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Le traitement Mid/Side expliqué

Souvent, lorsque j’écoute des morceaux publiés dans mon groupe de coaching, je remarque que le traitement mid/side (milieu/latéral) est souvent très mauvais. L’absence d’un mixage M/S solide rend l’ensemble du mix mince et muddy, plutôt que large et net. C’est souvent le M/S qui fait la différence entre un mixage correct et un mixage exceptionnel. C’est pourquoi il nous a semblé pertinent d’écrire un article sur ce qu’est le traitement mid/side et sur la manière dont les producteurs peuvent y parvenir dans leur mix. Par conséquent, sans plus attendre, voici le traitement Mid/Side expliqué.

 

Qu’est-ce que le traitement Mid/Side?

Qu’est-ce donc que le traitement Mid/Side? En gros, si vous voulez un mixage qui sonne large, vous allez devoir vous concentrer sur le traitement mid/side. Souvent, ce type de mixage sonne « mieux » pour l’auditeur et permet au producteur d’intégrer plus d’éléments sonores dans son mixage, sans que celui-ci paraisse surchargé. Bien qu’un mixage à sonorité large puisse être obtenu par le biais d’un grand nombre de processus stéréo et de panoramiques différents, le traitement mid/side est une stratégie qui permet d’y parvenir et de créer un mixage dans l’espace.

 

Le Mid dans le traitement Mid/Side expliqué

La partie « mid » (milieu, au centre) du traitement mid/side est fondamentalement mono. Il s’agit des sons qui se trouvent au centre du mix. Les kicks, les snares, les mélodies entre 200 et 500 Hz (comme un pad) et tout autre son « statique » peuvent, et doivent souvent, être placés au milieu. Bien sûr, il y a des exceptions artistiques, mais c’est une bonne règle de base.

De même pour les basses en dessous de 100 Hz. C’est la meilleure pratique. Pourquoi? Si vous pressez un vinyle et que les basses sont en stéréo, l’aiguille va sauter. De plus, dans les clubs, ils effectuent une addition en série, où tout ce qui est en dessous de 100 Hz sera additionné en un signal mono. Mais si votre basse est en stéréo, et qu’elle est additionnée, elle peut rendre silencieuses les parties du mixage qui sont en phase.

 

Le Side dans le traitement Mid/Side expliqué

Le canal Side (latéral, sur les côtés) correspond aux extrémités du mixage. Remarque : à ne pas confondre avec le panning, qui permet de déplacer les sons spécifiquement dans le champ stéréo gauche ou droit. Le traitement Side est strictement situé à l’extrême droite, ou à l’extrême gauche, et est techniquement un signal mono.

Lorsque l’amplitude du Side est augmentée, l’auditeur entend un son plus large et plus complet. Une bonne façon de l’utiliser est d’augmenter la largeur des Leads, ou de déplacer stratégiquement un bus de percussion sur les côtés d’un mixage pour créer une expérience d’écoute plus complète.

Vous pouvez même faire preuve de créativité en élargissant certaines parties du mixage à différents intervalles du morceau. Par exemple, lorsque le refrain arrive, vous pouvez élargir les pistes pour lui donner plus de présence, ce qui le rend plus expressif pour l’auditeur.

Les pads sont également parfaits sur les côtés, puisque c’est un son qui vous « enveloppe », en quelque sorte. Les autres choses qui fonctionnent bien sur les côtés sont les bruits de fond, comme les enregistrements de terrain, ou les ambiances bizarres — ces choses fonctionnent bien sur les côtés, elles ne sont pas présentes. Seuls les éléments présents devraient être au milieu. Toutes les percussions décoratives peuvent techniquement se retrouver sur le côté – les hi-hats swinguants, les hits divers et variés, etc.

 

Le traitement du Side peut provoquer des problèmes de phase

Après avoir expliqué le traitement M/S à de nombreux débutants, il est normal qu’ils se mettent à l’utiliser. Cependant, le traitement du Side peut révéler l’un des ennemis les plus redoutables de la musique électronique : les problèmes de phase. En gros, la phase se produit lorsque vous avez deux sons identiques, de part et d’autre du champ stéréo, qui s’annulent mutuellement. Cela signifie que nous devons être judicieux avec les sons que nous plaçons sur les côtés. En général, « less is more » est une bonne approche pour la phase, car il y a moins de chances que les fréquences s’annulent.

 

Comment corriger la phase

Si vous voulez corriger la phase tout en gardant les éléments en stéréo, l’astuce consiste à faire en sorte qu’un des sons se révèle immédiatement l’un après l’autre, afin qu’ils ne soient pas en phase. Cela peut être fait avec un délai très court. Une fois réglé, le son se produira perceptiblement au même moment, mais sera légèrement retardé, ce qui permettra à l’autre son d’apparaître derrière l’autre et d’être entendu.

Une façon plus immédiate et définitive de corriger la phase est de rendre le son plus mono. Il existe un outil que vous pouvez utiliser, appelé SPAN. Ce plug-in vous permet de voir en jaune, le mono, et en rouge, le signal latéral. Lorsque le rouge dépasse le jaune, vous devez le réduire. L’outil que vous utiliserez pour résoudre ce problème est le plug-in Utility, natif d’Ableton. Vous pouvez contrôler la largeur (Width) dans celui-ci. Si vous voulez que ce soit plus mono, il suffit de régler la largeur vers le bas, puis d’augmenter le volume. 

mid side processing can be explained well with the VST SPAN. Here's a photo of it.

Cependant, disons que vous avez un signal purement mono auquel vous voulez ajouter une subtile largeur stéréo. Certains effets peuvent avoir un impact sur ce point. Vous pouvez utiliser une réverbération avec un faible decay (sinon elle sera trop forte).

Vous pouvez également utiliser un chorus. Eventide a créé un harmonizer qui est magnifique pour cela. Il s’agit de deux delays — gauche et droit — et lorsque vous jouez avec le delay de l’un et de l’autre, cela crée un signal/une forme bizarre, et vous pouvez ensuite jouer avec le wet/dry pour ajouter des degrés de stéréo. Cependant, si vous n’avez pas l’argent, vous pouvez utiliser le echo delay et contrôler le gauche-droit. Avec un délai très court, vous pouvez créer un peu plus de phase et de largeur que vous pouvez ajuster en jouant avec l’ouverture et la fermeture.

 

L’égalisation en mode Mid/Side est un incontournable

À mon avis, tous les égaliseurs devraient être faits en mode M/S. Parfois, les gens entendent des choses qu’ils n’aiment pas dans le mixage, et si vous coupez simplement, vous coupez la gauche et la droite en même temps. Cependant, il arrive que vous souhaitiez qu’un son soit égalisé différemment, en fonction du canal dans lequel il se trouve.

Par exemple, disons que vous avez un synthé dans votre canal gauche, et qu’il n’existe pas autant dans votre canal droit. Lorsque vous placez une percussion décorative, il y aura très probablement un croisement dans le panning.

Mais puisque le synthé est principalement dans le canal gauche, la percussion dans le canal gauche va devoir être égalisée différemment pour ne pas entrer en conflit avec ce synthé. Cependant, puisqu’il y a tout cet espace ouvert dans le canal droit, il n’est pas nécessaire d’égaliser certaines des fréquences, permettant à ce son de mieux s’exprimer.


Fabfilter ProQ3 vous permet d’entrer facilement en mode M/S pour l’égalisation, et de faire des coupes précises dans le son. Si vous n’avez pas ProQ3, vous pouvez aussi délier la gauche et la droite dans Ableton. Sur l’EQ8, il y a un mode appelé stéréo, mais vous pouvez dissocier gauche/droite en cliquant sur edit et en sélectionnant gauche ou droite. Vous pouvez également passer en mode M/S (Mid/Side), où vous pouvez éditer soit le milieu, soit le côté, ou encore traiter la gauche et la droite indépendamment. Lorsque vous faites cela, votre son paraît plus organique, car vous ne coupez pas à un seul endroit. 

A photo of ProQ 3 which has a mid/side processing mode.

D’autres plugins qui ont un impact sur la largeur et la phase :

 

Panman

mid side processing explained through the vst Panman. This is a photo of that VST.

 

 

 

 

 

 

 

 

PanMan ouvre vraiment toutes les possibilités du panning. Tout d’abord, il s’agit d’une émulation matérielle, qui permet aux producteurs d’imiter le style du matériel de panoramique vintage. Vous pouvez également déclencher le panning si la piste atteint un certain paramètre. L’automatisation vous permet de générer des rythmes complexes et des effets étonnants.

 

Microshift 

This is an image of Microshift, a great plugin for modifying your stereo field

Besoin de largeur? Eh bien, Microshift en a à revendre. Il vous offre 3 types distincts d’élargissement stéréo en appuyant sur un seul bouton. Il utilise un algorithme spécifique pour décaler le pitch et ajouter du retard à votre son, qui se transforme au fil du temps pour générer une largeur stéréo brillante. Il est très facile de jouer avec et peut être utilisé pour donner plus de saveur aux instruments, ou créer de beaux mélanges.

 

MStereoGenerator

an image of MStereoGenerator, an excellent plugin for stereo imaging

Avec MStereoGenerator, vous pouvez convertir des enregistrements mono en stéréo (ou même en surround). MStereoGenerator est un expandeur mono vers stéréo (ou même surround) unique et naturel, qui donne à vos pistes un son plus large, plus fort et plus percutant.  Il est particulièrement efficace pour les instruments acoustiques.

 

Panshaper 3 DE Cableguys

An imagine of Panshaper, which allows you to do crazy stuff with MS Processing and panning.

PanShaper 3 donne une autre dimension au contrôle de votre champ stéréo. Le LFO en temps réel, qui peut être dessiné sur chaque bande, et le suiveur d’enveloppe vous permettent de concevoir des modèles de panoramique dynamiques et évolutifs et de réaliser des modifications stéréo en quelques secondes.

 

Energy Panner

an image of Energypanner which allows for dynamic panning responsiveness to inputs

Energy Panner réagit à l’intensité du son en se déplaçant en fonction de celle-ci. Une batterie qui bouge sur le rythme, des notes de synthé qui se déplacent sur l’attaque, et bien d’autres comportements sont possibles. Que ce soit en stéréo ou en Dolby Atmos, Energy Panner est un plug-in dont vous ne devriez pas vous passer.

 

Width Shaper 2 DE Cableguys

an image of the vst WidthShaper 2 which allows for amazing stereo mid/side processing.

Avec WidthShaper 2, vous pouvez régler votre image stéréo dans les moindres détails. Avec trois bandes de réglage stéréo mid/side, chacune dotée de son propre LFO et suiveur d’enveloppe pouvant être dessiné, vous pouvez obtenir un contrôle précis du son. Il est parfait pour la conception sonore, le mixage et le mastering, et peut être utilisé sur des pistes individuelles et des bus.

