’ils peuvent contrôler eux-mêmes : leur croissance personnelle. Tourner et signer, cela implique d’être en contrôle de son art, de faire partie d’un réseau sain et fort, et de trouver un flow et une confiance en soi en tant qu’artiste.

 

Voir aussi : Make Your Music Bucket List Happen (Traduction bientôt disponible)

L’épuisement créatif dont personne ne parle

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Autour de 2008, alors que je revenais de chez le médecin, je me suis senti complètement perdu. Il m’a dit que je devais changer ce que je faisais parce que je me dirigeais tout droit vers l’épuisement créatif. À cette époque, dans ma carrière, j’avais pourtant l’impression d’être à mon apogée : je tournais, je sortais de la musique, je faisais des remixes, j’étais invité à de grands festivals et j’avais un emploi occasionnel à temps partiel comme professeur. Je n’avais pas à me plaindre : j’avais l’impression de vivre mon rêve.

Que se passait-il exactement ?

Avant de m’expliquer, je tiens à dire que cet article concerne ce que j’ai appris à la dure. Je parle d’une chose importante que personne ne vous dira :

Ce n’est pas parce que vous faites ce que vous aimez que vous êtes à l’abri de vos limites. C’est surtout parce qu’en faisant ce que vous aimez, vous pouvez oublier qu’il reste une forme de travail.

Quand tu fais ce que tu aimes, tu te sens invincible. Cela pourrait être lié à la sensation de flow, expliquée par Mihály Csíkszentmihályi, qui est un état dans lequel vous entrez lorsque vous créez ou devenez vraiment concentré. La musique, c’est de l’inspiration, et l’inspiration ne vient pas « quand on en a besoin », elle est simplement là ou non.

Comment reconnaissez-vous les signes annonciateurs d’un burnout ?

  • Négativité dans les discussions. Vous voyez-vous en train de parler négativement à vos amis ou sur les médias sociaux ? Il est intéressant de regarder une semaine de publications sur Facebook et de voir si vous avez été plus positif ou négatif.
  • Perte d’intérêt pour la musique ou tout ce que vous aimiez.
  • Désir d’annoncer que vous vous retirez (du DJing ou autre), que vous vendez tout votre matos, que vous supprimez des projets, que vous abandonnez.
  • Cynisme envers le monde de la musique, ce que vous faites, les autres qui font de la musique.
  • Jalousie, envie, découragement lorsqu’on fréquente d’autres artistes qui se débrouillent bien.

Notez si l’un de ces symptômes persiste.

Ces obstacles peuvent mener à l’épuisement professionnel :

SURMENAGE

Passer d’un emploi « normal » à temps plein à la transformation d’un passe-temps que vous aimez en emploi exige une courbe d’apprentissage assez abrupte. Il y a plusieurs choses à prendre en considération. L’argent dans la vie de l’artiste est la source d’un énorme stress. Non seulement vous ne pouvez pas prédire quand les choses vont fonctionner, mais lorsqu’elles fonctionnent, vous ne savez pas combien de temps ça va durer. Comme il n’y a pas de relation évidente entre le travail créatif que vous faites et ce que vous récoltez, il devient très facile de se surmener. Jumelez cela avec le plaisir de faire de la musique, et au début vous aurez l’impression d’avoir trop de temps sur les bras pour savoir quoi faire. Comme je l’ai décrit dans un article précédent sur le fait que passer beaucoup de temps en studio est contre-productif : vous pouvez facilement ruiner beaucoup de votre propre musique. Pendant les premières années où je faisais de la musique à temps plein, j’ai senti que je ne créais pas de la musique qui avait autant de sens que lorsque je travaillais et faisais de la musique sur le côté ; cette prise de conscience a changé ma façon de faire de la musique pour le mieux.

Dans mon cas, avec mon label (Archipel), le mastering, les tournées et tout le reste, je travaillais jusqu’à 60 heures par semaine. J’ai oublié de prendre soin de ma santé. Pas étonnant que je n’aie pas pu suivre le rythme après quelques années. Quand tu fais ce que tu aimes, ça n’a jamais l’air d’un travail… mais ça l’est.

ATTENTES

La gestion de vos attentes est extrêmement délicate dans le domaine des arts. Le but ultime est d’obtenir la reconnaissance, parce que beaucoup de choses se déroulent après cela. Vraiment ?

