Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 2 : Équilibre

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L’équilibre dans le mixage — et dans la musique en général — est l’un des principaux aspects d’une musique saine, surtout parce qu’elle est le reflet de l’espace, et peut-être aussi de notre vie. Bien que cet article traite principalement de ma philosophie de travail, je vais quand même discuter de quelques conseils techniques qui peuvent être appliqués à votre stratégie de mixage et à votre travail d’arrangement.

Définissons ce que signifie l’équilibre dans la conception visuelle et voyons comment cela se traduit en musique :

L’équilibre est la répartition du poids visuel des objets, des couleurs, de la texture et de l’espace. Si le dessin était une échelle, ces éléments devraient être équilibrés pour que le dessin semble stable. Dans un équilibre symétrique, les éléments utilisés d’un côté du dessin sont similaires à ceux de l’autre côté ; dans un équilibre asymétrique, les côtés sont différents, mais semblent toujours équilibrés.

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Bien que cela provienne de la conception visuelle, vous devriez déjà voir comment cela s’applique au monde des sons. Quand j’ai lu cette définition pour la première fois, j’ai pu comprendre comment je l’appliquais déjà au mixage de la musique, car je suis très conscient de l’espace et de la distribution des fréquences. Un de mes outils préférés en ce moment est Neutron, que j’utilise sur tous mes groupes et parfois, sur toutes les pistes, afin de pouvoir tout contrôler visuellement. Je peux également appliquer le flipping EQ, où si vous augmentez la fréquence d’une piste, vous obtiendrez la coupe inverse sur une autre piste qui peine à être entendue. En utilisant l’outil de mixage visuel, vous pouvez ensuite placer chaque son dans l’espace. Pour les personnes qui ont du mal à faire des panoramiques, c’est un outil précieux qui vous aidera également à voir si vous avez bien réparti vos sons.

L’un des aspects les plus incompris du mixage est la différence de volume entre les éléments. Penser que tout devrait être fort est non seulement une idée fausse, mais cela crée un déséquilibre. La différence de volume représente l’utilisation de l’espace et vous avez besoin de certains éléments qui sont plus éloignés, sinon les plus forts ne seront pas importants, ils seront perdus.

Il en va de même pour les textures. Tous vos sons ne peuvent pas être texturés simultanément, sinon vous ne pourrez pas remarquer leurs différences. Cependant, ils peuvent tous être texturés à des moments différents. J’aime diviser la ligne de temps des arrangements en trois parties et laisser les sons avoir leur moment dans chacune d’entre elles ; cela permet de faire évoluer l’histoire.

En ce qui concerne le spectre stéréo, nous le comparons souvent à un panoramique gauche et droite, mais un aspect important que beaucoup de nouveaux venus dans le monde du mixage ne voient pas est l’importance de la section mono. Si vous voulez que votre chanson ait une colonne vertébrale, vous avez besoin que cette partie soit solide. Une astuce que j’aime bien est d’avoir un compresseur dans une piste de retour et d’y ajouter un Utility en mono. J’enverrai beaucoup de mes groupes sur ce canal qui renforcera le signal mono du morceau.

En ce qui concerne la répartition des fréquences, je constate que l’ensemble de votre spectre peut être divisé en 5 sections : lows, mid-lows, mids, high-mids, highs. Vous pouvez techniquement les avoir tous forts, mais ce n’est pas vraiment un bon équilibre, et votre mixage aura probablement l’air agressif si vous ne contrôlez pas correctement les résonances et les transitoires. Je pense que le fait d’avoir 2 de ces 5 gammes de fréquences légèrement plus basses que les autres donnera de la place et votre mixage respirera davantage. Lorsque les gens me confient un mastering, ils peuvent choisir un master coloré ou transparent, et s’ils demandent un master coloré, c’est ce que je ferai. Le réajustement de deux des bandes donnera un nouveau ton au morceau et la plupart du temps, les mixages que je reçois sont déjà déséquilibrés, car il y a souvent une bande qui est beaucoup trop forte (la plupart du temps, les basses). Si les basses sont trop fortes, alors je les baisse.

Maintenant, quand il s’agit d’arrangements, c’est là que ça devient amusant.