Une fois qu’on vous aura expliqué le traitement mid/side, vous verrez que la stéréo ne se limite pas à la gauche et à la droite. Avec l’égalisation M/S, vous pouvez couper de manière chirurgicale dans les sons et les faire s’adapter précisément dans un mixage. Vous pouvez étendre et rétracter les sons à différents endroits de votre mixage, créant ainsi des effets illusoires, presque psychédéliques, dans la musique qui sont presque inexplicables, puisqu’ils sont mieux décrits comme de l’espace que de la musique.

Cependant, avec ce pouvoir, vient la responsabilité de ne pas déphaser vos sons, et de ne pas détruire le punch de vos chansons. Garder à l’esprit l’espace et la façon dont les sons sont liés les uns aux autres est une compétence primordiale dans la production musicale, et un aspect souvent négligé.

Je comprends que cela puisse être compliqué. Si vous avez besoin de coaching ou si vous voulez simplement me déléguer ce processus, je suis disponible pour vous aider. Découvrez tous mes services ici.

Aimez-vous réellement votre morceau? Ou y êtes-vous simplement trop attaché?

  • Le processus créatif implique beaucoup de fantasmes. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez des foules, et la réaction que vous obtiendrez des promoteurs. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez de vos homologues créatifs et sur la réaction que vous obtiendrez de vos amis. Peut-être que la personne pour laquelle vous avez le béguin l’aimera. Peut-être parviendrez-vous à le faire signer par le label de vos rêves, ce qui marquera le début de votre carrière de musicien. Cela crée souvent un profond sentiment d’amour pour votre morceau.

Cependant, il faut savoir que beaucoup de gens ressentent cette adoration dans la phase euphorique de la composition, lorsque vous avez découvert une boucle étonnante ou la structure de base d’un morceau qui vous enchante.

C’est le moment où vous lancez la bille sur le flipper métaphorique et faites rebondir votre idée au sommet du plateau, où elle commence à rebondir sur les cloches, les sifflets et les bumpers fixes et clignotants, l’envoyant dans un espace de possibilités infinies.

Puis, après un certain temps, le rythme ralentit et vous commencez à voir que la bille tombe de plus en plus profondément vers vos flippers et que si vous ne visez pas juste, vous risquez de détruire votre piste à jamais.

C’est ce moment de réflexion personnelle et de doute que connaissent la plupart des créatifs. C’est dans cette période qu’il peut vous arriver de penser que vous avez gâché tout le morceau en ajoutant une partie qui ne suscite pas la même joie qu’avant, un peu comme si vous recherchiez l’euphorie de la première fois que vous avez pris une drogue.

Le problème, c’est que vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous pouvez être convaincu qu’il est toujours incroyable, et vous entêter à ne rien suggérer.

Ou bien, dans l’autre sens, vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous avez l’impression de devoir en faire quelque chose, mais vous ne l’aimez plus comme avant. Il existe des solutions à ces deux conflits, qui résultent de la même émotion : l’amour de votre morceau.

 

A photo of Ableton next to a cup of coffee.

 

Quelle est la solution pour ne pas aimer son morceau à outrance?

C’est une question difficile, car les gens s’entêtent souvent dans leur art. Ils l’aiment tellement qu’ils ne peuvent pas absorber les réactions ou le rejet de leurs pairs à son sujet. Souvent, c’est parce que leur amour pour ce titre est basé sur l’analyse cognitive de l’attachement, plutôt que de croire réellement que c’est un titre incroyable.

Par conséquent, ce sophisme est souvent construit sur des coquilles d’œufs et la critique peut sembler être une attaque personnelle, et donc le créateur le protège de l’opinion et du rejet, de peur d’être rejeté lui aussi. Cela conduit parfois les gens à ne pas sortir leur morceau du tout, à toujours « attendre le bon moment ».

La façon de surmonter cette peur? Se foutre de ce que disent les autres. La plupart des grands artistes se moquent de l’opinion des autres. On entend toujours des histoires sur les albums que les critiques ont décriés ou sur les œuvres qui sont restées obscures pendant des décennies avant d’être dépoussiérées et appréciées. Ou bien il y a l’inverse, où la controverse de leur art était attrayante pour certains, et consternante pour d’autres, créant un maelström médiatique.

C’est ce qui s’est passé pour John Cage et Karlheinz Stockhausen, qui ont créé des musiques parmi les plus complexes de l’histoire moderne, que la plupart des gens ne comprennent toujours pas. Mais ils sont tous deux considérés comme importants dans le canon de la musique.

Ils savaient que leur musique était dérangeante, mais ils s’en moquaient probablement, car ils pensaient qu’elle était importante, et l’ont donc diffusée.

Si les gens veulent que leur musique soit diffusée, surtout s’ils s’accrochent au fantasme original que d’autres personnes l’écoutent, ils doivent la soumettre à la critique. Qu’il s’agisse de vos amis ou d’une campagne de marketing destinée aux médias et aux DJ, vous allez ressentir un rejet, même si votre musique est vraiment brillante. C’est parce que la musique est subjective.

 

A photo of Deadmau5, who understands that his love for his tracks can often be misguided.

Credit: Wikipedia

Quelle est la solution pour savoir si vous aimez toujours votre morceau?

Si vous êtes arrivé au point où vous pouvez sortir la chanson, mais que vous avez encore des doutes à son sujet, gardez à l’esprit que vous n’avez vraiment aucune idée de la façon dont elle sonnera pour les autres. Rappelez-vous, lorsque vous avez commencé le morceau, certains éléments ont fait rebondir votre cerveau sur le flipper imaginaire. Il y a donc de fortes chances que d’autres personnes l’aiment aussi.

Deadmau5, qu’on l’aime ou qu’on le déteste, sait comment finir les morceaux et a sorti des hymnes parmi les plus marquants de la rave moderne. Avec son hit, Strobe, il a eu ce conflit. Il l’aimait assez pour le terminer, mais pas assez pour en être certain.

Comme son label n’avait rien reçu depuis un moment, il a décidé de le leur envoyer, en suggérant qu’il pourrait figurer sur la face B d’un disque, un autre élément de contenu pour aiguiser l’appétit de ses fans. Puis, à sa grande surprise, elle a décollé en 2009, juste au moment de l’explosion de l’EDM, contribuant à propulser sa carrière dans la stratosphère.

Si vous écoutez Strobe, vous comprendrez peut-être pourquoi il n’avait pas confiance en lui. Elle dure au moins deux minutes de plus que les autres chansons de l’album, soit 10:33, et il faut attendre quelques minutes avant que le kick n’entre en jeu. Ce n’est pas forcément un hymne radio.

Mais croyez-le ou non, les gens aiment la musique exigeante, car elle les fait réfléchir.

 

Un exemple moins classique est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé une chanson que je trouvais assez bonne, mais dont il avait des doutes. J’ai dit : « Et si je l’envoyais à quelques labels pour voir ce qui se passe. »

Alors je l’ai envoyée à quelques labels, et elle n’a pas seulement été signée, elle a été reprise à un tas d’endroits différents. Mon client avait des doutes, et ses doutes ont été balayés quand le disque a eu autant de succès que tous les autres qu’il avait sortis.

Vous ne savez pas non plus pour qui les titres vos sonner. S’il est possible qu’ils ne correspondent pas à votre public principal (souvent fantasmé), ils peuvent trouver un écho auprès d’un public entièrement nouveau.

Un bon exemple est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé des morceaux ambient qu’il avait créés, ce qui était surprenant compte tenu de son travail précédent. Ce qui était également surprenant, c’est qu’ils avaient tous ces noms à consonance indienne.

Il s’est avéré que ces noms indiens étaient en fait des mots sacrés dans une secte religieuse, et lorsque les gens les recherchaient sur Google en rapport avec la secte, ses chansons apparaissaient. Ainsi, sa musique est devenue, en quelque sorte, une musique sacrée et a fini par être plus populaire que tous les autres morceaux plus connus sur lesquels nous avons travaillé ensemble.

 

Réflexion sur les attentes

En vieillissant, je réalise que le désir d’être compris ou aimé par les autres est un piège pour le processus créatif. La vraie joie devrait venir du fait qu’une chanson est techniquement solide, ou que vous avez changé de style pour quelque chose que vous n’avez jamais fait auparavant. Ce sont deux choses dont on peut être fier, car elles montrent une amélioration de nos capacités en tant qu’artiste.

J’aime penser que chaque morceau est un journal, et qu’il s’agit de capturer une idée, plutôt que d’essayer de faire quelque chose qui plaira à des milliers de personnes. Les artistes les plus frustrés sont ceux qui attendent beaucoup de leur musique et de son évolution, les moins frustrés sont tout le contraire.

Réflexion sur la collaboration

Comme beaucoup d’entre vous le savent, je fais de la finalisation de morceaux. Que vous le fassiez par mon intermédiaire ou par celui d’un autre musicien de session, je pense que ce que je vais dire est valable pour les deux. En gros, je n’aime travailler qu’avec des personnes qui ont une attente réaliste de leur art ou qui ne me considèrent pas comme une sorte de savant. Tout comme ils ont des attentes élevées pour la piste, ils peuvent aussi avoir des attentes trop élevées pour le travail de session, surtout s’ils font les deux. Car, que les gens s’en rendent compte ou non, ils peuvent avoir des idées subconscientes sur la façon dont leur piste devrait se dérouler sans savoir consciemment comment elle devrait se dérouler.

Ensuite, lorsque moi ou n’importe qui d’autre y va et effectue des modifications, ces clients s’attendent à ce que le son soit complètement différent. De plus, s’ils ont écouté un morceau plusieurs centaines de fois, toute modification sera visible et ne correspondra pas forcément à la cohérence que vous avez programmée dans leur tête. Par conséquent, si vous avez ce genre d’attentes, il est préférable de les abandonner, car elles diminuent le potentiel créatif d’un morceau. Rappelez-vous, il a fallu pas moins de 27 personnes pour écrire « I Feel Love » de Donna Summer. Étaient-elles toutes d’accord? Cela a-t-il diminué la valeur et l’impact du morceau?

Les meilleures personnes avec lesquelles travailler sont celles qui ont une cote d’amour de 6 ou 7 sur 10 pour leur morceau. Ces personnes ont tendance à garder l’esprit ouvert.

 

A photo of someone listening to a track. Don't listen to your track too much or else you might love your track artificially.

 

Comment mixer au casque?

