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Le traitement Mid/Side expliqué

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Souvent, lorsque j’écoute des morceaux publiés dans mon groupe de coaching, je remarque que le traitement mid/side (milieu/latéral) est souvent très mauvais. L’absence d’un mixage M/S solide rend l’ensemble du mix mince et muddy, plutôt que large et net. C’est souvent le M/S qui fait la différence entre un mixage correct et un mixage exceptionnel. C’est pourquoi il nous a semblé pertinent d’écrire un article sur ce qu’est le traitement mid/side et sur la manière dont les producteurs peuvent y parvenir dans leur mix. Par conséquent, sans plus attendre, voici le traitement Mid/Side expliqué.

 

Qu’est-ce que le traitement Mid/Side?

Qu’est-ce donc que le traitement Mid/Side? En gros, si vous voulez un mixage qui sonne large, vous allez devoir vous concentrer sur le traitement mid/side. Souvent, ce type de mixage sonne « mieux » pour l’auditeur et permet au producteur d’intégrer plus d’éléments sonores dans son mixage, sans que celui-ci paraisse surchargé. Bien qu’un mixage à sonorité large puisse être obtenu par le biais d’un grand nombre de processus stéréo et de panoramiques différents, le traitement mid/side est une stratégie qui permet d’y parvenir et de créer un mixage dans l’espace.

 

Le Mid dans le traitement Mid/Side expliqué

La partie « mid » (milieu, au centre) du traitement mid/side est fondamentalement mono. Il s’agit des sons qui se trouvent au centre du mix. Les kicks, les snares, les mélodies entre 200 et 500 Hz (comme un pad) et tout autre son « statique » peuvent, et doivent souvent, être placés au milieu. Bien sûr, il y a des exceptions artistiques, mais c’est une bonne règle de base.

De même pour les basses en dessous de 100 Hz. C’est la meilleure pratique. Pourquoi? Si vous pressez un vinyle et que les basses sont en stéréo, l’aiguille va sauter. De plus, dans les clubs, ils effectuent une addition en série, où tout ce qui est en dessous de 100 Hz sera additionné en un signal mono. Mais si votre basse est en stéréo, et qu’elle est additionnée, elle peut rendre silencieuses les parties du mixage qui sont en phase.

 

Le Side dans le traitement Mid/Side expliqué

Le canal Side (latéral, sur les côtés) correspond aux extrémités du mixage. Remarque : à ne pas confondre avec le panning, qui permet de déplacer les sons spécifiquement dans le champ stéréo gauche ou droit. Le traitement Side est strictement situé à l’extrême droite, ou à l’extrême gauche, et est techniquement un signal mono.

Lorsque l’amplitude du Side est augmentée, l’auditeur entend un son plus large et plus complet. Une bonne façon de l’utiliser est d’augmenter la largeur des Leads, ou de déplacer stratégiquement un bus de percussion sur les côtés d’un mixage pour créer une expérience d’écoute plus complète.

Vous pouvez même faire preuve de créativité en élargissant certaines parties du mixage à différents intervalles du morceau. Par exemple, lorsque le refrain arrive, vous pouvez élargir les pistes pour lui donner plus de présence, ce qui le rend plus expressif pour l’auditeur.

Les pads sont également parfaits sur les côtés, puisque c’est un son qui vous « enveloppe », en quelque sorte. Les autres choses qui fonctionnent bien sur les côtés sont les bruits de fond, comme les enregistrements de terrain, ou les ambiances bizarres — ces choses fonctionnent bien sur les côtés, elles ne sont pas présentes. Seuls les éléments présents devraient être au milieu. Toutes les percussions décoratives peuvent techniquement se retrouver sur le côté – les hi-hats swinguants, les hits divers et variés, etc.

 

Le traitement du Side peut provoquer des problèmes de phase

Après avoir expliqué le traitement M/S à de nombreux débutants, il est normal qu’ils se mettent à l’utiliser. Cependant, le traitement du Side peut révéler l’un des ennemis les plus redoutables de la musique électronique : les problèmes de phase. En gros, la phase se produit lorsque vous avez deux sons identiques, de part et d’autre du champ stéréo, qui s’annulent mutuellement. Cela signifie que nous devons être judicieux avec les sons que nous plaçons sur les côtés. En général, « less is more » est une bonne approche pour la phase, car il y a moins de chances que les fréquences s’annulent.

 

Comment corriger la phase

Si vous voulez corriger la phase tout en gardant les éléments en stéréo, l’astuce consiste à faire en sorte qu’un des sons se révèle immédiatement l’un après l’autre, afin qu’ils ne soient pas en phase. Cela peut être fait avec un délai très court. Une fois réglé, le son se produira perceptiblement au même moment, mais sera légèrement retardé, ce qui permettra à l’autre son d’apparaître derrière l’autre et d’être entendu.

Une façon plus immédiate et définitive de corriger la phase est de rendre le son plus mono. Il existe un outil que vous pouvez utiliser, appelé SPAN. Ce plug-in vous permet de voir en jaune, le mono, et en rouge, le signal latéral. Lorsque le rouge dépasse le jaune, vous devez le réduire. L’outil que vous utiliserez pour résoudre ce problème est le plug-in Utility, natif d’Ableton. Vous pouvez contrôler la largeur (Width) dans celui-ci. Si vous voulez que ce soit plus mono, il suffit de régler la largeur vers le bas, puis d’augmenter le volume. 

mid side processing can be explained well with the VST SPAN. Here's a photo of it.

Cependant, disons que vous avez un signal purement mono auquel vous voulez ajouter une subtile largeur stéréo. Certains effets peuvent avoir un impact sur ce point. Vous pouvez utiliser une réverbération avec un faible decay (sinon elle sera trop forte).

Vous pouvez également utiliser un chorus. Eventide a créé un harmonizer qui est magnifique pour cela. Il s’agit de deux delays — gauche et droit — et lorsque vous jouez avec le delay de l’un et de l’autre, cela crée un signal/une forme bizarre, et vous pouvez ensuite jouer avec le wet/dry pour ajouter des degrés de stéréo. Cependant, si vous n’avez pas l’argent, vous pouvez utiliser le echo delay et contrôler le gauche-droit. Avec un délai très court, vous pouvez créer un peu plus de phase et de largeur que vous pouvez ajuster en jouant avec l’ouverture et la fermeture.

 

L’égalisation en mode Mid/Side est un incontournable

À mon avis, tous les égaliseurs devraient être faits en mode M/S. Parfois, les gens entendent des choses qu’ils n’aiment pas dans le mixage, et si vous coupez simplement, vous coupez la gauche et la droite en même temps. Cependant, il arrive que vous souhaitiez qu’un son soit égalisé différemment, en fonction du canal dans lequel il se trouve.

Par exemple, disons que vous avez un synthé dans votre canal gauche, et qu’il n’existe pas autant dans votre canal droit. Lorsque vous placez une percussion décorative, il y aura très probablement un croisement dans le panning.

Mais puisque le synthé est principalement dans le canal gauche, la percussion dans le canal gauche va devoir être égalisée différemment pour ne pas entrer en conflit avec ce synthé. Cependant, puisqu’il y a tout cet espace ouvert dans le canal droit, il n’est pas nécessaire d’égaliser certaines des fréquences, permettant à ce son de mieux s’exprimer.


Fabfilter ProQ3 vous permet d’entrer facilement en mode M/S pour l’égalisation, et de faire des coupes précises dans le son. Si vous n’avez pas ProQ3, vous pouvez aussi délier la gauche et la droite dans Ableton. Sur l’EQ8, il y a un mode appelé stéréo, mais vous pouvez dissocier gauche/droite en cliquant sur edit et en sélectionnant gauche ou droite. Vous pouvez également passer en mode M/S (Mid/Side), où vous pouvez éditer soit le milieu, soit le côté, ou encore traiter la gauche et la droite indépendamment. Lorsque vous faites cela, votre son paraît plus organique, car vous ne coupez pas à un seul endroit. 

A photo of ProQ 3 which has a mid/side processing mode.

D’autres plugins qui ont un impact sur la largeur et la phase :

 

Panman

mid side processing explained through the vst Panman. This is a photo of that VST.

 

 

 

 

 

 

 

 

PanMan ouvre vraiment toutes les possibilités du panning. Tout d’abord, il s’agit d’une émulation matérielle, qui permet aux producteurs d’imiter le style du matériel de panoramique vintage. Vous pouvez également déclencher le panning si la piste atteint un certain paramètre. L’automatisation vous permet de générer des rythmes complexes et des effets étonnants.

 

Microshift 

This is an image of Microshift, a great plugin for modifying your stereo field

Besoin de largeur? Eh bien, Microshift en a à revendre. Il vous offre 3 types distincts d’élargissement stéréo en appuyant sur un seul bouton. Il utilise un algorithme spécifique pour décaler le pitch et ajouter du retard à votre son, qui se transforme au fil du temps pour générer une largeur stéréo brillante. Il est très facile de jouer avec et peut être utilisé pour donner plus de saveur aux instruments, ou créer de beaux mélanges.

 

MStereoGenerator

an image of MStereoGenerator, an excellent plugin for stereo imaging

Avec MStereoGenerator, vous pouvez convertir des enregistrements mono en stéréo (ou même en surround). MStereoGenerator est un expandeur mono vers stéréo (ou même surround) unique et naturel, qui donne à vos pistes un son plus large, plus fort et plus percutant.  Il est particulièrement efficace pour les instruments acoustiques.

 

Panshaper 3 DE Cableguys

An imagine of Panshaper, which allows you to do crazy stuff with MS Processing and panning.

PanShaper 3 donne une autre dimension au contrôle de votre champ stéréo. Le LFO en temps réel, qui peut être dessiné sur chaque bande, et le suiveur d’enveloppe vous permettent de concevoir des modèles de panoramique dynamiques et évolutifs et de réaliser des modifications stéréo en quelques secondes.

 

Energy Panner

an image of Energypanner which allows for dynamic panning responsiveness to inputs

Energy Panner réagit à l’intensité du son en se déplaçant en fonction de celle-ci. Une batterie qui bouge sur le rythme, des notes de synthé qui se déplacent sur l’attaque, et bien d’autres comportements sont possibles. Que ce soit en stéréo ou en Dolby Atmos, Energy Panner est un plug-in dont vous ne devriez pas vous passer.

