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Comment composer de manière constante?

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J’ai toujours été intéressé par l’industrie de la restauration et en particulier par le processus d’attribution des récompenses, comme les étoiles Michelin. Il existe un certain nombre de critères qui permettent de déterminer si un chef va obtenir une étoile et je trouve qu’il est possible de s’inspirer de ces points pour les appliquer au travail d’un producteur de musique. Bien qu’il n’y ait pas de notes écrites sur les critères, ce que nous savons, c’est qu’il y a des points clés tels que la capacité, la qualité et la personnalité du chef. Cependant, un point qui ressort vraiment est la constance.

 

C’est un sujet qui revient souvent avec mes clients. Tous rêvent de trouver une formule qui garantira que chaque chanson est bonne et que chaque fois qu’ils entrent en studio, quelque chose de valable sortira du temps investi. Il existe des moyens directs d’y parvenir, mais je vais détaillerai également quelques points peuvent être un peu troublants.

 

GESTION DES ATTENTES

Il est toujours un peu difficile de parler des attentes avec les clients. Il y a quelques points à garder à l’esprit à ce sujet. Tout d’abord, de nombreuses personnes sont d’abord passionnées de musique et comptent sur ce passe-temps pour de multiples espoirs tels que l’acceptation et la validation de leur communauté ou de leurs idoles. Cela suffit à créer de grands objectifs, ce qui crée un stress qui peut entraver la créativité et la productivité. Il en va de même pour d’autres producteurs qui ont sorti de la musique et ressentent une pression pour en faire plus, mais ils sont confrontés à certaines tensions vis-à-vis de ce qu’ils font : sentiment d’être inadéquat, de se heurter à des limites techniques, comparaisons injustes avec d’autres, etc.

Personnellement, je ne crois pas vraiment qu’il soit humainement possible d’avoir des séances positives constantes en studio, où vous êtes 100 % heureux de votre musique. Pour ceux qui y arrivent, je me demande aussi si c’est vraiment amusant, car à long terme, cela peut être très stressant et fatigant.

 

Ainsi, plutôt que d’avoir une constance parfaite dans la musique, je pense qu’il est préférable de changer d’approche pour définir les conditions de votre victoire. Dans l’article Définition de fini, nous avons expliqué comment se fixer des objectifs précis pour reconnaître quand on a terminé un projet tout en acceptant les imperfections avec lesquelles on peut vivre. Mais les conditions de victoire sont légèrement différentes, tout en restant très proches.

 

Par exemple, j’ai connu des musiciens professionnels qui se forçaient à aller au studio tous les jours et à faire au minimum une chanson. Comme je travaillais avec eux, j’ai eu l’occasion d’écouter et je dois dire que je trouvais que les chansons qu’ils me présentaient étaient intéressantes environ 5 % du temps (il y en avait beaucoup). Nous en avons parlé et nous avons constaté que non seulement il n’était pas heureux de la situation ni du résultat, mais qu’il se rendait compte qu’il ne réalisait pas ce qu’il espérait. Nous avons donc travaillé ensemble pour modifier son flux de travail et ses attentes.

J’ai proposé ma technique de création musicale non linéaire dans laquelle il travaillerait sur plusieurs pistes à la fois au lieu d’une seule chanson à la fois. J’ai également demandé ce qu’il aimait le plus faire afin de m’assurer que cette partie représenterait au moins 50 % de son temps de studio. Dans son cas, il aimait la conception sonore et la création de nouvelles chansons, ce qui était parfait. Je lui ai montré que la musique peut aussi être cela et que faire de la musique est une partie importante de la création musicale, mais ce n’est pas la seule partie. Commencer de nouvelles chansons est, pour moi, tout aussi important que de les terminer. Plus vous en commencez, plus vous avez de chances de créer des idées solides et originales. Ensuite, vous récoltez les meilleures pour les transformer en une chanson. Nous avons également revu les différentes façons de faire du sound design et les techniques à essayer.

 

Cela a beaucoup changé les résultats de sa musique et la qualité des morceaux suivants s’est nettement améliorée, même si le rythme de leur sortie s’est ralenti. C’est pourquoi j’encourage parfois les gens à se concentrer sur les morceaux réalisés par saison plutôt que par jours ou semaines.

 

CONDITIONS DE VICTOIRE

Nous avons tous des conditions différentes et il n’y a pas vraiment de meilleure façon de procéder, mais je trouve que les conditions de victoire doivent être différentes des objectifs d’une sortie/release. Certaines personnes se sentent victorieuses lorsqu’elles sortent leur album après des mois de travail, mais elles en redemandent très vite et doivent alors retourner au studio, ce qui peut paraître pénible. Dans mon cas, après des années d’expérience, je constate que mes conditions de victoire se résument à m’éclater lorsque je suis en studio, même si cela implique de travailler dur pour résoudre des problèmes.

Cela implique deux choses différentes : premièrement, il y a une partie de moi qui est là pour résoudre les problèmes, installer le matériel, créer un environnement qui soit exploitable et régler les détails pour s’assurer que tout va bien. Deuxièmement, je dois me préparer à mes conditions en m’assurant que j’ai toutes les compétences nécessaires pour faire de la musique. Ainsi, si dans une Définition de fini, nous fixons les points qui nous permettent de voir que nous avons terminé, dans les Conditions de victoire, nous établissons ce qui est nécessaire pour y parvenir.

 

Comme pour moi, c’est lié au plaisir, j’ai dû faire de l’ingénierie inverse.

 

Cela signifie que j’ai dû revenir sur une séance vraiment amusante et voir ce qui s’est passé pour que cela fonctionne et avoir du plaisir. Le plus souvent, alors qu’une séance peut être gâchée par des problèmes techniques, il est clair que certaines séances dans le studio devraient être consacrées à la prévention des problèmes. Toutefois, d’autres séances devraient être consacrées à la pratique d’une technique ou d’un nouveau concept, de sorte que lorsque je suis dans la zone, j’ai tout sous la main.

 

ET VOUS?

Dans le développement d’un artiste, il y a de nombreuses étapes et phases. Il se peut que vous soyez dans une phase si éprouvante que le plaisir n’est pas au rendez-vous. C’est peut-être parce que vous vous sentez dépassé par un problème spécifique, une limitation du logiciel, un manque de connaissances sur un sujet et que viser le plaisir peut sembler un peu frustrant. Le fait est que, si cela peut vous aider, il y a eu de nombreuses années dans ma vie où j’ai accompli tant de choses sans en savoir beaucoup et que plus j’en savais, plus je ralentissais. Je dis souvent qu’il est important de terminer quelque chose et d’apprendre plutôt que de courir après la perfection.

En d’autres termes, ce qui vous pose problème pourrait en fait être une distraction. Il y a beaucoup de choses à apprendre sur YouTube et si vous ne trouvez pas, il y a toujours des gens pour vous aider — moi y compris. De nos jours, il n’est pas nécessaire de rester longtemps face à un problème, contrairement à ce qui se passait avant l’abondance de tutoriels sur Internet.

 

Vous pouvez peut-être créer des conditions dans lesquelles vous travaillez sur plusieurs choses à la fois, des petites choses, et essayer d’en tirer le meilleur parti.

 

CONTRÔLE DE LA QUALITÉ, ÊTRE PRAGMATIQUE

Nous avons parlé de la partie philosophique et du flux de travail de ce sujet, mais qu’en est-il du côté technique des choses? Quels sont les principaux éléments qui permettent de maintenir une constance entre les morceaux?

Il existe de nombreux points pour lesquels vous pourriez utiliser une liste de vérification. Après des années et des années de travail sur la musique, je vois des corrélations entre les chansons qui parviennent à avoir un certain succès. Je ne vais pas me plonger dans la promotion, la sortie et tout ce qui n’est pas lié à la production, car c’est un peu un trou sans fond qui change tous les 3 à 6 mois. Je n’arrive pas suivre.

 

Dans la création musicale, j’ai l’impression qu’il existe 2 types : commercial et artistique.

 

Par commercial, je ne l’entends pas de manière péjorative. Je fais essentiellement référence à la musique destinée à être poussée pour être vendue. Si vous faites de la musique et que vous voulez la distribuer, il y a des chances que le distributeur la refuse s’il considère qu’elle ne se vendra pas assez. C’est la norme pour les accords P & D (presse et distribution), car la distribution couvre essentiellement les coûts et attend un retour sur investissement. Selon moi, si vous faites de la musique dans l’idée de réaliser des ventes, elle est principalement et clairement commerciale (c’est-à-dire que nous la produisons dans une optique de vente).

 

D’un autre côté, la musique artistique peut être simplement numérique ou sortie aux frais de l’artiste, sans distribution et il y a très peu d’attente de ventes. Ce type de musique est souvent un peu plus audacieux, abstrait, risqué, ne suit pas beaucoup de règles et a plus de chances de ne pouvoir s’adapter à aucune règle.

Si l’on compare cela à un restaurant, le restaurant commercial sait souvent ce qui se vend et propose une direction, un style et des plats vedettes que les gens prennent à chaque visite. Le restaurant artistique est un restaurant qui change de menu chaque jour et prend des risques.

Ils ont tous deux besoin de cohérence sur un certain nombre de choses : ingrédients frais, respect des recettes, cohérence du goût sur chaque assiette, température, etc.

 

C’est à peu près la même chose avec la musique. Il existe certains critères que vous pouvez suivre et qui garantiront que vos chansons seront à la hauteur. Parfois, elles n’auront peut-être pas le même punch, mais si vous respectez les principes de base, vous aurez à coup sûr une certaine constance.

Voici les critères que j’ai en tête :

 

  • Une accroche solide, une idée principale. La raison d’être d’une chanson, c’est que vous avez trouvé une idée solide avec laquelle vous voulez partager une histoire. C’est comme ça que je vois la musique. Si vous pensez à la musique traditionnelle, les gens écrivent une histoire et ce sera l’idée principale. Dans le cas de la musique électronique, le plus souvent, il n’y a pas de voix et ce sont les sons et les idées qui constituent votre histoire. Ne faites pas de chansons simplement faire une chanson (remarque : j’encourage les gens à faire de la musique pour le plaisir, ce qui est différent). Trouvez une idée et construisez une histoire autour d’elle. Il peut s’agir d’un sample, d’un motif, d’un son amusant… Il n’y a pas de règle ici, mais trouvez une idée que vous pouvez écouter pendant 3 à 6 minutes et mettez-la vraiment en avant.

 

  • Chanson en tonalité, dans la gamme. Cela peut sembler bizarre, surtout pour les personnes qui font de la musique atonale ou de la techno industrielle qui utilisent une gamme chromatique, mais s’assurer que tous vos éléments sont dans la même tonalité donnera à la chanson un caractère beaucoup plus complet. Toutes les chansons n’en suivent pas une, mais avoir une harmonie cohérente plaira à beaucoup de gens, surtout si dans un genre spécifique, certaines gammes sont respectées. Un point facultatif ici serait la progression des accords. Vous n’en avez pas toujours besoin, mais si vous en avez une, assurez-vous qu’elle est solide et cohérente. Souvent, lorsque je donne du feedback à des personnes qui débutent dans la production musicale, je remarque qu’elles ne respectent pas ce point de base et une fois qu’elles le font, elles atteignent déjà un autre niveau.

 

  • Règle des tiers dans les arrangements. Il s’agit d’un concept que j’aborde dans les commentaires où j’explique aux producteurs que s’ils divisent leur chanson en 3 sections, elles doivent toutes présenter des variations, afin de donner à l’auditeur un sentiment d’évolution et de maintenir son attention. Si vous comprenez l’expérience d’écoute comme un défi consistant à maintenir l’attention, vous savez que vous devez apporter de nouvelles idées, mais pas trop. La règle du tiers n’échoue jamais. Si vous composez de la pop ou quoi que ce soit qui nécessite une structure, gardez cela à l’esprit également.

 

  • Mixage neutre (flat), mastering coloré. Les clients ne comprennent pas toujours ce qu’est un bon mixage. Si vous gardez un son neutre, mais que vous travaillez avec un ingénieur qui peut le colorer pour qu’il corresponde à des chansons similaires sur le marché, vous aurez très probablement toujours une chanson solide et agréable à écouter, capable de faire face à la concurrence. En outre, un mixage plat signifie que vos éléments ne sont pas trop éparpillés, ce qui est important.

 

  • Évitez le masquage et la phase. C’est plus technique, mais si vous avez un mixage chargé où beaucoup d’éléments sont utilisés, vous finirez très probablement par avoir un mixage muddy. Je ne vais pas vous expliquer comment résoudre ce problème dans cet article et vous pouvez consulter Google à ce sujet, mais gardez à l’esprit que c’est essentiel pour la qualité.

 

  • Obtenez une rétroaction. Montrez votre morceau à des gens en qui vous avez confiance et demandez-leur un retour spécifique. Sinon, les gens diront que c’est cool. Soyez technique sur ce que vous attendez d’eux.

 

  • Demandez de l’aide. Je ne comprends pas pourquoi les gens veulent tout faire eux-mêmes. C’est en fait se préparer à une musique moyenne. Vous apprendrez oui, mais pourquoi ne pas devenir un maître de la musique que vous aimez faire et demander à un maître de vous aider pour le mixage afin d’en tirer le meilleur parti? C’est comme si vous vouliez faire un sandwich, mais que vous vouliez faire le pain vous-même, la mayonnaise à partir de zéro, cultiver les légumes, faire le fromage, etc. Oui, tu peux, mais tu peux aussi acheter les meilleurs ingrédients possible et avoir un super sandwich.

 

  • La quantité pour un travail de qualité. Si vous considérez chaque chanson comme une expérience pour apprendre quelque chose de nouveau ou maîtriser une technique, vous pouvez accélérer votre processus et faire plus de musique. Un bon moyen de maintenir la qualité est de produire beaucoup, beaucoup de chansons, puis de réduire votre production à celles que vous savez être brillantes. Plus vous finissez de la musique, plus vous développez des compétences, qui font que les morceaux suivants sont de meilleure qualité. Ensuite, lorsque vous pourrez choisir ce que vous partagerez à l’étranger, au monde extérieur, ils ne verront que de la qualité.

 

Si vous tenez compte de ces points, vous aurez certainement quelque chose dont vous serez fier et lorsque vous partagerez une chanson, les gens sauront ce qu’ils peuvent attendre de vous, même si vous prenez des risques, sur le plan créatif.

 

Réflexions sur les idées « moyennes »

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Ce qui bloque nombre de gens dans la création musicale, c’est la recherche de l’idée parfaite. Souvent, ils pensent qu’ils doivent faire quelque chose de révolutionnaire pour que cela vaille la peine de travailler dessus. Ce n’est pas le cas. Il existe de nombreuses chansons que les artistes considéraient comme médiocres, mais qui ont fini par devenir des succès pour eux. Deadmau5 en est un bon exemple : il pensait que son tube « Strobe » ne fonctionnerait que sur une face B. Il s’avère que c’est l’une de ses chansons les plus célèbres.

Si vous avez un processus et savez comment créer un mood board, il est possible de transformer des chansons moyennes en grandes chansons, ou des chansons moyennes en chansons que les gens apprécieront pour d’autres raisons. Ceci étant dit, cet article portera sur l’importance de travailler sur des idées moyennes.

 

TRAVAILLER SA MUSIQUE POUR LE PLAISIR

Parfois, les plus grandes surprises en musique viennent de ce que l’on fait dans le noir, sans savoir si ce sera bon ou pas. Ces moments impliquent de bricoler, de créer des boucles, d’extraire des sons de notre banque de samples et de tripoter des synthés juste pour le plaisir. Cependant, il arrive que l’on y travaille pendant des heures, que l’on n’y voie aucun potentiel et que l’on soit frustré. Par exemple, en ce moment, je travaille sur un nouveau set techno live, et rien ne me semble très inspirant. Cependant, je me rends compte que si je continue à travailler dessus, en suivant ma liste de contrôle et mon processus, quelque chose d’intéressant finira par se produire. Je comprends que, même si ce n’est pas la meilleure composition, cela pourrait être une face B, qui présente ses propres avantages et dont je parlerai plus loin dans cet article.

 

LE PROCESSUS

Tout d’abord, passons en revue ma liste de contrôle et mon processus. La première étape de mon processus est ce que j’appelle une « production non linéaire ». La production non linéaire est une façon de travailler où, dans un premier temps, vous résumez des idées, et vous empilez un tas de sons que vous aimez dans la vue « Live », au lieu de la vue « Arrangement ». Cela vous permet essentiellement de construire un mood board de sons dans lequel vous pouvez puiser et avec lequel vous pouvez jouer. Pour ce faire, je me force à enregistrer tout ce qui sort, littéralement tout et n’importe quoi. Ensuite, je commence à activer et désactiver des clips et voir ce qui se passe. Souvent, en faisant cela, j’obtiens bien plus que des boucles : j’obtiens des phrases entières qui deviennent des parties entières de la composition. Et comme je fais de la techno, basée sur des boucles et suivant un modèle prévisible, les choses commencent à se mettre en place.

