Aimez-vous réellement votre morceau? Ou y êtes-vous simplement trop attaché?

• Le processus créatif implique beaucoup de fantasmes. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez des foules, et la réaction que vous obtiendrez des promoteurs. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez de vos homologues créatifs et sur la réaction que vous obtiendrez de vos amis. Peut-être que la personne pour laquelle vous avez le béguin l’aimera. Peut-être parviendrez-vous à le faire signer par le label de vos rêves, ce qui marquera le début de votre carrière de musicien. Cela crée souvent un profond sentiment d’amour pour votre morceau.

Cependant, il faut savoir que beaucoup de gens ressentent cette adoration dans la phase euphorique de la composition, lorsque vous avez découvert une boucle étonnante ou la structure de base d’un morceau qui vous enchante.

C’est le moment où vous lancez la bille sur le flipper métaphorique et faites rebondir votre idée au sommet du plateau, où elle commence à rebondir sur les cloches, les sifflets et les bumpers fixes et clignotants, l’envoyant dans un espace de possibilités infinies.

Puis, après un certain temps, le rythme ralentit et vous commencez à voir que la bille tombe de plus en plus profondément vers vos flippers et que si vous ne visez pas juste, vous risquez de détruire votre piste à jamais.

C’est ce moment de réflexion personnelle et de doute que connaissent la plupart des créatifs. C’est dans cette période qu’il peut vous arriver de penser que vous avez gâché tout le morceau en ajoutant une partie qui ne suscite pas la même joie qu’avant, un peu comme si vous recherchiez l’euphorie de la première fois que vous avez pris une drogue.

Le problème, c’est que vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous pouvez être convaincu qu’il est toujours incroyable, et vous entêter à ne rien suggérer.

Ou bien, dans l’autre sens, vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous avez l’impression de devoir en faire quelque chose, mais vous ne l’aimez plus comme avant. Il existe des solutions à ces deux conflits, qui résultent de la même émotion : l’amour de votre morceau.

Quelle est la solution pour ne pas aimer son morceau à outrance?

C’est une question difficile, car les gens s’entêtent souvent dans leur art. Ils l’aiment tellement qu’ils ne peuvent pas absorber les réactions ou le rejet de leurs pairs à son sujet. Souvent, c’est parce que leur amour pour ce titre est basé sur l’analyse cognitive de l’attachement, plutôt que de croire réellement que c’est un titre incroyable.

Par conséquent, ce sophisme est souvent construit sur des coquilles d’œufs et la critique peut sembler être une attaque personnelle, et donc le créateur le protège de l’opinion et du rejet, de peur d’être rejeté lui aussi. Cela conduit parfois les gens à ne pas sortir leur morceau du tout, à toujours « attendre le bon moment ».

La façon de surmonter cette peur? Se foutre de ce que disent les autres. La plupart des grands artistes se moquent de l’opinion des autres. On entend toujours des histoires sur les albums que les critiques ont décriés ou sur les œuvres qui sont restées obscures pendant des décennies avant d’être dépoussiérées et appréciées. Ou bien il y a l’inverse, où la controverse de leur art était attrayante pour certains, et consternante pour d’autres, créant un maelström médiatique.

C’est ce qui s’est passé pour John Cage et Karlheinz Stockhausen, qui ont créé des musiques parmi les plus complexes de l’histoire moderne, que la plupart des gens ne comprennent toujours pas. Mais ils sont tous deux considérés comme importants dans le canon de la musique.

Ils savaient que leur musique était dérangeante, mais ils s’en moquaient probablement, car ils pensaient qu’elle était importante, et l’ont donc diffusée.

Si les gens veulent que leur musique soit diffusée, surtout s’ils s’accrochent au fantasme original que d’autres personnes l’écoutent, ils doivent la soumettre à la critique. Qu’il s’agisse de vos amis ou d’une campagne de marketing destinée aux médias et aux DJ, vous allez ressentir un rejet, même si votre musique est vraiment brillante. C’est parce que la musique est subjective.

Credit: Wikipedia

Quelle est la solution pour savoir si vous aimez toujours votre morceau?

Si vous êtes arrivé au point où vous pouvez sortir la chanson, mais que vous avez encore des doutes à son sujet, gardez à l’esprit que vous n’avez vraiment aucune idée de la façon dont elle sonnera pour les autres. Rappelez-vous, lorsque vous avez commencé le morceau, certains éléments ont fait rebondir votre cerveau sur le flipper imaginaire. Il y a donc de fortes chances que d’autres personnes l’aiment aussi.