C’est très difficile à dire, et ça perturbe votre zen. Par exemple, si vous pensez que cette sortie sur un label spécifique vous donnera certaines opportunités, ou si vous pensez que jouer pour une gig vous amènera à avoir de meilleures gigs, ou travailler avec un agent vous donnera plus de visibilité, etc., toutes ces choses — en théorie — pourraient être vraies. Vous admirez des modèles qui ont atteint un niveau que vous voulez atteindre, mais il se peut que vous n’y arriviez jamais, même en faisant les mêmes choses.

Pourquoi n’y a-t-il pas une recette que vous pourriez suivre pour garantir des résultats ?

Les arts sont un grand pari ; une loterie où le résultat n’est pas déterminé par quoi que ce soit d’autre rationnel que — très probablement — le timing et le réseautage. Et même si vous avez raison, cela ne mènera peut-être à rien du tout.

La seule chose que vous pouvez contrôler, c’est votre patience et votre résilience. C’est à peu près tout.

Certaines personnes vous diront qu’ils peuvent faire une différence, mais vous pourriez arriver à l’opposé de ce que vous voulez ; les gens n’aiment pas les artistes qui ne cessent de « se vendre ». Savoir quand ou quand ne pas avoir d’attentes est certainement incroyablement sain, surtout si vous pouvez les réduire pour qu’elles soient réalistes.

En conclusion, ce que je recommanderais en me basant sur mon expérience de l’épuisement créatif :

  • Si vous pouvez mener une vie saine de travail/musique, essayez de continuer à le faire le plus longtemps possible. Ce n’est pas seulement bon pour vous, mais vous aurez aussi de l’argent à investir dans votre métier. L’équilibre est central..
  • Si vous êtes assez courageux pour essayer de vivre de la musique, traitez-la comme un travail. Donnez-vous le temps de ne pas travailler — c’est tout aussi précieux.
  • Trouvez un nouveau passe-temps. Puisque la musique était autrefois la vôtre et qu’elle occupe tout votre temps, essayez de faire autre chose.
  • Dormez de longues nuits et faites la sieste. Évitez de faire la fête régulièrement.
  • Collaborez, déléguez, demandez de l’aide. Se connecter avec d’autres humains est toujours étonnant pour le rétablissement !

Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

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De temps à autre, l’excitation d’ouvrir une session, entièrement inspiré, pleinement motivé, littéralement gonflé à bloc me frappe, et c’est incroyable. Sérieusement, d’après mon expérience, il n’y a vraiment rien qui m’excite autant parce que quand tu sais que ton idée est bonne et que tout semble s’assembler parfaitement, tu sais que ça va être énorme. C’est différent cette fois-ci. Alors, vous commencez, vous ouvrez un drum rack, vous mappez le midi, vous ajustez la saturation… telleeeeeeeement bon… puis, votre Facebook bipe, le gars de l’assurance appelle, votre plug-in freeze, et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous avez complètement perdu le groove, le rêve est terminé avant qu’il ne commence. Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes à l’infini.

Pourquoi l’inspiration s’évanouit-elle si vite ? Pourquoi y a-t-il tant d’obstacles ? S’asseoir pour faire de la musique doit-il toujours être aussi difficile ? Si vous vous rappelez l’expérience que j’ai décrite ci-dessus, vous avez goûté à l’amertume du bouc émissaire en musique.

Il faudra toujours résoudre des problèmes et surmonter des obstacles, à la fois imprévus et prévisibles. Mais pour le meilleur ou pour le pire, ils font partie intégrante de la musique. Questions et distractions… Au lieu de les combattre, nous devons réduire au minimum leur effet sur nous et, dans la mesure du possible, réduire au minimum les risques de distractions.

EN REPENSANT À PRESQUE 100 % DES CONSULTATIONS ET AU COACHING QUE J’AI PU FAIRE, JE TROUVE QU’IL Y A QUATRE PRINCIPAUX « PROBLÈMES » QUI SEMBLENT TOURNER AUTOUR ET ACCAPARER NOTRE ATTENTION. BIEN QU’IL Y AURA TOUJOURS UNE CERTAINE FORME DE DISTRACTION, SI NOUS TRAVAILLONS À MINIMISER CES QUATRE PROBLÈMES, NOUS SERONS PLUS À MÊME DE RESTER SUR LA BONNE VOIE LORS DE NOTRE PROCHAINE SESSION.

Nous parlons de solutions créatives à des problèmes communs.