Avant de continuer, j’ai une remarque à faire : je ne vais jamais au studio dans le but de faire de la musique moyenne. Les gens qui insinuent que je fais cela après avoir dit qu’ils devraient travailler sur de la musique moyenne, sont en quelque sorte offensants. J’essaie toujours de faire quelque chose de bien.

Cependant, je ne suis qu’un être humain, et parfois j’ai des idées moyennes que je décide de travailler afin de voir ce qui se passe. Parfois, quelque chose d’amusant se produit, ce qui me permet de faire un arrangement fantôme en passant par ma liste de contrôle. Une partie de ma liste de contrôle consiste à ajouter une ligne de basse groovy. C’est fondamental pour beaucoup de mes morceaux. Ensuite, je me demande s’il est approprié de répondre à cet appel avec un arrangement similaire. Par exemple, est-ce qu’un lead répond bien à la ligne de basse?

Une fois que j’ai déterminé cette partie fondamentale de la structure, je me dis : « Puis-je créer un élément complémentaire, comme un son de fond? » Je commence donc à parcourir mon mood board et à choisir des sons qui, selon moi, s’intégreront bien à l’arrière-plan. Il peut s’agir de bruitages, d’enregistrements de terrain ou même de textures à ajouter à l’instrumentation.

Ensuite, je commence à construire vers l’extérieur, car normalement ce que je fais dans l’esquisse finit par être la partie centrale de l’arrangement. J’ajoute donc une outro et une intro. Une fois que ces parties sont terminées, je commence à penser à tous les éléments qui font plaisir à l’oreille — les détails et les fioritures. Cela inclut généralement un élément bizarre qui rend la chanson folle et inhabituelle. Puis, une fois que j’ai rassemblé tous ces éléments, il arrive que quelque chose de moyen puisse devenir assez cool.

 

LE TEMPS GUÉRIT TOUS LES MAUX

Alors que se passe-t-il quand vous faites tout ça, et que le résultat est un peu « bof »? Facile. Il suffit de se détendre une minute. Très souvent, les étudiants enregistrent quelque chose qu’ils considèrent comme médiocre sur le moment, mais lorsqu’ils l’écoutent dans un autre état d’esprit, cela change. Ce que vous pensiez être ennuyeux il y a un moment peut sembler excitant maintenant, ou du moins, valoir la peine d’être travaillé.

La perception sera toujours l’ennemi du progrès. Nous devons tous nous rappeler que certaines musiques sonnent bien à certains moments, et à d’autres, moins bien. De même, il arrive qu’un son ne vous plaise pas particulièrement dans le contexte dans lequel il se trouve, mais qu’une fois associé à une autre esquisse, il prenne une vie qui lui est propre. Ou il peut être moyen, et c’est correct! Comme je l’ai déjà dit, ce qui est moyen pour vous peut être génial pour un autre auditeur.

 

L’AVANTAGE DES FACES B

Le fait est que les morceaux ordinaires, à mon avis, résistent à l’épreuve du temps plus longtemps que les arrangements compliqués. Quand je fais du mastering, beaucoup des idées que j’aime ne sont pas si originales ou révolutionnaires, elles sont plutôt efficaces car elles couvrent tous les éléments d’une chanson que je trouve importants. Les trucs extravagants? Pas vraiment. Peut-être quelques compositions des Chemical Brothers ou de Plastikman, mais globalement, non, du moins à mon avis.

Les faces B font souvent partie de la meilleure musique qui soit, surtout du point de vue d’un DJ. Elles sont typiquement fonctionnelles et remplies de moins de fioritures que le single principal. Elles peuvent donc être facilement mixées et utilisées comme un outil, permettant aux DJ de créer des moments uniques à la volée pendant leurs sets. Pour cette raison, ils n’obtiendront peut-être pas autant de lectures sur des sites comme Spotify, mais ils pourraient être plus performants sur des sites comme Beatport ou Traxsource.

Une fois encore, je dois mentionner le cas de Deadmau5 “Strobe”. Il pensait qu’il s’agirait d’une face B, il l’a donc soumise en tant que face B au label, et c’est devenu l’une de ses plus grandes chansons. Ce que vous pensez être une face B pourrait devenir votre titre principal.

 

TRANSFORMER L’ORDINAIRE EN EXPÉRIMENTAL

Une chose que les gens oublient, c’est que parfois il est bon de faire de la musique expérimentale à partir de musique ordinaire. Vous vous souvenez de cette idée moyenne que vous avez eue auparavant? Vous pouvez la rendre extraordinaire avec quelques astuces simples. Tout d’abord, construisez une longue chaîne d’effets sur l’une de vos pistes de retour. Ensuite, prenez des canaux et commencez à les envoyer sur le retour. En faisant cela, vous pouvez vous retrouver avec des motifs syncopés vraiment bizarres et des textures très éloignées de ce que vous avez fait à l’origine. Vous pouvez soit laisser ces textures tout au long du morceau, soit les utiliser pour créer des moments de surprise afin de décontenancer l’auditeur.  Par exemple, je suis récemment allé voir Chaos in the CBD et l’un des moments les plus forts de leur concert a été, au milieu du set, cette fusion sonique sauvage, qui partait d’un montage d’une chanson des années 90. J’ai trouvé ça génial parce qu’ils ont pris quelque chose de vieux et l’ont rendu nouveau, quelque chose que j’ai abordé dans l’articule sur Murakami. 

 

FAITES DE LA MUSIQUE POUR VOUS

Beaucoup de gens se préoccupent de faire de la musique pour les autres, qu’il s’agisse d’un DJ ou d’un label. Pourtant, la plupart des grandes musiques proviennent de personnes qui les font pour elles-mêmes. Lorsque vous faites de la musique pour un DJ ou un label, vous vous retrouvez souvent à essayer de lire dans leurs pensées et à suranalyser leurs intentions. Les propriétaires de labels se plaignent alors que tous les morceaux qu’ils reçoivent sonnent exactement de la même façon. Bien que ce soit un produit de leur propre fait, car ils ne signent souvent que des morceaux qui correspondent à leur méta, en même temps, ils n’ont pas tort. Les producteurs mémorables n’essaient pas d’imiter. Au contraire, ils créent quelque chose que les autres essaient d’imiter. Et pour créer quelque chose d’unique, il faut que cela vienne d’un lieu d’authenticité. Et parfois, si vous vous contentez d’esquisser des idées, de former un mood board et de travailler sur des chansons qui ne correspondent pas tout à fait à un paradigme, c’est là que des choses vraiment fascinantes se produisent.

 

LA GRANDEUR EST LA SOMME DE CHOSES MOYENNES

En d’autres termes, ne vous préoccupez pas de choses moyennes ou non, commencez simplement à produire. Après tout, si vous essayez de vous faire remarquer, les algorithmes favorisent la fréquence, alors continuez à sortir des choses. La plupart n’auront pas un succès fou, mais si vous continuez à le faire, de temps en temps, vous pouvez obtenir un hit.

Comment se préparer à faire de la musique?

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À 10 ans, j’ai été invité à faire partie de l’équipe d’athlétisme de mon école. Bien que je me sois toujours considéré comme un coureur compétent, il y a une chose que nous avons commencé à faire plus souvent : des étirements. Au début, cela semblait être une énorme perte de temps, puisque tout ce que je voulais faire, c’était courir. Au lieu de cela, nous passions tout ce temps à faire ces exercices qui, pour moi, n’avaient rien à voir avec la course. Cependant, après des mois d’étirements, j’ai commencé à réaliser que je devenais nettement plus rapide. C’est parce que je m’échauffais. Tout comme vous devez vous échauffer pour vous préparer à courir, il en va de même pour la musique. Dans cet article, nous allons aborder des techniques d’échauffement qui aident à vous préparer à faire de la musique.

 

VOS OUTILS NE SONT PAS SI IMPORTANTS

J’en ai souvent parlé dans des articles précédents, mais cela mérite d’être répété. Dans le domaine de la production musicale, les clients pensent souvent qu’ils peuvent acheter tout l’équipement qu’ils veulent, et que d’une manière ou d’une autre, par miracle, ils seront inspirés pour créer. Cependant, le plus souvent, ils sont bloqués et la chose la plus productive qui se produit est que mon client nettoie la poussière de son mur de matériel inutile.

Le simple fait d’acheter du matériel ne sert à rien si l’on n’est pas intimement familiarisé avec. Imaginez que vous achetiez une belle guitare et que vous pensiez pouvoir en jouer tout de suite alors que vous ne savez pas en jouer. Cela semble ridicule, non? Bien sûr, c’est le cas! Il faut du temps pour apprendre un nouvel instrument. Il faut de la frustration. Il faut de l’engagement. Cependant, il arrive qu’ils sachent comment utiliser ce matériel, et pourtant, rien ne se passe. Le plus souvent, leur problème est qu’ils ne savent pas comment se préparer à faire de la musique. Et tout comme je m’échauffais pour l’athlétisme, un producteur doit aussi s’échauffer.

 

TROUVEZ VOTRE PROPRE SYSTÈME POUR VOUS PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Aujourd’hui, les gens pensent qu’il y a une manière uniforme de se préparer, cependant, tout le monde est différent. L’esprit n’est pas un quadriceps, où il existe des étirements standardisés qui le rendent plus fonctionnel. Donc ce que nous faisons lors des séances de coaching est de trouver un système qui fonctionne pour eux. Je commence par déterminer quelles sont leurs habitudes actuelles, car ce que nous savons, c’est que ce qu’ils ont fait jusqu’à présent ne fonctionne pas.

Donc, une fois que nous avons déterminé ce qu’ils font, il est temps de trouver un système qui fonctionne pour eux. Comme je l’ai dit précédemment, chaque personne est différente, donc tout ce que je vais dire est une suggestion, pas une recette magique.

 

ÉCOUTER DE LA MUSIQUE ACTIVEMENT POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

a photo of preparing to make music by actively listening to music

La première chose que les producteurs peuvent faire est d’écouter de la musique avant d’en faire. C’est une affirmation qui peut paraître évidente, mais combien de personnes écoutent activement de la musique? Combien de personnes rentrent à la maison, boivent une bière, mettent un disque et s’assoient, ne faisant rien d’autre que de s’intéresser à la musique? 10 %, peut-être? Cependant, ce sont ces 10 % de personnes qui sont prêtes à réussir si elles sont elles-mêmes auteurs de musique.

Lorsque vous écoutez activement de la musique, il est préférable de la considérer comme une piste de référence, en quelque sorte. Écoutez la chanson encore et encore. Notez le timbre et la structure de la chanson. Notez-le même dans un cahier. Cela préparera votre esprit à faire de la musique en l’engageant activement.

 

Lorsque vous écoutez activement de la musique, assurez-vous de vous concentrer sur les parties appropriées du morceau. Beaucoup de producteurs sont obsédés par les kicks, les hi-hats et les basses, mais au bout du compte, c’est la mélodie que les gens retiennent. Alors faites-vous une faveur et essayez de concrétiser des choses que vous pouvez facilement absorber. Vous ne vous souviendrez probablement pas du timbre exact d’un hi-hat, mais vous vous souviendrez peut-être suffisamment de la mélodie pour reproduire quelque chose de similaire plus tard.

 

 

ÉCOUTER UN DJ SET VOUS AIDERA À VOUS PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

De nombreux étudiants me disent qu’ils trouvent leur inspiration en boîte de nuit et qu’ils ne peuvent pas rentrer chez eux assez vite pour l’exploiter. Une solution? Écoutez un DJ set pendant 20 minutes à une heure. Plus vous vous préparez longtemps, mieux c’est.

An image of someone DJing, which is a great way to prepare to make music

Vous pouvez prendre des notes sur les transitions et les subtilités de la composition, ce que vous ne pouviez pas faire dans un club. Même si ce n’est pas exactement la même chose qu’en club, mes élèves disent souvent que toutes les idées qu’ils ont eues en club se manifestent à nouveau.

Une chose que j’aime faire est de mettre un mix tout en laissant jouer et en réécoutant les samples sur mon disque dur. En faisant cela, vous pouvez entendre quand un sample s’intègre bien dans le mix, ce qui vous permet de le catégoriser et de l’utiliser plus tard. Assurez-vous simplement que les niveaux de volume correspondent à ce que vous faites dans Ableton. Vous voulez que vos samples s’intègrent vaguement dans le mixage, plutôt que d’être le son prédominant. C’est également une façon utile de gérer les samples, parce que sinon, lorsque vous les faites simplement défiler, et que vous ne les comparez pas à de la musique, vous comparez simplement les samples à de l’air.


LE DJING POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Je pense que le DJing est un excellent moyen de se préparer à faire de la musique. Comme les autres suggestions, le DJing est une forme puissante d’écoute active. Le DJing entraîne vos oreilles à comprendre en profondeur la structure et le mixage d’une chanson. Vous pouvez facilement ajouter ou soustraire des fréquences pour voir comment elles modifient le morceau. Vous pouvez également entendre où se produisent les transitions, ce qui vous permet de construire vos morceaux pour qu’ils soient plus adaptés aux DJ (si c’est l’un de vos objectifs).

 

CRÉER DES LISTES DE LECTURE CATÉGORISÉES POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Je sais que j’ai dit plus tôt qu’il était plus facile de se concentrer sur la mélodie de la chanson, plutôt que sur son rythme. Alors, qu’est-ce que vous êtes censé faire lorsque vous voulez travailler sur un aspect spécifique d’une chanson? Eh bien, pendant que vous écoutez, placez les chansons dans des listes de lecture étiquetées en fonction des aspects de la chanson qui vous inspirent. Donc, il y en a une pour la mélodie, une pour les hi-hat ou un kick très spécifique. Ayez-en une pour la ligne de basse. Ensuite, lorsque vous voulez vous préparer à faire de la musique, vous pouvez revenir à ces listes de lecture et vous échauffer en les écoutant activement.

 

S’INSPIRER DE CEUX QUI INSPIRENT VOS INSPIRATIONS

Une autre façon de se préparer à faire de la musique est d’apprendre des personnes qui vous inspirent. Par exemple, je suis inspiré par Ricardo Villalobos, alors je lis souvent des articles sur lui. Grâce à ces articles, j’ai découvert qu’il est inspiré par le pianiste Keith Jarrett. Jarrett ne fait pas de musique électronique, mais il a clairement eu une grande influence sur le genre, qu’il le sache ou non. Alors, naturellement, j’écoute Jarrett pour voir si je ne peux pas exploiter une partie de cette inspiration.

 

IL EXISTE DE NOMBREUSES FAÇONS DE PRÉPARER VOTRE CERVEAU

En fin de compte, l’objectif est de faire travailler votre cerveau. Vous pouvez jouer à des jeux vidéo en écoutant de la musique, lire un livre ou aller courir. Vous pouvez également peindre ou écrire. Ce ne sont que des suggestions et vous devez trouver celle qui échauffe votre esprit, car comme je l’ai dit au début de l’article, un esprit n’est pas comme une jambe : il n’y a pas d’uniformité.

 

Configuration hybride Ableton-matériel

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Les producteurs se sentent souvent à l’aise avec leur ordinateur et ont l’impression de ne pas en avoir assez, alors ils décident d’investir dans du matériel (ou hardware).

Une fois que vous maîtrisez quelque chose, il est tout à fait naturel de vouloir passer au niveau supérieur. Vous pouvez avoir le sentiment que vous n’en tirez pas assez, ou que le support est limité d’une certaine manière. Pour mes étudiants, ce sentiment se traduit souvent par le passage d’un DAW comme Ableton à une configuration basée sur le matériel.

Ils pensent souvent qu’en faisant cela, ils vont débloquer un son plus riche, et une interface plus intuitive et instrumentale. Ils pensent qu’ils seront libérés, qu’ils pourront simplement improviser des compositions sans avoir à se fier à un clic de souris « artificiel » ou à un mapping MIDI dans un DAW.

La vérité est qu’une fois qu’ils ont fait ce saut, et qu’ils ont abandonné Ableton pour un Electron Octatrak et un modulaire, ils se retrouvent souvent encore plus limités par l’interface utilisateur étrangère et le fait que le modulaire n’ait pas de bouton « annuler », ou de sauvegarde de patch.

C’est pourquoi je leur recommande toujours d’utiliser une configuration hybride Ableton-matériel qui incorpore le meilleur des deux mondes, où la nature tactile et plug and play du matériel rencontre la commodité de pouvoir facilement sauvegarder et revenir aux réglages de l’ordinateur.

Au fil des ans, je pense avoir acquis une philosophie assez complète sur la manière d’aborder cette intégration, que je souhaite partager avec vous dans cet article.

Cependant, parlons d’abord du matériel, afin que vous puissiez comprendre ses forces et ses faiblesses.

A photo of a simple example of an Ableton-hardware hybrid setup.