 

Width Shaper 2 DE Cableguys

an image of the vst WidthShaper 2 which allows for amazing stereo mid/side processing.

Avec WidthShaper 2, vous pouvez régler votre image stéréo dans les moindres détails. Avec trois bandes de réglage stéréo mid/side, chacune dotée de son propre LFO et suiveur d’enveloppe pouvant être dessiné, vous pouvez obtenir un contrôle précis du son. Il est parfait pour la conception sonore, le mixage et le mastering, et peut être utilisé sur des pistes individuelles et des bus.

Une fois qu’on vous aura expliqué le traitement mid/side, vous verrez que la stéréo ne se limite pas à la gauche et à la droite. Avec l’égalisation M/S, vous pouvez couper de manière chirurgicale dans les sons et les faire s’adapter précisément dans un mixage. Vous pouvez étendre et rétracter les sons à différents endroits de votre mixage, créant ainsi des effets illusoires, presque psychédéliques, dans la musique qui sont presque inexplicables, puisqu’ils sont mieux décrits comme de l’espace que de la musique.

Cependant, avec ce pouvoir, vient la responsabilité de ne pas déphaser vos sons, et de ne pas détruire le punch de vos chansons. Garder à l’esprit l’espace et la façon dont les sons sont liés les uns aux autres est une compétence primordiale dans la production musicale, et un aspect souvent négligé.

Je comprends que cela puisse être compliqué. Si vous avez besoin de coaching ou si vous voulez simplement me déléguer ce processus, je suis disponible pour vous aider. Découvrez tous mes services ici.

Comment choisir vos EQ et les utiliser (Pt. I)

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Les gens me demandent souvent mon avis sur les meilleurs plug-ins audio, et il n’y a aucun doute qu’investir dans des égaliseurs et des compresseurs de qualité est l’une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour la conception sonore et le mixage. Vous pouvez faire des choses assez étonnantes rien qu’avec l’égaliseur et la compression, mais bien sûr, vous devez comprendre vos outils pour en tirer le meilleur parti. Dans cet article, je propose quelques exercices, conseils, ainsi qu’une couverture des principaux outils que j’ai rassemblés au cours des dernières années accompagnée de mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’EQ.

Les types d’égaliseurs

Il existe de nombreux types d’EQ et je crois que certains sont plus importants que d’autres. Il m’a fallu un certain temps pour comprendre comment les utiliser pleinement et comment choisir le bon pour des situations spécifiques. Ce sujet est en fait si vaste et si complexe que je pourrais faire une série d’articles sans jamais arriver au bout. Je vais essayer d’éviter d’être trop technique et je vais les expliquer en termes simples pour que tout le monde puisse comprendre.

La façon dont j’aborde les EQ est basée sur différentes actions :

  • Correction. Parfois, un son aura une partie qui sera agressive et ennuyeuse. Je corrigerai la situation en repérant où il semble y avoir un problème, puis je couperai les fréquences. Les coupes correctrices ne sont généralement pas trop étroites (Ex. Q de 3)
  • Chirurgical. Une résonance dans un son vous fait mal aux oreilles et cela nécessite une coupe très étroite. (Q de 6-8+).
  • Ajustements de tonalité. Un égaliseur peut être utilisé pour effectuer des changements de tonalité, par exemple pour décider si vous voulez que votre piste soit plus puissante ou plus claire en augmentant les graves ou les aigus.
  • Coloration. Certains égaliseurs ne sont pas transparents et apporteront une touche musicale aux changements qu’ils apportent. Cela ajoutera de la personnalité.
  • Coupures larges. Le contraire de chirurgical, où le Q rendra la courbe très large. Il fait des changements très subtils, quelque peu tonaux, un peu colorés et parfois un peu correctifs. Essayez-le à différents endroits sur un son et observez les changements.

ASTUCE : L’oreille humaine entendra une différence notable si vous coupez de 3-4 dB minimum. Si vous coupez 6 dB, ce sera assez évident.

Les principaux types d’égaliseurs sont :

  • Graphique/Fréquences fixes. Influencés par les anciens modèles et le premier égaliseur, les fréquences auxquelles vous aurez accès sont fixes et ne pourront être modifiées. Pour beaucoup de ces modèles, les fréquences sont basées par octave, mais certaines compagnies auront leur propre manière de décider lesquelles sont utilisées.
  • Paramétrique. Un égaliseur très populaire est le Q2 de Fabfilter qui vous permet d’ajouter un point n’importe où et de pouvoir ensuite façonner étroitement ce que vous voulez couper ou amplifier.
  • Shelving/Bande. C’est une partie du spectre qui sera touchée. Par exemple, sur les consoles de mixage DJ, les 3-4 boutons d’égalisation sont essentiellement des shelves de fréquences qui sont modifiées.
  • Dynamique. Celui-ci est avancé. Vous pouvez « commander » un point de votre EQ pour réagir en fonction de certaines conditions. Par exemple, si vous avez un enregistrement de batterie, vous pouvez ordonner que les aigus descendent de 3-4 dB si les cymbales frappent trop fort. Très pratique !

ASTUCE : Si vous aimez le son de l’analogique, vous voudrez peut-être creuser dans la suite d’Universal Audio qui fait l’émulation de pièces d’équipement classiques. La fidélité de la reproduction est absolument époustouflante !

Faisons maintenant quelques associations pour comprendre quel EQ fait quoi :

  • Les coupes chirurgicales et les coupes larges se font principalement à l’aide d’égaliseurs paramétriques. Ce type d’égaliseur vous permettra d’identifier précisément les fréquences indésirables, puis de les couper ou de les amplifier comme vous le souhaitez.
  • L’égaliseur correctif peut également être paramétrique, mais aussi graphique. Une correction peut avoir besoin de précision, mais parfois, ce n’est qu’un moyen de réaligner la courbe du son, ce qu’un égaliseur graphique peut faire facilement.
  • Ajustements de tonalité. Ceci se fait avec des shelves et des EQ à bande.
  • Coloration. Il s’agit essentiellement de fréquences fixes, mais si vous recherchez une émulation analogique ou des égaliseurs qui fournissent un type de saturation, alors vous obtiendrez également des couleurs et une personnalité.

Mes plug-ins d’égalisation préférés

Voici mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’égalisation qui sont des outils précieux à avoir dans votre arsenal. J’ai également inclus des solutions alternatives pour petit budget avec des EQ similaires.

1. Fabfilter ProQ2 (Chirurgical, Coupes larges, Correction, Tonal)

Ce plug-in semble avoir trouvé sa place dans la boîte à outils de nombreux producteurs, surtout parce qu’il peut faire à peu près tout cela. Qu’il s’agisse de courbes complexes, de retouches sur les shelves ou de copier la fréquence d’un son pour l’appliquer à un autre… les façons d’utiliser cette bête sont si nombreuses que vous devrez regarder un tas de tutoriels pour en découvrir toutes les fonctionnalités cachées.

Alternative budgétaire : TDR Nova GE par Tokyo Dawn

2. Electra de Kush Audio (Shelving, réplique analogique)

Peu connu des masses, mais cet EQ est une merveille absolue à avoir sous la main. Je l’utilise dans tous les mixages que je fais et les résultats sont toujours étonnants. Un peu difficile à prendre en main, car l’interface graphique est un peu bizarre, mais même si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, elle façonne le son d’une manière qui le fait ressortir et lui donne de la chaleur.

Alternative budgétaire : RetroQ de PSP

3. BX_Hybrid V2 de Brainworx (Correction, shelving)

Je ne pense pas qu’il y ait un autre plug-in capable de produire les mêmes résultats. Pas aussi polyvalent que le ProQ2, mais ce qui le distingue, c’est qu’il coupe le son en douceur et lisse les choses. Quand j’ai des gens qui étudient le mixage avec moi, je leur demanderais toujours d’acheter celui-ci comme le tout premier EQ à avoir et à utiliser.

Alternative budgétaire : Voxengo Prime EQ

4. Passive EQ par Native Instruments (Shelving, correction, couleur)

Cette émulation du célèbre égaliseur Massive-Passive de Manley est une bombe. J’adore le placer dans un bus avec tout mon contenu mélodique et le transformer en quelque chose qui, comme par magie, devient organique et chaleureux. Il nécessite un peu d’exploration, mais lorsque vous aurez mis la main dessus, vous aurez toujours envie de l’utiliser. Je le trouve assez puissant pour la conception sonore comme moyen de donner de la chaleur dans les basses fréquences.

5. F6 Floating band dynamic EQ de Waves.

Je ne suis pas un grand fan de Waves et de leurs tactiques agressives de vente, mais ce plug-in est vraiment utile. Comme décrit ci-dessus, avec un égaliseur dynamique, vous pouvez apprivoiser certaines fréquences qui se produisent de façon aléatoire. Le problème avec un égaliseur statique, c’est que vous couperez en permanence une fréquence, donc si ce que vous essayez de couper n’est pas toujours là, vous pourriez couper quelque chose qui n’a pas besoin d’être ajusté. C’est pourquoi vous pouvez avoir plus de contrôle avec un égaliseur dynamique. Celui-ci est également très facile à utiliser si vous êtes familier avec le concept et le fait que vous pouvez l’utiliser en MS le rend très polyvalent. Pas aussi facile et fantaisiste que celui de Fabfilter, mais il en fait plus, d’autres façons. Attendez que le prix baisse, vous pourriez l’obtenir autour de 29 $-49 $ si vous êtes assez patient.

Dans le prochain article, j’irai plus en détail dans mes plug-ins préférés et j’expliquerai aussi certains moyens pour en tirer le meilleur parti.



Voir aussi :

Les meilleurs plugins d’égalisation et divers conseils (Pt. II) 

Comment réinventer votre musique?