Problème numéro un : comment et où vous inspirez-vous ? Je crois qu’il y a une énergie spéciale qui vient à nous quand elle sait que nous sommes dévoués à elle. Quand je dis elle, je veux dire le travail. Les coureurs professionnels disent que la partie la plus difficile de courir un marathon, c’est simplement d’avoir la motivation de mettre ses chaussures et de quitter la maison. Boom. Il suffit de vous poser et de commencer — ouvrez votre DAW, et commencez à faire du bruit, vous allez bientôt devenir excité et vous orienter vers quelque chose de cool. L’une des approches les plus importantes et les plus simples de la production musicale, que je recommande toujours, est de faire de la musique quand on se sent bien. J’ai lu plusieurs articles sur l’importance des rituels — où vous concevez et réalisez un rituel qui vous rend heureux à l’intérieur et à l’extérieur, et dans cette zone, votre esprit entrera dans un espace très positif, ce qui est super important lorsque nous exigeons de la créativité et de l’imagination.

Problème numéro deux : comment puis-je savoir assez de choses sur la production musicale pour être un one-man band ?
C’est impossible de tout savoir, et vous n’en avez pas besoin. Ce que vous voulez vraiment connaître, ce sont les tenants et aboutissants de votre DAW, et les instruments que vous utilisez. Si vous avez acheté tous les derniers synthétiseurs et que chacun d’entre eux est différent, il vous faudra un certain temps pour les connaître tous à 100 %. Alors que si vous utilisez un ou deux instruments, lisez les manuels et apprenez tout ce que vous pouvez JUSTE sur ces deux synthétiseurs – vous serez beaucoup plus rapide pour produire et atteindre les sons que vous voulez en connaissant moins (moins d’instruments à apprendre), et en vous concentrant plus (maîtrisant ceux que vous utilisez).

Less is more (moins, c’est plus). J’ai regardé une interview vidéo d’un producteur qui a fait des tracks pour Kendrick Lamar ~ le mec a 18 ans, et enregistre tout dans Garage Band sur son iPhone. Il a une guitare et un téléphone. C’est tout, et il fait d’énormes avancées dans son travail, même avec l’équipement le plus rudimentaire.

Trouvez un moyen d’être absorbé. Demandez-vous quelle partie de la production musicale vous fait oublier le temps, la nourriture et tout le reste ? C’est un espace où vous êtes dans la zone, totalement absorbé, et où rien d’autre ne compte. Adoptez ce processus et soyez conscient du fait que lorsque cela se produit, il se peut que vous n’atteigniez pas ce niveau de concentration et de résultats lors d’autres étapes en cours de route. Pour certains, cet état ne viendra à eux qu’en mixant, et pour d’autres, il viendra tout en étant enfermé dans un mixdown, etc. sachez trouver votre flow.

Problème numéro trois : comment puis-je m’en tenir à une direction dans ma musique ?
Bien qu’il n’y ait pas de réponse claire à cette question, je vais simplifier les choses en disant que — vous avez de multiples options, et vous n’avez pas à vous engager dans une seule. Enregistrez les deux idées, et utilisez la fonction « enregistrer-sous », vous permettant d’enregistrer une deuxième version de la track et de décider plus tard dans quelle direction vous préférez vous engager.

Et enfin problème numéro quatre : quel sera le futur de ma chanson ?

Personne ne peut voir l’avenir, donc c’est impossible à savoir. Je ne crois pas que ce soit une utilisation productive de votre temps de rêver de ce qu’elle pourrait être un jour… sans l’avoir terminée, elle restera sur votre disque dur pour toujours, ce qui n’est pas ce que vous souhaitez. Ce qui importe maintenant, c’est de se concentrer sur les choses importantes :
Faire de la musique, terminer des projets, promouvoir votre travail, établir des contacts avec d’autres producteurs.

(Pour en savoir plus sur la façon de vous promouvoir en tant qu’artiste de manière personnelle, consultez cet article.)

Pour conclure, la résolution de problèmes peut être aussi compliquée ou aussi simple que vous le souhaitez. Alors qu’une étude a suggéré que devant l’anxiété, une des meilleures choses à faire est de prendre une pause de 2 jours, je vous encourage à prendre une semaine de congé pour commencer.

