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Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 3 : Répétition

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Cet article fait partie d’une série : Part 1 | Part 2 | Part 3

Cet article met l’accent sur la façon dont j’aborde la répétition dans ma musique, ainsi que sur la façon dont je la perçois lorsque je travaille sur la musique de mes clients. Bien que ce soit un sujet très évident dans la musique électronique orientée vers la danse, où les motifs se répètent, je comprends qu’en tant qu’artiste, cela peut être un sujet très personnel. Chaque genre a une façon d’aborder la répétition, et si vous avez parcouru ce blogue, vous reconnaîtrez certains concepts déjà abordés que je vous encourage à approfondir. J’aimerais aborder la répétition en musique en examinant votre flux de travail pour éviter de perdre du temps sur des choses qui peuvent être automatisées.

Tempo

L’utilisation du tempo pour délivrer un message est un sujet très délicat. Souvent, avant de jouer en live dans une salle, je passais un peu de temps sur la piste de danse pour analyser l’ambiance et les besoins des danseurs. Je vérifiais la vitesse du set d’un DJ, la vitesse de transition et la réaction de la foule. J’ai toujours été surpris de voir à quel point le fait de jouer à 122 BPM contre 123 BPM peut changer l’ambiance ; je ne peux vraiment pas expliquer pourquoi. Mais quand je faisais une chanson, je gardais à l’esprit que les DJ puissent l’accélérer ou la ralentir — un facteur important qui affecte l’énergie. Je trouve que des incréments de 5 BPM font un énorme changement dans la densité du son dans le club. Si vous ralentissez des motifs très complexes, les sons ont de l’espace entre eux, ce qui permet aux auditeurs de percevoir le son différemment.

Quel que soit le tempo que vous utiliserez, je vous recommande vivement d’envisager l’utilisation d’un Gate pour vos percussions courtes ou d’utiliser un outil de création d’enveloppes comme Shaperbox 2 pour vraiment modeler l’espace entre vos sons et avoir un « espace blanc » entre chacun d’eux. Si vous optez pour une atmosphère dense, je vous recommande d’utiliser une compression avec un release très rapide et de recourir également à une compression parallèle pour vous assurer de ne pas trop encombrer votre chanson.

Répétition des sons

Une fois que nous avons trouvé quelque chose que nous aimons, nous avons tendance à vouloir le répéter pendant toute la durée d’une chanson. C’est, bien sûr, un peu trop pour quelqu’un qui l’écoute. Les gens s’attendent au changement, car les sons ont des variantes et sont aspirés par quelque chose d’inattendu. John Cage n’est pas d’accord et suggère de répéter une idée pendant dix minutes, ce qui plairait à l’auditeur, mais honnêtement, je n’ai pas entendu beaucoup de chansons (par expérience ou travail) qui m’ont intéressé aussi longtemps.

La question est de savoir à quelle fréquence une idée peut être répétée.

Cela dépend de nombreux facteurs, et bien que je ne prétende pas connaître la vérité, il y a des techniques à garder à l’esprit. J’aimerais vous enseigner la meilleure façon d’apprendre pour votre musique. Laissez-moi vous expliquer certaines de mes règles personnelles — mon « état des lieux » pour valider une chanson et les questions relatives à la répétition.

La première impression est toujours la bonne : c’est vraiment important. 99 % des gens avec qui je travaille commencent à perdre toute perspective et confiance dans le potentiel de leur chanson en faisant des séances prolongées de production. Cela signifie que lorsque vous ouvrez pour la première fois un projet sur lequel vous avez travaillé, ce qui vous frappe au début est ce que vous devez corriger dans cette session. Une fois que c’est fait, il faut l’enregistrer sous un autre nom et le fermer ensuite. Si vous pouvez espacer vos sessions de quelques jours ou semaines (meilleure option), vous pouvez alors vérifier à nouveau votre première impression de la chanson et voir si quelque chose de nouveau s’y oppose.

La chasse aux problèmes vous rattrapera : il y a toujours quelque chose à régler dans votre chanson. Même quand vous pensez que c’est fait, il y aura toujours quelque chose. À un moment donné, il faut se laisser aller et accepter l’imperfection. Beaucoup de gens tombent dans l’état d’esprit de la recherche de problèmes parce qu’ils pensent avoir manqué quelque chose. Il y a de fortes chances qu’ils réparent des choses inutiles. Ce que vous pensez réellement avoir manqué, ce sont des détails qui sont techniquement hors de votre connaissance actuelle. Habituellement, je fais ce que j’appelle une « vérification bête » de ma musique, qui consiste à vérifier les niveaux, les problèmes de phase, les coupures et les résonances. Le reste consiste à peaufiner les détails, ce que je fais en une seule session. Après cela, je la passe à un ami pour avoir son impression. En général, ça fait l’affaire.

Écoutez les yeux fermés : êtes-vous capable d’écouter toute votre chanson les yeux fermés dès la première écoute? Si oui, votre répétition fonctionne, sinon, corrigez, puis passez à autre chose.

Génération de contenu de soutien et variations

En mode production musicale, si vous voulez être efficace et créatif, vous devez disposer d’un grand nombre d’options différentes. Disons que votre motif/accroche est un synthé que vous avez écrit, ce que je suggère, c’est d’avoir de multiples variations de celui-ci.

Dans cette vidéo, Tom présente une façon de travailler qui est vraiment semblable à la mienne (et à celle de beaucoup d’autres personnes). C’est quelque chose qui est un peu long à faire, mais une fois que vous passez en mode création, cela devient vraiment amusant et efficace. La seule chose, c’est que je trouve personnellement qu’il n’utilise pas assez la répétition, et bien que ce soit super utile pour faire des chansons courtes et lentes qui ont une dynamique pop comme dans la vidéo, ce n’est pas génial pour créer de la tension. Trop de changement est divertissant, mais il faut vraiment faire travailler ses muscles créatifs pour que cela reste engageant. Je préférerais qu’une boucle soit jouée au point que l’auditeur passe de « ça devrait changer maintenant » à « je veux que ça change maintenant ». Il y aura peut-être un changement après 3 ou 4 mesures dans votre boucle. C’est à vous d’explorer cette possibilité.

Comment créer des variations?

Il n’y a pas de manière rapide ni de raccourci, créer de bonnes variations demande du temps et de la patience. Il faut aussi quelques séances de conception sonore pour obtenir des résultats intéressants. Pour ce faire, jouer avec le caractère aléatoire des effets est probablement le meilleur point de départ, puis il faut régler en fonction des goûts.

  1. Outils MIDI —La meilleure façon de commencer à éditer est de commencer par régler votre signal MIDI avec différentes options. Les outils MIDI inclus dans Ableton sont vraiment utiles. Aligner un arpège, le changement de la longueur d’une note, ou encore les notes et accords aléatoires sont assez incroyables pour transformer une simple mélodie de deux notes en quelque chose de substantiel. Un plug-in qui est sorti récemment et qui m’a beaucoup impressionné est Scaler 2. J’aime la profondeur qu’il donne avec toutes les différentes gammes, les presets d’artiste (utiles pour un musicien non académique comme moi) et toutes les différentes façons de prendre des mélodies et d’avoir des modèles prêts à être modifiés pour votre chanson. Une façon de s’engager dans ce que vous avez est de tout resampler comme Tom l’a fait dans sa vidéo. Au final, j’aime bien supprimer le canal MIDI parce que sinon, je continue à avoir de nouvelles idées et elles ne seront probablement jamais utilisées. Si vous resamplez tout, vous avez votre son figé dans le temps, vous pouvez le découper et l’arranger pour qu’il s’intègre dans la chanson au moment où il convient le mieux.
  2. Jouer avec l’audio —Une fois que votre idée MIDI est exportée, il est temps de jouer avec pour avoir encore plus d’idées. Il existe deux types d’idées que vous pouvez utiliser pour aborder votre mouvement : les réglages rapides ou les réglages lents. Lorsqu’il s’agit d’un événement rapide, comme un balayage de filtre ou un send de réverbération, j’avais l’habitude de tout faire à la main ; cela prenait des années. Le moyen le plus rapide est de prendre un plug-in muti-effet et de tout randomiser, tout en le resamplant. Celui que j’ai trouvé le plus utile pour cela est Looperator de Sugar Bytes. En interne, vous pouvez générer des idées aléatoires, faire des réglages rapides, contrôler le dry/wet et passer facilement de réglages intenses à doux. Il est possible d’effectuer des réglages rapides (communs à l’EDM ou au dubstep), mais aussi plus lents. Combinez cela avec le plug-in Texture pour ajouter des couches de contenu à n’importe quoi. Par exemple, au lieu d’avoir simplement un bruit de fond, vous le fondez dans une certaine omniprésence dans la chanson afin qu’il puisse y réagir, rendant votre bruit constant vivant et réactif. L’arrière-plan est un bon moyen de rendre tout ce qui est répétitif un peu moins répétitif parce que les oreilles le détectent comme quelque chose de changeant, mais il déplace constamment son centre d’intérêt du premier plan à l’arrière-plan.
  3. Édition —C’est l’étape la plus douloureuse pour moi, mais heureusement, j’ai trouvé un moyen de la rendre plus intéressante grâce au Serato Sampler. Cet outil étonnant permet, comme l’échantillonneur Ableton, de découper, de cartographier et de réorganiser. Vous pouvez le combiner avec un séquenceur comme Riffer or Rozzler (patch Max4Live gratuit) pour créer de nouvelles combinaisons. Pourquoi Serato plutôt que le plug-in de base? Eh bien, c’est tout simplement facile — je veux juste « claquer des doigts », si vous voyez ce que je veux dire, et cela ne demande aucun ajustement.

L’édition est vraiment le domaine où l’on peut différencier les producteurs chevronnés des producteurs débutants. Je propose aux nouveaux venus une simple liste d’idées différentes.

  • Décider des règles internes : certaines personnes aiment avoir des règles précises qui sont fixées au début de la chanson et qui seront ensuite respectées tout au long de la chanson. Je le fais parce que cela m’aide à comprendre l’idée de la chanson. Si vous changez trop, cela peut tomber dans le domaine de l’« expérimentation » et ce n’est peut-être pas ce que vous aviez à l’esprit. De temps en temps, lorsque je suis sollicité pour la finalisation de track, les gens ont un problème avec le dernier tiers ou le dernier quart de leur chanson. Ils perdent leur concentration et essaient d’extrapoler ou de créer de nouvelles idées. Si vous créez suffisamment de matériel au début, vous allez faciliter la dernière partie. Mais quand les gens sont perdus, j’écoute généralement la première minute de la chanson et je leur dis, « voyons ce que vous aviez en tête au début » pour les ramener à cette logique. On peut créer des règles de base en décidant d’un schéma et d’une série d’effets qui se produisent, plus ou moins, en même temps, ou d’une séquence d’éléments ou de sections. La pop a des règles très précises pour les sections, tandis que les « règles » de la techno sont plus liées à la sélection des sons et aux motifs créés.
  • Processus, processus, processus : Si j’ai une piste de claps ou un son différent, je veux en avoir des variations, du subtil à l’extrême. Pourquoi? Parce que même les plus simples vont faire la différence. C’est ce qui rend un vrai batteur humain captivant (s’il est bon!), parce que son jeu change légèrement à chaque fois, même en jouant une boucle. Looperator est un bon outil, mais vous pouvez aussi utiliser les plug-ins de base et vous contenter d’utiliser les presets pour commencer et resampler, jouer avec les boutons au fur et à mesure et vous pouvez déjà obtenir de beaux effets.
  • Dupliquez tout : chaque piste doit avoir des doublons où vous pouvez déposer toutes vos prises wet. Vous pouvez les mettre toutes en sourdine et les activer pour voir comment ça se passe.
  • Le contrôleur MIDI est un plus : Mappez tout ce que vous voulez régler et enregistrez les mouvements de votre jeu. En général, cela vous donnera une impression humaine par rapport à ce qui est créé par un clic de souris. Vous voulez rompre cette habitude.
  • Utilisez vos yeux : je trouve que travailler visuellement avec les clips et créer des motifs est un bon moyen de voir si vous utilisez vos règles internes et de voir si vous utilisez trop de sons.

Après tout cela, comment savoir si la répétition d’une chanson est suffisante, et comment savoir si elle est linéaire?