Tout le monde n’a pas accès à un studio traité, avec des panneaux acoustiques parfaitement placés, des bass traps, et des moniteurs de studio calibrés dont l’équilibre est perfectionné par des mesures professionnelles. Beaucoup de producteurs en herbe ont des notions de ce genre, mais en fin de compte, ils n’arriveront pas à tout régler parfaitement, car un studio bien réglé coûte cher auprès de professionnels.

C’est pourquoi beaucoup de mes étudiants me demandent ce qu’ils peuvent faire à la place, car beaucoup d’entre eux ne disposent pas de milliers de dollars pour régler leur studio. La réponse est simple : mixer au casque. Mais faut-il mixer avec un casque? Il y a beaucoup de discussions en ligne qui disent que si vous mixez au casque, vous allez bousiller le mixage, car ce n’est pas une représentation exacte du son dans l’espace. Ils disent que dans un véritable champ stéréo, vos oreilles gauche et droite entendent les deux canaux, et non chacun en mono. Et bien que cela soit vrai, il y a beaucoup d’artistes, moi y compris, qui font beaucoup de mixage au casque, et leurs productions sonnent très bien.

A photo of Sennheiser HD650, which are great to mix in headphones

Sennheiser HD650

UN BON MIXAGE AU CASQUE COMMENCE PAR UN CASQUE DE QUALITÉ

Mon premier conseil est le suivant : vous avez besoin d’un très bon casque, et vous devez vous y habituer. Je recommande le Sennheiser HD650 pour le haut de gamme, et pour le meilleur casque de mixage à petit budget, je recommande le Sennheiser HD350BT qui est également Bluetooth.

Une fois en possession d’un de ces casques, ou équivalents, ne commencez pas à mixer tout de suite, car vous n’avez aucune idée de la manière dont ils sonnent. Choisissez alors une dizaine de chansons que vous respectez vraiment, achetez la version lossless (flac, wav, etc.) et écoutez-les intimement dans le casque. Apprenez comment le kick se place dans le mix. Observez le sidechain des différentes couches lorsque le kick est introduit. Quelle est la brillance des hi-hats? Quelle est la netteté du lead? Après avoir écouté cet ensemble de chansons encore et encore pendant un mois environ, vous serez prêt à tenter l’expérience sur vos propres morceaux.

MIXER AU CASQUE, C’EST COMME CUISINER UN PLAT TRADITIONNEL

Une autre bonne astuce consiste à choisir des chansons qui présentent un élément particulièrement excellent. J’assimile cela à manger un plat traditionnel. Chaque fois que je visite un nouveau pays, je m’assure de demander aux habitants quel est l’endroit où l’on trouve la nourriture la plus authentique, et quels éléments de cette nourriture définissent vraiment la cuisine régionale.

Avec la musique, j’adopte une approche similaire. Par exemple, lorsque j’ai commencé à mixer beaucoup de techno roumaine, il est devenu évident que l’aspect que les producteurs recherchaient le plus était le kick. Par conséquent, si vous voulez un exemple de kick vraiment sophistiqué, vous pouvez commencer par la techno roumaine. C’est comme avec un aliment tel que le mole du Mexique. Si vous vouliez reproduire le meilleur mole, vous prendriez celui d’Oaxaca comme référence.

 

MIXER AU CASQUE À DIFFÉRENTS VOLUMES

Écoutez vos mixages à différents volumes pour avoir une bonne idée de la façon dont les éléments s’intègrent dans le mix. Les différents niveaux exposeront ce qui ne va pas dans le mixage de manière assez précise. Même si le son est bon à haute intensité, vous remarquerez peut-être qu’il n’est pas tout à fait adapté lorsque vous l’écoutez à basse intensité. D’après mon expérience, ce sont les volumes faibles qui révèlent le plus de choses, donc si le son est bon à basse intensité et juste correct à haute intensité, il y a de fortes chances que le volume le plus faible soit le bon.

REFERENCE Plugin is great for mix in headphones

REFERENCE plugin

MEILLEUR LOGICIEL DE MIXAGE AU CASQUE

Le meilleur plug-in de mixage au casque est assurément REFERENCE de Mastering The Mix .

Vous avez déjà senti que votre mix n’était pas tout à fait comparable à vos mixages de référence?

Afin de vous rapprocher plus que jamais du son de votre musique préférée, Mastering The Mix a créé REFERENCE. Il est doté de fonctionnalités puissantes et d’informations qui vous permettent de vous rapprocher de votre référence comme jamais auparavant.

Avec REFERENCE vous pouvez :

  • Comparer votre master avec jusqu’à douze pistes de référence, et créer plusieurs boucles vous permettra de comparer rapidement diverses sections de votre piste avec une piste de référence.
  • Faire correspondre la loudness de votre piste et avec les références de façon instantanée et précise. Cela vous permettra de prendre des décisions plus éclairées pour façonner votre son.
  • Faire correspondance le true peak, la loudness, la balance d’égalisation, le punch et la largeur stéréo d’une piste de référence de manière plus fluide que jamais.
  • Ajouter un plug-in source appelé REFSEND pour effectuer des comparaisons A/B en fonction de l’intensité sonore.

Si vous voulez émuler le crossfeed stéréo (processus de fusion des canaux gauche et droit d’un enregistrement audio stéréo) comme vous l’obtiendriez avec des haut-parleurs, vous pouvez également utiliser un VST tel que CanOpener de Goodhertz, qui simule la stéréo que vous obtiendriez avec des haut-parleurs. Je n’ai personnellement jamais utilisé d’émulateur de crossfeed, mais il en existe.

CanOpener allows you to mix in headphones more accurately

CanOpener

LA STÉRÉO EST DIFFÉRENTE DANS UN MIXAGE AU CASQUE

Le plus gros obstacle à surmonter lors du mixage au casque est que le champ stéréo est mono dans chaque canal. En particulier dans la musique électronique, nous avons tendance à avoir des panoramiques extrêmes, ce qui, dans un casque, peut empêcher ce flux naturel gauche/droite que vous obtenez lorsque vous écoutez un morceau avec les deux oreilles à partir de moniteurs.

Pour remédier à ce problème, vous pouvez simplement modifier un peu les paramètres des instruments panoramiques gauche/droite, mais n’en faites pas trop, car cela compromettrait les performances des haut-parleurs. Gardez à l’esprit que la stéréo, lorsqu’elle est lue par des haut-parleurs, aura une image sensiblement plus étroite que lorsqu’elle est écoutée au casque.

Une autre astuce consiste à ajouter un tout petit peu de réverbération aux sons exposés au premier plan (5 à 10 % de réverbération). Cela leur permet de coller les uns aux autres comme ils le feraient dans une pièce naturelle.

 

Judging Low End With Headphone Mixes

Il est difficile d’avoir une idée de la place des basses dans le mixage, à moins d’avoir de sérieux subs. Cependant, nous vivons au 21e siècle, où les Subpacs existent. Si vous n’êtes pas familier avec les Subpacs, il s’agit essentiellement de subwoofers portables, qui utilisent votre corps comme transducteur de basse. Par conséquent, ils produisent toute la sensation et le sentiment de la basse, sans aucun des décibels nécessaires pour les produire. Par conséquent, avec un bon casque et un Subpac, vous pouvez profiter de toutes les fréquences et évaluer avec précision la place des basses dans le mixage.

Je préfère souvent utiliser un Subpac plutôt qu’un bon ensemble de subs, parce qu’à moins que vous ne soyez dans un endroit où votre mixage ne dérangera personne, avoir des haut-parleurs de club qui vous permettent de sentir les basses est généralement impossible dans la plupart des environnements. C’est aussi considérablement moins couteux.

 

UN MIXAGE AU CASQUE RÉVÈLE LES PETITS DÉTAILS

Le meilleur aspect du mixage au casque est sa précision. Même avec une salle bien réglée et des moniteurs de qualité professionnelle, vous manquez souvent les plus petits détails d’un mixage, comme les sifflements, les artefacts, les distorsions indésirables et les clics/pops. Avec un casque, ces détails deviennent extrêmement clairs, ce qui vous permet de corriger ces problèmes de manière chirurgicale.

En contrepartie, cela vous permet d’ajouter des petits détails que vous ne pourriez pas ajouter autrement. Disons que vous voulez que ce synthé ait juste une touche de bruit blanc pour lui donner une sensation plus chaude, un mixage au casque vous permet de le faire avec une immense clarté.

Comme vous pouvez le constater, le mixage au casque présente de nombreux avantages. Cependant, rien ne vaut un mixage professionnel. Par conséquent, si vous voulez que ce soit bien fait, envisagez de passer par moi. J’ai mixé des milliers de chansons, le tout pour un tarif très raisonnable. Votre musique sera éternelle, alors autant la faire sonner aussi bien que possible, à un prix abordable.

 

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Le compresseur multibande : astuces de compression (Pt. II)

Afin de poursuivre avec d’autres conseils sur la compression, j’aimerais vous parler de mon outil préféré, pour un peu tout et n’importe quoi : le compresseur multibande. Pour beaucoup, cette bête est un peu difficile à apprivoiser, mais j’aimerais la décomposer pour que vous puissiez l’inclure à votre routine selon vos besoins. Avant de continuer, j’espère que vous avez lu le premier article sur la compression, et les deux articles sur l’utilisation des EQs.

Lignes directrices en matière de compression

Cas d’utilisation courante de la compression

Maîtriser le « harshness » (les sons agressifs). En utilisant un compresseur, vous pouvez régler l’attaque pour qu’elle soit rapide et la release pour qu’elle soit aussi assez rapide. L’ensemble de l’action du compresseur est ainsi rapide, ce qui permet de contrôler les sons agressifs et de les apprivoiser. Si l’attaque est trop rapide, cependant, elle peut saturer, vous devez donc jongler avec les réglages pour trouver votre sweet spot.

Pour ajouter du punch. Ici c’est le contraire, vous voudrez que l’attaque soit lente et que la release soit rapide. Le compresseur ne sautera pas immédiatement sur le transient, mais créera plutôt une certaine vivacité (snap). Le rapport devrait être d’environs 5:1, voire plus, pour obtenir cet effet dans la plupart des situations.

Pour ajouter de l’épaisseur (thickness). En utilisant votre compresseur en mode parallèle, vous pouvez le régler à environ 50 % du dry/wet, puis le compresser avec une attaque moyenne et une release moyenne-rapide. Je ferais en sorte que le ratio soit aussi élevé que possible. Si votre compresseur n’a pas d’option parallèle, vous pouvez utiliser le compresseur dans un bus AUX/Send.

Pour coller ensemble les éléments d’un mix (glue). Très similaire à l’épaisseur et au punch, vous voudrez l’ajouter à plusieurs pistes et bus à la fois. Encore une fois, compression parallèle, attaque lente, ratio élevé. Ça devrait fonctionner. Expérimentez avec des effets exagérés, puis baissez-le.