 

Mythes sur le matériel

Le son est automatiquement meilleur

Ce n’est pas parce qu’il s’agit d’un matériel que le son sera miraculeusement meilleur. Dans certains cas, la somme analogique peut résoudre certains problèmes et améliorer certaines choses, mais elle peut aussi avoir un son différent de celui du numérique et, comme nos oreilles sont habituées au numérique, cela peut être trompeur. Nous ne sommes plus en 2005 ; les instruments virtuels ont progressé à pas de géant au fil des ans. Même pour une oreille aguerrie, il est difficile de faire la différence entre une TB303 émulée et la version Roland Cloud. L’analogique a du charme et une texture spécifique, mais c’est différent du numérique. Certaines personnes s’embrouillent une fois devant certaines machines.

Cependant, il y a des choses qui se produisent avec le son dans le matériel (hardware) qui est difficile à émuler dans le logiciel (software). Par exemple, le « fantôme dans le son » — cette main presque invisible qui crée des accidents aléatoires et heureux hasards dus au fait que vous travaillez avec du courant électrique pur, plutôt qu’avec une représentation binaire de celui-ci.

Cette « main » donne souvent lieu à des sons impossibles à reproduire, qui n’existent que le temps de leur projection par les haut-parleurs. Pour moi, c’est la magie du matériel — cette imprévisibilité qui existe pendant un instant fugace, jusqu’à ce qu’elle disparaisse, pour ne plus jamais être entendue, à moins que vous ne la capturiez.

En d’autres termes, l’analogique a un son que le numérique n’a pas et c’est une esthétique qui plaît à beaucoup de gens. Croyez-le ou non, certaines personnes préfèrent vraiment le son numérique, principalement parce que nos oreilles s’y sont habituées.

Cependant, que vaut cette capacité, si vous ne pouvez pas la capturer correctement? C’est pourquoi il est impératif, lorsque vous achetez du matériel, d’acheter également une interface audio solide pour pouvoir enregistrer le son avec la plus haute fidélité. En effet, au bout du compte, le son de votre matériel sera aussi bon que le maillon le plus faible de la chaîne.

C’est plus intuitif

C’est une autre idée reçue. En fait, le matériel analogique peut créer une nouvelle série de problèmes, le principal étant qu’il est impossible de charger un réglage ou un patch. Il n’est pas non plus possible de revenir à un réglage antérieur si quelque chose se dérègle.

Au lieu de cela, vous devez travailler à rebours afin de comprendre où cela a mal tourné. Et s’il s’agit d’un système analogique, il y a de fortes chances qu’en raison du « fantôme dans la machine », vous ne puissiez pas revenir à votre point de départ. Il en résulte des heures interminables de bricolage infructueux.

Cela pose également des problèmes pour les performances en live. Je me souviens lorsque je me produisais à MUTEK avec une installation modulaire. J’étais au milieu du soundcheck, en train de jammer sur mon modulaire, me perdant dans les fréquences. Puis, à la fin de la balance, j’ai réalisé que je devais tout remettre au point de départ pour le début du set. C’était frustrant, c’est le moins qu’on puisse dire. Sur un ordinateur, j’aurais pu simplement recharger le projet.

Si vous êtes allergique à la souris et à l’écran, le matériel pourrait peut-être répondre à vos besoins, mais cela ne veut pas dire que ce sera plus facile.

Ce n’est pas un DAW

Qu’est-ce qu’une MPC, Octotrak, Deluge si ce n’est une station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW)? Ils sont numériques, traitent l’audio, et sont un environnement de travail. En fait, vous ne faites que substituer une interface intuitive qui ressemble à un ordinateur portable à une interface compliquée qui ressemble à une boîte avec des boutons (attendez, n’est-ce pas ce qu’est un ordinateur portable, une boîte avec des boutons?)

Si vous ne supportez pas l’esthétique d’un ordinateur portable et que vous voulez quelque chose de plus épuré, c’est votre droit en tant que créatif. Sachez simplement qu’il est beaucoup plus difficile de déposer un échantillon de batterie dans un MPC que dans Ableton assisté d’un Push ou Maschine. Si vous détestez l’aspect d’un ordinateur portable sur scène, dissimulez-le dans un étui.

 

Comment tirer le meilleur parti de votre matériel?

Apprenez un élément à la fois

Les gens achètent souvent beaucoup de matériel d’un seul coup sans comprendre leurs besoins. À moins que vous ne copiiez exactement la configuration de quelqu’un à partir d’une vidéo YouTube, et que vous ne souhaitiez obtenir exactement le même son, il y a de fortes chances que les gens veuillent que leur propre matériel corresponde à leur vision artistique.

Ainsi, les gens se diront souvent « ok, j’ai besoin d’un synthé, d’une drum machine, d’un ensemble d’effets et d’un “cerveau” dans lequel je peux diriger le tout ». Ensuite, ils installent tout cela et se rendent compte qu’ils sont totalement dépassés et qu’ils n’ont aucune idée de la façon de l’utiliser, parce qu’il n’y a pas de recette pour cela.

C’est pourquoi je recommande de commencer par une seule pièce de matériel et de devenir vraiment bon avec celle-ci. Une fois que vous savez comment elle fonctionne, vous pouvez commencer à penser à la partie suivante de la chaîne.

Disons que vous commencez avec un synthé analogique. Tout d’abord, vous devez comprendre où se trouvent tous les filtres et ce qu’ils font. Comprenez comment sonnent les oscillateurs et comment vous pouvez les router. Ensuite, vous pouvez envisager votre prochain ajout.

Donc, si vous avez un synthé, la prochaine chose que vous allez probablement vouloir est un moyen de le séquencer. C’est souvent une boîte à rythmes avec un VC gate qui peut signaler au synthétiseur de jouer (ou non) certains paramètres. Je recommande le Beatstep Pro (Arturia) ou le Pioneer DJ Toraiz Squid. Bien sûr, il y en a beaucoup que vous pourriez ajouter, mais ces deux-là sont très polyvalents et se prennent en main rapidement.

Une fois que vous avez compris cela, peut-être que vous voudrez un effet afin d’obtenir plus de caractère du synthé. Assurez-vous que les effets que vous achetez sont exactement ce que vous voulez en les testant sur le synthétiseur séquencé. S’ils ne créent pas exactement ce que vous voulez, alors achetez-en de nouveaux. Il n’est pas nécessaire de passer à autre chose avant d’avoir trouvé la solution.

Si vous passez à autre chose trop tôt, vous risquez de vous empêtrer dans votre nouvelle configuration et de ne pas savoir comment l’utiliser. Vous vous retrouvez alors avec un mal de tête à 5 000 $, et vous n’êtes ni plus ni moins créatif.

Cependant, si vous comprenez bien vos pièces avant d’étendre la chaîne, vous rencontrerez moins d’obstacles.

Enregistrez tout

Rappelez-vous, souvent avec du matériel analogique, ce que vous avez fait n’existera qu’à ce moment-là. Il se peut que vous ne puissiez plus jamais l’enregistrer. Par conséquent, assurez-vous que vous disposez de beaucoup d’espace sur le périphérique sur lequel vous enregistrez, car vous devriez enregistrer presque tout.

Cela fonctionne particulièrement bien si votre processus créatif consiste à créer un tas de boucles, puis à assembler ces boucles pour en faire un morceau.

À vrai dire, le matériel ne nécessite pas de mappings MIDI sans fin ni de clics, et est plus instrumental, à bien des égards. Les boutons sont bien adaptés aux circuits et les touches sont pondérées pour interagir avec le synthétiseur d’une manière qui n’est pas forcément celle d’un contrôleur MIDI standard. Par conséquent, les boucles que vous créez peuvent très bien être plus intéressantes que tout ce que vous auriez pu faire avec un synthé logiciel.

Assurez-vous que votre enregistrement est propre

Comme je l’ai déjà mentionné, vous avez besoin d’une bonne interface audio. Je recommande la Focusrite Scarlett ou la SSL2. Elles enregistrent à une fréquence d’échantillonnage élevée et captureront la représentation la plus pure de ce qui sort de votre installation.

En outre, vous devez enregistrer correctement. Par conséquent, le signal doit être aussi proche que possible de 0 dB, car le plancher sonore sera toujours le même sur le matériel. Ainsi, si vous enregistrez à -6 dB comme vous le feriez avec des instruments numériques, lorsque votre enregistrement matériel est chargé dans votre « cerveau », il ne semblera pas assez fort dans de nombreux cas.

C’est parce que -6 dB dans le monde physique est silencieux. Donc, naturellement, vous allez augmenter le volume. Cependant, lorsque vous montez le son, vous ajoutez 6 dB de bruit à l’enregistrement. Vous voulez peut-être ce bruit, mais il ne sera pas parfaitement fidèle à la réalité de votre enregistrement original. Par conséquent, assurez-vous toujours, lors de l’enregistrement, qu’il est aussi proche de 0 dB que possible.  

Avoir conscience que vous serez à nouveau un noob

Ce n’est pas parce que vous étiez un utilisateur compétent d’Ableton que vous serez un utilisateur compétent de matériel. Vous devrez reprendre le manuel de l’utilisateur et regarder de nombreuses vidéos YouTube pour vous remettre à niveau.

Vos premiers trucs auront probablement un son horrible. Cela peut être décourageant, mais c’est la réalité que vous devrez accepter. Ce n’est pas parce que vous avez fait de la musique électronique « dans la boîte » que vous serez capable de la faire « hors de la boîte ».

another photo of an Ableton-hardware hybrid setup

Comment tirer le meilleur parti d’une configuration hybride Ableton-matériel

 

Dans le cadre de cet article, nous allons supposer que vous maîtrisez votre DAW; nous utiliserons Ableton comme principal exemple.

Jouer sur les forces de l’autre

L’objectif d’une configuration hybride est d’acheter ce que l’ordinateur ne peut pas vous donner, et/ou de compléter ce que vous faites sur l’ordinateur avec du matériel.

Comme vous le savez, le processus dans Ableton est assez intuitif et n’est pas de nature destructive. Si vous faites une erreur, vous pouvez toujours annuler ou revenir à une version précédente du projet.

Il est également beaucoup plus facile de visualiser l’arrangement d’un morceau sur Ableton que sur une MPC.

Cependant, vous préférez peut-être la jouabilité de la MPC. Eh bien, il existe une solution à ce problème — elle s’appelle Ableton Push. Je l’utilise pour pratiquement tout, c’est incroyable. Il ajoute cette instrumentation tactile qui manque lorsqu’on utilise une souris. De plus, tous ses mappings MIDI sont conçus pour être standardisés et intuitifs avec Ableton.

Utiliser Ableton comme membre d’un groupe

Une bonne façon d’utiliser Ableton en conjonction avec votre matériel est de l’utiliser comme un musicien de session/membre de groupe. Écrivez la structure de base d’un morceau sur Ableton, synchronisez-la en MIDI avec votre matériel, puis acheminez votre matériel dans des canaux et commencez à improviser. À l’intérieur d’Ableton, vous pouvez également créer des chaînes d’effets complexes qui peuvent moduler le matériel de manière inattendue, vous donnant ainsi quelque chose d’entièrement nouveau.

Utiliser Ableton pour préserver les sons

Une autre façon d’utiliser Ableton pour compléter votre matériel dans une configuration hybride Ableton-matériel est de pouvoir disposer de plusieurs versions d’un même projet contenant toutes les boucles que vous avez enregistré avec votre matériel. Étant donné que l’environnement d’Ableton ne détruit pas les formes d’onde comme le ferait une MPC en raison de son espace disque limité, vous pouvez modifier les formes d’onde sans avoir à créer plusieurs fichiers volumineux. Au lieu de cela, vous avez simplement des projets individuels pour différentes versions de l’enregistrement.

Divisez votre temps en sessions techniques et créatives

Cela fonctionne que vous soyez purement matériel, ou que vous utilisiez une configuration hybride Ableton-matériel. Le fait est qu’à chaque fois que vous intégrez du matériel analogique, il y a un processus de configuration. Vous ne pouvez pas simplement charger des paramètres. Vous devez donc configurer tous vos patches, vos effets et les bypasser correctement, faire fonctionner votre séquenceur et mettre de l’ordre dans vos patterns. Vous devez ensuite vous assurer que tout est reproduit près de 0 dB pour éviter le bruit tant redouté.

Cela va consommer une bonne quantité de matière grise.

Par conséquent, une fois que tout est prêt, assurez-vous de faire une pause. Allez boire une bière, méditez, faites de l’exercice ou faites ce que vous voulez pour vous remettre les idées en place.

Puis revenez et commencez à jouer et à être créatif avec votre configuration hybride Ableton-matériel.

Les contrôleurs MIDI sont vos amis

Le mapping MIDI est vraiment facile sur Ableton. Bien sûr, cela prend un peu de temps à mettre en place, mais ce n’est souvent rien comparé au temps que vous passerez à régler le matériel pour obtenir un résultat similaire. Par conséquent, procurez-vous des faders et des boutons MIDI pour contrôler certains processus internes d’Ableton.

Le MIDI créera cette sensation tactile que procure le matériel. Le Push est, une fois encore, un excellent moyen d’y parvenir, car il est intuitif avec Ableton. Cependant, certaines personnes ne veulent pas dépenser autant d’argent pour un contrôleur MIDI. Dans ce cas, il existe des dizaines d’excellents contrôleurs qui vous permettent de créer vos propres instruments à la volée.

Quelques suggestions : AKAI midimix, Novation Launch Control

Ces mappings affecteront également votre matériel, puisque vous pouvez les mapper sur différents faders internes qui modifient le son du matériel, comme le volume du canal ou les paramètres d’EQ chirurgicaux.

En fin de compte, faites ce qui fonctionne le mieux pour votre processus créatif. Il ne s’agit là que de recommandations tirées de mon expérience de l’utilisation exclusive des deux systèmes, puis de leur intégration. N’oubliez pas qu’il y a une courbe d’apprentissage pour tout, et que les choses qui étaient vraies pour l’un ne le seront pas pour l’autre. Il n’y a pas de solution miracle lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Le matériel ne vous rendra pas incroyable, le logiciel ne vous rendra pas incroyable. Seuls le talent et le dévouement le feront.

Certains liens contiennent des offres d’affiliation.

Leçons de coaching en musique électronique

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Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

  • Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
  • Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
  • D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
  • Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

  • Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
  • Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
  • Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
  • Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
  • Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

  • L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
  • Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
  • Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
  • Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
  • Ses attentes sont très élevées.
  • La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
  • Ils voient la musique de manière hiérarchique.

 

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

Bob Ross would have been great at electronic music coaching.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment préparer un EP?

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Dans mon groupe de coaching, quelqu’un a posé la question suivante :

Alors, comment préparer un EP (je demande cela concernant l’atmosphère générale, tous les morceaux devraient être faits de la même façon, disons, ou créer une histoire entre eux)? Je trouve cela très difficile, si je regarde mes dix derniers projets, ils sont tous très différents. Comment puis-je retrouver la même couleur pour plus de morceaux? Pouvez-vous me dire comment préparer un EP?

J’ai répondu rapidement, mais j’ai pensé qu’il serait utile de développer ce point, car la véritable réponse à la question de savoir comment préparer un EP est un peu plus longue et couvre de nombreux aspects. Pourquoi? Parce qu’en tant que producteur, amateur de musique et propriétaire d’un label, il n’y a rien qui me frustre plus que d’avoir un EP qui n’a ni âme, ni concept, ni direction. Il me paraît fade et vide. Il existe différents types d’EP et tous trouveront une oreille, mais personnellement, je suis difficile. Voyons quelques types d’EP qui ont du succès :

L’utilitaire :

Ce type d’EP est plutôt destiné aux DJ et dispose d’une collection de morceaux ayant la fonction d’être joués dans des sets.

La compilation :

Qu’il s’agisse d’une « Various Artist » ou d’un seul artiste, celui-ci est simplement une collection de morceaux choisis au hasard parmi du matériel non signé.

Le conceptuel :

Parfois, un artiste a un patch, un système ou une façon de travailler qui fait qu’une série de chansons sonnent de la même façon, que certaines chansons vont s’unir en raison de la direction.

Ce dernier est le type d’EP que je préfère. Si je l’écoute sur Spotify, j’aime parfois l’expérience de la non-linéarité qui consiste à l’écouter en aléatoire. Pour moi, c’est une réussite si je peux écouter l’EP de cette façon en répétition et ne pas m’ennuyer ou mieux encore, si cela me donne envie de creuser pour trouver plus de musique de l’artiste. Comme il y a de nombreuses personnes qui apprécient un EP autant qu’un album, il existe une certaine valeur à en faire un. Les gens ont pu dire que les services de streaming tuaient ce genre de sorties, mais je pense vraiment le contraire. En tant que propriétaire d’un label, si je vois quelqu’un qui met assez d’énergie pour faire un album, cela montre certainement beaucoup de maturité et le rend spécial à mes yeux. Que ce soit de manière instinctive ou planifiée, ce sont des exemples parfaits de la manière de faire un EP.