Valider avec une référence est un moyen rapide de vérifier cela, mais si vous prenez des pauses et espacez vos séances, cela serait également efficace. Mais ce sont les règles internes qui, à mon avis, font que cela fonctionne correctement. Je pense que le plus grand défi auquel les gens sont confrontés est qu’en passant trop de temps sur une piste, ils s’ennuient et veulent pousser les choses, ajouter des couches, changer les règles et ce qui leur semblait peut-être frais au départ sera changé au point où vous n’utilisez pas le principe de répétition à son plein potentiel. Le meilleur exemple d’un maître de la répétition est celui de Steve Reich et de son chef-d’œuvre Music for 18 Musicians. Il n’y a rien de plus captivant que de voir comment on peut créer autant en jouant avec la répétition.

Certains effets ici seraient reproduits avec des delays, des phasers, le delay de la piste et autres. Vous pouvez également utiliser le patch humanize pour ajouter un peu de delay au hasard. Je vous encourage vivement à écouter ceci quelques fois pour vous donner de l’inspiration!

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 2 : Équilibre

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Cet article fait partie d’une série : Partie 1 | Partie 2

L’équilibre dans le mixage — et dans la musique en général — est l’un des principaux aspects d’une musique saine, surtout parce qu’elle est le reflet de l’espace, et peut-être aussi de notre vie. Bien que cet article traite principalement de ma philosophie de travail, je vais quand même discuter de quelques conseils techniques qui peuvent être appliqués à votre stratégie de mixage et à votre travail d’arrangement.

Définissons ce que signifie l’équilibre dans la conception visuelle et voyons comment cela se traduit en musique :

L’équilibre est la répartition du poids visuel des objets, des couleurs, de la texture et de l’espace. Si le dessin était une échelle, ces éléments devraient être équilibrés pour que le dessin semble stable. Dans un équilibre symétrique, les éléments utilisés d’un côté du dessin sont similaires à ceux de l’autre côté ; dans un équilibre asymétrique, les côtés sont différents, mais semblent toujours équilibrés.

Source: Getty Edu

Bien que cela provienne de la conception visuelle, vous devriez déjà voir comment cela s’applique au monde des sons. Quand j’ai lu cette définition pour la première fois, j’ai pu comprendre comment je l’appliquais déjà au mixage de la musique, car je suis très conscient de l’espace et de la distribution des fréquences. Un de mes outils préférés en ce moment est Neutron, que j’utilise sur tous mes groupes et parfois, sur toutes les pistes, afin de pouvoir tout contrôler visuellement. Je peux également appliquer le flipping EQ, où si vous augmentez la fréquence d’une piste, vous obtiendrez la coupe inverse sur une autre piste qui peine à être entendue. En utilisant l’outil de mixage visuel, vous pouvez ensuite placer chaque son dans l’espace. Pour les personnes qui ont du mal à faire des panoramiques, c’est un outil précieux qui vous aidera également à voir si vous avez bien réparti vos sons.

L’un des aspects les plus incompris du mixage est la différence de volume entre les éléments. Penser que tout devrait être fort est non seulement une idée fausse, mais cela crée un déséquilibre. La différence de volume représente l’utilisation de l’espace et vous avez besoin de certains éléments qui sont plus éloignés, sinon les plus forts ne seront pas importants, ils seront perdus.

Il en va de même pour les textures. Tous vos sons ne peuvent pas être texturés simultanément, sinon vous ne pourrez pas remarquer leurs différences. Cependant, ils peuvent tous être texturés à des moments différents. J’aime diviser la ligne de temps des arrangements en trois parties et laisser les sons avoir leur moment dans chacune d’entre elles ; cela permet de faire évoluer l’histoire.

En ce qui concerne le spectre stéréo, nous le comparons souvent à un panoramique gauche et droite, mais un aspect important que beaucoup de nouveaux venus dans le monde du mixage ne voient pas est l’importance de la section mono. Si vous voulez que votre chanson ait une colonne vertébrale, vous avez besoin que cette partie soit solide. Une astuce que j’aime bien est d’avoir un compresseur dans une piste de retour et d’y ajouter un Utility en mono. J’enverrai beaucoup de mes groupes sur ce canal qui renforcera le signal mono du morceau.

En ce qui concerne la répartition des fréquences, je constate que l’ensemble de votre spectre peut être divisé en 5 sections : lows, mid-lows, mids, high-mids, highs. Vous pouvez techniquement les avoir tous forts, mais ce n’est pas vraiment un bon équilibre, et votre mixage aura probablement l’air agressif si vous ne contrôlez pas correctement les résonances et les transitoires. Je pense que le fait d’avoir 2 de ces 5 gammes de fréquences légèrement plus basses que les autres donnera de la place et votre mixage respirera davantage. Lorsque les gens me confient un mastering, ils peuvent choisir un master coloré ou transparent, et s’ils demandent un master coloré, c’est ce que je ferai. Le réajustement de deux des bandes donnera un nouveau ton au morceau et la plupart du temps, les mixages que je reçois sont déjà déséquilibrés, car il y a souvent une bande qui est beaucoup trop forte (la plupart du temps, les basses). Si les basses sont trop fortes, alors je les baisse.

Maintenant, quand il s’agit d’arrangements, c’est là que ça devient amusant.

Je trouve qu’il y a beaucoup à dire sur la signification des arrangements. Les arrangements se présentent sous de nombreuses formes : récits, expérimentations éditées, improvisations live, etc., mais je trouve que ces trois types d’arrangements sont un bon point de départ. Une chanson pop peut être un récit, et un morceau de musique techno minimaliste peut aussi en être un, mais avec un objectif différent. La raison pour laquelle nous appliquons une certaine méthodologie aux arrangements est de maximiser le potentiel des sons, ainsi que des motifs. Dans l’article précédent de cette série, nous avons parlé du contraste et de la façon dont il peut être utilisé dans un son spécifique. L’équilibre sonore, d’autre part, peut exister à plusieurs niveaux.

Comment puis-je savoir si un arrangement est bien équilibré?

L’idée d’utiliser l’équilibre pour exploiter la créativité n’est pas une règle, mais une idée et une approche. Il existe d’innombrables pièces qui n’ont pas d’équilibre et cela fonctionne parfaitement. Je trouve que l’équilibre dans les arrangements est une méthode de régulation, mais ce n’est pas quelque chose sur lequel je me concentrerais uniquement comme approche principale.

Imaginez l’équilibre comme une sauce tomate. Elle peut être une base vraiment excellente pour de nombreux plats et oui, elle peut être utilisée telle quelle, mais elle est plus efficace lorsqu’elle est combinée à d’autres ingrédients. C’est pourquoi elle convient parfaitement à une pizza, à des pâtes, etc.

Cela dépend donc de ce que vous écoutez et bien sûr, certaines grandes chansons sont totalement déséquilibrées et c’est ce qui les rend spéciales. J’aime à dire que les règles sont faites pour être enfreintes, mais il faut d’abord les connaître. Une chanson équilibrée a plus de chances de créer une qualité que nous recherchons tous dans la musique : l’intemporalité. Dans les arts visuels, le minimalisme a bien vieilli. Le logo de Mercedes est resté essentiellement le même, comparé à la marque de Google, qui était une catastrophe au départ. Même chose pour la musique, en général. Ce que je vois, c’est une musique qui est équilibrée, qui a un certain nombre de sons joués en même temps et qui a une organisation et des règles internes qui sont établies pour garder une clarté et une compréhension facile.

Je trouve que les arrangements équilibrés sont généralement plus faciles à comprendre et ne sont pas trop déstabilisants. Mais si vous allez dans la direction opposée volontairement, cela peut être un bon moyen de créer un contraste.

Une chanson avec un mixage équilibré a une pleine présence et n’a généralement pas un élément qui se démarque. Ainsi, pour les percussions, j’aime avoir un équilibre entre de nombreux sons, mais vous pouvez alors en avoir un qui ressort, par contraste (voir Part. 1).

Pour ce qui est d’avoir des arrangements équilibrés, je recommande ce qui suit :

Fixez les règles de votre chanson à la 1re minute (ou première partie). Cela peut être le tempo, la signature temporelle, la densité, l’aperçu du motif, etc. Le reste de la chanson est un équilibre de contraste fonctionnant selon les règles que vous avez fixées. Par équilibre, on peut convenir qu’il s’agit de ne pas placer tous vos atouts dans la même partie.

Répartissez vos idées de manière égale sur votre chanson. Je parle du motif par exemple, qui pourrait révéler une variante de plus par section. Trouvez un équilibre entre le prévisible et l’imprévisible en faisant entrer et sortir vos sons à des moments auxquels l’auditeur s’est habitué.

Utilisez la répétition pour créer des schémas qui se soutiennent mutuellement. La célèbre technique d’appel et de réponse en est un bon exemple.

La meilleure façon de laisser des annotations dans vos arrangements est d’ajouter une piste MIDI vide et de créer des blocs que vous pouvez étirer sur des sections de votre morceau et laisser des notes en conséquence. Cela peut être très utile si vous avez du mal à voir comment les sons sont distribués une fois qu’une piste est à plat.

J’aime avoir des couleurs pour chaque genre de sons. Cela me dit généralement s’il y a trop de blocs de percussion par rapport à un autre groupe, par exemple.

Les sons en arrière-plan sont souvent un bon moyen d’aider à coller le tout ensemble. Les chansons qui donnent l’impression d’être pleines ont un fond, un plancher sonore. Il peut s’agir d’une réverbération, d’un bruit ou d’un enregistrement sur le terrain. Les gens me demandent souvent où trouver des sons de ce genre. Archive.org, Freesounds.org, Loopcloud, and Soundly sont tous très utiles pour trouver ces sons ainsi que des idées bizarres et hors du commun.

Cet article fait partie d’une série : Partie 1 | Partie 2

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 1 : Contraste

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J’ai décidé de faire une série d’articles sur les arrangements parce que je suis passionné par cet aspect de la production musicale, mais aussi parce que j’ai remarqué que beaucoup de gens avec qui je travaille ont des difficultés à ce niveau. Il y a tellement d’approches et de techniques différentes pour faire des arrangements – chacun a la sienne, et c’est un peu le l’objectif que j’aimerais atteindre dans cette série. Je vous invite à prendre un nouveau départ en développant une signature personnelle, une esthétique, un vocabulaire et une personnalité.

Cet article n’est pas destiné aux personnes qui commencent tout juste leurs premiers arrangements, mais si c’est le cas, il contient tout de même des informations qui pourraient être intéressantes à considérer plus tard.

Qu’est-ce que j’entends par « contraste » dans le contexte des arrangements?

Dans la conception visuelle, le contraste fait référence aux éléments (deux ou plus) qui présentent certaines différences, celles-ci étant utilisées pour attirer l’attention ou pour évoquer une émotion. Lorsque j’enseigne le contraste à mes étudiants, l’exemple le plus simple pour comprendre et résumer ce concept est une différence d’amplitude (volume). Dans les films, pour créer une surprise, une excitation ou une tension, l’amplitude sera faible, puis augmentera soit rapidement soit lentement, soutenant les images dans l’émotion qui est présente.

Dans de nombreuses chansons de musique électronique, nous avons entendu (trop souvent) du bruit utilisé comme élément ascendant pour créer une tension. Les constructions sonores sont devenues à un moment donné une caricature d’elles-mêmes étant donné leur surutilisation — mais c’est un bon exemple, néanmoins.

Comment le contraste est-il utilisé dans la conception sonore?

Je passe mes journées à travailler avec des musiciens — le contraste intervient dans différentes circonstances.

Dans un même son, il peut y avoir des changements rapides ou lents d’un extrême à l’autre. J’aime visualiser cela en analysant un son à travers différents axes pour m’aider à comprendre ce qui peut lui être fait.

  • Attaque : Commence-t-il brusquement ou lentement?
  • Decay/Amplitude : Devient-il vraiment fort ou est-ce plus subtil?
  • Fréquence/Ton : Est-elle élevée, moyenne, basse?
  • Release/Longueur : Court —Moyen —Long —Constant?
  • Positionnement : Est-il loin ou proche? En bas ou en haut devant moi?

Un bon contraste, en général, consiste à avoir deux extrêmes dans certains de ces domaines. Pensez à un clap avec une longue réverbération, comme exemple de la façon dont une attaque super rapide avec un long release peut créer quelque chose d’irréel, et donc, attirer l’attention. Un son qui change de tonalité est une autre forme de contraste, lorsque nous passons d’un état à un autre.