En résumé, une attaque rapide fait réagir rapidement le compresseur, ce qui signifie qu’il est là pour contrôler quelque chose. Une attaque lente permet d’améliorer le début du son. Le ratio est la part de cet effet que vous voulez en action, et la release, pour combien de temps.

Action multibande

Le compresseur multibande fonctionne exactement comme les cas d’utilisation expliqués ci-dessus, mais avec celui-ci, nous pouvons régler une gamme de fréquences à affecter. Par conséquent, vous pouvez régler l’épaisseur dans les médiums, contrôler l’agressivité des médiums hauts et améliorer les transients des aigus avec un seul compresseur, mais avec des réglages différents pour chaque section.

Le compresseur multibande possède une caractéristique supplémentaire : l’utilisation de crossovers qui fixent les points de début et de fin de chaque section. Un crossover est simplement une fréquence que vous réglez. Par exemple, le multibande à 3 bandes d’Ableton aura 2 fréquences de crossover. Vous réglez le crossover inférieur qui déterminera l’endroit où l’extrémité basse se termine dans les médiums (ex. 200 Hz) et l’autre sera l’endroit où les médiums se terminent et les aigus commencent (ex. 6 kHz).

Mon point de vue sur les compresseurs multibandes est que je les utilise comme un shelving EQ où je contrôle l’esthétique de chaque section d’une manière différente. Vous pouvez ensuite façonner le ton d’un son ou d’un mix, ou en extraire les moindres détails. Idéale pour les finitions, la compression multibande peut également être utilisée pour mettre en avant des parties de vos sons de la manière la plus efficace.

Voici quelques situations où les effets de la compression multibande peuvent être utiles :

  • Percussion molle : Si votre percussion a besoin de présence, d’épaisseur et de puissance, réglez vos crossovers pour pouvoir contrôler ce qui se passe entre 200hz et 800 Hz, puis jusqu’à 3khz. Renforcez la première section avec une attaque lente et un ratio élevé et essayez d’y ajouter du punch (reportez-vous aux notes ci-dessus sur la façon de procéder).
  • Pad pâle : Encore une fois, disons qu’un pad faible a besoin de présence, un boost entre 250 Hz et 600 Hz. Je compresserais également entre 4 kHz et 8 kHz pour ajouter un peu de brillance, ce qui fonctionne comme pour ajouter de l’épaisseur. Vous pourriez même abaisser votre section pour descendre jusqu’à 90 Hz afin d’obtenir une sensation analogique.
  • Swirl fou : Parfois, les effets de transition sont excellents, mais ne conviennent pas à votre chanson. J’aime contrôler les aigus de plus de 7 kHz d’une manière où ils ne frappent pas agressivement, mais font entrer les médiums de plus de 1 kHz en douceur. C’est une façon de contrôler l’agressivité et la présence; souvent très utile pour créer un mouvement oscillant et caoutchouteux (rubbery).
  • Mix terne : Un mix terne a généralement besoin de brillance qui peut être créée en excitant les aigus et les médiums. Il peut s’agir d’une combinaison de l’ajout d’épaisseur ou de la stimulation des transients. Je dirais d’essayer des sections pointues autour de 4khz à 8khz, puis une autre jusqu’à 11khz et même de compresser au-dessus avec une 3e section pour créer ce que l’on appelle la pixie dust (poussière de lutin).
  • Réverbération stellaire : Un multibande avec une réverbération, c’est beaucoup de plaisir pour moi ! J’aime renforcer les médiums au-dessus de 300 Hz et aussi créer de l’épaisseur entre 2 kHz et 6kHz. Vous pouvez ensuite contrôler les niveaux pour décider du ton de l’espace que vous créez pour votre chanson.
  • Création d’un kick profond : Compressez une section sous 50 Hz, puis une autre jusqu’à 120 Hz, plus une dernière qui va jusqu’à 500 Hz. Je peux vous garantir que si vous avez le ronronnement du sub, alors vous pouvez aussi ajouter un peu de punch autour des médiums pour avoir un kick super profond, mais percutant.

En ce qui concerne mes compresseurs multibandes préférés, en voici quelques-uns :

Neutron 2 (Izotope)

Outil général de mixage qui fait de lui le meilleur assistant pour résoudre de nombreux problèmes. Le transient shaper, les excitateurs, le gate, les compresseurs et tous les autres sont en mode multibande. On ne peut pas faire mieux que ça.

Drawmer 1973 (Softubes)

Le compresseur Drawmer est incroyable pour créer de l’ambient, alors imaginez si vous pouvez le régler en mode multibande, vous obtiendrez alors des moments éblouissants.

Fabfilter Pro-MB (Fabfilter)

Élégant, précis et transparent serait la meilleure façon de décrire celui-ci. Très utile pour la touche finale de votre mix.

VOIR AUSSI : Le combo égaliseur-compression (Pt. III)

Les meilleurs plug-ins d’EQ et diverses astuces sur leur utilisation (Pt. II)

Dans mon article précédent concernant les meilleurs plug-ins d’égaliseur, j’ai couvert certains de mes égaliseurs préférés et certaines de leurs utilisations. Après avoir reçu de nombreux compliments à propos de ce post, j’ai décidé de continuer avec une deuxième partie. Dans le post suivant, je vais partager avec vous quelques astuces que vous pouvez facilement réaliser vous-même face à certaines situations de mix, et je vous décrirai également brièvement la compression.

Filtres

Au cas où vous ne le saviez pas déjà, les EQs sont des filtres, des mathématiques vraiment complexes que chaque développeur a codé dans des formules plus ou moins différentes. Cela explique pourquoi certains EQs sont très chers : à cause du temps investi dans le perfectionnement des courbes. Beaucoup de gens ne s’en rendent pas compte, mais les égaliseurs ont un son différent les uns des autres et vous pouvez le remarquer sur un système son de haute qualité.

« La plupart des gens n’ont pas un système de haute qualité, alors à quoi bon… », vous dites.

Eh bien, si vous utilisez des outils de haute qualité, en fin de compte, vos sons réguliers seront « améliorés » en qualité aussi, ce qui fera finalement une différence où que vous les jouiez.

Le conseil numéro un pour un meilleur mixage est d’utiliser des filtres ; cela seul peut apporter des améliorations spectaculaires.

Par exemple, vos kicks peuvent sembler muddy si vous n’enlevez pas les fréquences qui se trouvent sous la note fondamentale. Si cela semble compliqué, permettez-moi de l’expliquer en termes très simples :

  1. Sur votre égaliseur, le premier point à gauche doit être mis sur filtre, puis sur coupe-bas (low cut).
  2. La pente doit être réglée sur 24 dB/octave.
  3. Positionnez-vous ensuite à 20 Hz pour commencer, puis montez les fréquences jusqu’à ce que vous entendiez votre kick perdre de la puissance. Si cela se produit, vous filtrez maintenant trop haut et vous devez reculer un peu.
  4. Ma règle générale est de couper les kicks à 20 Hz par défaut.

Ce conseil ne s’appliquait qu’aux kicks, mais vous devriez appliquer cette idée à pratiquement tout ce qui se trouve dans votre mix. Cependant, à part le kick, je n’utiliserais pas une pente de 24 dB/octave sur quoi que ce soit d’autre à moins qu’il y ait de gros problèmes. C’est à vous d’expérimenter, mais si vous voulez tester quelque chose d’intéressant, essayez avec 18 ou 12 pour couper d’autres sons et vous verrez que cela laisse une sensation moins numérique, donnant à vos sons clarté et chaleur.

Je réduirais aussi les aigus là où ils ne sont pas nécessaires, mais pas trop non plus.

Les percussions, les mélodies et les sons aigus tels que les hi-hats bénéficieraient d’un filtre coupe-haut (high cut) de 6 dB/octave; cela lisse les choses d’une belle façon.

Certains de mes filtres préférés pour ce genre d’utilisation sont :

EVE-AT1 de Kuassa

SliceEQ par Kilohertz

PSP MasterQ2: Smooth!

Coupes nettes

Les coupes chirurgicales, nettes et statiques sont très utiles pour traiter une résonance. Beaucoup de gens se demandent comment les repérer et comment savoir si c’est vraiment quelque chose à couper ou si cela a quelque chose à voir avec l’acoustique de la pièce. Il n’y a pas d’autre moyen de le savoir que de comparer souvent à des pistes de référence pour valider.

Si souvent, j’ai des clients qui m’envoient un projet Ableton et je vois des coupes vraiment bizarres. Est-ce que c’est mauvais ?

Oui et non.

Tout d’abord, si vous utilisez l’égaliseur natif d’Ableton, passez-le immédiatement en mode suréchantillonnage (oversampling) pour une meilleure qualité.

Deuxièmement, le découpage peut changer quelque chose dans votre environnement, mais vous couperez aussi de façon permanente des fréquences qui ne doivent pas nécessairement être modifiées, ce qui pourrait également provoquer des problèmes de phase (c’est-à-dire pendant toute la durée de la chanson).

*Remarque — n’utilisez pas trop d’égaliseurs sur une même chaîne, car cela provoquera sûrement un déphasage !

Alors, comment repérer une fréquence rebelle ?

Parfois, je me contente d’utiliser un spectromètre pour obtenir des indices si je n’arrive pas à localiser l’endroit où elle se trouve. Essayez toujours d’utiliser un spectrum meter sur votre master pour avoir une indication globale de votre mixage. Si vous voyez des sons qui commencent à dépasser 0 dB, cela *pourrait* être un problème; pas toujours, mais cela pourrait arriver. Ce que vous recherchez, c’est une pointe fine de +3-6 dB. Cela sera certainement un problème.

Mon instinct serait d’essayer de baisser le volume du son lui-même si c’est possible. Parfois, ce n’est pas le cas, et c’est pourquoi on utilise un égaliseur.

  1. Isoler le son dans la piste appropriée.
  2. Insérez l’égaliseur de votre choix (voir ci-dessous pour des suggestions).
  3. Choisissez un point d’égalisation, réglez-le sur la fréquence que vous avez repérée, puis réglez le Q sur 3-4. Coupez 4 dB pour commencer, puis plus si nécessaire.
  4. Sur l’égaliseur, il devrait y avoir un gain de sortie. Si vous avez réduit cette fréquence, ce serait bien d’augmenter le gain d’environ la moitié de ce que vous avez réduit. Idéalement, j’aime compresser, mais nous y reviendrons plus tard.

CONSEIL : Évitez les coupures brusques dans les basses fréquences. Cela peut causer des problèmes comme un déphasage, ou du mud. Si vous devez vraiment le faire, assurez-vous d’utiliser un utility mono par la suite.