 

L’ŒUF OU LA POULE : PRÉPARER UN EP À PARTIR DE CE QUE J’AI DÉJÀ OU PARTIR DE ZÉRO?

De nombreuses personnes font régulièrement de la musique dans l’idée de la publier un jour. Si vous y réfléchissez, si vous passez d’un projet à l’autre, vous explorerez certainement des ambiances, des techniques, des logiciels et des idées différents. Si vous travaillez sur du matériel physique, votre musique aura surtout une sorte d’esthétique commune, mais avec l’ordinateur, elle se répand à peu près partout puisque vous avez accès à tant d’outils et de samples.

Il est un peu plus difficile de garder quelque chose de cohérent et vous pouvez facilement commencer à faire une musique complètement différente de celle que vous avez faite précédemment. Si vous vous souvenez de certains articles sur mon approche du travail non linéaire, vous travaillerez ici et là et vous pourrez emprunter certaines idées d’une chanson qui ne fonctionne pas, pour une autre qui a besoin de quelque chose de spécifique.

L’idée de comment faire un EP est, à ma connaissance, d’essayer de proposer 3-4 chansons qui ont la même direction et la même esthétique. Une des idées qui sous-tendent ma démarche consiste à toujours essayer de travailler sur plusieurs chansons, à les porter à environ 90 % et à les exporter dans un dossier comme référence.

Plus tard, lorsque je travaillerai sur un EP ou un album, j’irai dans ce dossier, écouterai les morceaux. Je saurai alors lesquels ont des similitudes, ce qui me permettra de travailler sur les derniers 10 % qui manquent pour les terminer. Chaque fois que des clients viennent me voir car ils ne parviennent pas à finir des chansons, il faut leur préciser que ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose. Vous pouvez vous entraîner à les terminer, mais ce n’est pas indispensable. C’est la même chose quand on commence à se demander ce qui se passera si je fais ceci ou cela. Je crois qu’on peut répondre à ces questions après avoir laissé mûrir la chanson pendant quelques semaines.

 

Comment faire un EP — Objectif et direction

photo of how to make an EP record

Credit: Blocks

Une des choses dont nous avons beaucoup parlé sur ce blogue est qu’il n’y a pas de secrets pour faire de la musique si vous pouvez analyser une chanson de référence. En fin de compte, la réalisation d’un EP est parfois aussi simple que de se référer aux formules des artistes précédents. Beaucoup de gens avec qui je travaille craignent pourtant qu’un morceau de référence n’entache leur direction artistique de sorte qu’ils ne se sentent plus eux-mêmes.

Ce qui me fait sourire, c’est que ces personnes sont les plus susceptibles de venir me voir et me dire qu’elles sont perdues. Vous pouvez utiliser un EP/LP de référence comme moyen de sélectionner les chansons qui vont faire partie du même projet. Par exemple, un EP très important pour vous comportait 5 titres, dont 2 étaient des titres d’ambient et les autres avaient une approche différente. C’est peut-être quelque chose à envisager.

La façon dont je vois l’utilisation d’un projet de référence dans ces conditions est que vous vous serviez d’un cadre pour ensuite le supprimer. Le nombre de titres d’un EP est une question de préférence, en fonction de l’objectif que vous vous êtes fixé pour celui-ci.

Une chose qui dérange beaucoup les gens, est quand ils commencent à penser à ce que l’auditeur attend. Il y a un équilibre entre les personnes qui veulent le même type de musique d’un artiste d’une sortie à l’autre, et celles qui veulent que l’artiste garde un caractère central, mais qu’il évolue, change et ne répète pas les mêmes formules. Il peut s’agir du même type d’équilibre entre les personnes qui veulent un album ou un EP — toutes les pistes sont légèrement identiques ou toutes les pistes sont très différentes les unes des autres.

Où vous situez-vous dans tout cela?

Où vous voulez. Ne vous inquiétez pas trop, car quoi qu’il arrive, certaines personnes aimeront votre travail et d’autres ne l’aimeront pas de toute façon. Une approche que j’ai est d’imaginer mon projet pour un ami en particulier. Comment l’aimerait-il? Ou pour un DJ… qu’est-ce qu’ils aiment?

Parfois, je trouve qu’un bon exercice pour compiler quelques morceaux pour un EP est de penser à mon objectif actuel. Comment ces morceaux répondent-ils à mon propre besoin, aujourd’hui, lors de la composition d’un EP?

 

ÉTAT D’ESPRIT

Préparer un EP commence et finit avec l’état d’esprit. Il y a différents moments où vous aurez le temps de faire de la musique. J’aime aborder ma session avec une intention, sinon je me perds rapidement, soit en résolvant des problèmes, soit dans des détails qui ne sont pas utiles en fin de compte. Les différentes intentions peuvent être énumérées comme suit :

MA MÉTHODE

L’erreur d’un producteur débutant est d’aborder l’utilisation de son temps sans intention et de s’occuper de ce qui se présente. Cela fonctionne la plupart du temps, mais vous n’utilisez pas votre temps à bon escient. Si vous commencez une session avec une chose en tête, vous ne serez pas distrait par la poursuite d’une autre chose qui vous éloigne de ce que vous essayez de réaliser. Votre esprit peut faire quelque chose de vraiment bien si vous y mettez toute votre énergie. En ce sens, j’ai développé une confiance naturelle en moi, qui me dit que, quoi qu’il arrive, un futur moi pourra réparer ou récupérer mon travail à un moment donné.

photo of how to make an EP

Credit: Nguyen Dang Hoang Nhu

Cette approche est un appel ouvert à travailler sur plusieurs projets et chansons en même temps, et facilite le processus de création d’un EP. Vous créerez un immense réservoir de sons et d’idées qui sera prêt pour les moments où vous vous sentirez créatif et ferez des boucles, le cœur d’une chanson.

Il est important de capturer l’ambiance de la chanson et d’essayer de la finaliser rapidement pour ne pas la surcharger, mais vous pouvez aussi créer un tas d’idées squelettes que vous finirez plus tard. Gardez à l’esprit que si vous faites de la musique régulièrement, vous vous améliorez et serez encore plus compétant à l’avenir.

Cet état d’esprit reste ma meilleure approche de l’année dernière, lorsque j’ai réfléchi à la façon de faire un EP, c’est ce qui m’a permis de créer beaucoup de musique. Il est facile de me perfectionner au point de pouvoir, en toute inspiration, créer une chanson à partir de rien. L’autre état d’esprit que je trouve utile est d’enregistrer le plus souvent possible des petits moments en live.

La raison en est de savoir ce que l’on ressent quand on improvise, quand on joue, quand on vit la chanson au lieu de la faire en cliquant avec la souris. C’est particulièrement important pour que vous puissiez peut-être imaginer si votre musique s’adapte aux podcasts et aux sets d’un artiste. Vous voulez avoir ce facteur plaisir tout en étant essentiel à l’arsenal d’un artiste.

Un autre avantage d’avoir un état d’esprit précis est que lorsqu’il s’agit de travailler sur un EP ou un LP, les 2 états d’esprit qui en bénéficieront réellement seront la partie d’optimisation ainsi que la finalisation. Je préfère avoir 10 chansons inachevées puis en choisir 4, les terminer selon une seule esthétique pour les unifier plutôt que d’avoir 10 chansons finies qui ne sont pas vraiment cohérentes ensemble. Si vous achetez souvent de la musique et que vous cherchez un EP, qu’est-ce qui attire votre attention et quel genre d’EP vous fait envie?

 

ESTHÉTIQUE

Maintenant que vous savez que vous pouvez avoir un tas de chansons presque terminées et que les derniers 10 % de polissage peuvent faire avancer tout votre projet, je vous entends demander comment ce dernier détail peut être réalisé. Il y a différentes choses que l’on peut faire, mais généralement ce qui unifie un projet, si l’on se réfère aux techniques, peut être classé en différents groupes :

BASÉ SUR LA CONCEPTION SONORE

Un bon exemple est la façon dont l’utilisation d’un même ensemble de sons peut créer une unité. Par exemple, une batterie 808 pour toutes les chansons donne l’impression que toutes les chansons ont le même noyau, mais vous pouvez ajouter des idées différentes autour. Il en va de même pour un synthé en particulier, où Mathew Jonson est un très bon exemple. En ce sens, construire un kit de percussion est vraiment utile.

Il y a plusieurs façons d’en construire un, mais ma façon préférée est d’utiliser XO by XLN parce qu’il crée une carte de tous les sons que j’ai et les met aussi de façon à ce que les sons similaires soient rapprochés. Ainsi, vous pouvez non seulement créer un kit basé sur un autre, mais vous avez toujours la possibilité de rechercher une vaste sélection et de ne pas aller trop loin. C’est le genre d’outil dont je rêvais, non seulement ils l’ont fait, mais ils l’ont amélioré par rapport à ce que j’aurais fait.

how to make an EP effects photo

BASÉ SUR LES EFFETS

Les principaux effets qui peuvent rapprocher un projet, du subtil au radical, sont ceux qui sont colorés. Pensez à la réverbération pour le Dub, à la distorsion pour le breakbeats ou aux effets lofi pour la house old school. Ils sont la clé, la signature du genre, et aident à définir comment faire un EP qui se ressemble. Parfois, il est intéressant de reprendre toutes les pistes d’un EP et d’utiliser le même rack d’effets. Il est facile de l’importer dans chacun des morceaux et vous pouvez sauvegarder quelques presets qui sont facilement paramétrables.

Il existe de nombreux plug-ins liés à l’esthétique que vous pouvez utiliser et essayer. Je n’hésiterais pas non plus à les mettre simplement sur le bus Master (oui, je suis sérieux) ce qui vous donnera une version très colorée, que vous pourrez enlever par la suite. Mais comme je le dis souvent, il faut exagérer les choses pour voir jusqu’où on peut aller sinon, si vous allez avec 2-3 % de dry/wet à la fois, vous ne verrez jamais vraiment le tableau complet. Je trouve qu’un multi-effet comme le RC-20 by XLN peut vous donner une très bonne idée de votre chanson dans un nouvel espace. Il ajoute de la saturation et du bruit de fond. Il donne à votre chanson l’impression d’être tirée d’un dubplate. Plutôt impressionnant.

BASÉ SUR LE TIMBRE (TONE)

Une chose que je vois quand je fais le mastering d’un EP, c’est la cohérence du timbre (tone). Quand il n’y en a pas, je l’accentue généralement pour plus de cohérence. C’est bizarre d’avoir une chanson super brillante au milieu de quelques autres plus sombres. Si c’est artistique, ça peut marcher, mais ça rend l’écoute un peu cahoteuse. Si vous utilisez Fabfilter Pro-Q3, vous pouvez appliquer une courbe d’égalisation d’une chanson à l’autre. Parfois, vous pouvez avoir une courbe pour un EP que vous appliquez sur toutes les chansons. Cela peut donner des résultats intéressants.

HISTOIRES COMPLÉMENTAIRES

Dans un article précédent, j’expliquais comment vous pouvez superposer tous vos morceaux et voir comment ils seraient mixés du point de vue d’un DJ. Avez-vous essayé de les superposer pour voir si de belles combinaisons sont possibles?

Templates

Comme expliqué précédemment, j’aime sauvegarder les arrangements d’une chanson pour les conserver comme modèles pour les futures. C’est très pratique pour accélérer le processus de passage d’une boucle à une chanson.

 

Faire de la musique plus vite : s’imposer des limites pour développer la créativité

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« Je pense qu’il faut revenir en arrière maintenant ». Voilà ce que j’ai dit à un ami qui me demandait ce qui m’attendait pour l’année. Cela en me référant à une opinion que j’avais il y a des années, à savoir qu’il faut reconnaître quand il est temps de suivre le courant, et quand il est temps de l’inverser ou de le dévier pour aller dans une autre direction. Je repensais à la révolution mp3 de 2001 ; les geeks téléchargeaient toute la musique qu’ils voulaient grâce à Napster ou à d’autres logiciels. Il y avait un débat permanent sur la copie et le partage de la musique. À l’époque, c’était surtout la musique pop et commerciale qui remportait le plus de succès grâce au partage de fichiers. Dans la culture underground, les Netlabels sont devenus un mouvement mystérieux, partageant de la musique gratuitement. Aujourd’hui, la musique gratuite est courante, mais à l’époque, elle était vraiment considérée comme une approche absurde pour un label, voire comme une « pensée rétrograde », et souvent décriée et ridiculisée.

À l’époque, Dennis De Santis (qui travaille maintenant pour Ableton) et moi-même avons été contactés pour faire partie d’une compilation pour un netlabel allemand appelé Thinner (qui est finalement devenu un netlabel assez connu). Pourquoi l’ai-je fait? Deux facteurs principaux ont contribué à cette décision :

  • Je ne signais pas de musique à l’époque et je disais « oui » à tout ce qui pouvait m’arriver.
  • Il y avait un nouveau flux de personnes qui voulaient de la musique gratuitement… alors, pourquoi ne pas la leur donner?

J’ai décidé de suivre le mouvement. En faisant cela, vous êtes poussé dans une direction et vous acceptez que vous ne puissiez pas contrôler où vous finirez. Dans mon cas, je dirais que cela ne m’a conduit qu’à de grandes choses — rencontrer des gens, obtenir des bookings et beaucoup d’attention.

Il n’est pas surprenant que lorsque j’ai lancé mon propre label, Archipel, en 2004, je l’ai également lancé en tant que netlabel. Mais en 2006, j’ai décidé d’aller à contre-courant et de faire ce que beaucoup n’approuvaient pas vraiment, c’est-à-dire vendre de la musique sur Beatport. C’était le début de la vente de musique numérique et beaucoup de gens pensaient que ça ne marcherait pas, mais ça a vraiment bien tourné.

Ce que je veux dire, c’est qu’il y a des moments où il est logique de continuer à aller dans une certaine direction, et d’autres où il est plus judicieux de changer de direction. En gardant cela à l’esprit, être flexible est quelque chose qui peut s’appliquer à de nombreux domaines, comme l’esthétique musicale, ou même une chanson.

Comme je l’ai mentionné, j’ai récemment rejoint Weeklybeats — un défi consistant à créer une chanson par semaine, pendant toute l’année, et j’ai éprouvé un grand sentiment de liberté. Normalement, je m’impose un flux de travail très rigoureux lorsque je fais de la musique, et souvent il me faut des mois pour terminer une chanson. Le fait de passer à un rythme plus rapide m’a obligé à moins réfléchir. Oui, il y a un risque de diminution de la qualité avec l’augmentation de la vitesse, mais en même temps, avec l’expérience que j’ai acquise au fil du temps, je sais que je peux au moins assurer que ma production est solide.

J’ai aussi compris que ma principale distraction est que je suis constamment bombardé de nouveaux outils musicaux promettant des tonnes de nouvelles fonctionnalités et que je passe un temps fou à les parcourir et à attendre une promotion pour les acheter, sans jamais vraiment pousser au maximum les choses que je possède déjà. Avec ce défi hebdomadaire à l’esprit, maintenant que je me suis imposé des limites, j’ai l’impression d’avoir fait une énorme percée.

Le temps

Les échéances vous rendent créatifs et productifs. Un ami qui est père de deux enfants m’a dit récemment qu’il créait ses meilleures idées lors de courtes sessions de musique, sachant qu’il serait limité à peut-être 10 minutes. Ainsi, disons qu’il devait se rendre à l’épicerie ; pendant que sa famille se préparait, il ouvrait Ableton et testait une nouvelle macro qu’il avait créée, ou essayait des arrangements temporaires. La contrainte de temps le rendait plus efficace que lorsqu’il avait une soirée entière pour faire de la musique, ce qui n’aboutissait souvent à rien d’intéressant.

Ma théorie est qu’avec trop de temps, on peut gâcher ce qu’on fait. C’est pourquoi je pense que 5 heures de studio passées sur une chanson n’est pas la meilleure idée — une pensée qui s’est avérée juste pour moi en participant à ce défi hebdomadaire. Maintenant, je prends quelques heures pour créer une idée, la sauvegarder et la développer plus tard — le lendemain, j’ajoute une couche, etc. Je suis limité dans le temps et je fais plusieurs choses à la fois, mais je trouve 20 minutes par-ci, 40 minutes par-là, puis 10 minutes avant d’aller me coucher.

Essayez ce patch Max 4 Live qui vous permettra de chronométrer votre travail et vous donnera une idée du temps que vous avez passé sur les choses.

Conseil : donnez-vous une date limite pour terminer une chanson et accepter qu’elle est ce qu’elle est. Il est plus important de passer à autre chose que d’essayer d’atteindre une perfection illusoire. Utilisez l’alarme de votre agenda comme un rappel.