Une autre façon de penser au contraste consiste à se dire que presque tous les sons complexes sont la combinaison de plusieurs sons superposés. Lorsqu’ils sont bien faits, ils semblent ne faire qu’un, et lorsqu’ils sont contrastés, la couche de contraste ajoute un mouvement, une texture ou quelque chose de dynamique qui ravive le son initial. Bien sûr, les sons courts sont plus difficiles à contraster, mais si vous pensez au gazouillis d’un oiseau, qui est en fait l’équivalent d’une onde sinusoïdale avec une enveloppe d’attaque rapide sur la hauteur, ses sons sont courts, mais se déplacent aussi incroyablement vite.

Si vous pensez à utiliser le contraste dans un son particulier, la façon la plus rapide d’y parvenir est d’utiliser un échantillonneur et de vraiment tirer parti de l’utilisation des enveloppes, de l’affectation du mod wheel et, bien sûr, des LFO, mais c’est vraiment grâce à l’utilisation des enveloppes que vous pourrez produire une réaction à ce qui se passe, de façon sonore.

Comme je l’ai mentionné, la façon la plus simple de produire un contraste est d’utiliser deux sons qui ont des caractéristiques différentes, par exemple, court contre long, clair contre sombre, triste contre heureux, loin contre proche, etc. Lorsque vous utilisez deux sons, vous donnez à l’auditeur la possibilité d’avoir des éléments à comparer, et l’oreille peut facilement percevoir la différence.

Lorsque vous sélectionnez des sons pour exprimer votre idée principale, pensez aux caractéristiques de chaque son que vous utilisez. Moi-même, je choisis généralement mes sons par paires, puis par lots de quatre. Je commence par en trouver un, et le suivant sera lié au premier. Je garderai à l’esprit l’axe des deux sons lorsque je les sélectionnerai et je commence généralement par des échantillons plus longs, parce que je sais que je peux les tronquer.

Le matin, je travaille généralement sur le mastering, et l’après-midi, je travaille sur le mixage. La raison en est que lorsque l’on travaille sur le mastering, on travaille sur toutes sortes de mixages ; ils ont des problèmes que je dois régler pour que le master soit prêt à être distribué. En prêtant attention au mixage, j’ai souvent affaire à des fréquences difficiles et je passe mon temps à contrôler les résonances qui transparaissent une fois que la chanson est boostée.

Lorsque je mixe, j’ai souvent affaire à une sélection de sons qui ont été choisis au départ par le producteur avec lequel je travaille. Plus les échantillons sont bons, plus le mixage sera facile et, au final, plus la chanson sera agréable à écouter. Ce qui fait qu’un son est excellent vient de différentes choses :

  • Qualité de l’échantillon : clarté, faibles résonances, non compressé mais dense, bien équilibré et sonorité claire, ouvert.
  • Haute résolution : 24 ou 32 bits, avec une certaine marge (headroom).
  • Pas d’utilisation inutile d’effets de faible qualité : pas de réverb bon marché, pas d’égalisation exagérée qui exposerait les défauts du filtre, pas de manipulations M/S bizarres.
  • Transitoires contrôlés : rien qui ne blesse les oreilles de quelque façon que ce soit.

Vous voulez traquer des échantillons pas trop courts, parce que vous voulez pouvoir en choisir la longueur. Vous n’aurez pas besoin d’un échantillon qui couvre toutes les fréquences — vous voudrez vous sentir invité à superposer plusieurs sons sans aucun conflit ou sans avoir une plage de fréquences saturée de façon excessive.

Quand j’écoute beaucoup de mixages, la première chose que je cherche est le contraste général entre les sons. S’ils manquent de contraste, ils seront le plus souvent mélangés et plus difficiles à comprendre.

En théorie, une chanson est une grande expérimentation de conception sonore, assemblée par le biais du mixage. Si tout est sur un seul axe, par exemple si tous vos éléments sont forts, vous perdez le contraste et votre chanson devient unidimensionnelle.

Comment le contraste est-il utilisé dans les arrangements?

Si le contraste dans la conception sonore est à l’intérieur d’un seul son, c’est à travers toute la chanson (ou section) que nous pouvons aborder le contraste dans les arrangements. Une chanson peut avoir différentes sections : dans la pop, pensez au « refrain », « couplet », etc., qui sont des sections très distinctes et peuvent être utilisées dans n’importe quel contexte comme des moments de la chanson. Vous pouvez passer de l’une à l’autre, et plus il y a de distinction entre les sections, plus votre récit sera contrasté.

Ce type de contraste est-il essentiel? Non, mais il peut engager l’auditeur. C’est pourquoi, pour beaucoup de gens, le breakdown et le drop en musique électronique sont très excitants, parce qu’il y a un fossé et une différence et que l’expérience de passer de l’un à l’autre est intense et amusante (surtout sur un gros système son).

En techno, la linéarité fait partie du genre, car les chansons font généralement partie d’un DJ set et sont faites pour être assemblées et superposées avec d’autres morceaux, pour créer quelque chose de nouveau. Les grandes variations de contraste peuvent être gênantes, c’est pourquoi certaines pistes émettent un contraste très lentement et subtilement, au lieu d’un changement radical et soudain.

Donc, ce qui rend une chanson intéressante, pour moi ou pour n’importe qui, c’est le contenu de l’idée principale, basé sur les besoins de l’auditeur. Qu’est-ce que je veux dire exactement?

  • Un DJ peut être à la recherche d’une chanson d’un genre spécifique et vouloir que son accroche corresponde à une autre chanson qu’il possède.
  • Certaines personnes veulent avoir une chanson qui exprime une émotion pour pouvoir s’y connecter (par exemple, les vibes nostalgiques).
  • D’autres peuvent vouloir une musique similaire à celle qu’ils aiment, mais légèrement différente, tandis que d’autres encore veulent être exposés à des idées complètement nouvelles.

Lorsque j’écoute les chansons sur lesquelles je travaille, ma première tâche est de comprendre rapidement ce que le compositeur essaie de dire/faire. Si la personne essaie de faire une chanson orientée vers la danse et le peak time, je travaillerai sur la dynamique pour pouvoir faire correspondre des musiques du même genre et m’assurer que tous les éléments rythmiques fonctionnent ensemble.

La précision dans la conception sonore est tout à fait essentielle pour transmettre un message, quel qu’il soit. Parfois, j’entends une mélodie et, en raison de l’échantillon utilisé, cela me fait froncer les sourcils – une bonne mélodie, mais une sélection bizarre de sons donne un message gênant.

C’est comme si vous essayiez d’impressionner un premier rendez-vous avec un compliment/cadeau qui n’a pas de sens — vous ne diriez pas à quelqu’un que son nez est vraiment gros…?!

La combinaison d’une bonne conception sonore et du soutien de votre idée est exécutée par les arrangements. C’est la combinaison de plusieurs sons par le biais d’un mixage qui crée une pièce.

Quelques exemples d’utilisation de contrastes dans le cadre d’arrangements pourraient être :

  • Intensité différente entre les sections, soit en volume, soit en densité.
  • Différents tons, différentes émotions.
  • Changements dans la signature rythmique ou le rythme.
  • Changements dans la façon dont les sons se déplacent, apparaissent ou évoluent.
  • Alternance du motif, de la séquence ou de l’accroche, ajout d’éléments supplémentaires pour combler les manques, les trous ou les silences.

L’une des plus grandes différences entre la musique électronique d’il y a 30 ans et celle d’aujourd’hui, c’est qu’à l’époque, on faisait de la musique avec ce qu’on pouvait trouver. Aujourd’hui, nous avons accès à tout, alors comment décider de ce qu’il faut faire quand il n’y a pas de limites?

Je trouve que lorsque vous supprimez toutes les limitations techniques comme la sélection des sons de votre session, vous pouvez vous concentrer sur la conception et le récit. Il en va de même si vous avez l’impression d’avoir réussi à comprendre vos exigences techniques et que vous voulez maintenant creuser plus profondément — alors vous pouvez commencer par le contraste.

Pour résumer, il s’agit d’utiliser le contraste à l’intérieur d’un son pour lui donner vie, soit par des mouvements lents, soit par des mouvements rapides. Créez du contraste dans vos arrangements en faisant varier les sections de votre morceau en effectuant des changements macro ou micro.

Conseils pour garder une boucle intéressante sur toute une chanson

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Pour qu’une chanson construite principalement autour d’une simple boucle demeure intéressante, nous devons discuter de la façon dont vous travaillez et de vos perceptions. Je ne peux pas me contenter de recommander des trucs techniques qui résoudront tout. Vous devez réfléchir à la façon dont vous voyez votre musique, et à partir de là, il y a certaines choses qui, à mon avis, peuvent faire une différence pour aider à garder un auditeur engagé, même si votre chanson est construite autour d’une simple boucle.

Il y a deux éléments principaux dont vous devez tenir compte en ce qui concerne l’engagement de l’auditeur lorsque vous faites une chanson :

  1. La manière dont quelqu’un écoute une chanson.
  2. La manière dont votre chanson engage l’auditeur dans son expérience.

Répondre aux attentes de vos auditeurs

Si vous lisez ce blogue, vous saurez que ce sujet a été abordé dans d’autres articles. Je n’y reviendrai donc pas en détail, mais j’aimerais vous rappeler quelques éléments clés. Le point le plus important ici est de comprendre ce que vous voulez faire en premier lieu. D’après les nombreux entretiens que j’ai eus avec des clients, c’est là que beaucoup de gens se perdent. Pour savoir ce que vous voulez faire avec une chanson, votre intention doit être claire dès le départ.

Un plan pour une chanson est-il quelque chose de fixe qui ne peut être changé par la suite?

Bien sûr, vous pouvez changer d’avis, mais cela peut ouvrir une boîte de Pandore, car la direction et la vision de ce que vous voulez faire deviennent moins claires. La musique consiste à communiquer une sorte d’intention.

Quand, dans le processus de création musicale, devez-vous fixer votre intention?

Vous n’êtes pas obligé de le faire explicitement, bien sûr, mais cela vous aide si vous manquez d’orientation ou si vous sentez que vous ne pouvez pas atteindre vos objectifs. Je trouve qu’il y a deux moments clés où le fait de fixer une intention peut apporter des avantages significatifs. Le premier est lorsque vous commencez un projet. Lorsque vous commencez une chanson, vous pouvez penser à quelque chose d’un peu général, comme « une chanson ambient » ou « une track dance floor » ; mais plus vous êtes précis, plus vous fixez des limites aux divagations de votre esprit. Beaucoup de gens n’ont pas besoin de cette approche et peuvent sauter cet aspect de l’écriture musicale, mais pour d’autres, elle peut être un levier pour maximiser vos efforts dans ce que vous faites.

Par exemple, je fais souvent des chansons sans but précis parce que j’aime juste laisser les choses se faire et voir comment le processus de création affecte le produit final. Mais lorsqu’on me demande de faire un EP, je dois concentrer les résultats.

Par exemple, pour répondre aux attentes de mes clients, je dois savoir ce qu’ils veulent. Il est utile que le client travaille dans un genre spécifique ou qu’il puisse faire référence à un artiste qu’il aime, afin que je puisse l’aider à produire une musique qui plaira à des personnes ayant des goûts similaires. Lorsque l’on travaille avec une intention claire, il faut étudier comment la musique est faite, plus ou moins, en matière de variations, de transitions, de nombre de sons, de durée, de tonalités, etc.

L’objection que je reçois toujours à cette recommandation est « oui, mais je veux avoir mon propre style ». J’estime que cette affirmation est un peu erronée. Nous sommes toujours influencés par d’autres artistes et si vous ne l’êtes pas, vous pourriez avoir un problème entre les mains : pour qui faites-vous de la musique?

Je connais des gens qui font de la musique pour eux-mêmes, ce qui est formidable. Mais quand ils ont essayé de la vendre ou de la promouvoir, il n’y avait aucun moyen de savoir à qui elle était destinée parce que nous n’avions pas de modèle de référence. Pouvez-vous être original et être écouté? Oui, mais je pense qu’un certain pourcentage de vos chansons doivent posséder une sorte d’influence d’un genre auquel les gens peuvent s’identifier. Par exemple, une version très personnelle du Drum and Bass, ou de la House — alors votre musique aura une certaine étiquette.