J’ai révélé certains de mes plug-ins d’égalisation préférés dans le premier post de cette série, mais je vais en ajouter d’autres :

Cambridge EQ par Universal Audio: Fonctionne à merveille sur les synthés et les mélodies.

AE600 de McDSP.

Voxengo CurveEQ: Solide sur un contenu percussif.

Coupes larges, renforcements et shelving

Pour renforcer certaines fréquences, de nombreuses lectures sur le sujet de l’EQing recommanderont d’y aller avec modération et d’essayer d’avoir un Q très bas pour ainsi avoir une courbe ouverte. Cependant, il n’y a pas vraiment de règles sur ce que vous devriez ou ne devriez pas faire. Explorez, échouez et soyez audacieux, parce que parfois de grandes choses en ressortent.

Mon seul drapeau rouge concerne les courbes d’égalisation de plusieurs points vraiment compliquées que vous pouvez faire dans Fabfilter ProQ2. Cela induit parfois des résonances bizarres lorsque vous exportez, ce qui n’est pas bon pour le mastering à moins de vouloir ennuyer les oreilles des gens.

Aussi, pensez différemment. Si vous allez utiliser 3-5 points qui renforcent tous des fréquences, alors pourquoi ne pas commencer par augmenter le gain sur la sortie de votre EQ et réduire ce que vous ne voulez pas.

Mais pour booster, j’aime avoir un Q inférieur à 1. Ça donne des résultats vraiment intéressants !

  • Par exemple, essayez de booster 2-3 dB à 500 Hz pour donner instantanément présence et corps à une chanson.
  • Essayez à 8 kHz pour ajouter une présence brillante et lumineuse aux percussions métalliques.
  • Boostez à 1 kHz sur votre snare pour les faire sortir de votre mix.

Expérimentez comme ceci. Au début, cela semblera subtil, mais avec de la pratique, de grands résultats seront obtenus.

Mes préférés du moment :

Sie-Q de SoundToys pour son superbe shelving.

MEqualizer de MeldaProduction.

 

VOIR AUSSI :

Compression : Astuces et recommandations (Pt. 1)

Comment choisir vos EQ et les utiliser (Pt. I)

Les gens me demandent souvent mon avis sur les meilleurs plug-ins audio, et il n’y a aucun doute qu’investir dans des égaliseurs et des compresseurs de qualité est l’une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour la conception sonore et le mixage. Vous pouvez faire des choses assez étonnantes rien qu’avec l’égaliseur et la compression, mais bien sûr, vous devez comprendre vos outils pour en tirer le meilleur parti. Dans cet article, je propose quelques exercices, conseils, ainsi qu’une couverture des principaux outils que j’ai rassemblés au cours des dernières années accompagnée de mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’EQ.

Les types d’égaliseurs

Il existe de nombreux types d’EQ et je crois que certains sont plus importants que d’autres. Il m’a fallu un certain temps pour comprendre comment les utiliser pleinement et comment choisir le bon pour des situations spécifiques. Ce sujet est en fait si vaste et si complexe que je pourrais faire une série d’articles sans jamais arriver au bout. Je vais essayer d’éviter d’être trop technique et je vais les expliquer en termes simples pour que tout le monde puisse comprendre.

La façon dont j’aborde les EQ est basée sur différentes actions :

  • Correction. Parfois, un son aura une partie qui sera agressive et ennuyeuse. Je corrigerai la situation en repérant où il semble y avoir un problème, puis je couperai les fréquences. Les coupes correctrices ne sont généralement pas trop étroites (Ex. Q de 3)
  • Chirurgical. Une résonance dans un son vous fait mal aux oreilles et cela nécessite une coupe très étroite. (Q de 6-8+).
  • Ajustements de tonalité. Un égaliseur peut être utilisé pour effectuer des changements de tonalité, par exemple pour décider si vous voulez que votre piste soit plus puissante ou plus claire en augmentant les graves ou les aigus.
  • Coloration. Certains égaliseurs ne sont pas transparents et apporteront une touche musicale aux changements qu’ils apportent. Cela ajoutera de la personnalité.
  • Coupures larges. Le contraire de chirurgical, où le Q rendra la courbe très large. Il fait des changements très subtils, quelque peu tonaux, un peu colorés et parfois un peu correctifs. Essayez-le à différents endroits sur un son et observez les changements.

ASTUCE : L’oreille humaine entendra une différence notable si vous coupez de 3-4 dB minimum. Si vous coupez 6 dB, ce sera assez évident.

Les principaux types d’égaliseurs sont :

  • Graphique/Fréquences fixes. Influencés par les anciens modèles et le premier égaliseur, les fréquences auxquelles vous aurez accès sont fixes et ne pourront être modifiées. Pour beaucoup de ces modèles, les fréquences sont basées par octave, mais certaines compagnies auront leur propre manière de décider lesquelles sont utilisées.
  • Paramétrique. Un égaliseur très populaire est le Q2 de Fabfilter qui vous permet d’ajouter un point n’importe où et de pouvoir ensuite façonner étroitement ce que vous voulez couper ou amplifier.
  • Shelving/Bande. C’est une partie du spectre qui sera touchée. Par exemple, sur les consoles de mixage DJ, les 3-4 boutons d’égalisation sont essentiellement des shelves de fréquences qui sont modifiées.
  • Dynamique. Celui-ci est avancé. Vous pouvez « commander » un point de votre EQ pour réagir en fonction de certaines conditions. Par exemple, si vous avez un enregistrement de batterie, vous pouvez ordonner que les aigus descendent de 3-4 dB si les cymbales frappent trop fort. Très pratique !

ASTUCE : Si vous aimez le son de l’analogique, vous voudrez peut-être creuser dans la suite d’Universal Audio qui fait l’émulation de pièces d’équipement classiques. La fidélité de la reproduction est absolument époustouflante !

Faisons maintenant quelques associations pour comprendre quel EQ fait quoi :

  • Les coupes chirurgicales et les coupes larges se font principalement à l’aide d’égaliseurs paramétriques. Ce type d’égaliseur vous permettra d’identifier précisément les fréquences indésirables, puis de les couper ou de les amplifier comme vous le souhaitez.
  • L’égaliseur correctif peut également être paramétrique, mais aussi graphique. Une correction peut avoir besoin de précision, mais parfois, ce n’est qu’un moyen de réaligner la courbe du son, ce qu’un égaliseur graphique peut faire facilement.
  • Ajustements de tonalité. Ceci se fait avec des shelves et des EQ à bande.
  • Coloration. Il s’agit essentiellement de fréquences fixes, mais si vous recherchez une émulation analogique ou des égaliseurs qui fournissent un type de saturation, alors vous obtiendrez également des couleurs et une personnalité.

Mes plug-ins d’égalisation préférés

Voici mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’égalisation qui sont des outils précieux à avoir dans votre arsenal. J’ai également inclus des solutions alternatives pour petit budget avec des EQ similaires.

1. Fabfilter ProQ2 (Chirurgical, Coupes larges, Correction, Tonal)

Ce plug-in semble avoir trouvé sa place dans la boîte à outils de nombreux producteurs, surtout parce qu’il peut faire à peu près tout cela. Qu’il s’agisse de courbes complexes, de retouches sur les shelves ou de copier la fréquence d’un son pour l’appliquer à un autre… les façons d’utiliser cette bête sont si nombreuses que vous devrez regarder un tas de tutoriels pour en découvrir toutes les fonctionnalités cachées.

Alternative budgétaire : TDR Nova GE par Tokyo Dawn

2. Electra de Kush Audio (Shelving, réplique analogique)

Peu connu des masses, mais cet EQ est une merveille absolue à avoir sous la main. Je l’utilise dans tous les mixages que je fais et les résultats sont toujours étonnants. Un peu difficile à prendre en main, car l’interface graphique est un peu bizarre, mais même si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, elle façonne le son d’une manière qui le fait ressortir et lui donne de la chaleur.

Alternative budgétaire : RetroQ de PSP

3. BX_Hybrid V2 de Brainworx (Correction, shelving)

Je ne pense pas qu’il y ait un autre plug-in capable de produire les mêmes résultats. Pas aussi polyvalent que le ProQ2, mais ce qui le distingue, c’est qu’il coupe le son en douceur et lisse les choses. Quand j’ai des gens qui étudient le mixage avec moi, je leur demanderais toujours d’acheter celui-ci comme le tout premier EQ à avoir et à utiliser.

Alternative budgétaire : Voxengo Prime EQ

4. Passive EQ par Native Instruments (Shelving, correction, couleur)

Cette émulation du célèbre égaliseur Massive-Passive de Manley est une bombe. J’adore le placer dans un bus avec tout mon contenu mélodique et le transformer en quelque chose qui, comme par magie, devient organique et chaleureux. Il nécessite un peu d’exploration, mais lorsque vous aurez mis la main dessus, vous aurez toujours envie de l’utiliser. Je le trouve assez puissant pour la conception sonore comme moyen de donner de la chaleur dans les basses fréquences.

5. F6 Floating band dynamic EQ de Waves.

Je ne suis pas un grand fan de Waves et de leurs tactiques agressives de vente, mais ce plug-in est vraiment utile. Comme décrit ci-dessus, avec un égaliseur dynamique, vous pouvez apprivoiser certaines fréquences qui se produisent de façon aléatoire. Le problème avec un égaliseur statique, c’est que vous couperez en permanence une fréquence, donc si ce que vous essayez de couper n’est pas toujours là, vous pourriez couper quelque chose qui n’a pas besoin d’être ajusté. C’est pourquoi vous pouvez avoir plus de contrôle avec un égaliseur dynamique. Celui-ci est également très facile à utiliser si vous êtes familier avec le concept et le fait que vous pouvez l’utiliser en MS le rend très polyvalent. Pas aussi facile et fantaisiste que celui de Fabfilter, mais il en fait plus, d’autres façons. Attendez que le prix baisse, vous pourriez l’obtenir autour de 29 $-49 $ si vous êtes assez patient.

Dans le prochain article, j’irai plus en détail dans mes plug-ins préférés et j’expliquerai aussi certains moyens pour en tirer le meilleur parti.



Voir aussi :

Les meilleurs plugins d’égalisation et divers conseils (Pt. II) 

Comment atteindre un équilibre tonal dans le mix?

L’un des plus grands défis dans la finition d’une chanson est d’ajuster correctement l’équilibre tonal. Il n’y a aucun doute que cette partie est déroutante. Beaucoup de gens — même des producteurs expérimentés — vont encore avoir des problèmes avec l’équilibre tonal certains jours. Il existe des outils et des méthodes pour corriger l’équilibre tonal, mais c’est toujours un défi. Je pense qu’il est important de partager quelques conseils sur la façon dont vous pouvez faciliter le réglage de l’équilibre tonal.