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Si vous trouvez que toutes vos pistes commencent à se ressembler, il y a plusieurs façons de réinventer votre son. Il y a quelque temps, j’ai écrit un article sur le fait que nous avons parfois l’impression que notre musique finit toujours par sonner de la même façon. J’ai fait un test avec des amis et je leur ai demandé d’importer leurs 10 derniers morceaux dans Ableton Live pour comparer les formes d’onde de chacun des morceaux. Visuellement, cela révèle immédiatement si leurs structures sont les mêmes. Par exemple, certaines personnes introduisent toujours les hats après 4 mesures et mettront en pause kick juste avant. D’autres mettront une première pause après 2 minutes, puis une autre à peu près au même endroit à chaque fois. Nous avons des habitudes et des préférences dans la musique ; il est possible de finir par suivre le même chemin avec chaque piste.

Si vous prenez la production musicale au sérieux, vous voudrez porter une attention particulière à la façon dont vous présentez votre art. Si vous vous en tenez toujours aux mêmes routines et habitudes, vous pourriez avoir de la difficulté à garder les choses intéressantes, surtout si plusieurs labels veulent travailler avec vous. Discutons de quelques points importants pour améliorer votre son, sans perdre la signature sonore que vous avez peut-être déjà développée.

APPRENEZ D’ABORD À VOUS CONNAITRE

Vous ne pouvez pas changer ou vous réinventer si vous n’êtes pas conscient de vos routines. Que voulez-vous changer ou améliorer dans votre son ? Parfois cela semble évident, mais d’autres fois, il est important de répondre à cette question. Il y a deux façons principales de répondre à cette question, mais vous devrez d’abord rassembler tous les morceaux que vous avez faits au cours des derniers mois et les écouter (ou demander à un ami de les écouter, ce qui peut être mieux, car il n’y aura pas de biais) pour déterminer les points communs qu’ils partagent.

Une autre façon, et c’est ce que je fais, c’est d’ouvrir vos derniers dossiers de projet et de regarder les arrangements. Il y aura quelque chose que vous pourriez faire régulièrement et qui doit changer. Une fois que vous le savez, la meilleure chose à faire est de commencer à prendre des notes dans le projet lui-même en mettant des marqueurs là où vous avez tendance à faire une chose spécifique. Mettez autant de marqueurs que possible, puis supprimez le contenu et faites de ce nouveau projet votre modèle de départ pour vos futurs projets.

Vous utilisez toujours le même kick ? Les mêmes samples ? Le même synthétiseur ? Réverbération ? Si vous utilisez toujours les principaux effets inclus dans votre DAW, n’oubliez pas que des milliers d’autres personnes utilisent également ces effets, et il est peut-être temps d’effectuer une mise à niveau vers de nouveaux VSTs : certains sont très abordables. Ce qui est très intéressant, c’est que parfois nous ne nous rendons pas compte que nous utilisons les mêmes samples. Si vous utilisez des appareils analogiques, cela pourrait devenir un problème à moins que vous n’ajoutiez un peu de couleur ou de personnalité à vos sons. Les machines sont souvent limitées à ce qu’elles peuvent faire et dépendront de l’aide extérieure.

Par exemple, si vous utilisez toujours le même type de kick ou de claps, vous pouvez peut-être commencer à le superposer avec quelque chose d’autre.

ASTUCE : C’est la partie la plus longue du processus, mais elle sera payante — utilisez des amis pour recueillir des commentaires intensifs ou notre groupe Facebook.

CHERCHER L’INSPIRATION

C’est la partie amusante et cela demande un peu d’ouverture d’esprit. Je vous encourage à faire ces choses :

  • Quelles sont vos principales inspirations musicales ? Quels artistes aimez-vous ? Essayez de découvrir ce qui les inspire ou qui les inspire. C’est peut-être un artiste inconnu ou quelque chose de complètement différent. Par exemple, Bruno Pronsato est un ancien batteur de rock et cela a eu une grande influence sur lui. Il arrive souvent que certains artistes s’inspirent d’une musique très différente de celle qu’ils font eux-mêmes.
  • Essayez d’écouter de la musique sélectionnée au hasard. Cela peut provenir de la radio que vous écoutez ou de Spotify. Il y a aussi un plug-in VST nommé Radio qui est assez cool pour ça. Il vous permet de diffuser la radio directement dans votre DAW et de l’enregistrer — une source inépuisable d’idées. Il offre également des canaux aléatoires à écouter.
  • Retourner au oldschool. Si vous manquez d’idées, essayez d’explorer différentes époques comme les années 80, 70, etc. Vous pouvez aussi plonger dans le vaste monde du jazz, du hip-hop, du folk, de la musique du monde ou du rock indie pour n’en nommer que quelques-uns. Créez-vous une liste de lecture et notez quelques idées que vous aimez et voyez en elles.

La question la plus importante à se poser quand on écoute d’autres musiques est de se demander ce qui a rendu cette chanson célèbre. Est-ce la qualité de la voix du chanteur ? Une technique innovante ? Une certaine utilisation de l’effet ? Chaque chanson a une histoire et il peut être très perspicace de comprendre ce que c’est.

ASTUCE : Si vous manquez d’idées, plongez dans l’électroacoustique, la Musique concrète ou le Free Jazz. Il faut parfois s’accrocher, mais c’est plein d’idées novatrices.

PENSEZ MODULAIRE

Reaktor de Native Instruments

Je ne parle pas ici de synthés modulaires — quand je dis « penser modulaire », je veux dire qu’il est temps de devenir un maître de la création dans Ableton. Voici quelques suggestions d’outils qui peuvent vous aider à vous améliorer :

  • Reaktor. Reaktor est un monstre. Si ce n’est pas déjà fait, jetez un coup d’œil à la démo de Native Instruments pour l’essayer. Ce sera intimidant au début, mais c’est payant, créativement parlant. Il y a une énorme communauté d’échange de patches faits avec et la série blocks est une bonne alternative et une introduction aux synthés modulaires. Ce qui est cool, c’est de trouver des outils gratuits qui peuvent être attachés ensemble et reconstruits en instruments de votre choix. Beaucoup d’artistes aiment construire un patch qui devient l’outil dans leurs 5-10 pistes suivantes, puis il évolue vers autre chose. La force de Reaktor est qu’il peut être utilisé comme synthétiseur ou comme effet.
  • MXXX.

    MXXX de Melda Production

    MXXX est pour les effets. Il est très, très puissant, car vous pouvez créer une chaîne complexe d’effets dans un seul espace, puis automatiser plusieurs effets à la fois. Je suis plutôt accro à cet outil pour la conception sonore, mais aussi pour le mixage où je peux résoudre certains problèmes.

  • Reason. Reason (DAW) a une approche plus visuelle et des sons incroyablement étonnants. Il y a quelque chose de très ludique à ce sujet en plongeant des câbles virtuels dans l’interface utilisateur. La dernière version est tout simplement exceptionnelle et a remporté des prix en 2017. Associez-le à Ableton pour unir vos forces. Ableton peut envoyer des notes à Reason et vous refaites passer le son dans votre projet.
  • Bitwig. Je trouve que ce DAW est très avancé et si vous êtes nouveau dans la production musicale, ce sera un défi d’apprendre à l’utiliser. Comme il est très similaire à Ableton, la transition est assez fluide. Je trouve que la façon dont les plug-ins fonctionnent ensemble est extrêmement créative et facile, sans tuer le CPU. Vous pouvez ajouter des randomizers et des LFOs à peu près n’importe quoi et pour cela seul, cela vaut la peine de l’essayer. Je passe souvent sur Bitwig pour la conception sonore avancée.
  • Goodheartz. Goodheartz est une collection de plug-ins super sympas. Il y a beaucoup d’options modulaires, mais j’aime celles-ci en raison de leur haute qualité et du fait qu’elles ne poussent pas trop fort le CPU.
  • Modular de Softubes. Ce plug-in est l’intermédiaire le plus impressionnant par rapport aux vrais synthés modulaires. Vous avez l’équivalent logiciel du matériel réel, un peu comme la version Universal Audio des outils de mixage matériel.
  • VCV.

    VCV Rack (credit : VCV website)

    VCV est le nouvel hype – un environnement libre et open source ainsi qu’une interprétation des composants matériels. Il demande un temps d’apprentissage, mais les résultats sont amusants et il vous sortira certainement de votre zone de confort.

CONSEIL : Abusez des démos et des versions d’essai ! Essayez tout, enregistrez toutes vos sessions et utilisez-les comme fichiers wav dans un projet. Les plug-ins qui sont les plus excitants devraient être ajoutés à votre liste d’achats.

COLLABORER

La collaboration est la plus importante pour vous aider à rompre avec vos habitudes. Si vous pouvez trouver quelqu’un qui vit à proximité et à qui vous pouvez rendre visite pour produire en studio, traîner, écouter de la musique et parler de production, cela vous apportera beaucoup d’idées fraîches. Ne vous limitez pas aux personnes qui font la même musique que vous. Il peut s’agir d’un guitariste ou d’un chanteur. Parfois, si vous pouvez essayer de travailler sur une nouvelle chanson avec quelqu’un d’autre, cela fera travailler votre esprit créatif et l’obligera à explorer des techniques auxquelles vous n’avez peut-être jamais été exposé. La collaboration en ligne est également très rafraîchissante. Trouvez des gens sur Soundcloud et voyez si vous pouvez vous lier d’amitié avec eux pour éventuellement travailler avec eux, ou les remixer. Il peut s’agir de quelqu’un dans un domaine qui est totalement hors de votre zone de confort.

Principes importants de production musicale

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En tant que manager de label ou en tant que prof qui donne régulièrement des feedbacks (rejoignez notre groupe Facebook si vous êtes intéressé!), j’ai réalisé que je n’écoute pas la musique comme tout le monde : je base mon écoute sur certains principes de production musicale. Il y a un certain nombre de choses qui attireront mon attention et que la plupart des gens ne remarqueront pas vraiment. J’écoute un certain nombre de principes qui font que — selon mes goûts — une musique est riche, mûre et profonde. Beaucoup de labels recherchent la musique qui se vendra, mais je suis plus intéressé par une musique innovante, ce qui pour moi vient du travail de conception impliqué dans la chanson.

Pourquoi l’innovation en premier ? Je préfère marcher sur de nouvelles terres plutôt que de release quelque chose de bateau. Cela ne paie peut-être pas, mais la gratification différée est plus grande et je peux ainsi attirer des esprits créatifs, qui sont mes personnes préférées.