Répondre à vos attentes et à celles de vos auditeurs en même temps

Le problème numéro un que j’entends est que le producteur s’ennuie de sa propre musique, et qu’il craint que l’auditeur s’ennuie, ce qui est tout à fait normal, compte tenu du temps que l’on peut passer à faire de la musique. Personnellement, je fais mes chansons avec une approche méticuleuse :

  • 1 idée, 2 éléments de soutien.
  • Percussion, limitée à 5 éléments maximum.
  • Basse.
  • Effets, textures et arrière-plan.

C’est tout.

L’idée principale évolue rarement plus de 2 ou 3 fois dans une chanson. Si elle change plus fréquemment que cela, vous pouvez souhaiter qu’elle évolue sur un intervalle régulier et précis, par exemple en changeant toute les 2 mesures.

Lorsque vous écrivez de la musique, comment garder une seule idée intéressante?

J’utilise les principes de design utilisés dans le contenu visuel et je les applique à ma musique. Si vous apprenez ces principes pour faire de la musique, vous développerez une toute nouvelle façon d’écouter de la musique. En recherchant ces principes, vous tomberez sur une certaine variété, mais ce sont ceux qui reviennent le plus souvent :

Équilibre : Ce principe est ce qui relie l’harmonie à l’art. En traduisant cela en musique, je dirais que, par rapport au mix, cela pourrait signifier comment vous gérez l’aspect tonal de votre chanson. Si l’on pense à la conception sonore, cela pourrait être le nombre de sons de percussion par rapport aux sons doux, ou le contraste entre les éléments clairs et sombres. Je trouve que les arrangements équilibrés se réalisent lorsqu’il y a un bon rapport entre les surprises et les idées attendues.

Contraste : Utiliser des sources différentes, ou avoir un élément qui provient d’une source totalement différente des autres. Cela peut être analogique ou numérique, acoustique ou électronique, ou bien tous vos sons proviennent de synthés modulaires sauf un qui provient d’une source organique. Si tout vient de la même source, il n’y a pas de contraste.

Mettre l’accent : Faites ressortir un élément de la chanson — il y a tant de façons de le faire! Vous pouvez ajouter quelque chose de plus fort, ou vous pouvez faire passer un élément dans un effet tel que la distorsion, etc. L’accentuation en musique est souvent liée à l’amplitude, à la gamme dynamique et aux variations de volume. Dans un mix fortement compressé, il sera difficile de faire ressortir un élément.

Motif : Il s’agit de l’idée centrale que vous voulez répéter dans votre chanson. Il peut également être lié à la signature rythmique ou à un arpège. Il peut s’agir de la partie que vous répétez dans un ordre précis ou chaotique.

Rythme : C’est la base de beaucoup de musique à bien des égards, et cela, pour moi, peut faire directement référence à la signature rythmique ou à la séquence de percussion. Vous pouvez aussi avoir plusieurs formes de rythme, du staccato, chaotique, robotique, lent-rapide… c’est vraiment l’une de mes choses préférées à explorer.

Diversité : Il s’agit du nombre de sons similaires par rapport au nombre de sons différents. C’est un peu plus subtil à appliquer en musique par rapport à la conception visuelle, mais je pense que c’est la façon dont vous vous répétez ou non dans votre arrangement. Si vous faites évoluer une chanson sans diversité, vous risquez de perdre l’attention de l’auditeur… même chose si vous avez trop de diversité dans vos sons.

L’unité : C’est ce qui colle une chanson dans son ensemble. Pour moi, la colle est faite à partir du mixage, mais il y a des choses qui peuvent vous faciliter la tâche, comme utiliser une réverbération globale, une certaine compression, un mixage propre, des préamplis identiques (colorés) ou une distorsion/saturation globale.

Pour conclure, je ne saurais trop vous recommander d’espacer vos séances de musique, de vous fixer une intention et de prêter attention à vos arrangements. Si vous savez ce que vous voulez réaliser avec votre chanson, vous pouvez vous appuyer sur une référence spécifique, puis construire vos idées en utilisant certains des principes de conception dont j’ai parlé dans cet article. Bonne chance!

Conseils de base pour les arrangements

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Étant donné le volume horaire de mixage que je fais régulièrement, je travaille sur de nombreux projets d’une grande variété de clients. Je dois aussi faire beaucoup de « nettoyage » avant de travailler sur le mix d’une chanson. Je voulais partager avec vous des conseils de base pour les arrangements, ce qui accélérera la construction de la chanson et aidera à l’améliorer à la fin.

NETTOYER UN PROJET POUR PLUS DE CLARTÉ

Le « nettoyage » est quelque chose que beaucoup de gens négligent, mais cela vous aidera à mieux comprendre ce qui se passe dans une chanson. J’encourage fortement les gens à travailler sur plusieurs projets à la fois avec ma technique de production non linéaire; un projet propre vous aidera à comprendre où vous en étiez lors de votre dernière session.

Voici quelques conseils pour obtenir un projet plus propre et plus clair :

  • Nommez vos pistes/samples avec quelque chose de simple. Par exemple, renommez cette boucle « rolling_AD252 » en « percussion ». Gardez les choses simples et claires et ayez votre propre vocabulaire.
  • Colorez chaque piste en fonction du contenu. Par exemple, rouge pour le kick, marron pour la basse, bleu pour la mélodie, etc. Sur Live 10, vous pouvez ensuite appliquer cette couleur aux clips.
  • Créez une timeline logique dans votre arrangement. C’est là que 90 % échouent ! Les premiers sons de votre chanson devraient être déplacés vers l’avant et vers le haut, et au fur et à mesure que les sons arrivent, ils devraient être déposés en dessous. Puisque l’arrangeur se déplace de gauche à droite, vous verrez apparaître les sons dans l’ordre d’apparition, comme ils le font pour les films.
  • Mettre des marqueurs pour voir les points clés. Les marqueurs sur la timeline vous aident à voir comment les choses se répètent dans une certaine logique et aussi à voir où faire les transitions.
  • Consolidez les blocs de sons, changez de couleur s’il y a des changements. Consolidez tous les petits blocs pour pouvoir les dupliquer facilement et voir vos arrangements plus clairement.
  • L’arrangement n’est pas le mix. N’ajoutez pas encore tous vos effets et compressions, concentrez-vous sur la timeline, puis vous pouvez facilement grouper et faire votre mix si tout a été étiqueté et coloré correctement.

Avant consolidation

Clips consolidés

Et dupliqués

PENSEZ À L’ÉQUILIBRE

Quand vous faites une chanson, vous devez penser à quelques points clés pour garder les gens intéressés :

  • Gardez les choses en mouvement pour éviter la redondance.
  • Avoir un développement logique.
  • Apportez des surprises.
  • Avoir des transitions solides.

Tout cela peut être vu visuellement si votre projet est propre et clair. Voici comment :

L’image ci-dessus est un bon départ. Vous pouvez voir que ces blocs sont assez simples et répétitifs. Habituellement, quand j’entends une chanson comme ça, je visualise automatiquement les blocs qui entrent et sortent ; j’appelle ce type d’arrangement « blocky ». Il ne se passe pas grand-chose, rien de très excitant, et l’équilibre des chansons « blocky » est extrêmement rigide, ennuyeux.

Cependant, le fait d’avoir une chanson « blocky » peut être facilement corrigé.

  • Un son peut sonner à nouveau si vous le « réinitialisez ». Vous pouvez « réinitialiser » un son en l’enlevant, puis en le ramenant à un point clé. C’est une bonne façon pour l’auditeur d’apprécier différentes combinaisons de sons. Si vous laissez tous vos clips jouer tout le temps, vous ne pouvez pas apprécier si X joue avec Y seul. C’est pourquoi je trouve qu’une chanson avec 3 hats et/ou 3 pistes de percussion vous donne une très large gamme de combinaisons, mais vous aurez besoin d’être créatif pour toutes les explorer dans une chanson. Cela peut être fait en coupant occasionnellement certains sons.
  • Transitions, transitions, transitions. L’ai-je assez dit ? Vous pouvez faire de jolies transitions avec un effet, un silence, un son qui roule ou qui se répète, un échange de sons, une automation de volume, etc. Explorez !
  • Automation, fondu (fade in). Si tous vos sons arrivent en même temps, essayez d’avoir des fondus de temps en temps.
  • Créez des variations. Si les sons ont été programmés d’une manière spécifique dans une section, faites-les varier dans la section suivante.
  • Longueur variable des patterns. Si vous avez plusieurs patterns qui font une mesure, essayez d’en avoir certains qui en font deux, d’autres quatre, et d’autres encore d’une demie mesure. La richesse des combinaisons où les sons se mélangent au fil du temps sera captivante pour les oreilles !
  • Ne mettez pas tous vos atouts musicaux dès le début. Essayez de faire apparaître de nouveaux sons par section.

Cette dernière image montre ce à quoi ressemble un projet en ayant ajouté quelques trous, ce qui donnera beaucoup plus de dynamisme et de surprise à votre chanson. Prenez votre temps ! Vous pouvez faire confiance à l’auditeur en laissant les choses aller et évoluer. Si vous n’aimez pas les chansons en constante évolution et que vous préférez les arrangements dénudés, c’est à peu près la même chose : prenez votre temps pour faire entrer les choses et utilisez des automations.

J’espère que cela vous aidera !

Voir les templates comme des graines.

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En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

Raconter une histoire à travers les arrangements.

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Quand il s’agit de mix et de mastering, mon travail consiste à écouter beaucoup, beaucoup de chansons. Certaines sont géniales, tandis que d’autres ont besoin de plus d’amour, mais d’après les nombreuses chansons que j’entends chaque jour, je peux identifier une chose importante qui fait qu’une chanson se démarque le plus : les arrangements. Je crois que vos arrangements et vos techniques d’arrangement de chansons sont ce qui montre vraiment votre maturité en tant qu’artiste.

Votre morceau peut avoir des sons étonnants, un kick de fou, et un très beau mix, mais si vous n’avez rien à dire, votre chanson ne sera pas mémorable. Bien que, paradoxalement, certaines chansons soient aussi mémorables parce qu’elles n’ont pas du tout d’arrangements ; aucun arrangement peut aussi être une forme de récit.

Dans ce post, j’aborderai les arrangements de deux manières : « technique » et « total », un point de vue philosophique. Alors que tant de gens ont des opinions différentes sur les arrangements, il y a une chose qu’il me semble important de souligner : vous inviter à sortir de la case de tout ce qui sonne « commercial ». Tant d’articles en ce moment soulignent comment chaque chanson sonne de la même façon et je vais aussi expliquer pourquoi.

Gardez à l’esprit : il n’y a pas de recette magique ou de solution toute faite pour les arrangements.

Alors, fondamentalement, comment expliquer la narration dans la musique électronique ? Il y a deux points critiques à garder à l’esprit :

  1. Les arrangements commencent avec une idée simple qui évolue. Plus l’idée est claire, plus elle devient compréhensible pour l’auditeur. Plus c’est accrocheur, plus c’est mémorable. L’attrait vient de la capacité de faire quelque chose avec lequel les gens peuvent avoir un lien émotionnel. On sait aussi que, si l’on examine les 50 dernières années de musique pop, il y a toujours des tendances de chansons à travers le temps. Ce qui fait d’une chanson « un succès », c’est généralement quand quelqu’un comprend la tendance actuelle (qui est « en demande ») et y ajoute sa touche personnelle pour lui donner un sentiment de « déjà vu, mais différent ».
  2. Les arrangements techniques visent à créer de la musique pour les DJs. L’une des choses les plus excitantes est d’être capable d’architecturer une musique qui trouvera un endroit logique pour se mixer dans une autre chanson, ou pour créer une nouvelle chanson (comme dans 1 +1=3, piste 1, piste 2 et le mélange des deux).

Ces deux types d’arrangements sont différents, mais peuvent aussi être combinés. Ils ont des objectifs différents. La raison pour laquelle je trouve important d’en parler, c’est qu’en tant qu’auditeur, vous ne les écoutez pas de la même façon. Le premier type, c’est ce qui fait qu’un titre est une chanson. En termes de vocabulaire, une track est une musique plus orientée pour les DJs, que l’on peut superposer tandis qu’une chanson est davantage une musique qui peut être écoutée seule et avoir sa propre histoire. Trop souvent, je trouve que les gens qui écoutent des tracks vont dire qu’il « manque quelque chose », mais en théorie, si cette musique est faite pour être superposée, c’est parce qu’il y a de la place pour qu’une autre chanson soit superposée. J’aime à dire que la track fait partie d’une histoire qui sera créée par d’autres et qu’il est important de laisser tomber l’ajout de plus en plus de couches. Si vous ne laissez pas d’espace, comment un autre DJ peut-il l’utiliser ?