Je décide de la durée de ma chanson avant d’essayer d’accélérer les choses. C’est un conseil dont on parle souvent dans le blogue, mais j’insiste sur le fait qu’il s’agit d’une limitation importante qui clarifie beaucoup de choses.

Les outils

Si vous êtes un lecteur de ce blogue, vous vous souviendrez que pour une chanson, je vous encourage à vous concentrer sur une idée principale soutenue par deux idées mineures. Il est très facile de se perdre en essayant de trouver une idée pour commencer. Mon approche est d’essayer d’utiliser ce qui vient rapidement.

Synths : Connaître ce dont vous disposez — faites le tour des synthés fournis avec votre DAW, et des autres. J’encourage les gens à se procurer au moins un synthé qui est une émulation analogique d’un modèle classique (Arturia fait un excellent travail dans ce domaine) et un autre axé sur un large éventail d’options de conception sonore (je suis un grand fan de Rob Papen et je vous encourage à tester ses produits).

Samplers (échantillonneurs) : Honnêtement, le Sampler d’Ableton Live fait l’affaire pour moi. Il existe d’autres alternatives, mais au final, ils font tous le même travail, à l’exception de certains qui ont plus d’options. Je reviens toujours au sampler de base parce qu’il est simple et extrêmement polyvalent.

Une fois que vous avez décidé si vous allez générer un son ou utiliser un échantillon, il est temps de jouer avec. Le mappage d’un contrôleur MIDI est très utile pour jouer différentes notes. Parfois, je vois des gens devant leur clavier et ils ne savent pas trop quoi faire. Cela peut sembler évident, mais quand je jam, je teste :

  • différentes hauteurs en jouant des notes plus hautes et plus basses.
  • des notes plus ou moins fortes pour voir comment la vélocité influence les choses.
  • le son à un volume différent. Parfois, un son à très faible volume est beaucoup plus intéressant qu’un son fort.
  • l’alternance entre des notes courtes et longues. En fonction de votre preset, il peut être joué différemment.
  • en jouant des notes rapides et lentes pour voir le ressenti.

N’oubliez pas que vous pouvez faire une chanson à partir de n’importe quel son si vous savez comment l’utiliser. La raison pour laquelle nous rejetons les sons est que nous cherchons à faire autre chose. Nous ne prêtons pas attention au son et à son potentiel. En se limitant à un seul outil par chanson, on élimine beaucoup de temps d’exploration. Cela vous oblige également à faire quelque chose avec ce que vous avez.

Il en va de même pour la reverb, la compression et l’EQ. Je n’en utiliserai qu’un ou deux, au maximum. Quand je suis en mode mix, j’explore généralement différents compresseurs.

La composition

Si vous utilisez du modulaire ou du matériel physique, vous avez votre équipement devant vous et vous commencerez à travailler avec ce que vous avez. Cette limitation vous oblige à être créatif. Mais sur un ordinateur, vous aurez de nombreuses façons de faire de la musique.

Modèles (ou Templates). Pour accélérer mon travail, j’ai créé un modèle principal que j’utilise pour créer des macros et des techniques, tout en enregistrant le tout. Je fais surtout du jam et je ne passe pas trop de temps à entrer dans les détails — volontairement brut. Lorsque j’ai quelque chose de potentiellement intéressant, je crée une piste appelée « idées » et j’y mets mes clips. Plus tard, quand je commence à travailler sur une chanson, à partir du navigateur de gauche, je peux ouvrir le modèle et importer la piste « idées » dans ma nouvelle chanson. Vous pouvez importer vos sons dans plusieurs modèles. Dans un autre modèle, créez des modificateurs de son. Par exemple, j’ai un template dub rempli de modulateurs de reverb et de delays. Je peux y faire passer n’importe quoi et quelque chose de dub en sortira.

Jam. J’essaie d’inciter les gens à jammer autant que possible. Chaque fois que j’ai une boucle comme idée principale, je commence automatiquement à enregistrer et je la mets en sourdine, je la joue, je change le volume et j’essaie différentes combinaisons. Cela me permet d’explorer des idées que je ne pourrais pas découvrir si je me contentais d’éditer à la souris les clips dans les arrangements.

Le son

Pendant très longtemps, nous avons voulu avoir accès à un maximum d’échantillons, mais maintenant que nous les avons, nous sommes complètement perdus. Essayez de décider quel snare ou quel clap vous voulez. Échanger un son n’est pas très facile, mais j’ai trouvé cet incroyable step sequencer qui a réglé ce problème. Il est fabriqué par XLN et appelé XO.

Si vous voulez faire de la musique rapidement, vous devez trouver vos sons préférés et créer des drum kits. Importez-les chaque fois que vous commencez une nouvelle chanson. À l’époque, on avait un 909 ou un 808 pour les drums, point final. Créez donc un bon drum kit principal, puis ajoutez-y quelques sons différents, et le tour est joué.

Et pour l’amour de Dieu, arrêtez de penser que vous devez tout faire à partir de rien, tout le temps! Oui, c’est cool, mais ça vous ralentit beaucoup.

J’ai mentionné que je « reviendrais en arrière » cette année. Ce que je voulais dire par là, c’est que toutes mes habitudes doivent être améliorées ou modifiées. Les habitudes me permettent de me sentir en sécurité et à l’aise, tandis que le sentiment de malaise me force à être créatif et à penser différemment. Rejoignez-moi dans cette démarche ; je suis sûr qu’il y a de la magie qui vous attend aussi!

VOIR ÉGALEMENT : Reverb Tips to Boost Your Creativity

Travailler avec Loopcloud

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Pour faire de la musique au début des années 90, il fallait travailler avec des échantillonneurs (samplers), un ordinateur Atari très basique pour faire tourner Cubase, et sampler des sons de cassettes ici et là. Nous ajoutions des lignes de synthétiseur par-dessus ce que nous avions, mais nous étions vraiment limités dans nos possibilités. Vous n’avez pas idée à quel point il était épuisant de faire une simple boucle — cela prenait parfois toute un après-midi. De plus, nous devions tout laisser tourner pour continuer plus tard sans rien perdre. 10 ans plus tard, c’était déjà beaucoup plus facile, mais pour trouver les échantillons (samples) dont vous aviez besoin ou que vous ne pouviez pas faire vous-même, vous achetiez des échantillons sur CD ou cherchiez dans votre bibliothèque de musique — ce n’était pas toujours facile.

Quand j’ai décidé de commencer à travailler avec d’autres sur leur musique en tant que producteur, il y a une chose qui est devenue essentielle, l’organisation de mes fichiers : des échantillons avec des étiquettes pour que je puisse les retrouver facilement. Quand je travaille sur un album complet tout en travaillant sur 2 ou 3 autres projets pour des clients, si je ne suis pas organisé, je perds mon inspiration.

Et puis j’ai découvert Loopcloud. Depuis, je ne suis plus le même, sans blague.

Qu’est-ce que Loopcloud et comment cela fonctionne?

Avant tout, Loopcloud est une application de bureau qui se synchronise avec votre DAW. C’est aussi un organisateur d’échantillons et un magasin en ligne pour tous les samples qui pourraient vous manquer. Ainsi, l’application contient vos échantillons ainsi que la bibliothèque sur le nuage (cloud) — c’est une porte d’accès à une bibliothèque où vous pouvez trouver pratiquement tous les sons dont vous avez besoin. La meilleure façon de l’utiliser est d’ouvrir le VST Loopcloud dans votre DAW et d’aller ensuite sur l’application pour commencer votre recherche de sons. Si vous faites cela avec un morceau sur lequel vous travaillez, il synchronisera votre BPM et vous pourrez alors lui dire dans quelle clé se trouve votre morceau (le cas échéant). Si vous trouvez des boucles qui ne sont pas dans la bonne tonalité, vous pouvez également forcer l’application à l’accorder sur la tonalité de votre chanson. Il vous suffit alors de faire glisser l’échantillon que vous avez trouvé dans Loopcloud et de le déposer directement dans votre DAW — c’est assez magique.

Les différentes façons dont j’utilise Loopcloud

  1. Trouver un son manquant précis pour une chanson. Vous pouvez passer 30 à 40 minutes à essayer de trouver un roulement de tambour correct, à régler un synthé pour qu’il sonne exactement comme certains leads deep house que vous aimez, etc. Avec Loopcloud, je trouve parfois 2 ou 3 échantillons qui sont similaires à ce que j’imagine et je les superpose pour créer quelque chose de nouveau.
  2. Explorer des genres qui vous font habituellement peur. Si vous avez collecté et acheté des échantillons basés sur un genre, il est parfois très intéressant de s’aventurer dans d’autres genres que vous ne connaissez pas et de trouver des sons différents de ceux que vous utilisez d’habitude. Il est normal d’être pointilleux dans la recherche de sons, et il se peut que vous ne soyez pas intéressé par l’achat d’un pack complet d’un genre que vous n’utiliserez peut-être jamais. Vous pouvez maintenant vous procurer un seul échantillon — une voix ou un instrument de world music — pour créer des paysages sonores inédits. En utilisant des sons organiques, des percussions acoustiques sur vos sons numériques peuvent ajouter une belle touche supplémentaire.
  3. Tester un son dans son contexte. Comme la sortie audio de Loopcloud est connectée à votre DAW, vous pouvez y ajouter des effets pour voir, par exemple, comment une accroche sonnera une fois compressée ou avec un delay. Normalement, il est difficile de savoir exactement comment les samples que vous allez acheter vont s’y insérer, mais avec une piste Loopcloud, cela ouvre de nombreuses possibilités. Cependant, les sons sont filigranés pour lutter contre le piratage, alors ne vous attendez pas à les enregistrer à partir de là!
  4. Générer des idées aléatoires. Avec des échantillons aléatoires, vous pouvez essayer beaucoup de choses différentes dans votre travail et sortir de votre zone de confort — avec Loopcloud, vous pouvez les tester et voir ce qui se passe. Il y a ici un aspect découverte qui me fait souvent sourire.
  5. Tester de multiples options dans les arrangements. Parfois, dans un moment où vous savez qu’il manque quelque chose, vous n’êtes pas sûr que ceci ou cela fasse la différence. Vous pouvez essayer des boucles qui pourraient vous donner une meilleure perspective de ce que vous pouvez faire.
  6. Utiliser l’éditeur de samples de Loopcloud pour affiner une boucle. Bien qu’il y ait beaucoup de boucles dans Loopcloud, vous pouvez réarranger les sons dans l’éditeur et ajouter quelques effets intégrés pour peaufiner l’échantillon parfait. La fonction multicouche vous permet de jouer jusqu’à 8 boucles. C’est vraiment une valeur ajoutée à votre bibliothèque, qui vous offre de nombreuses options pour modifier le matériel original, peut-être même un contenu très simple.
  7. Tester un échantillon seul dans un contexte. Vous pouvez choisir un échantillon et avec le séquenceur interne de Loopcloud, créer un motif pour voir comment cela sonnerait. C’est plutôt génial, car il vous manque parfois cette seule petite chose. C’est, de loin, beaucoup plus rapide et pratique que le navigateur d’Ableton. Avec tous vos échantillons personnels et ceux de la bibliothèque Loopcloud, il n’y a absolument aucun moyen d’échouer dans la recherche de bons sons. Peut-être qu’avoir trop de sons pourrait même devenir un problème!

Si vous ne l’avez pas déjà lu sur ce blogue, pour 2020, je fais une chanson par semaine dans le cadre d’un défi personnel que je relève sur WeeklyBeats, et cela a été une expérience transformatrice. La musique est l’une des parties centrales de ma vie, à la fois mon style de vie et ma vie professionnelle, mais mettre ma propre musique en premier était un peu un défi parce que je consacre beaucoup de mon temps aux clients — cela a aussi porté ses fruits à bien des égards. L’avantage principal de faire une pause dans ma propre musique a été de revoir en détail la façon dont je commence une nouvelle chanson.

Loopcloud est un outil très utile pour démarrer de nouvelles chansons à partir de zéro. En gros, avec ma façon de travailler, j’ai d’abord besoin d’un groove de base pour pouvoir improviser de nouvelles idées. Le groove peut être générique ou très simple, mais j’ai besoin de quelque chose de différent à chaque fois. Faire quelque chose de nouveau et de rafraîchissant est difficile si je suis coincé avec un certain ensemble de sons, de synthés et d’habitudes. Avoir accès à des banques aléatoires de nouveaux grooves est époustouflant, car il suffit d’ouvrir l’application pour voir quelle sera la saveur du jour. Peut-être des rythmes ethniques, world beats, sur fond de funk et de bass house? Cela ne tient qu’à moi de faire fonctionner tout cela ensemble, et si je laisse mon cerveau me dire « non », alors je sais que je passe à côté de quelque chose.

Pour démarrer un morceau et commencer une ébauche, voici comment Loopcloud peut vous aider :

  • Essayez un BPM de base avec la note clé de la chanson. Cela peut bien sûr être modifié, mais si vous commencez avec cela, vous pouvez déjà trouver des samples avec lesquels travailler.
  • Pensez à un genre sur lequel vous voulez travailler. C’est juste pour éliminer beaucoup de distractions potentielles. Si vous pensez à la techno, cela vous évitera de vous perdre dans de nombreuses décisions.
  • Choisissez un sous-genre ou une influence. Si vous êtes un puriste, cela pourrait être pour vous. Je vous suggère de choisir un deuxième genre pour aller chercher des sons transgenres. Ex. Des mélodies arabes avec de la house.
  • Décidez de votre signature rythmique, comme le 4/4, breakbeats ou autre. Construisez une boucle de base. Loopcloud vous permet également d’en choisir une.
  • Rassemblez un groupe de sons pour votre chanson. Il doit s’agir de la basse, de la mélodie principale, des idées de soutien, des effets, des hits de percussion, des éléments de transition et de l’arrière-plan. Je m’assure généralement d’avoir 3-4 sons pour chacun d’entre eux, idéalement en accord avec la chanson.

Loopcloud rend la production musicale plus « facile », est-ce un piège pour les producteurs?

Je ne pense pas que ce soit le cas. Je trouve que plus il y a de gens qui font de la musique, plus on invente des idées rafraîchissantes. Cela commence par rendre la musique de plus en plus accessible, ce que fait Loopcloud. Dans les mains de producteurs expérimentés, les outils donnent plus de temps pour nous concentrer sur les détails importants et les choses que nous aimons le plus. Dans mon cas, j’ai remarqué que j’ai gagné en vitesse en commençant de nouvelles idées ou en ajustant les besoins de mon client. J’ai plus de contrôle et je peux aussi partager des idées avec mes clients avant de leur envoyer un projet, ce qui nous permet d’être sur la même longueur d’onde.

Le fait d’avoir accès à autant de sons limite-t-il la créativité?

Non, bien au contraire. Si j’ai plus de matériel à travailler, je trouve qu’il y a moins d’obstacles à la création de chansons plus riches. L’une des choses que j’explique aux nouveaux producteurs de musique est que le fait de travailler avec des échantillons de qualité forme l’oreille sur la façon de choisir du matériel de qualité, ce qui vous donne des résultats de premier ordre. Par exemple, une fois que vous avez compris que les bons hi-hats ont un certain « air » dans les aigus, vous combinez les transitoires (transients) de certains hats de votre collection avec d’autres. Vous pourrez bientôt créer votre propre combinaison percussive de sons de 3-4 couches pour obtenir une conception sonore très originale. Même chose pour les mélodies. Mais il est très difficile de commencer à apprendre le sound design par soi-même si vous ne savez pas ce qui fonctionne vraiment. Une fois que vous en êtes conscients, vous pouvez alors travailler à la rétro-ingénierie des sons qui fonctionnent le mieux. Mais pour ce faire, rien de tel que d’avoir accès à une immense bibliothèque, comme celle qu’offre Loopcloud.

En fin de compte, la musique ne se résume qu’à peu de chose : reproduire les mélodies/atmosphères/expériences que vous voulez, avec le meilleur flux possible. Cela demande de l’expérience, de la patience et l’utilisation de matériel de qualité.

Voir les templates comme des graines.

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En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

Créer un projet principal pour vous organiser

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Au fil des ans, j’ai parlé avec des dizaines et des dizaines de personnes d’horizons différents qui aimeraient commencer à produire de la musique, mais qui ne savent tout simplement pas par où commencer. D’un autre côté, si vous avez déjà créé de la musique, mais que dernièrement vous avez été submergé par trop de sons, trop de VSTs, et que vous êtes moins productif en studio, ce post est pour vous. Nous nous concentrerons sur comment créer un projet principal pour vous organiser dans vos sessions Ableton et vous permettra de passer un moment productif et efficace en studio.

POUR QUE VOTRE STUDIO SOIT PRODUCTIF ET AGRÉABLE, IL EST ESSENTIEL QUE VOUS SOYEZ ORGANISÉ ET QUE VOUS AYEZ UNE BONNE MAÎTRISE DE VOS SONS ET DE VOS OUTILS.