Je lisais sur le design visuel et j’étais plutôt intéressé par le fait qu’il s’apparente à la production audio. J’ai compilé quelques principes de base de la production musicale qui s’appliquent à la fois à la sphère audio et à la sphère visuelle.

L’ÉQUILIBRE

L’équilibre peut être atteint de différentes manières : du champ stéréo à l’équilibre mid/side, ou encore l’équilibre entre les basses et les hautes fréquences. J’aime entendre comment l’équilibre a été conçu et exagéré — l’emphase d’une zone qui se déplace vers une autre. Je veux sentir que l’artiste joue avec l’équilibre, ou montre qu’il peut proposer un décalage d’équilibre pendant toute la durée de sa chanson. L’équilibre est pour moi, l’umami de l’audio, et je veux faire l’expérience de quelque chose qui me semble plein.

ASTUCE : Dans la dernière étape de l’arrangement, essayez de vérifier chaque zone (gauche/droite, mid/side, fréquences basses, médiums, aiguës) pour voir comment elles sont liées les unes aux autres.

LE CONTRASTE

Celui-ci est un peu délicat. Comment appliquer un contraste en audio ? Cela peut être dans la façon dont vous sélectionnez vos sons par exemple. Peut-être avoir un certain nombre de sons qui ont une attaque très forte par rapport à d’autres qui sont doux. Peut-être un contraste de volume, de compression, d’harmoniques ou de simple vs très détaillé. Lorsque vous apportez un certain nombre de sons ou de mélodies, pensez à la façon dont chacun d’entre eux peut varier. C’est utile, car cela peut élargir votre palette de sons ou les faire évoluer vers autre chose. Un de mes contrastes préférés est celui entre les sons texturés et ceux qui sont lisses ; un autre type de contraste que j’aime entendre est une distinction entre le brut et le subtil sur certains éléments.

ASTUCE : Essayez d’importer deux échantillons à la fois qui sont très différents. Ex. 2 claps, l’un brillant et l’autre brut, puis passer de l’un à l’autre pour créer du contraste.

L’EMPHASE

Quel est l’élément qui devrait attirer votre attention en premier ? C’est, dans la conception, le point focal de votre œuvre d’art et dans l’audio, la mise en avant d’un son poussera l’auditeur à embarquer. C’est généralement dans les fréquences moyennes, juste en face de vous. Il est rare que votre élément clé soit déplacé vers la droite et si c’est le cas, ce sera vraiment déroutant tout au long de la chanson. Une bonne façon de créer un point focal sera de décider ce qui sera à l’avant et ce qui sera à l’arrière.

ASTUCE : Utilisez un élément principal en mono et égalisez les médiums un peu plus fort pour le pousser vers l’avant. Regroupez tous les sons à placer à l’arrière, là où vous diminuez légèrement les médiums en mode mid/side.

LE MOUVEMENT

J’en parle beaucoup dans ce blogue et si vous n’avez pas consulté certains des articles passés sur la façon d’obtenir plus de mouvement dans vos pistes, je vous invite à y jeter un coup d’œil. Le mouvement est l’une des parties les plus importantes des arrangements musicaux. Le mouvement, c’est la vie, rien de moins. Quand la musique est statique, elle est morte, ennuyeuse, redondante, synthétique d’une mauvaise manière, et terriblement aliénante. Vous avez besoin que votre son bouge dans l’espace, dans le champ stéréo ainsi qu’en haut et en bas — il y a tant de façons d’obtenir du mouvement.

ASTUCE : EQ, auto-pan, compression, filtres sont vos meilleurs amis pour le mouvement.

PATTERN (MOTIF)

Les idées et les accroches dépendent toujours d’un motif précis. La prochaine fois que vous écouterez votre chanson préférée, essayez de déterminer le motif de la chanson. Parfois c’est simple, parfois ce sont des motifs multiples qui sont superposés. Maintenant, le motif est plus que la percussion ; c’est l’ordre des éléments qui réapparaissent tout au long de la chanson. Dans la techno, il y a un micro motif (par exemple à l’intérieur d’une barre) qui fait partie d’un motif beaucoup plus grand. Le décoder, c’est un peu comme lire du morse. Mais l’un des points clés des motifs, comme l’explique Miles Davis, est de comprendre l’importance du silence parce que c’est ce qui les crée.

ASTUCE : Lors de la création d’un motif, essayez d’ajouter des idées supplémentaires aléatoires en utilisant l’effet MIDI d’Ableton, « Random ». Avoir un motif en développement peut faire des merveilles sur la timeline d’une chanson très simple.

LE RYTHME

C’est la suite logique du principe du pattern (motif), car ils vont de pair, mais sont légèrement différents. J’aime voir le rythme comme tout ce qui amplifie le flow du motif que vous avez créé. Les templates de groove d’Ableton sont particulièrement liés au rythme et au swing. Mais surtout, une chose à comprendre est la transition d’une section à l’autre, ainsi que ce qui est régulier ou irrégulier. Vous pouvez avoir un motif très simple, presque ennuyeux, mais avec un rythme impeccable, vous pouvez le rendre très engageant pour l’auditeur. Cependant, cela ne fonctionne pas dans l’autre sens ; un rythme médiocre transformera un bon pattern en déchet.

ASTUCE : Essayez de DJer vos morceaux à différentes étapes de la production. Vous pouvez étirer votre idée/concept jusqu’à 5-6 min et voir comment ça sonne, mixé en tant que DJ. Bien sûr, mixez-le avec quelque chose dont vous aimez le rythme et voyez comment le vôtre s’intègre.

L’UNITÉ

C’est la touche finale d’une chanson : « s’assurer que tous les éléments marchent bien ensemble ». Parfois, j’entends de la musique et j’ai l’impression qu’il y a quelques sons qui ne fonctionnent pas du tout. Peut-être que cela vous est arrivé et que vous n’êtes pas sûr de ce que c’est exactement. Voici une liste rapide des éléments à prendre en considération lors de l’élaboration d’une nouvelle idée :

  • Assurez-vous que toutes les mélodies sont dans la même gamme ou dans des tonalités compatibles.
  • Utilisez l’accordeur pour vous assurer que les éléments les plus importants sont dans la gamme.
  • Ayez toujours certains sons qui sont en relation « question/réponse » avec d’autres.
  • Certain sounds should either be working together or complementing one another (eg. played at same time or shuffling).
  • Utilisez un swing/groove global pour les sons principaux.
  • Tenez-vous-en à 1-2 reverbs pour créer un espace commun.

PRINCIPE FINAL : RENDRE VOTRE TRAVAIL COMPRÉHENSIBLE, DURABLE ET DÉTAILLÉ.

Voici une devise personnelle que j’applique à l’analyse de mon propre travail :

  1. « Cette chanson est-elle compréhensible ? » Si je demande à une personne de la chanter, peut-elle se rapporter à un élément ?
  2. « Cette chanson est-elle basée sur une tendance ou bien vieillira-t-elle correctement ? » J’aime analyser les chansons que j’aime encore après 20 ans et essayer de voir ce que j’aime encore dedans. J’essaie ensuite d’appliquer le concept avec mes connaissances actuelles. Il peut s’agir d’un concept ou d’une technique.
  3. « Ai-je couvert tous les détails ? » La dernière série d’arrangements que je ferai sera de passer prudemment à travers ma chanson, une mesure à la fois pour voir si je suis au courant de tous les détails, comme le volume, les attaques, la position, etc. Tant que je ne le fais pas, la chanson n’est pas terminée.

J’espère que cela vous aidera à percevoir votre musique différemment et à créer votre musique plus efficacement !

Voir les templates comme des graines.

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En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

Arrière-plan vs premier plan pour créer de la dimension.

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Presque chaque semaine, j’ai une conversation similaire avec mes clients. En toute bonne foi, et pour faire gagner du temps à mes clients et à moi-même, j’écris cet article pour aider à répondre aux questions que beaucoup de producteurs continuent de se poser. La question de l’arrière-plan par rapport au premier plan pour créer de la dimension.

Mes clients m’envoient souvent des projets avec beaucoup de sons, ce qui, si vous me connaissez assez bien, est quelque chose dont je suis vraiment fan. Cela dit, il y a une façon de travailler avec une chanson faite de beaucoup de sons sans que les choses deviennent un peu trop lourdes.

Pendant la production de votre chanson, combien de fois l’avez-vous écoutée jusqu’au bout ? Vingt, trente fois ? Plus ? En tant qu’auteurs-compositeurs, nous devons tenir compte du point de vue de notre auditoire, qui n’entendra probablement jamais toutes les nuances et tous les détails que nous faisons. Peut-être que s’ils sont de grands fans, ils écouteront notre morceau dix fois. Avec ce nombre d’écoutes, l’impression que vous obtenez d’une chanson très chargée est similaire à celle d’une image très détaillée — vous découvrirez des idées différentes à chaque fois, mais l’image entière sera prise pour ce qu’elle est. Ce qui vous semblera être une erreur sera probablement perçu autrement par l’auditeur occasionnel.

Lorsque nous utilisons plusieurs sons différents ensemble dans un arrangement, il est impossible de les entendre tous de la même façon. En tant que producteurs, nous prenons soin du travail que nous avons mis dans notre sound design et nous commettons souvent l’erreur (moi y compris) d’essayer de donner à chaque son (grand et petit) la même importance dans l’espoir de ne rien manquer.

MÊME PENDANT L’ÉCOUTE ACTIVE D’UNE MUSIQUE SIMPLE OU COMPLEXE, IL Y A SOUVENT DES DÉTAILS SUBTILS QUE NOUS N’ENTENDONS PAS AU DÉBUT.

Ce qu’il est important de comprendre, c’est que de nombreux sons travaillant ensemble forment et créent une expérience. Certains sons ne fonctionnent que lorsqu’ils sont combinés avec d’autres pour former une couche unique, beaucoup plus forte que la somme de ses parties.

La conception sonore est une science complexe qui demande souvent des années avant d’être pleinement comprise. Pour beaucoup de producteurs, ce moment « Eurêka » vient de la compréhension que beaucoup de sons ne sont pas massifs par eux-mêmes, mais plutôt une combinaison de plusieurs sons soigneusement superposés.