Parlons donc des arrangements pour les tracks et de ce qui est utile à faire/utiliser.

  • Utilisez un motif : Pour tout, utilisez toujours un motif qui peut être quelques notes ou une boucle. Parfois, les idées les plus simples sont les meilleures. Si par exemple, votre motif est une simple mélodie à deux notes qui se répète (note : le motif puissant de Batman n’était que deux notes simples !), alors gardez à l’esprit que ces deux notes sont simplement le noyau, puis ajoutez des variantes ou des notes de soutien, des idées.
  • Définissez votre logique et suivez-la : Habituellement, le premier tiers de votre chanson définira la logique du reste de votre chanson. Par exemple, si vous coupez le son après 4 mesures, gardez cette logique pour toute la chanson. Donc, quoi que vous définissiez en termes d’inhibition, ou d’ajout, tenez-vous-en à cela jusqu’à la fin de la chanson.
  • Divisez votre chanson en trois tiers (le premier tiers est l’intro, le deuxième est le noyau, le troisième est l’outro) : Gardez à l’esprit que chaque section a un but et exige un équilibre. Il devrait avoir une surprise, une certaine cohérence, un punch et une transition.
  • Laissez de l’espace : Miles Davis aimait le silence entre les notes et disait souvent que c’était ce qui donnait le vrai sens à n’importe quelle phrase. Si vous trouvez votre hook entier pour la partie centrale de votre chanson, assurez-vous d’avoir des variantes de cette idée, avec des espaces/silence.

L’importance de définir votre propre langue dans votre musique est importante pour créer votre personnalité. Nous savons tous que la musique est une forme de communication et, par conséquent, certains codes peuvent être utilisés pour créer des phrases dans votre musique. Tout le monde a un point de vue différent, mais j’aimerais partager mon lexique personnel. Mais considérons ceci : la techno est de la musique 4/4, ce qui signifie qu’un « cycle » est fondamentalement de 4 mesures ; c’est aussi là où les DJs essaient de mixer in/out. Chacune de vos chansons basées sur cette prémisse aura une meilleure cohérence si vous vous en tenez à une logique similaire, et la musique sera comprise plus rapidement par les DJs.

  • Une phrase est fondamentalement longue d’une mesure (4 temps). Un paragraphe a une longueur de 4 ou 8 mesures.
  • Faire répéter les sons, c’est un point (« . »). Vous voulez généralement le faire à la fin d’une mesure si vous faites une longue phrase, mais vous pouvez aussi avoir un point pour souligner un son qui a besoin d’exprimer quelque chose. Les sons qui roulent aident à passer à la mesure suivante, car ils créent de l’énergie.
  • Couper le kick ou plusieurs sons à la fois est une virgule («, »), cela peut également marquer la fin de la partie et préparer pour un autre. Le silence crée une mini tension et crée de l’anticipation.

Ce sont les bases avec lesquelles on peut jouer.

  • Vous pouvez découper toute votre structure de chanson pour voir clairement toutes vos 4 mesures dans des blocs distinctifs. Cette action cruciale aide vraiment à voir les grandes lignes de votre chanson et à voir l’organisation.
  • Je travaille généralement son par son (piste par piste) et décide que certains sons auront un changement à un moment donné, disons X nombre de mesures. Par exemple : les hats ont un changement minuscule (un point) toutes les 4 mesures, les toms en auront un toutes les 2 et les claps, toutes les mesures. Ensuite, vous découpez toutes les mesures en mesures plus courtes pour pouvoir éditer les détails.
  • Ajouter de la décoration si nécessaire dans la même logique. Si vous avez commencé à couper et à créer de l’espace ici et là, ces zones peuvent être de bons espaces pour insérer des effets comme de petits flous subtils.
  • Soyez très conscient de l’endroit où votre chanson a ses éléments principaux, et s’il respecte la logique que vous avez définie dans le premier tiers de votre chanson.

Une chanson qui a de l’équilibre et des événements répétitifs ne sonnera jamais vide, ennuyeuse ou inutile parce que les gens comprendront consciemment (ou non) le langage derrière elle.

Maintenant, regardez comment il se répète et essayez de garder des séquences de blocs qui se répètent. Par exemple, si j’ai 4 blocs qui se répètent et qu’il y a un silence de 2 mesures, je le répéterai à travers la chanson.

C’est un bon exemple de ce que j’appelle la logique d’arrangement. Vous décidez de la façon dont les choses se déroulent, puis vous suivez cette logique jusqu’au bout.

CONSEIL : Toujours varier la façon dont le son entre et sort. Vous avez 2 choix : le son commence à jouer ou apparait en fondu. Essayez d’avoir des variations entre les sons et dans la manière dont ils entrent et sortent.

Le plus important — et je terminerai avec ceci — est de garder à l’esprit que vous devriez toujours avoir une surprise pour l’auditeur, et si vous le surprenez, il/elle voudra réécouter votre chanson ; alors, soyez audacieux et parfois, imprévisible. J’aime la méthode 1-2 punch : faire quelque chose, le répéter pour que l’auditeur fasse « ah oui » puis quand l’auditeur l’attend à nouveau, lui donner un coup de poing avec quelque chose qu’il n’a pas vu venir.

J’espère que cela vous aidera !

Techniques de production musicale : la production non-linéaire

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Cela fait longtemps que j’ai promis un post traitant d’une des nombreuses techniques de production musicale que j’utilise : la production non linéaire. Le tout premier album que j’ai fait en utilisant cette technique assidument était Intra. Et puis je m’y suis récemment plongé en profondeur pour produire de multiples EPs, réalisés entre fin décembre 2017 et mars 2018. Alors qu’Intra était un album de 23 chansons fait sur neuf mois, ma dernière expérience a produit 19 titres en trois mois. Je pense que je m’améliore, surtout parce que c’est de plus en plus clair dans mon esprit.

Sur les 19 titres récents, j’en ai gardé 8 pour l’album Returning Home, que vous pouvez écouter ci-dessus. C’est une déclaration sur le fait que la maison est un état d’esprit et non pas nécessairement un lieu physique. Je fais de la musique techno/dance depuis 1998, et après avoir expérimenté des paysages sonores plus électroniques et de la musique ambient, ça me fait du bien de revenir à mes racines. Chose amusante, j’ai essayé de travailler avec d’autres labels, car je voulais garder le mien, Archipel, pour des trucs plus downtempo, mais j’ai rencontré de nombreux refus ou des compromis compliqués. Je suis trop têtu pour changer les choses et comme cet album a été fait sur la base d’un concept très solide, je ne voulais pas revenir en arrière et changer ce que je trouvais bien.

Mais revenons à la technique de production non linéaire. Je couvrirai le déroulement du processus, du point de départ jusqu’à la fin.

J’entends souvent des gens dire, « mais je n’ai pas besoin d’une technique quand je fais de la musique ». Bien sûr, ce n’est pas pour vous alors. Mais cette technique peut être bénéfique si vous cherchez à accroître votre production. Cela a certainement contribué à me rendre plus prolifique à travers le temps.

LA PRODUCTION MUSICALE NON LINÉAIRE — UN CONCEPT

Ce concept (qui existe depuis des décennies selon les recherches que j’ai faites) encourage le producteur à explorer la possibilité de travailler sur plusieurs chansons à la fois, de manière non linéaire.

Cela signifie que :

  1. Vous ne travaillez pas sur une chanson du début à la fin, avant d’en commencer une nouvelle.
  2. Chaque piste est abordée individuellement pour ses besoins mais vous travaillez aussi globalement. Gardez à l’esprit que ce que vous avez fait dans la piste précédente devrait différer sur la suivante.
  3. La technique consiste à répéter les mêmes cycles/phases jusqu’à l’obtention d’un noyau solide. Ensuite, il y a la finalisation pour se préparer au mix.

On l’appelle « non linéaire » parce que c’est une série de phases, sur plusieurs pistes, toutes en même temps.

Note : Une règle implicite implique également que le travail sur une piste doit se faire sur de courtes périodes de 20 à 30 minutes à la fois par chanson, puis de s’arrêter, sauvegarder et passer à autre chose. Pourquoi ? Cela permet de garder des idées fraîches.

Pour beaucoup de gens à qui j’ai expliqué cela au début, cela a semblé troublant et déroutant. Il y a une sorte de croyance ancrée chez les gens que lorsque vous allez faire de la musique, vous devriez trouver votre idée, vous y tenir absolument, l’intégrer dans une chanson, en commençant par le début et en finissant par la fin. Je vois souvent des projets de gens qui ont quelques blocs au tout début de la piste et puis ils se perdent.

J’entends aussi : « Je peux faire une super boucle, mais je ne sais pas ce qui va suivre. »

J’ai écrit un article à ce sujet dans le passé. Cependant, la technique non linéaire vise vraiment à dépasser la question de la boucle, parce qu’il s’agit de transformer de petites idées en concepts plus grands.

Mais par où commencer ?

Avant de nous pencher sur la production, permettez-moi d’expliquer la technique de production musicale non linéaire, car c’est de cela qu’il s’agit :

  1. Création de contenu, génération d’idées.
  2. Filtrer les idées dans un concept.
  3. Construire une boucle comme noyau.
  4. Structure du template.
  5. Arrangements.

Lorsque vous décidez de créer votre projet, la première chose à faire est de choisir votre type de projet. S’agit-il d’un EP (3-4 chansons) ou d’un LP (5-10 pistes) ? Peut-être que vous voulez juste faire quelques morceaux ; je crois personnellement que nous ne devrions jamais faire un seul morceau à la fois. Si vous n’avez pas de projet précis en tête, inventez-en un comme « Je vais faire 5 titres pour le plaisir et je veux qu’ils soient principalement techno ». Une fois cette décision prise, vous êtes prêt pour la création de contenu. Je consacre habituellement beaucoup de temps à la création de contenu et à la génération d’idées.

Vous pouvez également partir de pistes inachevées sur lesquelles vous voulez appliquer l’idée. L’important est de travailler sur plusieurs projets en parallèle. Habituellement, cela marche mieux si vous en avez au moins cinq, mais il n’y a pas de limite bien sûr. Pour les nouveaux, commencez petit pour voir si cette façon de travailler fonctionne pour vous. La technique est sur le point de faire passer votre morceau d’une idée simple à une chanson finalisée mais non mixée. Le mix n’en fait pas partie. Je trouve que le mixdown fonctionne mieux si vous le faites tard. N’hésitez pas à créer un dossier de référence où vous mettez des chansons qui vous inspirent.

CRÉATION DE CONTENU, GÉNÉRATION D’IDÉES

De toutes ces années d’écoute de musique, de gestion de labels, de mastering et de DJing, je suis arrivé à une théorie : une chanson solide est — en général — une idée unique et solide, soutenue par deux autres. L’idée principale peut être une boucle, un motif ou même un son. Je me souviens qu’Hans Zimmer décrit un motif en disant qu’il doit avoir un impact émotionnel sur vous, qu’il doit réapparaître dans votre esprit plus tard. Il dit que le thème de Batman est composé de deux notes, mais très puissantes. En les jouant, vous pensez automatiquement à Batman. Les deux autres idées sont nécessaires parce qu’une chanson a généralement besoin d’un développement et d’une « surprise ». Cela dit, dans cette technique de production, il faut créer des idées nouvelles. Beaucoup.

J’ai fait un long post sur la manière de trouver de nouvelles idées mais je vais résumer comment ça fonctionne pour moi :

  • Recycler d’anciennes idées : J’ai d’innombrables samples que j’ai utilisés ou que je n’ai jamais touchés. J’aime les transformer en nouveaux sons.
  • Enregistrement de la radio ou d’autres atmosphères à l’aide d’un microphone : Quand je suis d’humeur créative, je passe beaucoup de temps à enregistrer les sons de cette période de ma vie. Je vais laisser l’enregistreur quelque part pendant une heure pour voir ce qui se passe.
  • Essayez des démos : J’adore les démos et j’essaie de voir ce que je peux en tirer en les samplant. Certains ont un temps limité et d’autres durent quelques jours. Cela vous oblige à resampler le travail et à en tirer quelque chose. Parfois, je finis par l’acheter, bien sûr.
  • Design sonore pur : La superposition de sons provenant de différentes prises est un excellent moyen de générer des sons riches. Je le fais souvent, mais cela prend beaucoup de temps.
  • Jammer avec les sons : Quand j’en ai beaucoup, je vais généralement mettre les sons dans un sampler et jammer avec un contrôleur midi ou un PUSH. Je vais enregistrer tout ce que je fais dans un projet.