Les DJs qui ont écouté des centaines de morceaux de haute qualité, finement masterisés, se plaignent souvent que la qualité et le son de leurs premiers efforts en studio entrent en conflit avec le volume et le raffinement de la musique qu’ils ont l’habitude d’entendre. Cette frustration est prévisible, mais aussi évitable, et c’est l’une des raisons pour lesquelles j’encourage fortement les débutants à commencer par utiliser des boucles préfaites ou simplement remixer les pistes qu’ils ont déjà. Pour que les choses restent organisées et productives, sélectionnez seulement deux pistes avec le son et le style que vous souhaitez pour vos propres productions, et travaillez sur un seul projet à la fois.

En parlant de boucles achetées — Je veux démystifier le mythe ou l’opinion selon laquelle l’utilisation de boucles préfaites est de la tricherie. C’est 100 % faux, et contre-productif de penser cela.

JE CROIS QUE L’ÉTAT D’ESPRIT PARFAIT POUR ABORDER LA PRODUCTION MUSICALE RESSEMBLE BEAUCOUP À CELUI D’UN MODÉRATEUR, VOUS DEVEZ TRAVAILLER AVEC CE QUI EST DEVANT VOUS.

Cette idée exige beaucoup d’ouverture et d’humilité, mais l’utilisation de cette approche vous rendra beaucoup plus fort pour faire preuve de débrouillardise face à l’adversité.

L’Internet est une source inépuisable d’outils et d’options, et il est essentiel à un moment donné de tirer le meilleur parti du matériel dont vous disposez et d’arrêter de consommer des idées. Ma règle : ne jamais acheter une nouvelle VST tant que je n’ai pas parfaitement pris en main celles que j’ai déjà. Cela dit, si vous avez besoin d’un conseil pour vous aider à vous organiser, je vous recommande fortement de créer un projet Ableton principal qui sera votre vaisseau mère, votre compendium sonore, votre laboratoire personnel pour développer vos idées.

  • Acheter de nouveaux effets pour vos synthétiseurs : pour vraiment avoir un aperçu de ce que vos nouveaux effets peuvent faire, il suffit de les déposer dans une piste et d’expérimenter. Je vous recommande fortement d’enregistrer toute la session d’exploration sous forme de fichier .wav, mais aussi sous forme de session où l’automatisation et le mouvement des boutons seront enregistrés.
  • Rassembler les restes : chaque fois que vous finissez une chanson, il y aura des sons que vous n’avez pas utilisés. Vous pouvez les copier et les coller dans votre projet principal. L’utilisation de vos restes audio est une excellente façon de créer rapidement des idées de départ pour votre prochaine chanson.
  • Créer des macros : la création de macros peut prendre beaucoup de temps. Celles que j’utilise impliquent généralement une bonne utilisation des boutons de la macro, car lorsque j’enregistre une session, je peux simplement les déposer dans une piste et contrôler rapidement les paramètres en utilisant le PUSH et son excellente fonction d’automap.
  • Rassembler de nouveaux sons : parce que je n’ai pas le temps et l’énergie pour enregistrer tous les sons que je veux, je vais juste acheter les quelques sons dont j’ai besoin. J’achèterai aussi des sons que je n’ai pas les moyens de faire comme les sons d’un avion. Certains sons que vous utiliserez souvent seront un excellent investissement, mais il y en a aussi beaucoup qui sont disponibles gratuitement.
  • Construire des kits de batterie : domaine où je passe souvent beaucoup de temps. Quand je commence une idée, je veux être capable d’avoir une bonne combinaison de percussions. Avec l’énorme choix qui m’est offert, choisir le bon son peut prendre une éternité. Regardez cette super  video qui montre comment créer un outil pour tester plusieurs sons à la fois. C’est génial, mais vous devez quand même fabriquer vos propres kits.
  • Création de couches (layers) : C’est un peu la suite logique de l’astuce précédente. Une fois que vous avez plusieurs kits, vous pouvez les assembler dans un drum rack afin de créer des layers. Comme vous le savez probablement, dans la conception sonore, un son est très souvent composé de nombreux sons qui ont été superposés correctement. C’est une bonne idée de faire plusieurs kits à l’avance, bien organisés et prêts à jouer lorsque la session démarre.
  • Créer des catégories avec vos pistes : chaque piste devrait avoir des sons de la même famille. Donc vous pouvez faire une piste qui a des pads et une autre avec des kicks. Ceci est utile parce que lorsque vous allez dans le navigateur d’Ableton et que vous ouvrez votre projet principal, vous avez accès à tous les sons de chaque piste, ce qui rend beaucoup plus rapide la recherche d’un son spécifique. Un autre grand avantage en faisant ceci est que l’exportation de vos pistes en stems permettra un meilleur mixage plus tard. (Pour en savoir plus : Exporter les stems.)

Quand je regarde la manière dont je travaille, je vois que je passe beaucoup plus de temps à préparer ma session musicale qu’à produire un titre. Plus votre organisation est performante, plus elle est facile à intégrer dans votre flux de travail.

JP

VOIR AUSSI — Conseils de production musicale : Comment démarrer une track ?

 

L’essentiel du Home Studio : Kits de démarrage pour la production de musique électronique

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Je vais être très honnête ici : si vous aimez mon blogue et que vous voulez me soutenir dans mon objectif de partager mes connaissances, vous pouvez acheter directement à partir des liens ci-dessous, car cela m’apportera une petite commission en retour. Merci !

En raison de la demande populaire et parce que je reçois des questions sur ce qu’il faut acheter pour commencer pour faire de la musique électronique presque tous les jours, j’ai décidé de couvrir le sujet en fonction de différents niveaux d’investissement. Si vous suivez le plan que j’expose ci-dessous, vous n’échouerez pas et vous ne serez pas induits en erreur dans vos décisions d’achat. Cette liste est basée sur des années de discussions avec les gens, de consultations avec les clients et d’essais personnels. Comme nous l’avons déjà mentionné dans un article précédent, nous commencerons par le niveau où vous êtes complètement débutant, puis nous construirons à partir de là. Si vous avez besoin de conseils au-delà des premiers niveaux, faites défiler vers le bas pour accéder aux conseils pour des budgets plus importants et des niveaux de production plus avancés.

KIT NIVEAU 1 : DÉBUTANT

Votre niveau de connaissance : néophyte, vous envisagez de faire de la musique.

Inclus : Ordinateur portable, DAW et casque d’écoute.

Vous n’avez pas besoin de grand-chose pour commencer à faire de la musique. Il y a un mythe que beaucoup de gens croient, que plus vous avez d’équipement, meilleure est la musique que vous ferez et donc qu’il s’agit d’une perte de temps si vous n’avez pas beaucoup d’argent à investir dans les premières étapes. C’est faux, je connais de la musique assez extraordinaire qui a été faite sur les configurations les moins chères que vous pouvez imaginer.

La seule chose que je vous encourage fortement est d’obtenir une version démo d’Ableton, Reason ou Bitwig pour voir lequel vous semble le meilleur, mais mon choix personnel sera toujours Ableton, que j’utilise depuis 2002.

Pour votre ordinateur portable, si vous pouvez investir dans un PC ou un MAC avec au moins un processeur i5 ou i7 et un disque dur SSD, cela fera une différence énorme dans la façon dont vous serez en mesure de gérer les ressources nécessaires. Les plug-ins et les logiciels dépendent principalement d’un processeur puissant pour traiter l’information, tandis que le disque dur rapide permet d’optimiser la façon dont les samples sont lus. Si votre disque dur est lent, il peut créer d’importants ralentissements si vous lisez des fichiers volumineux. Un SSD externe est essentiel si vous comptez sur quelque chose qui n’est pas interne. En ce qui concerne la RAM, plus la RAM est élevée, mieux c’est. Pour l’instant, je trouve qu’un minimum de 6GB fera une différence, mais si vous pouvez en obtenir plus, c’est encore mieux. Une RAM élevée est également un élément essentiel du bon fonctionnement de votre station de travail audionumérique.

DISQUES DURS ET ORDINATEURS PORTABLES

DISQUE DUR EXTERNE SSD de TOSHIBA


ASUS ZENBOOK ULTRA-SLIM LAPTOP, 13.3″ FULL HD, 8GB RAM, 256GB SSD

Vous aurez besoin d’une bonne paire d’écouteurs. Et si finalement vous n’aimez pas la production musicale, vous aurez toujours une bonne paire. Je trouve qu’il peut être trompeur de ne pas y investir beaucoup d’argent, alors si vous le pouvez, obtenez le meilleur que vous pouvez obtenir. Je propose ici des paires pour différents budgets.

CASQUES D’ÉCOUTE (HEADPHONES)

AUDIO-TECHNICA ATH-M20X

SONY MDRZX110NC OVER-EAR À ISOLATION SONORE

AUDIO-TECHNICA ATH-M50X

SENNHEISER HD 598 CS

SENNHEISER HD1 OVER-EAR

KIT NIVEAU 2 : PRENDRE CONFIANCE EN SOI

Votre niveau de connaissance : Vous avez fait quelques chansons et vous commencez à vous sentir limité par le kit de niveau 1 (casque et ordinateur portable).

Inclus : logiciel/plug-ins supplémentaires, haut-parleurs, contrôleur MIDI.

Ok, donc maintenant vous savez que vous voulez faire ça comme un passe-temps ou plus. Je pense qu’il est important d’avoir un meilleur monitoring que votre casque d’écoute, donc obtenir des haut-parleurs devrait être une de vos prochaines priorités. Il n’y a rien de plus important que d’aller à votre magasin local et de passer du temps à tester quelques paires de moniteurs avec la musique que vous connaissez. Alors, préparez votre téléphone et allez écouter, puis vous pourrez prendre une décision et acheter. Mes choix favoris ne fonctionnent peut-être pas pour votre style, mais en voici quelques-uns, y compris pour différents budgets.

HAUT-PARLEURS ET MONITEURS

GENELEC 8010 MONITOR SYSTEM 3″

ADAM AUDIO T7V 7″ ACTIVE STUDIO MONITOR

FOSTEX PMO.3B 3″

YAMAHA HS5 STUDIO MONITOR

CONTRÔLEURS MIDI

Un bon investissement est d’ajouter des contrôleurs à votre DAW afin que vous vous sentiez un peu plus humain dans la façon dont vous interagissez avec votre musique. Cela peut aller d’un contrôleur midi basé sur un pad, à un clavier ou à une table de mixage midi. Cela dépend vraiment de ce que vous faites avec votre musique, mais n’importe lequel d’entre eux sera utile d’une manière ou d’une autre.

AKAI PROFESSIONAL MPK MINI MKII | CONTRÔLEUR USB CLAVIER MIDI 25 TOUCHES & DRUM PAD

MIDIPLUS AKM320 CLAVIER MIDI

ICON I-CONTROLS-POTABLE 9-FADER MIDI CONTROLLER

Si vous êtes sérieux au sujet de votre musique, vous voudrez du matériel original et il est important d’investir dans de bons synthés. Vous pouvez alors combiner des contrôleurs avec des sons. KOMPLETE de Native Instruments est un investissement puissant et rentable pour les années à venir. Sinon, Arturia est aussi assez surprenant.

NATIVE INSTRUMENTS KOMPLETE KONTROL S25

CONTRÔLEUR MIDI USB ARTURIA KEYLAB 25 TOUCHES

KIT NIVEAU 3 : LE HOBBYIST

Votre niveau de connaissance : Vous passez beaucoup de temps à faire de la musique et parvenez à terminer vos chansons.

Inclus: logiciel/plug-ins supplémentaire, mises à jour de l’équipement.

À ce stade, vous pouvez faire de la musique, finir des chansons, et peut-être faire signer certains de vos morceaux sur un label. C’est le stade où se trouvent la plupart de mes clients. En général, leurs besoins sont à peu près les mêmes. Beaucoup n’ont pas investi dans un bon monitoring, qu’il s’agisse d’une carte son ou de moniteurs. Une carte son/interface de qualité fera une grande différence dans la qualité de votre son. Cela semble assez évident, mais beaucoup de gens avec qui je travaille doivent encore être convaincus… jusqu’à ce qu’ils en acquièrent une et viennent me dire que j’avais raison ! Les cartes son ne sont pas comme les moniteurs, ce n’est pas une question de goûts personnels, mais une question de compréhension de ce dont vous avez besoin. La toute première question que vous devriez vous poser est « combien de matériel dois-je enregistrer ? » parce que cela déterminera le nombre d’entrées dont vous avez besoin dans votre interface. Vous pourriez toujours obtenir une petite table de mixage pour vos entrées son puis l’acheminer vers deux entrées stéréo, mais certaines personnes préfèrent avoir plusieurs entrées audio.

INTERFACES AUDIO ET CARTES SON

INTERFACE AUDIO LA PLUS BASIQUE : FOCUSRITE

FOCUSRITE SCARLETT-SOLO GEN2 INTERFACE AUDIO USB

BUDGET MOYEN : MOTU — QUI FAIT AUSSI D’EXCELLENTS CONVERTISSEURS POUR L’ENREGISTREMENT.

MOTU MICROBOOK IIC INTERFACE AUDIO USB

BUDGET ÉLEVÉ : RME

RME BABYFACE PRO PROFESSIONAL INTERFACE AUDIO USB 24 CANAUX AVEC TOTALMIX FX

Ma suggestion personnelle est d’opter pour l’UAD Apollo Twin, qui vous donne aussi accès à tous leurs plug-ins et à la puissance de leur CPU externe.

BUDGET ÉLEVÉ : UAD

UNIVERSAL AUDIO APLTWSII APOLLO TWIN MKII SOLO

Je trouve qu’à ce stade, investir dans un logiciel pour définir votre son et sortir du son interne de votre DAW est une bonne idée. Certaines compagnies que j’adore sont U-He avec leurs synthés étonnants comme Diva, Bazille ou le compresseur Presswork. Je suis aussi sur la liste de diffusion de Plugin Boutique pour obtenir des rabais quotidiens sur les logiciels. Non seulement j’apprends ce qui existe, mais il devient alors possible d’obtenir des rabais pour les plug-ins sur lesquels j’ai eu l’œil. Suivre KVRAudio est aussi une habitude essentielle.

KIT NIVEAU 4 : LE BUNDLE SÉRIEUX

Votre niveau de connaissance : Vous devenez très sérieux et voulez être semi-professionnel.

Inclus : Logiciels/plug-ins supplémentaires, équipement et amélioration du studio.

À ce stade, vous avez organisé votre studio et tous les éléments essentiels sont couverts. Habituellement, c’est là que vous vous sentirez prêt à investir dans des synthétiseurs modulaires, des synthétiseurs, des effets externes et à peaufiner ce que vous avez déjà. Avant toute chose, je vous suggère de vous assurer d’avoir quelque chose pour couvrir les basses fréquences. Si vous avez des voisins et que vous voulez toujours de bonnes relations avec eux, j’opterais pour un Subpac :

BASSES ET SUBWOOFERS

SUBPAC M2X WEARABLE PHYSICAL AUDIO SYSTEM

Cette chose m’a vraiment été utile à la maison et m’a aidé à obtenir des mixs plus précis. Il existe cette version portable, mais aussi une version moins chère pour votre dos lorsque vous êtes assis sur une chaise. C’est une pièce d’équipement qui vous donne l’impression physique d’avoir un subwoofer. Si vous pouvez obtenir un sub, c’est encore mieux. Je peux en recommander beaucoup, mais habituellement quelque chose comme le Yamaha HS8s Studio Subwoofer fera l’affaire pour la maison ou pour un petit studio.

Assurer les basses fréquences est vraiment une partie importante de la musique, et vous ne pouvez y arriver qu’en étant capable d’entendre ce qui se passe là en bas. Pour l’ajuster, vous n’aurez pas vraiment besoin de l’entendre autant que de le sentir, ce que le Subpac fait aussi.

SYNTHÉTISEURS

Pour ce qui est des synthés, il y en a beaucoup d’excellents. Si vous pouvez vous rendre dans un magasin pour en faire l’essai en personne, je vous recommande de le faire. Je peux expliquer dans mes propres mots les détails techniques des sons que chaque synthétiseur peut produire, mais tester un synthétiseur est la meilleure chose à faire, pour savoir s’il s’adaptera vraiment à ce que vous faites. Je pense qu’à mon avis, lorsque vous aurez un synthétiseur, il deviendra un élément important de votre identité artistique. Je vais énumérer quelques-uns de mes préférés, basé sur différentes branches et esthétiques : Roland, Korg, Moog, Elektron.

ASTUCE : Cherchez toujours des démos de synthés sur YouTube pour voir comment ils sonnent !