Par exemple, un kick percutant peut avoir trois couches (basse, mid, hi-mid pour la mise en forme des transients). Un pad chaud et riche peut avoir des harmoniques créées à partir d’une couche d’oscillation plus forte dans les hi-mids (à l’aide d’un oscillateur carré). C’est la partie technique, mais pour quelqu’un qui n’est pas intéressé par la conception sonore et qui est purement un auditeur, il/elle expérimentera ces sons dans une langue complètement différente, mais le comprendra tout de même.

À ESSAYER : lorsque vous écoutez de la musique, forcez-vous à identifier les différentes couches de sons.

Avec la crainte que certains sons ne soient pas entendus de la même manière au repos, nous pouvons commencer à examiner comment créer des détails avec dimension et subtilité.
Ces détails sont aussi importants que chacun des sons en relief et sont nécessaires pour soutenir le ou les éléments principaux de la chanson elle-même. Voyons comment aborder cette question :

  1. Décidez de ce qu’est le noyau ou le squelette de votre chanson. Si quelqu’un doit chanter votre chanson à quelqu’un d’autre ou tenter d’expliquer de quoi il s’agit, que dirait cette personne ? En d’autres termes, la partie la plus mémorable de votre chanson est l’idée principale. Si vous enlevez cela, la chanson n’est pas vraiment là puisque la plupart des sons sont là pour soutenir cette idée principale.
  2. Dans les percussions, identifiez quels sont les principaux éléments qui soutiennent le groove et l’idée principale. D’habitude, il y a le kick, une snare/clap et un hat. Certains morceaux ont des claps multiples ou des percussions supplémentaires ici et là, mais il est important de décider quels sont les principaux sons de percussions.
  3. Les autres sons seront égalisés pour créer une dimension. Seule l’utilisation de l’EQ combinée à des changements de volume sera suffisante dans ce cas.

À ESSAYER : la prochaine fois que vous écouterez une chanson, essayez d’accorder de l’attention à tout ce qui est mixé bas dans le mix.

 

La technique de distanciation, à un niveau très simple, consiste à appliquer un filtre passe-bas/EQ sur le son. Plus votre filtre est élevé, plus le son sera fin et plus il sera repoussé. Il n’y a pas de bien ou de mal ici, mais vous devrez ajuster le volume selon vos goûts et vos sensations. Je suggérerais de compresser vos sons si vous souhaitez les rapprocher un peu.

Il s’agit d’une coupe régulière qui enlève habituellement beaucoup de mud (littéralement boue).

 

Cette coupe déplace les sons un peu plus loin que n’importe lequel des sons en avant.

 

Ce cut rend le son lointain.

 

Pour un positionnement subtil.

 

L’autre astuce serait d’utiliser la reverb mais celle-ci est à utiliser avec beaucoup de soin. Selon l’unité de réverbération, cette technique peut introduire du mud, ce que le filtre ne fera pas. Comme toujours, expérimentez et trouvez ce que vous aimez dans le processus. Vous pouvez également combiner l’astuce de l’égaliseur avec l’utilisation de la réverbération pour une meilleure sensation.

Tenez-moi au courant !

 

Voir aussi : Design et superposition dynamique du son

Rendre les sons vivants : le mouvement dans la musique électronique

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CRÉER DU MOUVEMENT DANS LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

L’un des concepts les plus méconnus de la musique électronique est le mouvement. Par mouvement, je fais référence à la façon dont chaque son évolue constamment tout au long d’une chanson. Je discutais une fois avec un passionné de synthétiseurs modulaires et il disait ne pas supporter les sons enregistrés comme les samples parce que, selon lui, ces sons sont « morts ». Avec les synthés modulaires, un son peut être répété pendant des minutes et il ne sera jamais exactement le même parce que les composants matériels donnent constamment de légères variations au son. Un son enregistré est figé comme une image. Puisque nous n’avons pas tous le luxe de posséder un synthé modulaire, permettez-moi d’expliquer comment nous pouvons utiliser des outils logiciels pour rendre les sons « vivants » et développer du mouvement dans notre propre musique électronique.

Tout d’abord, convenons que le mouvement dans la musique électronique provient de certains éléments qui « bougent ». Il existe différentes façons de créer cette sensation :

1. CHANGEMENTS DE VOLUME (AMPLITUDE)

Le changement de volume des percussions est souvent associé au groove et au swing. Les deux peuvent modifier le volume des sons. Cela dit, vous pouvez appliquer un modèle de groove non seulement aux percussions, mais aussi aux mélodies et aux lignes de basse. Si cela ne suffit pas, vous pouvez aussi utiliser l’effet midi velocity qui peut non seulement altérer la vélocité de chaque note, mais dans Ableton Live il y a aussi un randomizer qui peut être utilisé pour créer un effet plus humain. Une autre façon d’ajouter de la dynamique est d’utiliser un effet de trémolo sur un son et de le garder synchronisé ou non. L’effet trémolo affecte également le volume, et c’est une autre façon de créer des grooves sur mesure. Personnellement, j’aime aussi créer des changements d’arrangement très subtils sur l’enveloppe ou le gain de volume, ce qui maintient le son toujours en mouvement.

En général, les LFOs — comme ceux présents dans le patch Max for Live — peuvent être utilisés pour moduler n’importe quoi, et ils créeront automatiquement du mouvement. Associé à chaque LFO, j’utilise souvent un autre LFO pour moduler sa vitesse afin d’obtenir une véritable sensation de non-redondance.

Astuce : Combinez LFOs et modifications manuelles, puis copiez les séquences jusqu’à la fin de la chanson. Je vous suggère d’essayer de sortir de la structure 4/4 et des blocs réguliers pour sortir d’un « template feel ».

2. FILTRE

Une autre excellente façon de créer du mouvement est de faire en sorte que le son change toujours de tonalité. L’utilisation d’un filtre en mode parallèle est un moyen très efficace de créer de la couleur. L’important est de s’assurer que la fréquence et la résonance sont constamment en mouvement en utilisant des LFOs ou des enveloppes. En étant en parallèle, le son semble toujours être le même, mais il y aura un peu plus de corps à cause du filtre. Ce que beaucoup de gens ne savent pas, c’est qu’il y a différents types de filtres, donc vous pouvez essayer différents types de filtres dans différents Sends et votre chanson sera plus en mouvement. Alors que les filtres sont parfaits pour les changements subtils, vous pouvez aussi faire la même chose avec un égaliseur, mais toujours en parallèle. L’ajout d’une enveloppe sur le filtre pour qu’il détecte le signal entrant et change la fréquence est aussi une très belle façon de garder le son organique.

Astuce : Essayez de comparer comment un filtre Moog peut différer d’un filtre ordinaire.

3. TEXTURES

Les textures ou le bruit de fond sont une autre excellente façon d’émuler les appareils analogiques. Il y a plusieurs façons de le faire, mais celle que je recommande est d’obtenir un microphone pour votre iPhone et d’enregistrer un moment de votre prochaine visite au café ou au restaurant, ou même dans votre maison où nous ne nous rendons pas compte qu’il y a encore un très faible niveau de bruit. L’ajout de cet enregistrement à faible volume dans votre chanson ajoute automatiquement un layer de chaque son en évolution. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi convertir certains bruits en patterns de groove qui créent une forme de randomisation sur vos sons. Certains effets de haute qualité tels que la saturation utilisée sur certains sons ajouteront une forme de texture qui empêche vos samples de sonner creux.

Astuce : La modulation FM sur un filtre ou une oscillation peut créer des textures granuleuses.

4. STÉRÉO ET PANORAMIQUE

Pour ce point, il y a différents effets qui jouent avec l’image stéréo et — bien que vous devriez être prudent — il est bon d’avoir au moins un ou deux sons qui ont ce genre d’effets. Parmi ces effets le phaser, le chorus, le flanger, le delay, la reverb et l’auto-pan. Ils peuvent tous donner du mouvement aux sons si la modulation n’est pas synchronisée et si le dry/wet est constamment modifié légèrement.

Astuce : Faites attention aux effets que vous utilisez, car une utilisation excessive peut créer des problèmes de déphasage.

5. TIMING

Un point que les gens négligent souvent : la position d’un son dans un pattern peut changer légèrement tout au long d’une chanson pour créer un sentiment de mouvement. Cet effet est plus facile à créer si vous convertissez tous vos clips audio en midi. En mode midi, vous pouvez utiliser le plug-in Humanizer (Max) pour modifier constamment le timing de chaque note. Vous pouvez aussi le faire manuellement si vous êtes un peu plus dans l’édition de détails, mais à la fin, un Humanizer peut faire la même chose tout en créant des idées inattendues qui pourraient être intéressantes. Une autre astuce est d’utiliser un effet de glitch en mode parallèle pour ajouter quelques courbes dans le timing d’un son de temps en temps.

Astuce : Désactivez le verrouillage de la grille (grid lock) dans la section arrangement pour être intentionnellement imprécis.

Ma musique ne me ressemble pas

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Est-ce que cela vous arrive ? Vous démarrez un projet avec une idée et une direction, « Je vais faire un morceau techno », vous démarrez une boîte à rythmes, vous mettez une ligne de base, vous commencez à jammer, à chercher des sons, à créer un groove, et une heure plus tard vous écoutez une boucle de 8 mesures qui sonne totalement différent de ce que vous avez décidé de faire. « Ma musique ne me ressemble pas ». Oui, ça arrive à beaucoup de gens, et ça peut être vraiment frustrant de faire de la musique qui vous est totalement étrangère.
Il y a une déception particulière qui vient avec le fait de ne pas être capable de faire le genre de musique que vous voulez créer. Beaucoup de producteurs avec qui j’ai travaillé parlent de commencer un projet avec une seule direction en tête, mais au fur et à mesure que le titre évolue, ils perçoivent les sons qu’ils ont choisis et l’émotion de la chanson comme complètement à l’opposé de leur direction originale.

Pourquoi est-ce que ça continue d’arriver ? Qu’est-ce qui se passe exactement ?

D’après ce que j’ai vécu moi-même, je comprends la confusion. J’aimerais suggérer d’examiner la situation d’un autre point de vue, qui, à mon avis, sera beaucoup plus positif et productif pour vous en tant que producteur. C’est une question de contexte.