Un projet qui a beaucoup d’idées sera enregistré avec la date du jour du jam. Il se peut que j’aie quelques heures de matériel, ce qui signifie qu’il y a hypothétiquement 3-4 idées là-dedans.

Cette phase est terminée quand vous avez un projet avec 3-4 idées prêtes à partir. Je fais habituellement une session par piste nécessaire pour le projet.

TRANSFORMER LES IDÉES EN CONCEPT

Cette phase est une phase que vous devez faire en dehors du jam. Pourquoi ? Parce que lorsque vous jammez, vous êtes dans votre état créatif (cerveau droit) et vous avez des tonnes d’idées, mais votre jugement n’est pas bon. Vous ne pouvez pas être juge alors. Vous devez vous sentir libre et explorer sans limites. Dans cette deuxième phase, il s’agit de passer à un côté plus analytique où vous allez travailler votre récolte.

  1. Passez en revue tous les enregistrements que vous avez faites une boucle avec une partie. La question est, pouvez-vous écouter une boucle et vous sentir inspiré ? Si oui, vous avez quelque chose à quoi vous pouvez vous accrocher.
  2. Utilisez des boucles de différentes tailles comme 1, 2, 4 mesures. Compiler différentes idées.
  3. Utilisez la vue de session pour créer des scènes de boucles que vous aimez.
  4. Essayez de voir si certaines boucles, une fois superposées, créent des motifs inattendus.
  5. (Optionnel) Ajoutez un kick et des hihat pour vous donner une idée du groove et ajuster le timing de la boucle.

Cette phase est terminée quand vous avez quelques scènes solides dans votre vue de session.

Notez que vous pouvez revenir en arrière pour créer plus d’idées (Phase 1) pour compléter ce que vous avez. Vous pouvez également créer un fichier pour toutes les idées de toutes les sessions et créer ainsi de nouvelles. Il n’y a pas de règles, seulement des possibilités.

LA CONSTRUCTION D’UNE BOUCLE CENTRALE

À ce stade, vous devriez avoir un nombre X de projets (basé sur la définition du projet que vous avez défini au début, c’est-à-dire EP, LP, peu importe), chacun avec du matériel qui a été organisé en 2-3 idées. Le moment est venu d’assembler le tout.

La boucle que vous allez construire ici est la partie centrale de votre chanson, donc il devrait y avoir tous les éléments.

  1. Ajoutez une fondation. La partie fondamentale de votre chanson est la partie low end et la basse. À partir de l’idée principale, ajoutez une basse qui soutient ou répond à l’idée. Ajustez-la pour qu’elle soit dans la tonalité.
  2. Ajoutez des percussions. Complémentaire à la basse, vous pouvez ajouter un kick, des percussions, ou tout ce qui est complémentaire et créera le groove. Je commence généralement tout de suite par décider quel modèle de groove je vais utiliser sur cette partie centrale.
  3. Ajoutez des touches mélodiques si nécessaire. Décidez de la durée de votre mélodie et de sa progression (si c’est le cas).
  4. Créez un fond sonore et un espace si vous le souhaitez. Il s’agit généralement de la réverbération et de textures. Mais cela peut aussi se faire plus tard.

Cette phase est terminée lorsque vous avez une boucle principale que vous pouvez placer dans la fenêtre d’arrangement, en plein cœur de votre chanson (ce qui signifie que vous devez savoir approximativement combien de temps elle doit durer). Une bonne boucle est une boucle centrée autour de votre thème où si vous jouez cette partie en solo, ce serait ce dont quelqu’un parlerait pour décrire votre chanson.

Dans le processus de travail à travers la boucle de base, vous pourriez avoir besoin de revenir en arrière pour créer plus de contenu ou vous pouvez en importer à partir d’autres sessions.

STRUCTURE DU TEMPLATE

Maintenant que vous avez la partie centrale de la chanson, il est plus facile de construire la structure restante. Dans la vue d’arrangement, créez trois sections : un début, un milieu et une fin. Vous allez maintenant présenter votre structure pour avoir une idée de ce que vous pouvez faire avec votre idée centrale.

  1. Copiez les éléments du début à la fin qui seront présents tout au long de la piste.
  2. Travaillez à l’envers en déconstruisant la ligne du temps de ce qui arrive en premier et ainsi de suite, jusqu’à ce que vous arriviez à la partie centrale.
  3. Effectuez le même processus jusqu’à la fin. Vous pouvez répéter certains éléments.

Cette phase est terminée quand vous avez une structure temporaire du début à la fin. Cela pourrait vous prendre un certain temps, je vous encourage à faire des sprints de 30 minutes à la fois. Le problème quand on travaille trop longtemps sur cette phase, c’est qu’on perd de vue la force de la chanson. Je veux habituellement faire ressortir une structure de cette phase, mais je peux aller et venir avec les autres phases jusqu’à ce que je sois satisfait.

ARRANGEMENTS

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

L’arrangement est un sujet massif que je détaillerai dans un article futur et qui est impliqué dans la plupart des techniques de production musicale — mais cette explication est une conceptualisation complète de la façon dont je travaille. J’espère que cela vous aidera d’une manière ou d’une autre !

Ma musique ne me ressemble pas

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Est-ce que cela vous arrive ? Vous démarrez un projet avec une idée et une direction, « Je vais faire un morceau techno », vous démarrez une boîte à rythmes, vous mettez une ligne de base, vous commencez à jammer, à chercher des sons, à créer un groove, et une heure plus tard vous écoutez une boucle de 8 mesures qui sonne totalement différent de ce que vous avez décidé de faire. « Ma musique ne me ressemble pas ». Oui, ça arrive à beaucoup de gens, et ça peut être vraiment frustrant de faire de la musique qui vous est totalement étrangère.
Il y a une déception particulière qui vient avec le fait de ne pas être capable de faire le genre de musique que vous voulez créer. Beaucoup de producteurs avec qui j’ai travaillé parlent de commencer un projet avec une seule direction en tête, mais au fur et à mesure que le titre évolue, ils perçoivent les sons qu’ils ont choisis et l’émotion de la chanson comme complètement à l’opposé de leur direction originale.

Pourquoi est-ce que ça continue d’arriver ? Qu’est-ce qui se passe exactement ?

D’après ce que j’ai vécu moi-même, je comprends la confusion. J’aimerais suggérer d’examiner la situation d’un autre point de vue, qui, à mon avis, sera beaucoup plus positif et productif pour vous en tant que producteur. C’est une question de contexte.

Tout d’abord, nos humeurs et nos pensées changent constamment. Nous sommes dynamiques et il y a de multiples versions de nous. Ce que je veux dire, c’est que vous êtes une personne quand vous conduisez avec de la musique très forte, il y en a une quand vous écoutez de la musique lors d’une fête, il y en a une autre quand vous écoutez de la musique faite pour les écouteurs. Il y a une grande différence entre la personne que vous êtes en écoutant de la musique et la personne que vous êtes en faisant de la musique. Les deux comptent, les deux sont bien.
Astuce : dès que vous démarrez un projet, enregistrez-le immédiatement avec un nom qui décrit le genre ou la sensation de la chanson que vous voulez créer. Un nom aussi simple que « techno… » ou « house… ».

Il est utile de commencer vos productions avec un objectif et une intention claire à l’esprit, sinon, il est assez facile de s’éloigner. Cela étant dit, mon opinion personnelle est que la dérive est une bonne chose, et va de pair avec le fait d’être dans le moment, et plus en contact avec le VOUS qui est dans le studio à ce moment-là.
Si vous êtes vraiment en contact avec vos émotions ou si vous suivez les sons qui vous excitent, la dérive dans d’autres directions va se produire. C’est simplement un processus de découverte.

La façon dont je vois la musique est similaire à la naissance d’une étrange créature extraterrestre sortie de nulle part. Même si la musique que vous avez créée vous semble complètement étrangère, il est important d’être patient avec le matériel, car plus tard dans les phases de production ou de mixage, vous apprenez à apprivoiser doucement quelque chose de brut et de sous-développé en une créature évoluée avec une personnalité unique. Si votre musique sonne un peu différemment de ce que vous avez décidé de faire, je crois que c’est une bonne chose.

Si vous avez lu mes messages au fil du temps, vous savez que j’encourage fortement la Méthode Bonsaï, et l’habitude de ne pas passer trop de temps sur une piste. Travailler rapidement et finir rapidement aiguisera considérablement vos compétences en production, et vous serez un producteur beaucoup plus prolifique. Vous voulez que vos sons soient un peu bruts, incontrôlables et étranges. Ces sons sont les joyaux non sculptés que vous ne pouvez faire que lorsque vous cessez de vous censurer. C’est ce que vous recherchez.

EMBRASSER LES RÉSULTATS INATTENDUS, ET EMBRASSER LE CHANGEMENT.

Imaginez le nombre d’idées avec lesquelles vous aurez à travailler si vous commencez 20 pistes à partir de zéro plutôt que d’essayer de polir une chanson pendant 20 heures. Passer trop de temps sur un titre enlèvera souvent au côté brut de votre enregistrement initial. Cette vivacité est précisément le son qui nous a excité en premier lieu, et il est important d’embrasser ces bruits, rythmes et grooves innatendus. Enlever tout le charme brut de votre matériel pourrait être comparé au photoshopping du corps d’une belle et naturelle femme adulte dans la minceur d’un enfant pour atteindre une certaine mesure de perfection. Voici quelques conseils essentiels pour bien démarrer vos pistes.

VOTRE TRAVAIL EST CE QUE VOUS VOULEZ QU’IL SOIT.

En tant que personne, nous sommes en constante évolution, et nos goûts musicaux évolueront également. C’est idéal que votre musique vous soit étrangère et progresse tout en comprenant que votre progression peut se produire dans un ordre que vous ne pouvez pas prédire. Au fil du temps et du travail, ce que vous êtes vraiment en tant que musicien commencera à prendre forme.

Entendre la musique que vous avez faite dans le passé, c’est comme regarder des images de vous-même d’une autre époque. Ça laisse une empreinte. Regardez les photos de vous-même du passé et repérez celles que vous aimez. Elles peuvent être esthétiquement bonnes, mais je parie que vos images préférées seront celles qui rappellent un moment particulier de votre vie. Voyez-le avec les sons bruts et originaux que vous trouvez. Ceux qui sont audacieux sont les sons qui se démarqueront au fil des années et vous apporteront peut-être une attention inattendue.

Astuce : Exportez une version de votre piste avant d’enregistrer et de fermer votre projet. Comparez son évolution. Partagez-la aux personnes qui vous connaissent. Voyez ce qui les fait tripper.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de cet article, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

VOIR AUSSI : Analyse d’une track de référence.

Checklist pour savoir si ma track est terminée

/dans , , , /par

Alors que je travaillais activement sur mon live, je me suis rendu compte que j’utilisais une checklist personnelle pour savoir si ma track était terminée. Des petits détails aux gros morceaux, il est parfois facile d’oublier certaines choses. De la même manière que pour partir en voyage, vous voulez vous assurer d’avoir tout préparé avant de sortir du projet.

Cette liste de contrôle est ce que j’utilise personnellement avant de passer au mixdown. Vous verrez qu’il y a encore des points que j’aborde comme étant du pré-mixing, mais je ne passerai pas trop de temps là-dessus. Dans un article précédent, j’ai expliqué l’importance d’exporter les stems hors de votre projet une fois la production terminée. Cela libère l’utilisation du CPU, donne une sensation de légèreté, donne la possibilité de sauvegarder ou de collaborer et éventuellement de faire un peu de mix dans un autre DAW pour obtenir des textures différentes. Mais surtout, c’est une façon de se dire : « Ok, il est temps de passer à autre chose. »

Avez-vous besoin de tout contre-vérifier pour déclarer que c’est fini ? Non, pas du tout. Il ne s’agit que d’une aide pour vous aider à mieux voir tout ce qui pourrait être couvert (et je suis sûr qu’il me manque encore une ou deux choses là-dedans !)