ROLAND : ESTHÉTIQUE — SON CLASSIQUE

Pilier du monde de la musique électronique, Roland en a fondamentalement façonné ses débuts avec les boîtes à rythmes et le TB-303, source des tonalités acides originales ou encore le Juno qui a façonné la Trance/Deep Techno. Après avoir été silencieux pendant des années, Roland est revenu en force, déployant des produits super solides tels que le Roland Aira TR-8 Rhythm Performer pour la 808, fortement recommandé si vous voulez des kicks classiques. Le son est très classique, propre et efficace. Je recommande le Roland GAIA SH-01 Synthesizer qui a fait un grand retour dans de nombreux genres au cours des dernières années et qui est loin d’être dépassé.

KORG : ESTHÉTIQUE — AVANT-GARDISTE, MODERNE, PROPRE ET CHALEUREUX.

Abordons les bases de Korg comme je connais certains d’entre eux. Le favori pour le moment est certainement le Synthétiseur Analogique Semi-modulaire Korg MS-20 Mini qui est un bon compromis de synthétiseur analogique grâce à ses options de patching. Il peut sembler très moderne et expérimental, mais il peut aussi faire penser à la science-fiction des années 50. Il demande un peu de temps d’apprentissage, mais l’investissement est très gratifiant une fois que vous plongez dedans. Très imprévisible à certains moments, il peut fournir de nombreuses idées remarquables.

Un autre est le Korg Minilogue 4-Voice Polyphonic Analog Synth un synthé super cool qui sonne très propre et moderne. Il est capable de faire des basses précises aussi bien que des pads flous et chauds. Excellent pour la techno.
Il y a aussi une version moins chère. Enfin, super utile et amusante : la série Volca. Il y a un joli petit synthétiseur FM dans cette série — un copain très puissant qui peut fournir des sons vraiment chauds.

MOOG : ESTHÉTIQUE — GRAS, ROND, SON ELECTRO, VINTAGE ET RUGUEUX

Moog est un incontournable pour son nom et l’héritage qu’il a laissé au fil des ans dans tant de chansons que nous avons tous entendues. Les basses grasses et sales proviennent souvent de Moogs et les mélodies audacieuses sont une marque de commerce. Si vous voulez plonger votre orteil dans le monde modulaire, le Mother est une excellente machine à acquérir. Ses sons sont vraiment, vraiment chauds et épais et le patching board est bien conçu pour que vous puissiez commencer intuitivement. Le Moog Sub Phatty est un autre favori de beaucoup pour le nom qu’il porte, et pour ce que vous obtenez en retour. Le Moog Minitaur Bass Synthesizer est une autre bête qui peut produire des sons extrêmement puissants, basses, kicks et leads.

ELEKTRON : ESTHÉTIQUE – TECHNO BERLIN, MUSIQUE DANCE MODERNE ET UNDERGROUND.

Cette société est actuellement le leader préféré des studios. C’est la définition d’un grand nombre des titres techno actuels qui sortent. Le principal badass ici est l’Elektron Digitakt. Il y a deux choses qui définissent le succès de ce monstre : il sonne bien et l’intégration avec Ableton/DAWs en fait un compagnon de bureau idéal. Si vous avez le budget, vous pouvez également obtenir le Elektron Analog Keys qui est une autre brute. Des possibilités folles sur celui-ci et des ressources pour faire à peu près tout ce que vous voulez.

Techniques de production musicale : la production non-linéaire

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Cela fait longtemps que j’ai promis un post traitant d’une des nombreuses techniques de production musicale que j’utilise : la production non linéaire. Le tout premier album que j’ai fait en utilisant cette technique assidument était Intra. Et puis je m’y suis récemment plongé en profondeur pour produire de multiples EPs, réalisés entre fin décembre 2017 et mars 2018. Alors qu’Intra était un album de 23 chansons fait sur neuf mois, ma dernière expérience a produit 19 titres en trois mois. Je pense que je m’améliore, surtout parce que c’est de plus en plus clair dans mon esprit.

Sur les 19 titres récents, j’en ai gardé 8 pour l’album Returning Home, que vous pouvez écouter ci-dessus. C’est une déclaration sur le fait que la maison est un état d’esprit et non pas nécessairement un lieu physique. Je fais de la musique techno/dance depuis 1998, et après avoir expérimenté des paysages sonores plus électroniques et de la musique ambient, ça me fait du bien de revenir à mes racines. Chose amusante, j’ai essayé de travailler avec d’autres labels, car je voulais garder le mien, Archipel, pour des trucs plus downtempo, mais j’ai rencontré de nombreux refus ou des compromis compliqués. Je suis trop têtu pour changer les choses et comme cet album a été fait sur la base d’un concept très solide, je ne voulais pas revenir en arrière et changer ce que je trouvais bien.

Mais revenons à la technique de production non linéaire. Je couvrirai le déroulement du processus, du point de départ jusqu’à la fin.

J’entends souvent des gens dire, « mais je n’ai pas besoin d’une technique quand je fais de la musique ». Bien sûr, ce n’est pas pour vous alors. Mais cette technique peut être bénéfique si vous cherchez à accroître votre production. Cela a certainement contribué à me rendre plus prolifique à travers le temps.

LA PRODUCTION MUSICALE NON LINÉAIRE — UN CONCEPT

Ce concept (qui existe depuis des décennies selon les recherches que j’ai faites) encourage le producteur à explorer la possibilité de travailler sur plusieurs chansons à la fois, de manière non linéaire.

Cela signifie que :

  1. Vous ne travaillez pas sur une chanson du début à la fin, avant d’en commencer une nouvelle.
  2. Chaque piste est abordée individuellement pour ses besoins mais vous travaillez aussi globalement. Gardez à l’esprit que ce que vous avez fait dans la piste précédente devrait différer sur la suivante.
  3. La technique consiste à répéter les mêmes cycles/phases jusqu’à l’obtention d’un noyau solide. Ensuite, il y a la finalisation pour se préparer au mix.

On l’appelle « non linéaire » parce que c’est une série de phases, sur plusieurs pistes, toutes en même temps.

Note : Une règle implicite implique également que le travail sur une piste doit se faire sur de courtes périodes de 20 à 30 minutes à la fois par chanson, puis de s’arrêter, sauvegarder et passer à autre chose. Pourquoi ? Cela permet de garder des idées fraîches.

Pour beaucoup de gens à qui j’ai expliqué cela au début, cela a semblé troublant et déroutant. Il y a une sorte de croyance ancrée chez les gens que lorsque vous allez faire de la musique, vous devriez trouver votre idée, vous y tenir absolument, l’intégrer dans une chanson, en commençant par le début et en finissant par la fin. Je vois souvent des projets de gens qui ont quelques blocs au tout début de la piste et puis ils se perdent.

J’entends aussi : « Je peux faire une super boucle, mais je ne sais pas ce qui va suivre. »

J’ai écrit un article à ce sujet dans le passé. Cependant, la technique non linéaire vise vraiment à dépasser la question de la boucle, parce qu’il s’agit de transformer de petites idées en concepts plus grands.

Mais par où commencer ?

Avant de nous pencher sur la production, permettez-moi d’expliquer la technique de production musicale non linéaire, car c’est de cela qu’il s’agit :

  1. Création de contenu, génération d’idées.
  2. Filtrer les idées dans un concept.
  3. Construire une boucle comme noyau.
  4. Structure du template.
  5. Arrangements.

Lorsque vous décidez de créer votre projet, la première chose à faire est de choisir votre type de projet. S’agit-il d’un EP (3-4 chansons) ou d’un LP (5-10 pistes) ? Peut-être que vous voulez juste faire quelques morceaux ; je crois personnellement que nous ne devrions jamais faire un seul morceau à la fois. Si vous n’avez pas de projet précis en tête, inventez-en un comme « Je vais faire 5 titres pour le plaisir et je veux qu’ils soient principalement techno ». Une fois cette décision prise, vous êtes prêt pour la création de contenu. Je consacre habituellement beaucoup de temps à la création de contenu et à la génération d’idées.

Vous pouvez également partir de pistes inachevées sur lesquelles vous voulez appliquer l’idée. L’important est de travailler sur plusieurs projets en parallèle. Habituellement, cela marche mieux si vous en avez au moins cinq, mais il n’y a pas de limite bien sûr. Pour les nouveaux, commencez petit pour voir si cette façon de travailler fonctionne pour vous. La technique est sur le point de faire passer votre morceau d’une idée simple à une chanson finalisée mais non mixée. Le mix n’en fait pas partie. Je trouve que le mixdown fonctionne mieux si vous le faites tard. N’hésitez pas à créer un dossier de référence où vous mettez des chansons qui vous inspirent.

CRÉATION DE CONTENU, GÉNÉRATION D’IDÉES

De toutes ces années d’écoute de musique, de gestion de labels, de mastering et de DJing, je suis arrivé à une théorie : une chanson solide est — en général — une idée unique et solide, soutenue par deux autres. L’idée principale peut être une boucle, un motif ou même un son. Je me souviens qu’Hans Zimmer décrit un motif en disant qu’il doit avoir un impact émotionnel sur vous, qu’il doit réapparaître dans votre esprit plus tard. Il dit que le thème de Batman est composé de deux notes, mais très puissantes. En les jouant, vous pensez automatiquement à Batman. Les deux autres idées sont nécessaires parce qu’une chanson a généralement besoin d’un développement et d’une « surprise ». Cela dit, dans cette technique de production, il faut créer des idées nouvelles. Beaucoup.

J’ai fait un long post sur la manière de trouver de nouvelles idées mais je vais résumer comment ça fonctionne pour moi :

  • Recycler d’anciennes idées : J’ai d’innombrables samples que j’ai utilisés ou que je n’ai jamais touchés. J’aime les transformer en nouveaux sons.
  • Enregistrement de la radio ou d’autres atmosphères à l’aide d’un microphone : Quand je suis d’humeur créative, je passe beaucoup de temps à enregistrer les sons de cette période de ma vie. Je vais laisser l’enregistreur quelque part pendant une heure pour voir ce qui se passe.
  • Essayez des démos : J’adore les démos et j’essaie de voir ce que je peux en tirer en les samplant. Certains ont un temps limité et d’autres durent quelques jours. Cela vous oblige à resampler le travail et à en tirer quelque chose. Parfois, je finis par l’acheter, bien sûr.
  • Design sonore pur : La superposition de sons provenant de différentes prises est un excellent moyen de générer des sons riches. Je le fais souvent, mais cela prend beaucoup de temps.
  • Jammer avec les sons : Quand j’en ai beaucoup, je vais généralement mettre les sons dans un sampler et jammer avec un contrôleur midi ou un PUSH. Je vais enregistrer tout ce que je fais dans un projet.

Un projet qui a beaucoup d’idées sera enregistré avec la date du jour du jam. Il se peut que j’aie quelques heures de matériel, ce qui signifie qu’il y a hypothétiquement 3-4 idées là-dedans.

Cette phase est terminée quand vous avez un projet avec 3-4 idées prêtes à partir. Je fais habituellement une session par piste nécessaire pour le projet.

TRANSFORMER LES IDÉES EN CONCEPT

Cette phase est une phase que vous devez faire en dehors du jam. Pourquoi ? Parce que lorsque vous jammez, vous êtes dans votre état créatif (cerveau droit) et vous avez des tonnes d’idées, mais votre jugement n’est pas bon. Vous ne pouvez pas être juge alors. Vous devez vous sentir libre et explorer sans limites. Dans cette deuxième phase, il s’agit de passer à un côté plus analytique où vous allez travailler votre récolte.

  1. Passez en revue tous les enregistrements que vous avez faites une boucle avec une partie. La question est, pouvez-vous écouter une boucle et vous sentir inspiré ? Si oui, vous avez quelque chose à quoi vous pouvez vous accrocher.
  2. Utilisez des boucles de différentes tailles comme 1, 2, 4 mesures. Compiler différentes idées.
  3. Utilisez la vue de session pour créer des scènes de boucles que vous aimez.
  4. Essayez de voir si certaines boucles, une fois superposées, créent des motifs inattendus.
  5. (Optionnel) Ajoutez un kick et des hihat pour vous donner une idée du groove et ajuster le timing de la boucle.

Cette phase est terminée quand vous avez quelques scènes solides dans votre vue de session.

Notez que vous pouvez revenir en arrière pour créer plus d’idées (Phase 1) pour compléter ce que vous avez. Vous pouvez également créer un fichier pour toutes les idées de toutes les sessions et créer ainsi de nouvelles. Il n’y a pas de règles, seulement des possibilités.

LA CONSTRUCTION D’UNE BOUCLE CENTRALE

À ce stade, vous devriez avoir un nombre X de projets (basé sur la définition du projet que vous avez défini au début, c’est-à-dire EP, LP, peu importe), chacun avec du matériel qui a été organisé en 2-3 idées. Le moment est venu d’assembler le tout.

La boucle que vous allez construire ici est la partie centrale de votre chanson, donc il devrait y avoir tous les éléments.

  1. Ajoutez une fondation. La partie fondamentale de votre chanson est la partie low end et la basse. À partir de l’idée principale, ajoutez une basse qui soutient ou répond à l’idée. Ajustez-la pour qu’elle soit dans la tonalité.
  2. Ajoutez des percussions. Complémentaire à la basse, vous pouvez ajouter un kick, des percussions, ou tout ce qui est complémentaire et créera le groove. Je commence généralement tout de suite par décider quel modèle de groove je vais utiliser sur cette partie centrale.
  3. Ajoutez des touches mélodiques si nécessaire. Décidez de la durée de votre mélodie et de sa progression (si c’est le cas).
  4. Créez un fond sonore et un espace si vous le souhaitez. Il s’agit généralement de la réverbération et de textures. Mais cela peut aussi se faire plus tard.

Cette phase est terminée lorsque vous avez une boucle principale que vous pouvez placer dans la fenêtre d’arrangement, en plein cœur de votre chanson (ce qui signifie que vous devez savoir approximativement combien de temps elle doit durer). Une bonne boucle est une boucle centrée autour de votre thème où si vous jouez cette partie en solo, ce serait ce dont quelqu’un parlerait pour décrire votre chanson.

Dans le processus de travail à travers la boucle de base, vous pourriez avoir besoin de revenir en arrière pour créer plus de contenu ou vous pouvez en importer à partir d’autres sessions.

STRUCTURE DU TEMPLATE

Maintenant que vous avez la partie centrale de la chanson, il est plus facile de construire la structure restante. Dans la vue d’arrangement, créez trois sections : un début, un milieu et une fin. Vous allez maintenant présenter votre structure pour avoir une idée de ce que vous pouvez faire avec votre idée centrale.

  1. Copiez les éléments du début à la fin qui seront présents tout au long de la piste.
  2. Travaillez à l’envers en déconstruisant la ligne du temps de ce qui arrive en premier et ainsi de suite, jusqu’à ce que vous arriviez à la partie centrale.
  3. Effectuez le même processus jusqu’à la fin. Vous pouvez répéter certains éléments.

Cette phase est terminée quand vous avez une structure temporaire du début à la fin. Cela pourrait vous prendre un certain temps, je vous encourage à faire des sprints de 30 minutes à la fois. Le problème quand on travaille trop longtemps sur cette phase, c’est qu’on perd de vue la force de la chanson. Je veux habituellement faire ressortir une structure de cette phase, mais je peux aller et venir avec les autres phases jusqu’à ce que je sois satisfait.

ARRANGEMENTS

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

L’arrangement est un sujet massif que je détaillerai dans un article futur et qui est impliqué dans la plupart des techniques de production musicale — mais cette explication est une conceptualisation complète de la façon dont je travaille. J’espère que cela vous aidera d’une manière ou d’une autre !

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 4)

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Pour faire suite à l’article précédent de cette série, je vais vous présenter les derniers ajustements et les réglages avancés des clips pour votre set live. Il y a beaucoup à couvrir ici, mais je vais essayer de me limiter à l’essentiel.

DERNIERS RÉGLAGES

Comme votre set est probablement en train de prendre forme, vous devriez avoir des chansons différentes organisées en scènes. Vous pouvez penser que c’est le minimum dont vous aurez besoin pour jouer en live, mais si vous voulez le meilleur résultat, il y a encore des choses à régler. Personnellement, quand j’écoute un set live, je veux vraiment qu’il sonne vivant ; l’artiste peut interagir avec l’énergie de la pièce et construire en fonction. Il faut éviter de jouer chaque scène l’une après l’autre, sans surprises. Encore une fois, c’est mon opinion et vous pourriez penser autrement, mais ce que j’aimerais expliquer, c’est comment ajouter un peu de « vie » dans les derniers réglages de votre set.

1 — RÉPÉTER ET ENREGISTRER.

C’est à peu près le test ultime pour voir si votre live fonctionne correctement. Vous aurez besoin de répéter, de jouer avec votre session, de déplacer des choses et de faire des tests, encore et encore.

Ne pensez jamais que ce que vous avez est prêt pour le grand show sans répétition, car croyez-moi, vous apprendrez à vos dépens que si vous attendez d’être en club pour tester votre set, cela vous fera mal. Cela dit, appuyez sur le bouton d’enregistrement, puis commencez à jouer les clips, essayez de prendre le temps de créer une bonne intro, puis voyez comment ça se passe quand vous lancez les scènes, enchaînez certains sons et ajoutez des effets. La partie la plus importante de la répétition de votre set est l’enregistrement de ce que vous faites.