QU’EST-CE QUE L’ÉQUILIBRE TONAL ?

Je vais faire simple : l’équilibre tonal, de mon point de vue, consiste à diviser votre chanson en trois sections de fréquence et à trouver comment les ajuster. Par exemple, dans certains genres, vous voulez que le son soit totalement équilibré, alors que pour la musique électronique orientée vers la danse, vous voudriez que les graves soient plus forts dans le mix. Bien que cela semble extrêmement simple à réaliser, en réalité, cela peut être un cauchemar.

Le plus gros problème avec l’équilibre tonal est que si votre tonalité est fausse, votre travail, lorsqu’il est joué dans un contexte spécifique (ex. dans un club), sonnera complètement faux par rapport à des chansons similaires du même genre.

Les problèmes courants d’équilibre tonal sont les suivants :

Manque dans les basses fréquences : La chanson sonnera faible, avec moins d’énergie et creuse.

Basses fréquences trop fortes : La chanson sera muddy et manquera de corps.

Médiums manquants : La chanson sera vide, sans punch ni corps, et de loin.

Trop de médiums : La chanson devient inutilement agressive et désagréable.

Manque dans les aigus : La chanson manque de définition et de précision dans les sons.

Les aigus sont trop forts : La chanson est fatigante et rêche.

UTILISER LES BONS OUTILS POUR AJUSTER L’ÉQUILIBRE TONAL

Le monitoring est bien sûr crucial pour ajuster l’équilibre tonal d’une chanson. Je dirais que 75 % du temps je reçois un fichier à masteriser et que l’équilibre tonal est complètement déséquilibré, principalement à cause de l’environnement sonore de l’artiste. Bien que nous n’ayons pas tous le budget ou l’espace nécessaire pour avoir un studio entièrement traité, il y a certaines choses que vous pouvez encore faire :

  • Validation croisée. Avec mes haut-parleurs, je vérifierai toujours périodiquement un mixage avec un casque d’écoute pendant que je travaille. J’aime avoir une perspective différente et je trouve que le son que j’ai entre les deux révèle souvent une perspective qui me manquait.
  • Mixer à faible volume. Vous serez surpris d’entendre automatiquement ce qui ne va pas. Réduisez de moitié le niveau de volume avec lequel vous travaillez et écoutez comment le kick sonne, puis la mélodie par rapport à lui, puis la partie haute fréquence, etc. Contre-valider avec une piste de référence.
  • Utilisation d’un subwoofer. Beaucoup de gens vous diront que vous n’avez pas besoin d’un subwoofer pour faire un bon mixage, mais ça aide certainement d’avoir une idée de ce qui se passe là en bas. Beaucoup d’entre nous auront des problèmes avec les voisins alors je vous suggère de n’utiliser qu’avec parcimonie juste pour vérifier votre mix. Une bonne alternative est d’obtenir un Subpac.
  • Il y a aussi des outils que vous pouvez utiliser dans vos productions pour vous aider. J’en utilise beaucoup, mais voici quelques-uns de mes préférés :

    Reference

    Ce plug-in m’a sauvé la vie plusieurs fois. Vous chargez votre piste de référence, ajustez le volume pour qu’il corresponde à celui de la piste de référence, puis vous pouvez basculer entre votre mix et la référence. Il y a même des graphiques dynamiques pour vous montrer quelle partie de votre mix est trop forte ou manquante par rapport à la piste de référence.

    Si la piste est déjà masterisée, vous ne pourrez pas compter sur le vumètre de compression, mais les niveaux seront utilisés de la même manière. Pour 60 $, c’est certainement un élément essentiel à avoir dans sa collection.

    Shelving/EQ à bande

    Quand j’ai commencé à faire de la musique, je n’aimais vraiment pas mettre les EQ en shelf car je sentais qu’ils n’étaient pas utiles, mais une fois que j’ai commencé à les étudier, je dois dire que c’est presque devenu une de ces obsessions qu’on peut avoir pour un plug-in. Il y en a beaucoup, alors je vais en nommer quelques-unes et vous expliquer comment en tirer le meilleur parti.

    • Tonelux (Softubes): L’un des outils les plus reconnus et les plus acclamés sur le marché. Il permet de faire les choses rapidement. Souvent en solde aussi.
    • Solid EQ (Native Instruments): J’adore celui-ci parce que vous avez une certaine précision sur ce que vous faites et c’est un bon mélange entre un égaliseur musical et un égaliseur transparent.
    • Maag Audio EQ4: Celui-ci est parfait pour les aigus. C’est l’un des plus utilisés dans l’industrie du mastering pour obtenir un son « aérien » approprié.
    • Hammer DSP (Kush Audio): Très musical, chaleureux et remarquable en tout temps. Souvent, il suffit de jouer avec dans le bus principal pour révéler toutes les différentes ambiances qu’une chanson peut avoir.
    • Sie-Q (Sound Toys): Un peu comme Hammer. Musical, et assez magique dans la façon dont il gère les médiums.
    • ValvEQ (Kazrog): Une bonne alternative au coûteux Bax EQ de Dangerous. Il gère également votre tonalité en mode MS.

    UTILISER LES BONNES TECHNIQUES D’ÉQUILIBRE TONAL

    Si l’égalisation, la validation croisée et d’autres outils ne semblent pas fonctionner pour vous, je vous recommanderais une technique très simple pour vous aider.

    Fondamentalement, nous limiterons notre équilibre tonal à trois sections, mais vous pouvez en dégager quatre ou cinq si vous voulez. Cependant, plus le nombre est bas, plus cela sera facile par la suite. Sachant cela, je vous encourage à utiliser Ableton Live 10 pour l’utilisation de la fonction de groupe dans les groupes. Vous pouvez créer des groupes alternatifs où vous passez toutes les pistes en utilisant les basses fréquences dans un groupe, puis les médiums, en terminant par les aigus.

    Si vous n’avez que trois groupes ou bus, vous limitez vraiment vos options à ces 3 faders à contrôler. Moins vous en avez devant vous, plus vous serez concentré.

    Comme je le fais d’habitude, je vais commencer par le spectre principal et le mettre le plus fort, puis mixer les 2 autres en conséquence. J’ai souvent l’impression que le fait de connaître d’abord le niveau de basses fréquences m’aidera grandement à régler le reste.

    Principes importants de production musicale

    En tant que manager de label ou en tant que prof qui donne régulièrement des feedbacks (rejoignez notre groupe Facebook si vous êtes intéressé!), j’ai réalisé que je n’écoute pas la musique comme tout le monde : je base mon écoute sur certains principes de production musicale. Il y a un certain nombre de choses qui attireront mon attention et que la plupart des gens ne remarqueront pas vraiment. J’écoute un certain nombre de principes qui font que — selon mes goûts — une musique est riche, mûre et profonde. Beaucoup de labels recherchent la musique qui se vendra, mais je suis plus intéressé par une musique innovante, ce qui pour moi vient du travail de conception impliqué dans la chanson.

    Pourquoi l’innovation en premier ? Je préfère marcher sur de nouvelles terres plutôt que de release quelque chose de bateau. Cela ne paie peut-être pas, mais la gratification différée est plus grande et je peux ainsi attirer des esprits créatifs, qui sont mes personnes préférées.

    Je lisais sur le design visuel et j’étais plutôt intéressé par le fait qu’il s’apparente à la production audio. J’ai compilé quelques principes de base de la production musicale qui s’appliquent à la fois à la sphère audio et à la sphère visuelle.

    L’ÉQUILIBRE

    L’équilibre peut être atteint de différentes manières : du champ stéréo à l’équilibre mid/side, ou encore l’équilibre entre les basses et les hautes fréquences. J’aime entendre comment l’équilibre a été conçu et exagéré — l’emphase d’une zone qui se déplace vers une autre. Je veux sentir que l’artiste joue avec l’équilibre, ou montre qu’il peut proposer un décalage d’équilibre pendant toute la durée de sa chanson. L’équilibre est pour moi, l’umami de l’audio, et je veux faire l’expérience de quelque chose qui me semble plein.

    ASTUCE : Dans la dernière étape de l’arrangement, essayez de vérifier chaque zone (gauche/droite, mid/side, fréquences basses, médiums, aiguës) pour voir comment elles sont liées les unes aux autres.

    LE CONTRASTE

    Celui-ci est un peu délicat. Comment appliquer un contraste en audio ? Cela peut être dans la façon dont vous sélectionnez vos sons par exemple. Peut-être avoir un certain nombre de sons qui ont une attaque très forte par rapport à d’autres qui sont doux. Peut-être un contraste de volume, de compression, d’harmoniques ou de simple vs très détaillé. Lorsque vous apportez un certain nombre de sons ou de mélodies, pensez à la façon dont chacun d’entre eux peut varier. C’est utile, car cela peut élargir votre palette de sons ou les faire évoluer vers autre chose. Un de mes contrastes préférés est celui entre les sons texturés et ceux qui sont lisses ; un autre type de contraste que j’aime entendre est une distinction entre le brut et le subtil sur certains éléments.

    ASTUCE : Essayez d’importer deux échantillons à la fois qui sont très différents. Ex. 2 claps, l’un brillant et l’autre brut, puis passer de l’un à l’autre pour créer du contraste.

    L’EMPHASE

    Quel est l’élément qui devrait attirer votre attention en premier ? C’est, dans la conception, le point focal de votre œuvre d’art et dans l’audio, la mise en avant d’un son poussera l’auditeur à embarquer. C’est généralement dans les fréquences moyennes, juste en face de vous. Il est rare que votre élément clé soit déplacé vers la droite et si c’est le cas, ce sera vraiment déroutant tout au long de la chanson. Une bonne façon de créer un point focal sera de décider ce qui sera à l’avant et ce qui sera à l’arrière.

    ASTUCE : Utilisez un élément principal en mono et égalisez les médiums un peu plus fort pour le pousser vers l’avant. Regroupez tous les sons à placer à l’arrière, là où vous diminuez légèrement les médiums en mode mid/side.

    LE MOUVEMENT

    J’en parle beaucoup dans ce blogue et si vous n’avez pas consulté certains des articles passés sur la façon d’obtenir plus de mouvement dans vos pistes, je vous invite à y jeter un coup d’œil. Le mouvement est l’une des parties les plus importantes des arrangements musicaux. Le mouvement, c’est la vie, rien de moins. Quand la musique est statique, elle est morte, ennuyeuse, redondante, synthétique d’une mauvaise manière, et terriblement aliénante. Vous avez besoin que votre son bouge dans l’espace, dans le champ stéréo ainsi qu’en haut et en bas — il y a tant de façons d’obtenir du mouvement.