Tout d’abord, nos humeurs et nos pensées changent constamment. Nous sommes dynamiques et il y a de multiples versions de nous. Ce que je veux dire, c’est que vous êtes une personne quand vous conduisez avec de la musique très forte, il y en a une quand vous écoutez de la musique lors d’une fête, il y en a une autre quand vous écoutez de la musique faite pour les écouteurs. Il y a une grande différence entre la personne que vous êtes en écoutant de la musique et la personne que vous êtes en faisant de la musique. Les deux comptent, les deux sont bien.
Astuce : dès que vous démarrez un projet, enregistrez-le immédiatement avec un nom qui décrit le genre ou la sensation de la chanson que vous voulez créer. Un nom aussi simple que « techno… » ou « house… ».

Il est utile de commencer vos productions avec un objectif et une intention claire à l’esprit, sinon, il est assez facile de s’éloigner. Cela étant dit, mon opinion personnelle est que la dérive est une bonne chose, et va de pair avec le fait d’être dans le moment, et plus en contact avec le VOUS qui est dans le studio à ce moment-là.
Si vous êtes vraiment en contact avec vos émotions ou si vous suivez les sons qui vous excitent, la dérive dans d’autres directions va se produire. C’est simplement un processus de découverte.

La façon dont je vois la musique est similaire à la naissance d’une étrange créature extraterrestre sortie de nulle part. Même si la musique que vous avez créée vous semble complètement étrangère, il est important d’être patient avec le matériel, car plus tard dans les phases de production ou de mixage, vous apprenez à apprivoiser doucement quelque chose de brut et de sous-développé en une créature évoluée avec une personnalité unique. Si votre musique sonne un peu différemment de ce que vous avez décidé de faire, je crois que c’est une bonne chose.

Si vous avez lu mes messages au fil du temps, vous savez que j’encourage fortement la Méthode Bonsaï, et l’habitude de ne pas passer trop de temps sur une piste. Travailler rapidement et finir rapidement aiguisera considérablement vos compétences en production, et vous serez un producteur beaucoup plus prolifique. Vous voulez que vos sons soient un peu bruts, incontrôlables et étranges. Ces sons sont les joyaux non sculptés que vous ne pouvez faire que lorsque vous cessez de vous censurer. C’est ce que vous recherchez.

EMBRASSER LES RÉSULTATS INATTENDUS, ET EMBRASSER LE CHANGEMENT.

Imaginez le nombre d’idées avec lesquelles vous aurez à travailler si vous commencez 20 pistes à partir de zéro plutôt que d’essayer de polir une chanson pendant 20 heures. Passer trop de temps sur un titre enlèvera souvent au côté brut de votre enregistrement initial. Cette vivacité est précisément le son qui nous a excité en premier lieu, et il est important d’embrasser ces bruits, rythmes et grooves innatendus. Enlever tout le charme brut de votre matériel pourrait être comparé au photoshopping du corps d’une belle et naturelle femme adulte dans la minceur d’un enfant pour atteindre une certaine mesure de perfection. Voici quelques conseils essentiels pour bien démarrer vos pistes.

VOTRE TRAVAIL EST CE QUE VOUS VOULEZ QU’IL SOIT.

En tant que personne, nous sommes en constante évolution, et nos goûts musicaux évolueront également. C’est idéal que votre musique vous soit étrangère et progresse tout en comprenant que votre progression peut se produire dans un ordre que vous ne pouvez pas prédire. Au fil du temps et du travail, ce que vous êtes vraiment en tant que musicien commencera à prendre forme.

Entendre la musique que vous avez faite dans le passé, c’est comme regarder des images de vous-même d’une autre époque. Ça laisse une empreinte. Regardez les photos de vous-même du passé et repérez celles que vous aimez. Elles peuvent être esthétiquement bonnes, mais je parie que vos images préférées seront celles qui rappellent un moment particulier de votre vie. Voyez-le avec les sons bruts et originaux que vous trouvez. Ceux qui sont audacieux sont les sons qui se démarqueront au fil des années et vous apporteront peut-être une attention inattendue.

Astuce : Exportez une version de votre piste avant d’enregistrer et de fermer votre projet. Comparez son évolution. Partagez-la aux personnes qui vous connaissent. Voyez ce qui les fait tripper.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de cet article, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

VOIR AUSSI : Analyse d’une track de référence.

Créer de la musique intemporelle

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Récemment, ma page Facebook a été submergée de façon fantastique. Ce fil est devenu débordé par des commentaires que j’étais heureux de lire parce qu’ils me rappelaient combien la musique peut stimuler et affecter nos émotions. On parle de musique intemporelle.

J’ai demandé à mes followers Facebook de nommer une musique qui n’avait pas quitté leur sac de DJ depuis des années. Ce sont ces disques qui ont passé l’épreuve du temps, et qui se sont vraiment démarqués en tant que musique « intemporelle ». Ce qui soulève la question, qu’est-ce qui rend une musique intemporelle ? Dans de nombreux cas, la musique dont le contenu touche à des thèmes plus profonds peut être plus facile à intégrer, car elle semble d’emblée plus personnelle. La musique peut avoir une manière de suggérer et d’exprimer des émotions que les mots parfois ne peuvent pas exprimer, c’est pourquoi la musique est souvent un moyen d’expression aussi puissant.

Un de mes amis a mentionné que la musique avec un son ou une ambiance particulière semble avoir sa propre personnalité, ce qui est un commentaire similaire que mon amie Vera m’a dit au sujet des disques qu’elle emporte toujours avec elle — que certains disques étaient comme des amis ou des compagnons pour elle. Certains disques fonctionnent mieux avec d’autres et certains fonctionnent vraiment bien dans un contexte très particulier. Certaines personnes ont parlé de conserver certains enregistrements pour fermer leurs sets, et d’autres parfaits pour un lever de soleil.

Dans un article précédent, j’ai expliqué comment développer beaucoup d’idées rapidement, mais aussi démontré que c’est un peu la loterie d’en trouver une bonne. Il peut s’agir d’un sujet assez compliqué et, à certains égards, impossible à cerner en tant que science. Malgré le fait que tant de chansons populaires l’ont fait, et ont été écrites très rapidement, il n’y a toujours pas de science exacte pour écrire de la grande musique. Néanmoins, cela vaut la peine de prendre quelques minutes pour examiner quelques dénominateurs communs entre ces exemples.

EXPLORONS QUELQUES THÉORIES QUE VOUS POUVEZ METTRE EN PLACE, POUR QU’AVEC UN PEU DE CHANCE, VOUS PUISSIEZ UN JOUR CRÉER VOTRE PROPRE MUSIQUE INTEMPORELLE.

Tout d’abord, certains diront qu’il faut atteindre un état de grâce, qui en psychologie, est souvent étiqueté comme étant un état de flow. Beaucoup d’artistes ont ressenti ce sentiment et peuvent le ressentir, mais malheureusement ils comptent fréquemment sur les substances pour le retrouver, ce qui est souvent contre-productif. Qu’est-ce que le flow ?

 

En psychologie positive, le flow, aussi connu sous le nom de zone, est l’état mental dans lequel une personne qui exécute une activité est totalement immergée dans un sentiment de concentration énergique, d’implication totale et de plaisir dans le processus de l’activité. Essentiellement, le flux peut être caractérisé par une absorption complète de ce que l’on fait et une perte de la sensation d’espace et de temps.

Vous pourriez aussi voir cet état de « flux » comme une activité où le temps passe si vite, et vous êtes tellement absorbé par ce que vous faites que vous pouvez sentir qu’il est fait presque tout seul, de la manière la plus naturelle. Je dirais que ce n’est pas quelque chose d’essentiel, mais habituellement, comme vous faites de la musique et que vous avez expérimenté cet état, vous conviendrez que certains de vos meilleurs morceaux seront écrits pendant cette période.

Une autre façon d’aborder l’écriture de musique intemporelle est d’être au courant des tendances actuelles de la musique et de comprendre ce qui définit vraiment ce qui est populaire. On ne manque pas d’études qui ont examiné les progressions d’accords communs à travers différentes époques, et ont identifié une formule gagnante. L’utilisation de la bonne progression d’accords mélangée à des techniques innovantes d’une époque fera ressortir une chanson musicale et bien écrite. David Bowie est un artiste qui a toujours eu le flair de trouver et de collaborer avec des gens créatifs pour repousser les limites de la créativité.

Faites-le, et faites-en beaucoup.
Être productif aide si vous évitez de vous censurer, et de ne pas trop réfléchir au processus. En d’autres termes, si vous avez fait 50 titres sur une période de temps et que 5 d’entre eux étaient vraiment excellents, ce sera toujours plus prolifique que de passer des années à n’en faire que cinq.

Ci-dessous vous trouverez quelques pistes qui ont suscité des suggestions pour définir ce qui a rendu les morceaux intemporels.

Mélodies : Plus que souvent, une mélodie envoûtante ou quelque chose de très accrocheur vous rappellera un titre.

Innovation : Utilisation de nouvelles technologies ou personnalisation d’une technique. Parfois, ce que vous pouvez faire, c’est prendre un procédé utilisé dans un autre genre et l’appliquer à ce que vous faites.

Arrangements : Il n’y a pas de secret ici pour dire que les humains aiment les surprises et les arrangements sont l’art de jouer avec les attentes, les moments inattendus, les indices et les idées trompeuses. L’équilibre de ces éléments, le rapport des événements dans votre piste, répartis dans la bonne perspective, rendront votre chronologie intemporelle.

L’humeur et les émotions : Quand vous entendez un accordéon jouer dans un restaurant parisien, même si la chanson date d’il y a probablement 100 ans, vous vous connectez automatiquement à l’humeur, à l’émotion et comprenez pourquoi cette musicalité appartient aux rues de Paris. Tu sais que ça sera encore joué dans 100 ans. Ça correspond. L’utilisation d’éléments déclencheurs comme ceux-ci peut vraiment aider votre musique à se connecter à un contexte.

Pour finir mon point de vue, je vais partager quelques pistes que les gens ont suggérées et qui ont retenu l’attention, et je vais essayer d’expliquer pourquoi la piste peut être considérée comme intemporelle.