Photo par Oskar Wimmerman sur Unsplash

Dans un excellent article de psychologie, j’ai lu que lorsqu’on est confronté à un défi, il est essentiel de comprendre exactement avec quoi on est mis à l’épreuve — c’est-à-dire qu’il faut savoir quel est le vrai problème. Pour savoir et comprendre quel est le problème, vous devez être capable de l’expliquer à quelqu’un d’autre avec clarté, avec une description claire. Comprendre le problème et les options qui s’offrent à vous. J’ai lu que les négociateurs qui s’entretiennent avec des terroristes lors de prises d’otages élimineront de nombreuses options, jusqu’à ce qu’il en reste deux, afin de parvenir à une résolution rapide et satisfaisante. Réduisez vos options pour avancer rapidement. Prendre une décision à la hâte peut aussi avoir un effet négatif, alors ne vous sentez pas obligé de toujours prendre une décision tout de suite — donnez-vous du temps pour vous éloigner du problème et faites confiance à votre cerveau pour comprendre qu’en arrière-plan, sous la surface, une solution créative émergera à un moment donné, souvent quand on s’y attend le moins.

Au bout du compte, pour gagner plus, marquer plus de points, franchir la ligne d’arrivée plus souvent, il faut être autant créatif pour trouver des solutions aux problèmes que dans tous les autres domaines de vos productions. Mettez en place un système qui minimise les risques de distraction.

Conseil rapide — chaque Mac a une application appelée Automator, où vous pouvez assigner une chaîne de commandes pour tout ce que vous souhaitez faire. Regardez cette vidéo pour configurer une façon rapide de fermer tous les programmes, désactiver le wifi, lancer Live et démarrer votre session rapidement.

 

Cheers, JP.

 

 

Comment allier relations, rôle parental et musique ?

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Je suis père de famille. On me demande souvent comment j’arrive encore à trouver le temps de faire de la musique avec l’agitation tous azimuts qui règne sur ma vie. Il n’y a pas d’équilibre parfait dans ce que la vie vous offre — l’équilibre entre la musique et le rôle parental est un défi — mais j’arrive à diriger une maison de disques, à faire des sets live et à sortir des productions originales, tout en étant parent. La vie d’une personne qui a la responsabilité de faire de la musique et d’être parent est très différente de celle d’une personne qui n’a besoin de se concentrer que sur elle-même et la musique. Prendre conscience ce fait et l’accepter a été pour moi le premier pas vers l’appréhension de mes propres frustrations.

Votre temps libre va devenir sacré.

En tant que parent, vous devez éliminer toutes les distractions possibles au moment où vous êtes prêts à faire de la musique, parce que votre temps est limité. « C’est évident », dira-t-on, mais en fin de compte, en tant que musicien et parent, c’est le point le plus important selon moi pour profiter au maximum de son temps.

  • Prévoyez du temps pour la création. Cela implique également l’aide de votre partenaire, car il/elle mérite aussi d’avoir son propre temps de créativité en retour.
  • Essayez de faire de la musique hors de chez vous. Si possible, partagez un studio avec quelqu’un ou essayez de trouver un endroit où personne ne peut vous interrompre.
  • Désactivez les notifications électroniques, les médias sociaux, votre téléphone, etc.

L’ennemi numéro un de la créativité est de se concentrer sur trop de choses à la fois. Essayez de prendre un peu de temps sur les choses moins productives comme jouer aux jeux vidéo ou regarder des films, pour faire des choses comme apprendre à utiliser certains plug-ins qui seront bénéfiques pour votre art.

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

Travaillez plus vite et corrigez plus tard.

Une chose que j’ai remarquée depuis que je suis devenu père, c’est comment j’ai dû optimiser mon utilisation du peu de temps libre dont je dispose pour maximiser ma productivité. Par exemple, je vais programmer une loop de percussion dans une fenêtre de 5 minutes de temps libre. J’ai aussi développé des astuces pour transformer une loop en chanson complète en peu de temps. J’aborde aussi vite que possible les éléments qui n’ont pas besoin de pensée critique. Voici quelques conseils que vous pouvez utiliser pour faire de même :