Catégories de la checklist, par ordre d’importance :

1. L’accroche (idée principale, Hook)

C’est ici que tout commence et se termine. Commençons donc par nous poser ces simples questions :

  • Quel est le hook principal de votre chanson ? Rappelez-vous, l’accroche est ce que quelqu’un chanterait à quelqu’un d’autre pour expliquer de quoi à l’air la chanson. Votre chanson n’en a peut-être pas (et c’est très bien aussi), mais l’accroche est l’un des principaux facteurs pour rendre une chanson mémorable et intemporelle.
  • Quels éléments soutiennent le hook ? Une bonne accroche n’est souvent pas suffisante. Il est utile de la soutenir avec des sons en écho ou des petites bribes de mélodies secondaires.
  • Est-ce que vous visez une structure pop ou un mantra répétitif ? Il peut aussi y avoir une zone grise qui combine les deux. Mais quel que soit votre choix, assurez-vous d’avoir une réponse claire.

2. Design sonore (Sound design)

C’est la section la plus importante pour moi et c’est habituellement là que je passe le plus de temps. J’ai ici des sous-catégories que je vais aborder.

  • Quels sont la direction et le but de cette chanson ? Est-ce surtout pour destiné à être mixé (DJ) ou plus pour l’écoute ? Vinyle ou Spotify ? Chill, dancefloor ou expérimental ? C’est quelque chose qui peut parfois être bon de garder à l’esprit jusqu’à la toute fin où vous pourrez alors supprimer ou ajouter des détails qui changeront le tout.
  • Quelle chanson ou quel artiste serait une référence ? Cela peut être ajouté directement dans une piste. Voir mon article précédent sur comment utiliser une piste de référence.
  • Quel est le rapport entre éléments organiques et éléments synthétiques ? C’est un point auquel je pense en général au début, mais je serai également disposé à le réviser à la fin.
  • Quelle est la tonalité principale de ma chanson ? Pas toujours indispensable si vous faites de la musique inharmonique. Mais il peut être intéressant de décider de la note fondamentale de la basse, du kick et des mélodies.
  • Kick : le kick est-il en accord avec la mélodie ? Est-il compressé en sidechain avec d’autres sons qui rentrent en conflit ? Personnellement, j’essaye aussi d’avoir un kick différent de celui de ma track précédente. Le kick est le dernier élément à concevoir, car il est là pour soutenir et compléter l’ensemble du projet.
  • Snare/clap : souvent aussi important que le kick, j’utilise habituellement un clap si ma dernière track avait un snare, pour alterner. Je vais aussi essayer de les superposer (layering). D’une chanson à l’autre, le son des percussions qui se produira sur les 2e et 4e temps devra varier selon mes goûts. Je veux essayer d’offrir différentes options pour quand je joue mes chansons en live ou en DJ set.
  • Bass : est-elle en tonalité ? Est-elle en sidechain ?
  • Melodie : c’est un peu difficile mais comme expliqué dans ma technique de production non linéaire, j’aime aller et venir dans la track pour voir si la mélodie a un impact, et si celui-ci est positif dans la durée. Trouver une mélodie est déjà assez difficile, mais la rendre agréable au fil du temps est un art en soi.
  • Atmosphère : y a-t-il un arrière-plan dans ce titre ? Qu’y a-t-il en arrière-plan par rapport au premier plan ? J’aime utiliser des bus pour ça.
  • Enregistrement : est-ce que j’utilise des enregistrements de terrain pour cela ?
  • Textures : les textures sont-elles claires et audibles ? Ou est-ce plus subtil ?
  • Quel est le rapport entre les sons répétitifs et les sons changeants ? Certaines personnes aiment toujours avoir le même clap à travers la chanson tandis que dans le Hip Hop, ils aiment souvent en changer. Y a-t-il une règle que vous voulez suivre ? Si oui, à propos de quoi ?

 

3. Le groove

C’est une section un peu moins condensée mais très importante si la chanson est plus percussive et pour le dancefloor.

  • Le groove est-il emprunté à une chanson ou à un template de groove ? Est-il personnalisé ?
  • Quelle est la signature du morceau ? Est-elle globale ou différente selon les parties ?
  • Est-ce qu’il y a un groove global appliqué ou est-ce que ce morceau utilise plusieurs grooves selon les parties ?
  • Exportez toutes les boucles de percussions en MIDI pour ajuster le groove.
  • Qu’est-ce qui est répétitif et ce qui ne l’est pas ? Trouvez un équilibre sain entre les sons répétés à travers la chanson et d’autres sons qui changent sur 1-2-3-4 mesures.
  • Y a-t-il un sidechain entre les pistes pour créer un effet de pompe subtil ou au contraire très présent ? Cela peut faire une différence.
  • Quels sont les sons modulés ? C’est une des choses les plus importantes à faire si vous voulez que votre chanson soit plus organique que synthétique. C’est une chose de sélectionner les bons samples organiques, mais la façon dont vous les programmez sera cruciale pour l’impression générale. Souvent, l’oreille humaine est très sensible au mouvement, même si la musique est jouée en arrière-plan. Vous seriez surpris de ce que les gens remarquent et de ce qu’ils ne remarquent pas.

 

4. FX/RETOURS

L’utilisation des retours (sends) est cruciale pour donner une impression d’unité à la piste. L’une des erreurs les plus fréquentes que je vois de la part des nouveaux producteurs est d’utiliser plusieurs reverbs partout dans le projet au lieu d’en utiliser une seule comme send. J’utilise habituellement des sends multiples pour créer des effets 3D élaborés et sophistiqués pour les percussions et les mélodies. L’un des points les plus importants est de les utiliser avec soin, jusqu’à la fin.

  • Cette chanson est-elle sèche ou plus chaleureuse ? Quelle place attribuer au reverb ?
  • Quel type de réverbération est-ce que je veux pour cette piste ? Petite ou grande ? Les options sont le hall, room, plates, convolution et quelques autres.
  • Qu’est-ce qui va avoir un effet 3D ? Vous ne voudrez peut-être pas mettre toute la chanson en 3D, car cela va à l’encontre de l’idée. Ce qui rend la chanson 3D, c’est la quantité de sons que vous mettez en plein dans la figure, par rapport à ceux que vous mettez en arrière-plan. Une combinaison saine des deux aura un meilleur effet.
  • Un seul delay pour le projet ! Sur quelle signature ?

 

5. Structure/arrangements

J’ai fait référence à la structure comme des Legos dans un article précédent. Ils ont souvent la même façon d’être construits pour plusieurs raisons. C’est pourquoi une track de référence peut nous aider à briser nos idées narratives. Je recommande toujours de déposer des marqueurs dans les arrangements de cette façon : un au début, un à la fin et un au milieu. Cela établira ce que j’appelle des perspectives et vous aidera à voir si votre narration générale est équilibrée et si les choses sont bien organisées.

À partir du milieu, je poserais encore une fois un marqueur entre le début et le milieu, puis un dans la dernière partie. Votre chanson doit comporter 4 parties distinctes. Les sections 1-2 sont intro et outro. La partie du milieu est l’endroit où votre chanson se développe et existe.

  • Est-ce que votre chanson a une intro/outro ? Commencez-vous immédiatement dans l’action ou développez-vous ?
  • Combien d’espace avez-vous pour que le mix DJ ?
  • Vos éléments mélodiques évoluent-ils correctement à travers chaque section ?
  • Votre chanson a-t-elle au moins un développement, centre d’intérêt par section ?
  • Est-ce que la chanson a une surprise importante environ aux 2/3 de sa longueur ? Je recommande toujours d’y réfléchir.

 

J’ai donc abordé les principaux points que je couvre habituellement. Je pourrais aller plus loin, mais c’est ce que vous verrez dans la production. Au-delà, nous tomberions dans le mix et c’est un tout nouvel article à venir.

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 2)

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Après avoir décidé de la direction que prendra votre set live, nous allons maintenant discuter de la façon de préparer un set électronique live en termes d’approche de chaque chanson individuelle, ou des moments comme je les appelle. Cet article fait suite à Jouer de la musique électronique live — Comment préparer votre Live Set ? (Partie 1)

Avant de continuer, assurez-vous d’avoir lu l’article ci-dessus, après quoi vous devriez avoir une meilleure idée du style que vous aimeriez jouer en live. Puisque la plupart des musiciens électroniques sont des utilisateurs de logiciels, nous allons commencer par cette approche qui est plus facile et permet de jouer à la fois à la maison pour le plaisir ou dans un club. Une erreur courante que je constate chez les nouveaux artistes qui veulent jouer live est de rendre les choses trop ambitieuses et trop compliquées. Les préparatifs deviennent trop exigeants et le fait même de jouer le set perd son côté amusant.

Première idée pour préparer votre set : transformer vos morceaux, finis ou non, en moments à jouer en live.

Dans un article précédent, j’ai dit que faire beaucoup de boucles est quelque chose qui finit par payer. Quand vous voulez jouer en live, il est toujours préférable d’avoir beaucoup d’options à portée de main que vous pouvez explorer, pour voir ce qui fonctionne ensemble et ensuite transformer ces boucles peut-être inachevées en nouvelles chansons.

Pendant des années, j’ai toujours eu un fichier de projet principal pour jouer live dans lequel je testais toutes les nouvelles idées sur lesquelles j’allais travailler pendant une période de temps donnée. Ce live est comme un laboratoire d’expérimentation ; c’est là que de nouvelles idées surgissent, où les boucles deviennent des pistes terminées, et où certains sons sont remplacés ou remixés dans une autre piste. En d’autres termes, je recommande de transformer vos boucles d’arrangement inutilisées en une scène dans Live, de les jouer et d’enregistrer la sortie. Rincer, répéter.

Mais par où et comment commencer ?

Prenons par exemple cet arrangement simple et voyons ce que nous pouvons en tirer. Disons que vous avez une piste en cours ou terminée, partiellement configurée dans une vue d’arrangement (note : n’importe quel DAW en mode arrangement, pas seulement Ableton). Tout d’abord, vous aurez besoin de savoir comment la piste est structurée.

Figure 1 — Mode arrangement avec marqueurs

 

Voulez-vous jouer le morceau comme vous l’avez arrangé ou voulez-vous avoir les parties pour improviser avec les différentes sections ?

Comme vous pouvez le voir dans la capture d’écran ci-dessus, j’ai inséré des marqueurs dans mon agencement qui représentent les principaux changements entre les sections ; tout est principalement organisé en blocs. Vous aurez besoin de découper ces blocs pour les déclencher, et aussi ce qui deviendra primordial est la façon dont vous décidez de les jouer. Si certaines parties sont fortement découpées, je vous recommanderais soit de transformer cette section en un bloc entier, soit si vous voulez jammer avec ces sons, vous pouvez les ajouter à un Drum Rack. Cela dépend si vous voulez jammer dans votre set ou pas. Le but ici est d’avoir une meilleure vue de la façon dont vos blocs existent afin que lorsque vous êtes dans la vue de session, les parties soient faciles à voir.

1re CHOSE À FAIRE :

  • Étirez les petits blocs qui se répètent pour créer des blocs plus grands qui couvrent la zone où ils doivent être répétés (note : assurez-vous que le clip est en mode boucle).
  • Utilisez Cmd + J pour consolider les blocs découpés en blocs plus grands. Si certains blocs ont des variations, regroupez-les tels quels.
  • Utilisez les couleurs pour clarifier où les blocs ont des changements. Supposons qu’un bloc se répète jusqu’à un moment donné, mais change ensuite de hauteur ; vous pouvez changer la couleur de celui où la hauteur est changée pour symboliser ce changement.

Figure 2 — Blocs consolidés vs blocs non consolidés

Dans la figure 2, la partie gauche a été consolidée et la partie droite ne l’a pas été. Vous pouvez dupliquer la partie gauche à droite après avoir consolidé de cette façon.

Cela peut sembler prendre du temps, mais ce n’est pas beaucoup de travail supplémentaire et cela sera payant une fois que vous déplacerez le tout en mode session.

Lorsque vous avez terminé, vous devez apporter les nouveaux blocs dans la vue de session.

Si vous avez des groupes, je suggère de les détacher. La raison en est qu’il est non seulement peu pratique d’utiliser les groupes en vue de session, mais aussi qu’il y a des chances que vos groupes diffèrent d’une chanson à l’autre, et qu’en fin de compte cela soit plus confus qu’utile. Si vous avez regroupé vos FX, je vous suggère d’exporter le canal entier comme une stem et de décider plus tard comment l’utiliser dans un contexte en live. Vous pourriez peut-être décider d’utiliser des effets pendant le live et donc, de ne pas exporter le canal. C’est dur pour moi de vous dire quoi faire ici.