Ce titre de Maurizio (Moritz Von Oswald) correspond à la période où j’ai vraiment eu un déclic sur le mouvement minimal (vers 1996). C’était l’un des premiers morceaux low-key, complètement hypnotisant et qui pouvait être joué à n’importe quel moment, mixé avec (presque) n’importe quoi et jusqu’à présent, il a été copié et a influencé tout le mouvement dub techno. C’est un classique bien connu de tous les DJs qui cherchent du son depuis un moment. Excellent à intégrer dans n’importe quel set, c’est un de ces morceaux avec lesquels vous ne pouvez pas vous tromper. Ce disque aurait-il le même intérêt s’il était publié aujourd’hui ? C’est encore fort !

Intemporel pour : L’innovation, l’utilisation de pads, le groove et le côté infini.

Isolé a pris de l’ampleur avec la sortie de son titre « Beau Mot Plage » qui, une fois sorti, est passé automatiquement dans la plupart des DJ bags, écoutant techno, house, etc.. C’est juste un beau disque bien produit qui apporte un sourire quand on le joue. Il ne fait aucun doute que ce sera aussi un classique pour les 20 prochaines années.

Facteur intemporel : Mélodies et arrangements.

Nous avons eu la chance de voir Ric pour la première fois lors de son concert à MUTEK en 2002. Il l’a fait presser et l’a joué au festival. C’est un de ces disques qui, lorsqu’ils sont joués, incitent souvent les gens à demander de quelle chanson il s’agit. Principalement parce qu’il y a une basse super accrocheuse au début puis la guitare tombe et ça crée automatiquement une atmosphère où les choses semblent suspendues. La sensation nostalgique, mais profonde, et le ton de celui-ci vous donnent envie de l’écouter en boucle. Il ne fait aucun doute que l’utilisation de la guitare est ce qui rend ce morceau mémorable.

Je suis flatté que ce titre soit venu comme suggestion à avoir dans son sac. Quand Hubble et moi avons fait ce titre, on ne s’attendait pas à ce qu’il attire l’attention (il était en vente sur Discogs pour 150 euros à un moment avant la represse). Bientôt, nous avons vu des vidéos de DJ la jouant et nous en avons eu la chair de poule. Il semble que ce morceau soit un morceau que vous pouvez glisser dans n’importe quel set, mixé avec d’autres morceaux ou par lui-même et il vous embarque. Je suis subjectif parce que j’ai été impliquée dans sa création, mais je comprends l’intérêt des DJs pour le jouer.

Laurent Garnier est l’homme derrière ce titre, et même s’il date de 1993, il est toujours jouable aujourd’hui. C’est romantique de penser qu’à l’époque nous faisions de la musique du futur, mais celle-ci a vraiment réussi. Cette basse et cette mélodie acide font que les choses fonctionnent si bien, et il ne fait aucun doute que c’est un classique maintenant, faisant lever les bras à chaque fois qu’elle est jouée. Je pense qu’il a fait du bon travail en saisissant un instantané de ce qu’était la musique rave du début des années 90.

Très joliment faite, mélodie accrocheuse et globalement, c’est le genre de chanson qui peut séduire à peu près tout le monde. Tu ressentiras de l’amour et la vibe de Paris. Ce n’est certainement pas quelque chose que vous pouvez jouer quand vous le souhaitez dans votre set, mais je peux imaginer que quelqu’un joue cela pour clore un événement et ça aurait un effet très approprié.

Voir aussi : The Art of Keeping People on Their Toes (Traduction bientôt disponible) 

Conseils pour définir votre son

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La majorité des artistes avec qui je travaille pour le mastering et la finalisation de track, parlent de leur désir de définir leur propre son. C’est important parce qu’en tant que mélomane, dès les premières secondes d’une chanson il vous arrive de dire : « C’est tel groupe, ou tel producteur ! ». Pour parvenir à cette « signature sonore », on retrouve généralement un style de production particulier ou une palette sonore qui sera utilisée de manière personnelle et immédiatement reconnaissable.
Il y a beaucoup de discussions et d’éloges sur l’album « Untrue » de Burial qui est maintenant considéré comme l’un des plus influents de la dernière décennie.

Pourquoi cet album est-il si bien reçu ?
Pour commencer, les ambiances spectrales, les bruitages et les enregistrements d’un Londres nocturne évoquent une atmosphère spatiale, sombre et sinistre. L’ambiance lourde et downtempo de la musique invite les auditeurs à aller dans leurs propres lieux d’ombres et à y réfléchir. Même les titres de ses morceaux, « Loner », « U Hurt Me », puisent dans un sentiment de dommage émotionnel, auquel beaucoup de gens peuvent réellement s’identifier. Bref, le son lourd et la personnalité derrière ce disque font instantanément penser à du Burial.

Prenant note des différents éléments que les artistes utilisent pour créer leur propre son, analysons certains de ces principes fondamentaux qui influenceront le vôtre.

  • La tonalité : point extrêmement important, car la plupart des artistes adoptent généralement une « vibe » ou une « humeur » dans leur musique, comme la joie, la colère ou la mélancolie. Travaillez-vous souvent avec une même gamme ou une tonalité semblable ? Vos mélodies sont-elles simples, ou écrivez-vous des progressions d’accords complexes ?
  • Le genre : le choix du genre est peut-être l’un des choix les plus évidents pour créer « votre » son et définir votre identité en tant qu’artiste. Êtes-vous en train d’adopter un genre existant ou allez-vous essayer de vous positionner entre-deux ? C’est à double tranchant, car l’originalité comporte un risque, mais la récompense peut être énorme.
  • Les samples: utilisez-vous des samples ? De synthés ? De modulaires ? Orb, par exemple, aimait utiliser des extraits de films spécifiques (des 80’s comme Flash) et Boards of Canada étaient célèbres pour enregistrer leurs parties synthés sur de vieilles cassettes pour les resampler dans une nouvelle session. Considérez les possibilités de votre source sonore.
  • Le rythmes : êtes-vous plus 4/4 ? Influencé par le Breakbeat ? Le Jazz ? Le Hip-hop ? Avec des racines latines ? Prenez note de là où vous vous sentez le plus à l’aise et de votre groove naturel.
  • Techniques : c’est ici que je peux vous aider le plus comme j’ai pu aider mes clients à créer « leur son ».
  • Les erreurs : allez-vous pour quelque chose de cru ou de très pointu et quantifié ? Essayez de voir ce que les erreurs peuvent apporter à votre musique : quelque chose de mal pourrait révéler des choses intéressantes. Comme point de départ de votre prochaine track, n’ayez pas peur d’essayer quelque chose que vous n’auriez peut-être jamais fait.

Les outils et effets que vous utilisez peuvent aussi avoir un impact majeur sur votre son. J’ai déjà abordé cette question, mais il est important de vous rafraîchir la mémoire lorsque vous examinez le choix des effets.

Reverb, Delay : vous pouvez vous choisir un plugin pour travailler avec tout le temps pour une cohérence. Reverb — peut-être que vous choisissez toujours une plate ou alors vous préférez utiliser de grands espaces et de longues tails. Allez-vous utiliser des dub delays ou plutôt un delay court pour obtenir un effet Haas ?

La Compression : voulez-vous que votre son soit compressé ou non ? C’est quelque chose à réfléchir. Trouvez un compresseur qui peut être comme votre couteau suisse en toutes circonstances et utilisez-le.

Le processus de définition de votre son est comparable à celui du designer qui développe les éléments de marque pour un client.

Bien que ce ne soit pas essentiel, mais très certainement utile, un designer vous indiquera quel ensemble de couleurs, polices de caractères, images et direction utiliser dans tout votre travail.

Ce que je fais habituellement avec mes clients pour créer un son plus caractéristique, c’est de prendre une collection de références et de sons avec lesquels ils s’identifient, puis de travailler sur un moyen de reproduire des sons et des idées similaires. Le pad d’ici, la percussion et le swing de là, les kicks faits comme ça, les hats toujours comme ça… et ainsi de suite. Vous choisissez tous vos sons préférés parmi différentes sources (ex. pourquoi ne pas opter pour un style qui vous est tout à fait étranger comme afrobeat si vous aimez la techno ? Et faire une collection. Je peux trouver quel synthétiseur est excellent pour créer ce son, et en jouant avec, vous découvrirez tant de nouveaux sons et serez attirés par un son original, frais et inspirant.

La vérité ? Essayer de définir votre son ne viendra pas du jour au lendemain. C’est un processus qui sera différent pour tout le monde, et vous ne pouvez vraiment pas accélérer les choses parce qu’il n’y a pas de voie rapide vers l’originalité.

Cela étant dit, en toute honnêteté, travailler avec quelqu’un qui a de l’expérience en production et en musique pour vous guider dans les domaines qui vous représentent le mieux est énorme et peut être un atout dans la définition de votre son.

Comme toujours, faites-moi savoir si vous avez des suggestions ou des questions à propos de ce post, laissez un commentaire ci-dessous et dites-moi sur quels projets vous travaillez en ce moment.

JP

Sound Design : créer les sons que vous avez dans la tête

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Il se peut que vous ne soyez pas vraiment capable de reproduire à 100% les sons que vous imaginez dans votre esprit en utilisant le sound design, mais je peux vous donner quelques conseils pour bâtir un bon point de départ et vous en rapprocher le plus possible. Tout comme dans la peinture et le cinéma, notre imagination nous joue souvent des tours, vous pouvez avoir « la meilleure idée de tous les temps », mais une fois que vous vous êtes mis à y travailler, vous vous rendez vite compte qu’il y a un monde de différence entre votre imagination et le résultat final.

Alors, y a-t-il un moyen d’utiliser le sound design pour transposer ces idées en quelque chose de concret ?

Oui, absolument.

Les sons ont une structure, une forme et une couleur, et quand vous « entendez » quelque chose dans votre esprit, vous devez traduire cette idée en une description précise qui vous permettra de commencer à la créer réellement.

Pour bien démarrer dans le processus de conception sonore, posez-vous la question suivante :

Pouvez-vous expliquer votre idée verbalement ?