Deadmau5, qu’on l’aime ou qu’on le déteste, sait comment finir les morceaux et a sorti des hymnes parmi les plus marquants de la rave moderne. Avec son hit, Strobe, il a eu ce conflit. Il l’aimait assez pour le terminer, mais pas assez pour en être certain.

Comme son label n’avait rien reçu depuis un moment, il a décidé de le leur envoyer, en suggérant qu’il pourrait figurer sur la face B d’un disque, un autre élément de contenu pour aiguiser l’appétit de ses fans. Puis, à sa grande surprise, elle a décollé en 2009, juste au moment de l’explosion de l’EDM, contribuant à propulser sa carrière dans la stratosphère.

Si vous écoutez Strobe, vous comprendrez peut-être pourquoi il n’avait pas confiance en lui. Elle dure au moins deux minutes de plus que les autres chansons de l’album, soit 10:33, et il faut attendre quelques minutes avant que le kick n’entre en jeu. Ce n’est pas forcément un hymne radio.

Mais croyez-le ou non, les gens aiment la musique exigeante, car elle les fait réfléchir.

Un exemple moins classique est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé une chanson que je trouvais assez bonne, mais dont il avait des doutes. J’ai dit : « Et si je l’envoyais à quelques labels pour voir ce qui se passe. »

Alors je l’ai envoyée à quelques labels, et elle n’a pas seulement été signée, elle a été reprise à un tas d’endroits différents. Mon client avait des doutes, et ses doutes ont été balayés quand le disque a eu autant de succès que tous les autres qu’il avait sortis.

Vous ne savez pas non plus pour qui les titres vos sonner. S’il est possible qu’ils ne correspondent pas à votre public principal (souvent fantasmé), ils peuvent trouver un écho auprès d’un public entièrement nouveau.

Un bon exemple est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé des morceaux ambient qu’il avait créés, ce qui était surprenant compte tenu de son travail précédent. Ce qui était également surprenant, c’est qu’ils avaient tous ces noms à consonance indienne.

Il s’est avéré que ces noms indiens étaient en fait des mots sacrés dans une secte religieuse, et lorsque les gens les recherchaient sur Google en rapport avec la secte, ses chansons apparaissaient. Ainsi, sa musique est devenue, en quelque sorte, une musique sacrée et a fini par être plus populaire que tous les autres morceaux plus connus sur lesquels nous avons travaillé ensemble.

Réflexion sur les attentes

En vieillissant, je réalise que le désir d’être compris ou aimé par les autres est un piège pour le processus créatif. La vraie joie devrait venir du fait qu’une chanson est techniquement solide, ou que vous avez changé de style pour quelque chose que vous n’avez jamais fait auparavant. Ce sont deux choses dont on peut être fier, car elles montrent une amélioration de nos capacités en tant qu’artiste.

J’aime penser que chaque morceau est un journal, et qu’il s’agit de capturer une idée, plutôt que d’essayer de faire quelque chose qui plaira à des milliers de personnes. Les artistes les plus frustrés sont ceux qui attendent beaucoup de leur musique et de son évolution, les moins frustrés sont tout le contraire.

Réflexion sur la collaboration

Comme beaucoup d’entre vous le savent, je fais de la finalisation de morceaux. Que vous le fassiez par mon intermédiaire ou par celui d’un autre musicien de session, je pense que ce que je vais dire est valable pour les deux. En gros, je n’aime travailler qu’avec des personnes qui ont une attente réaliste de leur art ou qui ne me considèrent pas comme une sorte de savant. Tout comme ils ont des attentes élevées pour la piste, ils peuvent aussi avoir des attentes trop élevées pour le travail de session, surtout s’ils font les deux. Car, que les gens s’en rendent compte ou non, ils peuvent avoir des idées subconscientes sur la façon dont leur piste devrait se dérouler sans savoir consciemment comment elle devrait se dérouler.

Ensuite, lorsque moi ou n’importe qui d’autre y va et effectue des modifications, ces clients s’attendent à ce que le son soit complètement différent. De plus, s’ils ont écouté un morceau plusieurs centaines de fois, toute modification sera visible et ne correspondra pas forcément à la cohérence que vous avez programmée dans leur tête. Par conséquent, si vous avez ce genre d’attentes, il est préférable de les abandonner, car elles diminuent le potentiel créatif d’un morceau. Rappelez-vous, il a fallu pas moins de 27 personnes pour écrire « I Feel Love » de Donna Summer. Étaient-elles toutes d’accord? Cela a-t-il diminué la valeur et l’impact du morceau?

Les meilleures personnes avec lesquelles travailler sont celles qui ont une cote d’amour de 6 ou 7 sur 10 pour leur morceau. Ces personnes ont tendance à garder l’esprit ouvert.