    ASTUCE : EQ, auto-pan, compression, filtres sont vos meilleurs amis pour le mouvement.

    PATTERN (MOTIF)

    Les idées et les accroches dépendent toujours d’un motif précis. La prochaine fois que vous écouterez votre chanson préférée, essayez de déterminer le motif de la chanson. Parfois c’est simple, parfois ce sont des motifs multiples qui sont superposés. Maintenant, le motif est plus que la percussion ; c’est l’ordre des éléments qui réapparaissent tout au long de la chanson. Dans la techno, il y a un micro motif (par exemple à l’intérieur d’une barre) qui fait partie d’un motif beaucoup plus grand. Le décoder, c’est un peu comme lire du morse. Mais l’un des points clés des motifs, comme l’explique Miles Davis, est de comprendre l’importance du silence parce que c’est ce qui les crée.

    ASTUCE : Lors de la création d’un motif, essayez d’ajouter des idées supplémentaires aléatoires en utilisant l’effet MIDI d’Ableton, « Random ». Avoir un motif en développement peut faire des merveilles sur la timeline d’une chanson très simple.

    LE RYTHME

    C’est la suite logique du principe du pattern (motif), car ils vont de pair, mais sont légèrement différents. J’aime voir le rythme comme tout ce qui amplifie le flow du motif que vous avez créé. Les templates de groove d’Ableton sont particulièrement liés au rythme et au swing. Mais surtout, une chose à comprendre est la transition d’une section à l’autre, ainsi que ce qui est régulier ou irrégulier. Vous pouvez avoir un motif très simple, presque ennuyeux, mais avec un rythme impeccable, vous pouvez le rendre très engageant pour l’auditeur. Cependant, cela ne fonctionne pas dans l’autre sens ; un rythme médiocre transformera un bon pattern en déchet.

    ASTUCE : Essayez de DJer vos morceaux à différentes étapes de la production. Vous pouvez étirer votre idée/concept jusqu’à 5-6 min et voir comment ça sonne, mixé en tant que DJ. Bien sûr, mixez-le avec quelque chose dont vous aimez le rythme et voyez comment le vôtre s’intègre.

    L’UNITÉ

    C’est la touche finale d’une chanson : « s’assurer que tous les éléments marchent bien ensemble ». Parfois, j’entends de la musique et j’ai l’impression qu’il y a quelques sons qui ne fonctionnent pas du tout. Peut-être que cela vous est arrivé et que vous n’êtes pas sûr de ce que c’est exactement. Voici une liste rapide des éléments à prendre en considération lors de l’élaboration d’une nouvelle idée :

    • Assurez-vous que toutes les mélodies sont dans la même gamme ou dans des tonalités compatibles.
    • Utilisez l’accordeur pour vous assurer que les éléments les plus importants sont dans la gamme.
    • Ayez toujours certains sons qui sont en relation « question/réponse » avec d’autres.
    • Certain sounds should either be working together or complementing one another (eg. played at same time or shuffling).
    • Utilisez un swing/groove global pour les sons principaux.
    • Tenez-vous-en à 1-2 reverbs pour créer un espace commun.

    PRINCIPE FINAL : RENDRE VOTRE TRAVAIL COMPRÉHENSIBLE, DURABLE ET DÉTAILLÉ.

    Voici une devise personnelle que j’applique à l’analyse de mon propre travail :

    1. « Cette chanson est-elle compréhensible ? » Si je demande à une personne de la chanter, peut-elle se rapporter à un élément ?
    2. « Cette chanson est-elle basée sur une tendance ou bien vieillira-t-elle correctement ? » J’aime analyser les chansons que j’aime encore après 20 ans et essayer de voir ce que j’aime encore dedans. J’essaie ensuite d’appliquer le concept avec mes connaissances actuelles. Il peut s’agir d’un concept ou d’une technique.
    3. « Ai-je couvert tous les détails ? » La dernière série d’arrangements que je ferai sera de passer prudemment à travers ma chanson, une mesure à la fois pour voir si je suis au courant de tous les détails, comme le volume, les attaques, la position, etc. Tant que je ne le fais pas, la chanson n’est pas terminée.

    J’espère que cela vous aidera à percevoir votre musique différemment et à créer votre musique plus efficacement !

    Voir les templates comme des graines.

    En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

    Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

    De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
    Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

    D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

    JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

    Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
    Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

    Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
    Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

    Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

    Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

    1. Créez un dossier pour vos templates.
    2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
    3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

    Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

    • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
    • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
    • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
    • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

    Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

     

     

    VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

    Rendre les sons vivants : le mouvement dans la musique électronique

    CRÉER DU MOUVEMENT DANS LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

    L’un des concepts les plus méconnus de la musique électronique est le mouvement. Par mouvement, je fais référence à la façon dont chaque son évolue constamment tout au long d’une chanson. Je discutais une fois avec un passionné de synthétiseurs modulaires et il disait ne pas supporter les sons enregistrés comme les samples parce que, selon lui, ces sons sont « morts ». Avec les synthés modulaires, un son peut être répété pendant des minutes et il ne sera jamais exactement le même parce que les composants matériels donnent constamment de légères variations au son. Un son enregistré est figé comme une image. Puisque nous n’avons pas tous le luxe de posséder un synthé modulaire, permettez-moi d’expliquer comment nous pouvons utiliser des outils logiciels pour rendre les sons « vivants » et développer du mouvement dans notre propre musique électronique.

    Tout d’abord, convenons que le mouvement dans la musique électronique provient de certains éléments qui « bougent ». Il existe différentes façons de créer cette sensation :

    1. CHANGEMENTS DE VOLUME (AMPLITUDE)

    Le changement de volume des percussions est souvent associé au groove et au swing. Les deux peuvent modifier le volume des sons. Cela dit, vous pouvez appliquer un modèle de groove non seulement aux percussions, mais aussi aux mélodies et aux lignes de basse. Si cela ne suffit pas, vous pouvez aussi utiliser l’effet midi velocity qui peut non seulement altérer la vélocité de chaque note, mais dans Ableton Live il y a aussi un randomizer qui peut être utilisé pour créer un effet plus humain. Une autre façon d’ajouter de la dynamique est d’utiliser un effet de trémolo sur un son et de le garder synchronisé ou non. L’effet trémolo affecte également le volume, et c’est une autre façon de créer des grooves sur mesure. Personnellement, j’aime aussi créer des changements d’arrangement très subtils sur l’enveloppe ou le gain de volume, ce qui maintient le son toujours en mouvement.

    En général, les LFOs — comme ceux présents dans le patch Max for Live — peuvent être utilisés pour moduler n’importe quoi, et ils créeront automatiquement du mouvement. Associé à chaque LFO, j’utilise souvent un autre LFO pour moduler sa vitesse afin d’obtenir une véritable sensation de non-redondance.

    Astuce : Combinez LFOs et modifications manuelles, puis copiez les séquences jusqu’à la fin de la chanson. Je vous suggère d’essayer de sortir de la structure 4/4 et des blocs réguliers pour sortir d’un « template feel ».

    2. FILTRE

    Une autre excellente façon de créer du mouvement est de faire en sorte que le son change toujours de tonalité. L’utilisation d’un filtre en mode parallèle est un moyen très efficace de créer de la couleur. L’important est de s’assurer que la fréquence et la résonance sont constamment en mouvement en utilisant des LFOs ou des enveloppes. En étant en parallèle, le son semble toujours être le même, mais il y aura un peu plus de corps à cause du filtre. Ce que beaucoup de gens ne savent pas, c’est qu’il y a différents types de filtres, donc vous pouvez essayer différents types de filtres dans différents Sends et votre chanson sera plus en mouvement. Alors que les filtres sont parfaits pour les changements subtils, vous pouvez aussi faire la même chose avec un égaliseur, mais toujours en parallèle. L’ajout d’une enveloppe sur le filtre pour qu’il détecte le signal entrant et change la fréquence est aussi une très belle façon de garder le son organique.

    Astuce : Essayez de comparer comment un filtre Moog peut différer d’un filtre ordinaire.

    3. TEXTURES

    Les textures ou le bruit de fond sont une autre excellente façon d’émuler les appareils analogiques. Il y a plusieurs façons de le faire, mais celle que je recommande est d’obtenir un microphone pour votre iPhone et d’enregistrer un moment de votre prochaine visite au café ou au restaurant, ou même dans votre maison où nous ne nous rendons pas compte qu’il y a encore un très faible niveau de bruit. L’ajout de cet enregistrement à faible volume dans votre chanson ajoute automatiquement un layer de chaque son en évolution. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi convertir certains bruits en patterns de groove qui créent une forme de randomisation sur vos sons. Certains effets de haute qualité tels que la saturation utilisée sur certains sons ajouteront une forme de texture qui empêche vos samples de sonner creux.

    Astuce : La modulation FM sur un filtre ou une oscillation peut créer des textures granuleuses.

    4. STÉRÉO ET PANORAMIQUE

    Pour ce point, il y a différents effets qui jouent avec l’image stéréo et — bien que vous devriez être prudent — il est bon d’avoir au moins un ou deux sons qui ont ce genre d’effets. Parmi ces effets le phaser, le chorus, le flanger, le delay, la reverb et l’auto-pan. Ils peuvent tous donner du mouvement aux sons si la modulation n’est pas synchronisée et si le dry/wet est constamment modifié légèrement.

    Astuce : Faites attention aux effets que vous utilisez, car une utilisation excessive peut créer des problèmes de déphasage.

    5. TIMING

    Un point que les gens négligent souvent : la position d’un son dans un pattern peut changer légèrement tout au long d’une chanson pour créer un sentiment de mouvement. Cet effet est plus facile à créer si vous convertissez tous vos clips audio en midi. En mode midi, vous pouvez utiliser le plug-in Humanizer (Max) pour modifier constamment le timing de chaque note. Vous pouvez aussi le faire manuellement si vous êtes un peu plus dans l’édition de détails, mais à la fin, un Humanizer peut faire la même chose tout en créant des idées inattendues qui pourraient être intéressantes. Une autre astuce est d’utiliser un effet de glitch en mode parallèle pour ajouter quelques courbes dans le timing d’un son de temps en temps.

    Astuce : Désactivez le verrouillage de la grille (grid lock) dans la section arrangement pour être intentionnellement imprécis.