La première étape consiste à analyser les caractéristiques physiques du son. Gardez à l’esprit que le son a plusieurs axes et caractéristiques :

  • Temps : Un son peut être court, long ou entre les deux. L’aspect temporel correspond essentiellement à sa durée.
  • Enveloppe : Le truc avec l’enveloppe ADSR (Attack, Decay, Sustain et Release) est ce à quoi je fais référence ici. Par exemple, votre son démarre-t-il fort et disparaît ensuite en fade out, ou peut-être fait-il le contraire ?
  • Spectre de fréquence : La hauteur du son est-elle haute ou basse ?
  • Harmonique ou inharmonique : Votre son a-t-il une tonalité ou est-il basé sur un bruit ?
  • Position : Votre son est-il statique ou panoramique ? Bouge-t-il ?

Deuxièmement, vous devez identifier un matériau source pour votre son et décider comment il sera façonné :

  • Dans un article précédent, j’ai parlé de superposition des sons. Une bonne façon de commencer est d’essayer de trouver des sons déjà existants, et de les superposer de façon à obtenir quelque chose de proche de ce que vous avez à l’esprit. Par exemple, la superposition d’un tom, d’un clap et d’un snap — quand ils sont assemblés — forme un son arrondi qui s’étend jusqu’aux aigus. Lorsque vous combinez vos sons et layers, je vous recommande d’utiliser un bon compresseur de type Opto ou Vari-MU : ils sont musicaux et créent une belle dimension sonore. Découvrez le Vari Comp de Native Instrument ou encore le Novatron de chez KUSH, arrivé en force en 2017 comme l’un des meilleurs outils sur le marché à un prix raisonnable.
  • Si vous êtes plus dans la synthèse, vous pouvez expérimenter une approche soustractive en utilisant plusieurs oscillateurs avec un bon filtre. J’utilise habituellement l’opérateur d’Ableton mais cette année, le Repro 5 de U-He a été vraiment utile pour moi en termes de design sonore avec des sons subtils et ronds. J’aime avoir mes basses fréquences et mediums réglés en sinewave pour ensuite façonner les harmoniques en square ou triangle. Expérimentez sans fin !
  • Une autre option intéressante serait d’utiliser des enregistrements sur le terrain. Vous pourriez penser que cette approche est un peu étrange, mais vous pouvez même essayer de faire le son avec votre bouche, ou d’essayer de trouver des objets à frapper : vous finirez toujours avec un son intéressant. Vous serez également surpris par tout ce que vous pouvez faire avec l’enregistrement de votre propre voix. Pour un bon enregistreur de terrain abordable, consultez n’importe lequel des enregistreurs de terrain de chez Zoom, ils en font même un qui peut se brancher à votre iPhone, ce qui est très pratique.
Sound design - Native Instruments' Vari Comp

Native Instruments’ Vari Comp

 

Et enfin, une fois que vous avez établi votre source, vous pouvez vous plonger dans la sculpture de votre son :

Temps : il y a différentes choses que vous pouvez faire pour manipuler le temps et la durée de vos sons. Modifier le pitch (la hauteur) d’un élément pour le ralentir ou l’accélérer est amusant. La synthèse granulaire est aussi une option, avec par exemple le Mangle VST. J’aime aussi avoir une reverb sombre avec une tail pour étirer la longueur d’un son. N’importe quelle réverbération peut faire du bon travail ici, mais vous pourrez facilement expérimenter avec les gratuites trouvées sur KVR.

Sound design - The Mangle granular synthesizer

The Mangle granular synthesizer

Enveloppe : Si vous avez un gros son brut que vous voulez modeler, il y a encore plusieurs options. Si vous utilisez Ableton, le moyen le plus simple serait d’utiliser les enveloppes de volume ou de gain à l’intérieur du clip. Il y a aussi d’autres outils d’enveloppe de volume ; un que j’aime bien est le Volume Shaper de Cable Guys; vraiment puissant et fun.

  • ASTUCE : Si vous voulez un transient vraiment rapide sur votre enveloppe, essayez d’utiliser une transient shaper. Les transient shapers peuvent également aider pour le sustain.
  • ASTUCE 2 : Un compresseur VCA avec une attaque lente peut également vous donner d’excellents résultats.

Spectre de fréquence : Comme j’ai pu le mentionner, j’aime personnellement expérimenter avec un pitch shifter, mais aussi avec un égaliseur à 3 bandes et un compresseur ; surtout un FET, un peu plus agressif (je recommande d’en apprendre un peu plus sur les différents types de compresseurs si vous ne les connaissez pas tous). De cette façon, vous pouvez contrôler des parties spécifiques de votre son et manipuler ces parties pour les mettre en valeur. Ce n’est pas la seule manière, il y a tellement d’autres façons créatives d’utiliser un EQ seul (comme l’UAD Cambridge), mais j’aime combiner des effets multiples et jouer entre eux jusqu’à obtenir le son adéquat.

Harmoniques : Les harmoniques peuvent souvent être manipulés avec de la saturation et/ou distorsion. Si vous êtes à la recherche d’un bon outil de distorsion, vous pouvez consulter le Scream VST de Citonic qui offre des tonnes d’options. Sinon, le Saturation Knob de Softubes est un excellent outil pour des changements allant de subtils à drastiques. Je suggère de jouer avec les filtres aussi ; ils peuvent améliorer certaines parties de vos sons, surtout si vous les utilisez en parallèle (via une piste send/bus).
Position : Essayez n’importe quel panner. Il y a plusieurs plug-ins de panning sur le marché, mais il faut faire attention à ce que vous ne fassiez pas trop voyager votre son dans la phase de conception ; vous ne savez pas encore quelle sera la position de vos autres sons et vous risquez de tout défaire plus tard de toute façon. Boostez le son avec un chorus ou un doubler pour manipuler encore plus la position du son, mais comme déjà mentionné, essayez de ne pas faire de folies avec le panning lorsque vous créez un seul son.

Ce ne sont là que quelques trucs et idées de sound design pour vous aider à commencer à créer les sons que vous imaginez dans de votre tête. Amusez-vous bien !

 

Bonus : Une bonne façon de trouver des idées de sound design inattendues est d’utiliser la randomisation. Voici un excellent tutoriel de mon pote offthesky.

 

 

Design et superposition dynamique du son

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Le sound layering (superposition du son) peut être une technique à la fois simple et très complexe dans la création et la production musicale selon vos objectifs. Dans un article précédent, j’ai donné quelques conseils de base en matière de sound design. J’ai beaucoup de lecteurs qui ne font que commencer avec le mix et la production, alors c’était logique de commencer par quelque chose de moins intense. Ce second article sur le sound design, cependant, se concentrera sur quelque chose d’un peu plus avancé, mais toujours très simple : la superposition de sons. C’est en fait surprenant pour moi de voir tant de gens ignorer les techniques qui leur permettent de tirer le meilleur parti des superpositions, alors j’ai pensé que je pourrais en parler.

Tout d’abord, je voudrais parler des groupes d’Ableton. Beaucoup de gens les utilisent comme l’équivalent des bus, où tous les sons regroupés seront traités de façon spécifique et oui, cette approche fonctionne vraiment bien. Cependant, je préfère utiliser une piste seule comme bus et utiliser des groupes pour le sound design ou la classification. Un bon exemple est pour les kicks ou les claps, qui sont généralement une combinaison de jusqu’à 3 samples ou sources sonores différentes (ex. 2 samples, 1 synthé, etc.)
Fondamentalement, puisque chaque son est une collection de samples multiples, je pourrais dire qu’ils fonctionneront mieux en tant que groupe.

Visuellement, c’est plus esthétique et plus facile à gérer, et en outre, vous pouvez également mettre des effets sur le groupe pour coller tous les sons ensemble — généralement, vous aurez besoin d’un compresseur et d’un ou deux égaliseurs pour un groupe relativement uniforme. Une fois que j’ai fait cela, j’ai l’habitude d’avoir un bus supplémentaire pour tous les sons (par exemple les groupes) qui collera tout le reste ensemble.

Un deuxième point à garder à l’esprit, c’est qu’il y a toujours plusieurs façons de faire du design sonore. Gardez à l’esprit que ce que je vous montre ici est simplement comment je le fais, mais il y a d’autres personnes qui utilisent différentes techniques. J’essaie de garder les choses simples. Deux méthodes que j’aime bien avec Ableton sont l’arrangement et le drum rack.

Si vous travaillez en mode arrangement, vous déposez des sons dans la piste et c’est un moyen facile de voir les layers. J’aime bien désactiver la grille pour faire cela, pour avoir un côté plus naturel.

Vous pouvez régler le volume de chaque couche et ajuster l’égaliseur pour obtenir une partie du spectre d’un son et la partie complémentaire d’un autre.

Vous pouvez faire de même avec l’attaque et le release, il y a tellement d’options. Je recommande vraiment d’utiliser les faders aussi pour plus de contrôle. Donc en gros, volume et EQ sont vos meilleurs amis ici. Brainworx a un filtre surprenant que je recommande, il est super pour la conception sonore.

Si vous préférez, vous pouvez aussi utiliser le Drum Rack pour faire la même chose. Chargez les mêmes samples dans les pads de l’instrument et séquencez-les en MIDI au lieu de les mettre dans l’arrangement. Certaines personnes n’aiment pas travailler de cette façon parce qu’elles ne peuvent pas facilement voir la forme du spectre de fréquence du fichier audio. Mais l’avantage de cette approche est que vous avez accès à plus d’options pour manipuler vos sons, comme les contrôles supplémentaires de la fenêtre Sampler d’Ableton.

Ce qu’il vaut mieux en fin de compte, c’est de combiner l’arrangement des sons avec une piste supplémentaire de Sampler pour que vous puissiez travailler sur des mouvements constants. La principale chose que vous attendez de votre sound design, c’est un sentiment de vie et d’émotion. Le Sampler a des LFOs que vous pouvez assigner aux filtres, au panning ou au volume, une touche subtile qui crée un beau layer de mouvement et de vie. De la même façon, j’ajouterais même un synthé de votre choix pour donner de la richesse au son avec des oscillateurs travaillant à renforcer les fondamentales avec un timbre discret : des superpositions sonores plus complexes.

Enfin, sur le groupe de son lui-même, je n’ajouterais rien d’autre qu’un égaliseur et un compresseur pour « coller » le tout ensemble, mais vous pourriez aussi utiliser la réverbération pour élargir votre image stéréo. Ces techniques devraient vous aider à améliorer vos compétences en sound design !