  • Déterminez à l’avance comment vous allez utiliser votre temps. Cela exigera de la discipline, mais par exemple, je sais à l’avance que ma prochaine session doit se concentrer sur une tâche spécifique, comme un remix ou un mixdown. Cela m’aide, une fois en studio, à empêcher mon esprit d’errer vers des sujets ou des tâches sans rapport. Une des choses que j’ai comprises après être devenu parent, c’est que lorsque je me rendais au studio, j’étais tellement excité que je voulais faire trop de choses à la fois, et finalement je n’avançais sur rien du tout.
  • Planifiez comment sera telle ou telle track. Vous devrez vous y tenir dans la création. Y a-t-il quelque chose dont vous puissiez décider à l’avance qui libèrera votre esprit de la prise de décisions fastidieuses ? Par exemple, combien de temps durera la piste sur laquelle vous travaillez ? Plutôt ambient ou dancefloor ? Punchy ou subtil ? Les athlètes peuvent dépasser leurs limites en visualisant à l’avance ce qu’ils feront et cela s’applique également pour vous. Plus les choses sont claires à l’avance, plus vous serez efficace. Utilisez un carnet de notes si nécessaire.
  • Ne vous concentrez pas tout de suite sur les détails. Les détails sont une perte de temps, alors essayez de vous concentrer sur la vue d’ensemble et corrigez tous les petits détails lors d’une session future.
  • Considérez votre limite de temps comme un outil créatif et non comme une contrainte. J’ai beaucoup appris en travaillant conformément au manifeste musical de Matthew Herbert et une chose que j’ai apprise, c’est que laisser des erreurs dans vos morceaux n’est pas une grosse affaire. Cela peut même être une déclaration artistique si vous croyez à l’imperfection. Parfois, cela peut bien sonner… si vous acceptez de les laisser.

Ne pas faire de musique n’est pas une perte de temps.

Une des choses que j’ai dû gérer, c’est le rêve éveillé. Quand je ne fais pas de musique, j’ai parfois peur d’être en retrait ou de manquer une occasion. Cependant, certaines des meilleures idées musicales me sont venues alors que je ne faisais pas de musique du tout. Partager cela avec d’autres m’a fait réaliser que je ne suis pas seul dans ce phénomène. Il semble que le cerveau peut faire éclore de grandes idées quand il fait autre chose ; tout arrive en temps voulu. Dans un article précédent, j’ai expliqué comment repérer vos déclics créatifs ; cela peut être un avantage crucial si vous en êtes conscient.

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

N’attendez pas les conditions parfaites pour commencer à faire de la musique. Habituez-vous parfois à travailler avec des écouteurs, à des moments très étranges de la journée. Get things done.

Faites place à des habitudes saines

Pour une raison ou une autre, je vois beaucoup de gens qui sont réticents à l’idée de prendre certaines habitudes. Ils associent la musique à la débauche et à la fête. Oui, c’est possible, et si c’est ainsi que vous le voyez, pourquoi pas. Mais en même temps, si vous aspirez à devenir plus professionnel, organisé et à faire bouger les choses, vous devrez vous concentrer sur vos priorités. Une des choses les plus utiles à faire est de rendre votre art plus sain.

  • Faites plus de sport. Le sport aide à la concentration et aux idées. C’est factuel. Dans mon cas, je peux faire un meilleur travail créatif après mon jogging, et je suis généralement plus enthousiaste à propos des nouvelles idées après une séance de yoga.
  • N’ayez pas de dépendances. Je ne parle pas de « dépendances » comme dans le cas d’un partenaire ou d’enfants, mais si vous dépendez de substances ou de conditions étranges pour faire de la musique, il est temps de vous en séparer. Assurez-vous de pouvoir faire de la musique sans ou avec peu de préparation, c’est une des choses les plus libératrices. Si vous avez besoin de « faire la fête » pour faire de la musique, cela limitera grandement vos options.
  • Profitez au maximum de vos heures matinales. Si vous n’en avez pas déjà fait l’expérience, les matins sont en fait un excellent moment pour faire preuve de créativité. Certaines personnes croient qu’elles ne peuvent travailler que la nuit, mais — pour la plupart — c’est faux. Vous pouvez obtenir beaucoup de choses faites avec un esprit clair et des oreilles fraîches. Je fais toujours mes masterings le matin, car à cette heure-ci, mes oreilles sont à leur plein potentiel.
  • Méditez. En fait, cela a probablement été mon arme secrète pour rester productif pendant ma paternité. Une simple pratique de 5 à 10 minutes me vide l’esprit et m’aide à rester très créatif, tout en mettant de l’ordre dans mes problèmes.

Enfin, essayez d’impliquer votre enfant ou vos proches dans votre musique. Ce n’est pas quelque chose qui doit nécessairement fonctionner, mais cela peut les aider à comprendre ce que vous faites, comment vous le faites et ce que cela implique en termes de concentration.

 

J’espère que certains de ces points vous aideront à maximiser votre temps en tant que parent ou partenaire ! Rappelez-vous également que vous pouvez toujours demander de l’aide.