Je trouve qu’il y a beaucoup à dire sur la signification des arrangements. Les arrangements se présentent sous de nombreuses formes : récits, expérimentations éditées, improvisations live, etc., mais je trouve que ces trois types d’arrangements sont un bon point de départ. Une chanson pop peut être un récit, et un morceau de musique techno minimaliste peut aussi en être un, mais avec un objectif différent. La raison pour laquelle nous appliquons une certaine méthodologie aux arrangements est de maximiser le potentiel des sons, ainsi que des motifs. Dans l’article précédent de cette série, nous avons parlé du contraste et de la façon dont il peut être utilisé dans un son spécifique. L’équilibre sonore, d’autre part, peut exister à plusieurs niveaux.

Comment puis-je savoir si un arrangement est bien équilibré?

L’idée d’utiliser l’équilibre pour exploiter la créativité n’est pas une règle, mais une idée et une approche. Il existe d’innombrables pièces qui n’ont pas d’équilibre et cela fonctionne parfaitement. Je trouve que l’équilibre dans les arrangements est une méthode de régulation, mais ce n’est pas quelque chose sur lequel je me concentrerais uniquement comme approche principale.

Imaginez l’équilibre comme une sauce tomate. Elle peut être une base vraiment excellente pour de nombreux plats et oui, elle peut être utilisée telle quelle, mais elle est plus efficace lorsqu’elle est combinée à d’autres ingrédients. C’est pourquoi elle convient parfaitement à une pizza, à des pâtes, etc.

Cela dépend donc de ce que vous écoutez et bien sûr, certaines grandes chansons sont totalement déséquilibrées et c’est ce qui les rend spéciales. J’aime à dire que les règles sont faites pour être enfreintes, mais il faut d’abord les connaître. Une chanson équilibrée a plus de chances de créer une qualité que nous recherchons tous dans la musique : l’intemporalité. Dans les arts visuels, le minimalisme a bien vieilli. Le logo de Mercedes est resté essentiellement le même, comparé à la marque de Google, qui était une catastrophe au départ. Même chose pour la musique, en général. Ce que je vois, c’est une musique qui est équilibrée, qui a un certain nombre de sons joués en même temps et qui a une organisation et des règles internes qui sont établies pour garder une clarté et une compréhension facile.

Je trouve que les arrangements équilibrés sont généralement plus faciles à comprendre et ne sont pas trop déstabilisants. Mais si vous allez dans la direction opposée volontairement, cela peut être un bon moyen de créer un contraste.

Une chanson avec un mixage équilibré a une pleine présence et n’a généralement pas un élément qui se démarque. Ainsi, pour les percussions, j’aime avoir un équilibre entre de nombreux sons, mais vous pouvez alors en avoir un qui ressort, par contraste (voir Part. 1).

Pour ce qui est d’avoir des arrangements équilibrés, je recommande ce qui suit :

Fixez les règles de votre chanson à la 1re minute (ou première partie). Cela peut être le tempo, la signature temporelle, la densité, l’aperçu du motif, etc. Le reste de la chanson est un équilibre de contraste fonctionnant selon les règles que vous avez fixées. Par équilibre, on peut convenir qu’il s’agit de ne pas placer tous vos atouts dans la même partie.

Répartissez vos idées de manière égale sur votre chanson. Je parle du motif par exemple, qui pourrait révéler une variante de plus par section. Trouvez un équilibre entre le prévisible et l’imprévisible en faisant entrer et sortir vos sons à des moments auxquels l’auditeur s’est habitué.

Utilisez la répétition pour créer des schémas qui se soutiennent mutuellement. La célèbre technique d’appel et de réponse en est un bon exemple.

La meilleure façon de laisser des annotations dans vos arrangements est d’ajouter une piste MIDI vide et de créer des blocs que vous pouvez étirer sur des sections de votre morceau et laisser des notes en conséquence. Cela peut être très utile si vous avez du mal à voir comment les sons sont distribués une fois qu’une piste est à plat.

J’aime avoir des couleurs pour chaque genre de sons. Cela me dit généralement s’il y a trop de blocs de percussion par rapport à un autre groupe, par exemple.

Les sons en arrière-plan sont souvent un bon moyen d’aider à coller le tout ensemble. Les chansons qui donnent l’impression d’être pleines ont un fond, un plancher sonore. Il peut s’agir d’une réverbération, d’un bruit ou d’un enregistrement sur le terrain. Les gens me demandent souvent où trouver des sons de ce genre. Archive.org, Freesounds.org, Loopcloud, and Soundly sont tous très utiles pour trouver ces sons ainsi que des idées bizarres et hors du commun.

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