    Ma musique ne me ressemble pas

    Est-ce que cela vous arrive ? Vous démarrez un projet avec une idée et une direction, « Je vais faire un morceau techno », vous démarrez une boîte à rythmes, vous mettez une ligne de base, vous commencez à jammer, à chercher des sons, à créer un groove, et une heure plus tard vous écoutez une boucle de 8 mesures qui sonne totalement différent de ce que vous avez décidé de faire. « Ma musique ne me ressemble pas ». Oui, ça arrive à beaucoup de gens, et ça peut être vraiment frustrant de faire de la musique qui vous est totalement étrangère.
    Il y a une déception particulière qui vient avec le fait de ne pas être capable de faire le genre de musique que vous voulez créer. Beaucoup de producteurs avec qui j’ai travaillé parlent de commencer un projet avec une seule direction en tête, mais au fur et à mesure que le titre évolue, ils perçoivent les sons qu’ils ont choisis et l’émotion de la chanson comme complètement à l’opposé de leur direction originale.

    Pourquoi est-ce que ça continue d’arriver ? Qu’est-ce qui se passe exactement ?

    D’après ce que j’ai vécu moi-même, je comprends la confusion. J’aimerais suggérer d’examiner la situation d’un autre point de vue, qui, à mon avis, sera beaucoup plus positif et productif pour vous en tant que producteur. C’est une question de contexte.

    Tout d’abord, nos humeurs et nos pensées changent constamment. Nous sommes dynamiques et il y a de multiples versions de nous. Ce que je veux dire, c’est que vous êtes une personne quand vous conduisez avec de la musique très forte, il y en a une quand vous écoutez de la musique lors d’une fête, il y en a une autre quand vous écoutez de la musique faite pour les écouteurs. Il y a une grande différence entre la personne que vous êtes en écoutant de la musique et la personne que vous êtes en faisant de la musique. Les deux comptent, les deux sont bien.
    Astuce : dès que vous démarrez un projet, enregistrez-le immédiatement avec un nom qui décrit le genre ou la sensation de la chanson que vous voulez créer. Un nom aussi simple que « techno… » ou « house… ».

    Il est utile de commencer vos productions avec un objectif et une intention claire à l’esprit, sinon, il est assez facile de s’éloigner. Cela étant dit, mon opinion personnelle est que la dérive est une bonne chose, et va de pair avec le fait d’être dans le moment, et plus en contact avec le VOUS qui est dans le studio à ce moment-là.
    Si vous êtes vraiment en contact avec vos émotions ou si vous suivez les sons qui vous excitent, la dérive dans d’autres directions va se produire. C’est simplement un processus de découverte.

    La façon dont je vois la musique est similaire à la naissance d’une étrange créature extraterrestre sortie de nulle part. Même si la musique que vous avez créée vous semble complètement étrangère, il est important d’être patient avec le matériel, car plus tard dans les phases de production ou de mixage, vous apprenez à apprivoiser doucement quelque chose de brut et de sous-développé en une créature évoluée avec une personnalité unique. Si votre musique sonne un peu différemment de ce que vous avez décidé de faire, je crois que c’est une bonne chose.

    Si vous avez lu mes messages au fil du temps, vous savez que j’encourage fortement la Méthode Bonsaï, et l’habitude de ne pas passer trop de temps sur une piste. Travailler rapidement et finir rapidement aiguisera considérablement vos compétences en production, et vous serez un producteur beaucoup plus prolifique. Vous voulez que vos sons soient un peu bruts, incontrôlables et étranges. Ces sons sont les joyaux non sculptés que vous ne pouvez faire que lorsque vous cessez de vous censurer. C’est ce que vous recherchez.

    EMBRASSER LES RÉSULTATS INATTENDUS, ET EMBRASSER LE CHANGEMENT.

    Imaginez le nombre d’idées avec lesquelles vous aurez à travailler si vous commencez 20 pistes à partir de zéro plutôt que d’essayer de polir une chanson pendant 20 heures. Passer trop de temps sur un titre enlèvera souvent au côté brut de votre enregistrement initial. Cette vivacité est précisément le son qui nous a excité en premier lieu, et il est important d’embrasser ces bruits, rythmes et grooves innatendus. Enlever tout le charme brut de votre matériel pourrait être comparé au photoshopping du corps d’une belle et naturelle femme adulte dans la minceur d’un enfant pour atteindre une certaine mesure de perfection. Voici quelques conseils essentiels pour bien démarrer vos pistes.

    VOTRE TRAVAIL EST CE QUE VOUS VOULEZ QU’IL SOIT.

    En tant que personne, nous sommes en constante évolution, et nos goûts musicaux évolueront également. C’est idéal que votre musique vous soit étrangère et progresse tout en comprenant que votre progression peut se produire dans un ordre que vous ne pouvez pas prédire. Au fil du temps et du travail, ce que vous êtes vraiment en tant que musicien commencera à prendre forme.

    Entendre la musique que vous avez faite dans le passé, c’est comme regarder des images de vous-même d’une autre époque. Ça laisse une empreinte. Regardez les photos de vous-même du passé et repérez celles que vous aimez. Elles peuvent être esthétiquement bonnes, mais je parie que vos images préférées seront celles qui rappellent un moment particulier de votre vie. Voyez-le avec les sons bruts et originaux que vous trouvez. Ceux qui sont audacieux sont les sons qui se démarqueront au fil des années et vous apporteront peut-être une attention inattendue.

    Astuce : Exportez une version de votre piste avant d’enregistrer et de fermer votre projet. Comparez son évolution. Partagez-la aux personnes qui vous connaissent. Voyez ce qui les fait tripper.

    Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de cet article, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

    JP

    VOIR AUSSI : Analyse d’une track de référence.

    Template de mix gratuit pour Ableton Live

    J’ai mis au point un template Ableton gratuit en me basant sur des commentaires qui ont été très utiles à de nombreuses personnes avec qui j’ai travaillé. Le template disponible sur cette page est destiné spécifiquement au mix. J’ai remarqué que souvent, beaucoup d’aspects du mix sont mal compris. J’ai donc créé un template de départ qui rassemble plusieurs outils utiles pour gérer les choses de base — ce template gratuit pour Ableton sera utile à tous les producteurs !

    Le template inclut :

    • 6 Groupes: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
    • 3 Bus: Kick, Basse/Basses fréquences, Percussions, Hihats, Atmosphère, Mélodique.
    • 1 MIXBUS: où les bus sont routés ce qui en fait votre piste de prémaster.
    • 1 Piste de référence: où vous déposez la piste de référence.
    • Plusieurs Sends pour affiner.
    • Différentes macros sur chaque groupe et bus pour vous aider à aborder le ton et les problèmes potentiels.

    Ce template ressemble beaucoup à ce que les ingénieurs professionnels utilisent comme celui d’Andrew Scheps pour Puremix, mais j’ai trouvé que le template d’Andrew n’était pas vraiment adapté à la musique électronique. Je suis sûr qu’il serait en désaccord, mais la musique underground n’est pas vraiment gérée comme la musique commerciale.

     

    Ce template est-il destiné à la création ou au mix ?

    Vous pourriez utiliser ce template pour produire si vous vous sentez à l’aise avec, mais je vous encourage à exporter les stems d’un projet et à utiliser ce template pour le mix. . Oui, c’est un peu plus de travail, mais ça va aussi libérer votre CPU et préparer votre projet pour une nouvelle phase de production. C’est aussi plaisant de mettre un terme aux détails et de se concentrer sur le mix seul.

     

    Comment utiliser ce template ?

    Il y a plusieurs façons d’utiliser un template comme celui-ci, j’aimerais vous expliquer certaines choses pour que vous puissiez commencer rapidement. Tout d’abord, grouper vos sons est toujours un bon début. J’aime le faire de cette façon :

    • Groupe Kick : Ce groupe est fait pour contenir les différentes couches de vos kicks ; la meilleure façon de faire un kick complet est d’avoir jusqu’à 3 couches, mais cela sera géré par la macro du groupe qui utilise la compression et la saturation. J’ai créé une autre petite macro pour vous aider à booster votre kick avec un générateur de sub et un transient. J’ai inclus quelques sons de ma collection pour vous, mais n’hésitez pas à en ajouter d’autres. Si vous équilibrez le tout correctement, vous aurez de beaux kicks chauds et percutants.
    • Bass/basses fréquences : Ce groupe est essentiellement le même que pour les kicks, mais à utiliser pour les basses fréquences. Incluez les différentes couches de votre basse (sub/mid), et je vous encourage à inclure aussi tout ce qui est en dessous de 200hz comme les toms, synthétiseurs et pads. La macro de ce groupe aidera à les équilibrer.
    • Percussions : Tout ce qui est percussif, bongos, claps, snares et sons synthétiques percussifs. Ce groupe peut être bien rempli, alors n’ayez pas peur d’ajouter plusieurs nouvelles pistes dans le groupe lui-même.
    • Hihats : Hats ou tout ce qui est régulier dans votre groupe, une partie importante de votre groove peut être mise dans cette zone. Dans mon cas, j’inclus parfois les snares. Notez qu’il n’y a pas de manière exacte pour répartir les éléments dans Percussions &amp Hihats. L’expérimentation peut donner des résultats intéressants.
    • Groupes mélodiques : Ces deux groupes travaillent main dans la main. L’un est pour tout ce qui se trouve en arrière-plan et l’autre est pour les éléments mélodiques placés en avant. La façon dont les macros fonctionnent vous aidera à positionner correctement les sons et à en tirer le meilleur parti. Essayez de jouer avec les différents boutons pour voir comment ils influencent les groupes.

    Notez que j’applique un filtre passe-haut sur ces groupes alors n’hésitez pas à faire varier la courbe, cela peut parfois influencer le son d’une bonne manière.

    Les trois bus sont très intéressants une fois que vous avez fait les niveaux de vos groupes. Par exemple, vous voulez trouver la meilleure relation entre la basse et le kick qui sont routés ensemble. Une fois qu’ils sont équilibrés, le bus vous permet de contrôler les basses et les kicks en même temps ; ceci peut vous aider à décider plus facilement du ton de votre piste en déplaçant le bus vers le haut ou vers le bas.

    J’ai également inclus une piste de référence pour vous rappeler d’utiliser une track comme repère ou modèle. Les tracks de référence sont très bien pour vous inspirer des morceaux que vous aimez et que vous aimeriez utiliser dans votre mix.

    Les différents Sends sont des outils simples pour simplement booster ou ouvrir votre son. Les Sends sont vraiment destinés à la finition du mix et sont faits pour être utilisés aussi délicatement que possible ; la subtilité peut aussi rendre les choses intenses.

    Merci à tous ceux qui ont fourni des commentaires pour le développement de ce template ; je suis ravi de pouvoir aider et prendre du plaisir à faire de la musique !

    Cliquez ici pour télécharger gratuitement ce template Ableton :

    Template Ableton pour mix 2.0 (Ableton Live 11.3+)