2e CHOSE À FAIRE :

  • Attrapez tous les clips à l’aide de Cmd + A, cliquez pour saisir, appuyez sur Tab puis déposez-les dans la vue de session.

    Cmd + A, cliquez pour saisir, appuyez sur Tab puis déposez-les dans la vue de la session.

  • Vous pourriez avoir un très grand nombre de clips. Après avoir tout déplacé dans la vue de session, vous verrez que certaines « scènes » sont constituées des mêmes clips. Vous devrez supprimer toutes les scènes qui sont identiques : vous n’en avez pas besoin. Au final, vous pouvez passer de 60 scènes possibles à environ 5 (!). En situation live, vous voulez que tout soit devant vous, et plus les choses sont simples, plus vite vous serez en mesure d’aller où vous voulez. Vous pouvez également passer de la Scène A à la Scène B, de C à D dans n’importe quel ordre, ce qui vous donne la possibilité de remixer votre musique à la volée.
  • Certaines personnes peuvent avoir un grand nombre de pistes groupées en 5-8 groupes. Les groupes rendent les choses difficiles à jouer en live, car ils ajoutent beaucoup de complexité. Je vous suggère peut-être d’exporter les stems de la piste pour les groupes, puis de les découper en sections comme je l’ai expliqué plus haut. Cela pourrait aussi vous inviter à reconsidérer la façon dont vous utilisez les pistes — j’ai souvent l’impression que les gens en utilisent trop. Je n’utilise jamais une seule piste pour un hit qui arrive une fois dans une chanson. J’aurai une piste réservée où je mettrai tous les sons one-shot d’un coup. Cela peut changer la donne pour vous si vous utilisez beaucoup de petits projets plus faciles à comprendre et vous vous sentirez plus concentré (et utiliserez moins de CPU !).

 

En ce qui concerne le nombre de canaux à utiliser, vous devrez faire des tests sur votre propre configuration avant de décider. Dans le post précédent sur ce sujet, on m’a conseillé de faire attention au nombre de canaux/pistes utilisés. Idéalement, vous voulez en avoir un maximum de 12. Pour réduire le nombre de pistes que vous utilisez si vous en utilisez davantage, vous devrez en regrouper quelques-unes qui sont similaires ou combiner des pistes qui n’ont pas beaucoup de choses dessus. Par exemple, j’aurais un canal qui serait une boucle plus longue qui combinerait tous les FXs et les hits aléatoires. Le fait de le jouer en boucle plus longue plutôt qu’en boucle courte crée une sensation de live qui n’est pas aussi « folle ».

Répétez votre session en appuyant sur certains clips ou en déclenchant une scène pour voir ce qui se passe. Une fois que vous aurez supprimé les scènes redondantes et réduit le nombre de pistes, vous commencerez à avoir un premier aperçu de ce à quoi ressemble votre chanson en termes de live.

Bien sûr, vous allez vous poser de la question existentielle de savoir si vous voulez jouer le morceau « tel quel » ou si vous voulez avoir une version spéciale juste pour un contexte live.

Personnellement, je pense que c’est un peu ennuyeux de ne pas offrir quelque chose de différent dans un set live. Il y a deux façons pour changer les choses : le rythme et le jam. Le jam sera abordé plus en détail dans la partie 3, car c’est une partie très importante de la préparation et peut aussi être quelque chose qui peut changer à jamais votre approche de la musique.

Le rythme sera la dernière partie de la préparation de votre set live. Je vais couvrir la majeure partie de la phase de préparation du rythme ci-dessous, et l’article suivant sera davantage concerné par la façon de jouer votre live set.

Je pense que mes meilleurs lives étaient surtout bons parce qu’ils avaient un noyau autour duquel il y avait une certaine préparation, mais ils avaient aussi beaucoup de place pour improviser, dépendamment de la façon dont l’événement se déroulait. Ces sets étaient polyvalents ; je pouvais ouvrir une soirée avec eux ou jouer au peak time, surtout à cause de leur flexibilité. Ces sets étaient plus ou moins composés des mêmes morceaux, mais les variations seraient si faciles à interpréter à la volée que je pourrais vraiment suivre ce que je sens bien dans le moment. Je n’ai jamais vraiment compris l’intérêt d’avoir un set trop bien préparé. J’ai déjà essayé l’approche préparée auparavant et cela a rendu toute l’expérience ennuyeuse, parce qu’il n’y aurait pas eu de prise de risque. Elle semblait aussi déconnecter le public de l’écoute. Par exemple, imaginez que votre piste a été construite pour avoir une drop, un breakdown à un point précis et un moment de tension après, mais si la piste de danse commence juste à s’échauffer au drop, vous risquez de perdre l’attention des gens ou cela pourrait sembler déplacé.

Un set bien préparé a des moments pour construire la tension, d’autres pour la relâcher, des variations, et du matériel pour augmenter l’intensité si nécessaire, sans qu’il s’agisse d’un groupe fixe de pièces qui ne sont pas facilement déplaçables. Chaque chanson a besoin d’une intro et d’une outro pour que vous puissiez passer d’une chanson à l’autre de façon fluide, comme le ferait un DJ.

DERNIÈRE CHOSE À FAIRE (3) :

  • Essayez de décider de la première scène de vos chansons. Elle ne devrait pas être trop remplie, mais d’habitude, vous voulez un groove solide et des teasers de la mélodie à venir. Il est toujours important d’établir le groove pour obtenir la confiance des gens — ce que j’appelle la confiance du dance floor. Cette confiance vient généralement du Kick et des fréquences basses qui sont clairs et précis, ce à quoi les gens peuvent s’identifier, peu importe ce qui se passe dans d’autres parties du spectre de fréquences.
  • Votre intro doit être ouverte et avoir de la place. Si vous avez une mélodie, essayez d’en couper une partie. Cela permettra de mélanger une partie de la mélodie d’une autre chanson avec la chanson actuelle ; elles se répondront en écho. Cela se produit lorsque les premières notes d’une mélodie répondent aux dernières notes d’une autre mélodie. Les DJs adorent ça dans une chanson et en jouant live, vous verrez pourquoi ; vous découvrirez des « dialogues » entre vos morceaux qui pourraient même révéler les bons et les mauvais arrangements de vos morceaux.
  • Définissez l’accroche. L’accroche principale de votre chanson suivra l’intro. Cela ne veut pas dire que vous allez dropper tout de suite, car vous pouvez construire dans cette direction.
  • Prévoyez deux variations de l’accroche avec des percussions complémentaires. Si vous écoutez un DJ set, surtout de la musique techno ou basée sur des loops, vous verrez que c’est surtout une boucle avec des variations. Essayez d’avoir des variations dans vos percussions, mélodies ou basses. De cette façon, vous pouvez basculer entre l’accroche et cette partie. Je vous encourage vraiment à écouter des DJ sets pour avoir des idées.
  • Créez un moment de tension. Cela peut être un breakdown ou un moment où quelque chose se produit. J’ai toujours aimé définir ce moment comme une scène où les effets et l’atmosphère changent pour créer quelque chose d’excitant.
  • Relâchez la tension. Cette scène est essentiellement ce qui serait joué après le drop et c’est généralement l’accroche avec un peu plus d’intensité et de variations. Cette scène devrait être la plus importante.
  • Outro. Elle est similaire à l’intro, mais devrait être légèrement différent.

Dans le prochain article, nous reviendrons plus en détail sur les clips et comment créer le petit « laboratoire » parfait pour vous. Je vous proposerai des façons de jammer qui vous ouvriront les portes pour enfin jouer en live et avoir tout le plaisir que ça procure.

Mes tracks ont toujours la même structure

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(Photo de couverture par Luca Bravo)

Une des choses que je remarque souvent et qui me dérange, c’est que j’ai l’impression que mes chansons sont toujours arrangées de la même façon : ma structure est souvent la même. Bien qu’il n’y ait rien de mal à suivre une structure de chanson régulière, j’ai souvent l’impression que j’ai besoin d’avoir plus de variations d’arrangements dans mon travail et de nouvelles façons de présenter ma musique.

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Alors, qu’y a-t-il de mal à répéter des structures de chansons que vous connaissez déjà ?

Il y a plusieurs façons d’obtenir constamment de bons résultats en arrangements qui, pour la plupart, fonctionneront toujours. Quand j’étais DJ Hard Techno ou Drum and Bass à la fin des années 90, j’ai fini par m’ennuyer de tous les morceaux qui avaient exactement la même structure. Oui, c’était extrêmement facile de mixer les morceaux une fois que l’on avait compris les « trucs », mais en même temps, c’était aussi décevant pour les auditeurs et les DJs avec un esprit créatif qui préféraient une musique et un mix plus pointu.

Il est important de ne pas tomber dans des habitudes et des schémas répétitifs ! Vous pourriez trouver de nouvelles astuces d’arrangement tout en explorant et expérimentant de nouvelles structures de chansons.

Avant de passer en mode découpage de vos arrangements, passons en revue quelques règles qui seront très utiles avant de commencer l’édition :

  1. Exportez un fichier .wav de la dernière piste travaillée (n’importe quel projet !), finie ou inachevée. Surtout si vous travaillez avec ma méthode de production de musique parallèlen; cette technique sera très utile. Prenez l’habitude de non seulement enregistrer votre projet à la fin de votre session, mais aussi d’exporter un fichier .wav de ce que vous avez.
  2. Importez votre fichier dans le projet sur lequel vous allez travailler. . Pour importer, déposez votre fichier dans une piste dédiée de la section arrangement.
  3. Utilisez des marqueurs sur les arrangements pour les moments clés, les changements, la transition. Avec ces références, vous pouvez voir si votre projet actuel a des points similaires à ceux de votre fichier .wav précédent, puis vous pouvez le modifier si c’est le cas.
  4. Voyez si les deux projets peuvent être facilement mixés par un DJ. . C’est un bon test pour voir si votre piste est trop chargée, ou si les choses seront agréables à mixer. J’ai dit d’innombrables fois auparavant que si votre musique est intéressante à mixer, les DJs jouerons vos tracks dans tous leurs sets.

Découpez la structure de votre chanson

Avec vos nouvelles habitudes en place, passez maintenant en mode de découpage. Comme je l’ai déjà dit dans un article précédent, How to Turn a Loop Into a Song, vous devrez décider du bpm, de la longueur de votre piste et construire à partir de là. Je vous invite à consulter cet article si vous avez besoin du tutoriel complet à ce sujet.

Disons que vous avez enfin une structure qui vous convient. Voici les principaux éléments clés que j’utilise pour éviter la redondance :

  1. Trouvez les sections principales de votre chanson, et coupez le début et la fin. Une « section » d’une chanson est une partie qui est différente des autres par son contenu. Dans la musique pop, ces sections sont appelées ponts, breakdowns, chœurs, etc. Dans la musique électronique, ces genres de sections sont peut-être un peu plus subtiles ou non traditionnelles, mais elles sont toujours là.
  2. Une fois vos sections isolées, déterminez si la perspective est équilibrée. . Par « perspective », j’entends ici le terme comme on l’utilise en photographie ; voyez si votre titre a un ratio équilibré.
  3. Insérez des tranches vides au milieu des parties ainsi que quelques points aléatoires dans la chanson. Ajoutez quelques « clins d’œil » à partir de la piste de référence importée à l’origine. Les « clins d’œil » sont les moments où une chanson peut « répondre » à une autre si elle est mixée correctement.
  4. Déplacez vos blocs/sections découpés. Tentez de faire des échanges farfelus et des mises en perspective. Soyez créatif. Contrairement au conseil souvent utile de « utilisez vos oreilles et non vos yeux », dans ce cas-ci, je suggère fortement de travailler votre structure visuellement, sans aucun son, de sorte que vous ne soyez pas biaisé ou retenu dans votre expérimentation d’arrangement. Si l’idée vous est nouvelle, assurez-vous de faire d’abord une copie de sauvegarde de votre projet. Personnellement, je passe beaucoup de temps à faire quelque chose de visuellement attrayant avec mes blocs avant même d’écouter.
  5. Laissez des erreurs intentionnellement. Avez-vous déplacé quelque chose hors de la grille ? Avez-vous collé une section au mauvais endroit ? Essayez de garder cette structure jusqu’à ce que vous y reveniez.

Essayez de jouer avec la structure de vos tracks et dites-moi comment ça se passe !