Vous pouvez ensuite écouter pour voir ce que vous avez enregistré et si vous aimez une partie d’un moment, vous pouvez ensuite la faire glisser dans votre set.

 

 

 

 

 

Puisque vous n’avez que deux mains, mais que vous voulez que chacun de vos clips ait une sensation de « live », vous pouvez préenregistrer certains détails subtils que vous voulez voir jouer pendant que vous ajustez d’autres boutons. Vous n’êtes pas totalement en train de tout lire tel quel, vous interagissez avec d’autres éléments joués que vous avez enregistrés. Cela peut être particulièrement utile pour créer des moments uniques et complexes ou des breakdowns à couper le souffle.

Vous pouvez également utiliser ⌘+J (ctrl+J sur Windows) pour consolider les moments que vous aimez.

2 — AJOUTER DES VARIATIONS.

Dans mes sets, j’ai rarement une scène qui se répète sans en avoir des variations. Les variations peuvent être utilisées pour beaucoup de choses, comme avoir une variation plus énergique de la même scène, une qui a une petite pause, ou de l’espace pour insérer d’autres éléments. Voici quelques conseils rapides que vous pouvez utiliser pour faciliter la création de variations :
Legato : c’est probablement la chose la plus utile à activer pour faire varier les clips. Fondamentalement, l’option Legato laissera le clip sélectionné prendre le relais de celui qui a été joué précédemment, en fonction de la quantification que vous avez définie. Par exemple, disons que vous jouez un clip de hi-hats, puis appuyez sur le premier clip de la variation. Il arrêtera le clip activé et passera immédiatement à l’autre clip que vous venez de démarrer. Sur l’image, je l’ai réglé à 1/16, ce qui signifie qu’elle sera jouée au 1/16ème suivant, en gardant le tempo. Gardez à l’esprit que les variations de clips sont « synchronisées » avec celui qui joue pour qu’il continue à la même position dans le clip. Si le legato n’était pas activé, il commencerait au début du clip.

Follow Action (Action Suivante) : une fois joué, que voulez-vous que le clip fasse ? Vous pourriez simplement jouer ce clip, mais il pourrait revenir au premier clip ou même jouer quelque chose d’autre au hasard. Je vous suggère d’expérimenter avec cela et de vous laisser surprendre. N’oubliez pas de vous enregistrer en les jouant, car vous pouvez retourner à la section arrangement pour saisir la meilleure partie et même créer de nouvelles idées.

Variation d’intensité : Si vous voulez passer rapidement d’une hi-hat ouverte à une fermée, l’un des moyens les plus rapides est de jouer avec la section « Preserve » (préserver) et de la régler comme dans cette image. Jouer avec le pourcentage vous permettra d’ajuster la quantité de la fin de chaque son qui peut être préservée. L’avoir à 100 % est totalement ouvert et disons que 25 % est plus fermé, ce qui augmente la tension. Ainsi, une variation peut d’abord être réglée à un niveau bas, puis les autres peuvent être plus ouvertes. Si vous voyez besoin d’augmenter l’énergie rapidement, vous pouvez lancer l’une des variations.

Reverse (Inversion) : celui-ci peut être amusant, mais dans un contexte live, si vous le faites au mauvais moment, c’est terriblement gênant ; peut-être que l’introduire dans une variation serait une idée plus sûre.

Transpose (Transposition) : cela peut être agréable pour les mélodies et les basses. Vous pouvez les faire se déplacer en hauteur dans une variation.

Enveloppes : Super utile pour les variations pour créer des automations à très petite échelle ou à plus grande échelle. Beaucoup d’artistes l’utiliseront sur l’EQ pour créer un clip et s’assurer qu’il sonne « vivant ». L’important est de s’assurer que l’enveloppe n’est pas liée et ensuite vous pouvez décider de la longueur de l’automatisation, sur un attribut.

Astuce : assurez-vous de sélectionner « Clip » dans le premier menu déroulant pour vous assurer que les changements sont faits dans le clip lui-même.

À essayer : utiliser ceci avec un filtre pour créer des swooshes amusants.

Essayez aussi : utilisez cette technique pour créer des mélodies et des textures à partir d’un pad.

 

 

3 — LES TRANSITIONS.

Cette partie est la préparation finale nécessaire pour jouer en live, mais c’est aussi la plus délicate. Principalement parce que cette tâche impliquera une certaine pratique. Mon approche et mes conseils ne fonctionneront peut-être pas totalement pour vous parce que votre musique est différente de la mienne. En d’autres termes, faire des transitions est quelque chose de personnel et chaque musicien a tendance à développer sa propre façon de le faire en se basant sur ce qui semble être le meilleur flux possible.

Comment fonctionnent les transitions ?

En théorie, une transition d’une chanson à une autre est exactement comme un DJ qui mixe une piste dans une autre. Le casse-tête avec les transitions en live est que vous avez plusieurs pistes à mixer les unes aux autres, alors que le DJ n’a qu’un seul fader et EQ pour le faire.

Chaque fois que j’enseigne aux gens comment jouer en live (oui, je fais une formation Ableton Live), un premier exercice que je leur donne est de créer une playlist avec quelques sets de DJ qu’ils aiment et de leur dire d’étudier les transitions des pistes. Certaines personnes aiment les transitions très rapides et abruptes (Jeff Mills par exemple), tandis que d’autres préfèrent quelque chose de plus subtil, brouillant les frontières de début et de fin d’une chanson.

L’autre chose à savoir à l’avance, c’est si vous voulez que le timeline de votre set soit fixe et fluide, ou si vous allez découper en morceaux les pistes à lire au fur et à mesure. Cela peut aussi être un facteur important dans la façon dont vous préparez vos transitions. Personnellement, je veux avoir toute la flexibilité pour pouvoir jouer la piste X comme intro puis passer à la piste Z. Aucun ordre ne sera établi jusqu’à la dernière minute quand j’appuie sur le bouton play pour démarrer mon set live.

Une fois que c’est clair, vous serez en mesure de décider comment faire le pont entre les chansons. La première rangée de chaque chanson est votre pont d’intro et la dernière probablement votre outro, mais vous pouvez aussi commencer à mixer le morceau suivant à tout moment si vous le souhaitez. Voici quelques règles qui me sont propres pour les transitions :

  • Un kick à la fois. Pendant un moment, j’ai mixé le kick de la première piste et de l’autre ensemble, mais les résultats n’étaient pas si bons. J’ai décidé de m’en tenir à une seule piste pour le kick et j’ai décidé de changer quand c’était approprié.
  • Une seule basse à moins que ce soit un appel/réponse. Comme pour le kick, jouer deux basses est souvent un désastre, donc je jouerais l’une ou l’autre. Certaines basses n’ont que quelques notes, surtout dans la techno dub, donc ça pourrait marcher si j’ai la basse d’une piste qui dialogue avec une autre.
  • Le pont est habituellement atonal. J’essaye de m’en tenir aux éléments rythmiques, mais si j’utilise un élément mélodique, je veux qu’il soit délicat, car autrement il pourrait entrer en conflit avec la basse ou d’autres éléments.
  • Le pont peut être une chanson en soi. Celui-ci est intéressant, mais pas une nécessité. Si vous jouez correctement avec vos variations, vous pouvez créer une nouvelle chanson à partir de deux chansons. C’est fondamentalement l’approche techno de 1+1=3 (l’auditeur entend les pistes A et B, mais aussi une troisième piste qui est la rencontre des deux). J’enregistre souvent mes sets et parfois j’ai remarqué que les moments forts étaient ceux où j’ai fait le pont entre deux chansons.

En raison du nombre de pistes que vous avez dans Ableton, vous pourriez être coincé avec le fait qu’un seul instrument à la fois peut jouer. Ce problème m’a amené à organiser les ponts différemment à l’occasion. Par exemple, si je veux deux couches de hats, je devrais « tricher » et avoir une couche de hats dans la piste de clap. Très souvent, je me suis retrouvé à organiser ça en jouant, et ce n’est pas le mieux parce qu’on peut se perdre facilement dans l’arrangement. Je préfère avoir quelques options dans l’intro avec des layers supplémentaires de claps, hats, percussions. Parfois même certains doublons dans différentes pistes.

Dans le prochain post, nous parlerons de la vérification du son et de la performance, ce qui conclura aussi la série !

Ce que recherchent les labels au-delà de la musique

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Si vos productions sont terminées et prêtes à partir, vous avez sûrement cherché des moyens pour les signer. La prochaine étape logique serait d’envoyer une tonne de démos aux labels et d’attendre qu’ils vous rappellent avec un contrat. Il est temps de commencer à vivre le rêve, n’est-ce pas ? Vous avez fait tous vos devoirs et suivi les conseils que vous avez lus en ligne sur la façon d’attirer l’attention des représentants de labels. Le truc, et je déteste vous le dire, c’est qu’il y a une autre information que vous ne voulez probablement pas entendre, mais il est important que vous le sachiez.

Les labels ne veulent pas que vous les contactiez.

Beaucoup de labels ne diront pas « laissez-nous tranquilles », mais avant de jeter l’éponge, permettez-moi d’essayer d’expliquer ce que cela signifie de la manière la plus utile et constructive. Je parle aussi de ma propre expérience, alors ne présumez pas que c’est la norme pour tous les labels.

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Crédit photo : John Hult.

Avec l’énorme croissance des médias sociaux, un flot incessant de nouveaux artistes émergent quotidiennement, tous voulant la même chose — votre attention. Avec de nouveaux outils gratuits pour faciliter le marketing et la promotion au jour le jour, la crédibilité de l’artiste s’est diluée du point de vue du consommateur.
Que vous trouviez cela bon ou mauvais, une nouvelle impression a été créée :

  • Tout le monde est producteur, et,
  • Ils cherchent tous un certain niveau d’attention parce qu’ils ne sont pas contactés. Ironiquement, les gens veulent écouter de la musique plus que jamais, mais le vaste flot de musique nouvelle laisse de nombreux auditeurs submergés par tout cela. C’est la même expérience pour les labels.

Après un tel assaut de nouveaux artistes qui envoient des démos, beaucoup de labels deviennent insensibles à la possibilité de trouver quelque chose de grand. Cela rend les choses plus difficiles pour ceux qui méritent vraiment de l’attention et de la reconnaissance.

Est-ce que tout cela signifie abandonner et arrêter d’envoyer des démos ? Je dirais que ce n’est pas nécessairement le cas. J’ai déjà abordé ce sujet dans des articles précédents, mais j’aborderai ce point plus en profondeur ici.

Il y a une déclaration importante que j’aimerais souligner au sujet de notre industrie : tout le concept de promotion est devenu obsolète et aliéné. Je parle spécifiquement de la promotion d’artistes à label, d’artistes à fans, d’artistes à promoteurs ainsi que de labels à DJs et de labels à fans.

Mais les labels trouveront toujours de la musique de qualité et préféreront s’ils vous trouvent. C’est un fait. Pensez à Perlon par exemple, ils sortent majoritairement la musique de leur cercle d’amis et le morceau à sortir devra être testé par le noyau du label (Zip principalement, mais aussi Ricardo) dans de multiples contextes pour voir s’il est bien reçu par la foule. Les propriétaires de labels sérieux ont une vision très particulière de leur plateforme sonore, et votre musique devra (dans de nombreux cas) suivre leur son établi pour être signée.

À mon avis, si vous voulez être sur le radar d’un label, vous obtiendrez de meilleurs résultats en vous faisant jouer par des DJs.

CE QUE LES LABELS RECHERCHENT AU-DELÀ DE LA MUSIQUE :

La patience : c’est peut-être le trait le plus prisé qu’un label appréciera de votre part. Dans ce monde en évolution rapide, la patience est non seulement rare, mais c’est aussi une qualité sur laquelle nous devons tous travailler. Il s’agit d’avoir confiance que les choses finiront par s’arranger et que les résultats se produiront dans un avenir lointain. Parallèlement à la patience, cela va de pair avec la confiance. L’un va avec l’autre. Cela signifie être capable d’avoir une vue d’ensemble des choses, que peut-être quelque part sur la route, quelque chose de grand se produira. Peut-être pas. Mais il est essentiel de ne pas perdre patience à cause des retards, car ils sont courants dans l’industrie de la musique.

Organisez-vous. Il est très important d’être organisé, tout sera plus facile. Un artiste organisé doit avoir un kit de promotion solide à portée de main — photos professionnelles, votre projet musical et vos fichiers dans l’ordre, prêts à être retouchés ou réparés en cas de problème. Il n’y a rien de plus ennuyeux que d’avoir à revenir en arrière pour réparer un son, vous risquez de causer des retards qui déplacent alors tout le planning, ou même de détruire votre opportunité d’exposition. Il est utile de bien commencer vos productions, de suivre ces conseils de mix et d’éviter les maux de tête plus tard.

Réactivité. Répondre rapidement aux courriels, répondre promptement, la précision de votre communication vous rendra agréable à travailler avec. Les gens débordés apprécient cela, c’est très important.

Flexibilité. C’est le contraire d’être difficile. Les choses ne seront jamais parfaites, alors essayons d’en tirer le meilleur parti.

En fin de compte, c’est à vous de faire le travail, ce qui peut être plus facile lorsque vous prenez du recul et regardez la situation dans son ensemble. Quels sont vos objectifs ? Travaillez à rebours et déterminez les mesures à prendre pour atteindre vos objectifs. Prenez une minute et consultez mon guide de l’autopromotion sans scrupule ici. Ajoutez un peu de chance, un peu de magie ça et là, et des efforts quotidiens ciblés et constants. Bonne chance à vous,

JP

VOIR AUSSI :    Les communautés en ligne remplacent-elles les labels ?

Comment filtrer vos meilleures idées ?

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Je suis toujours à la recherche de façons d’améliorer ce que je fais et de mieux servir mes clients. Je continue de m’améliorer jour après jour. J’ai lu beaucoup de choses et j’aime particulièrement lire des articles d’entrepreneurs qui m’aident à tirer des leçons de la réussite des autres et à m’inspirer de leurs succès. Quand je tombe sur un article qui me fait tilter, je veux le partager. Un de ces moments est venu d’un article que j’ai lu sur la façon de transformer une idée géniale en entreprise. À travers de nombreux domaines différents, la musique, la technologie, etc. un seul schéma est vrai dans tous les domaines : les meilleures idées vous viennent de façon que vous ne pouvez pas toujours prédire.

Autre chose qui est vrai, pour générer des idées, il faut commencez par un brainstorming.

Dans le monde de la musique, je traduirais cela par un jam. N’ayant aucune direction particulière en tête, vous commencez par bidouiller et essayer tout et n’importe quoi. Faites des sons, appuyez sur les boutons, tournez les boutons, écoutez l’effet de ceci et cela, essayez de nouvelles techniques pour la première fois. Dans un article précédent, je vous avais invité à utiliser YouTube pour découvrir quelque chose de nouveau ou utiliser une nouvelle démo de synthétiseur et enregistrer le résultat.

Jammer librement. On sait que Prince passait du temps dans son studio tous les jours à faire beaucoup de bruit, simplement pour essayer de nouvelles choses, essayer de nouveaux jams, et enregistrer ces expériences qui ont abouti à un monument de musique que personne n’entendait, sauf lui. Je vous encourage à ajouter ceci à votre routine quotidienne, soit très tôt le matin ou en fin d’après-midi.

Pour en revenir à l’article qui m’a fait tilter, le processus de génération d’idées devrait impliquer les deux étapes suivantes :

  1. Séance créative.
  2. Période d’analyse.

L’article indique que le cerveau a beaucoup de difficulté à créer et à analyser en même temps. Au moment de la création et de la découverte, notre cerveau utilise beaucoup d’énergie pour se concentrer sur l’écoute active. Dans cet environnement désordonné et incontrôlé, nos cerveaux sont orientés dans une direction, nous sommes dans la zone. La pièce manquante du puzzle pour moi était de lire que nos cerveaux ont un moment très difficile quand on leur demande de créer et d’analyser en même temps. Ça ne marchera pas dans les deux sens.

C’est pourquoi il est recommandé de séparer les deux tâches, de créer librement un jour, puis d’analyser le matériel le lendemain. Cela expliquerait aussi pourquoi, le plus souvent, quand nous écoutons ce que nous avons fait à notre première session, nous trouvons que finalement c’est tout nul.
Le mot-clé ici est — le plus souvent.

Cela confirmerait aussi ma théorie selon laquelle passer trop de temps en studio est contre-productif parce que sans un changement de perspective, vous n’avez pas assez de recul pour évaluer objectivement vos efforts.

Au fil du temps, j’ai expliqué inlassablement ce processus à d’autres personnes qui avaient du mal. J’ai aussi appris qu’il est parfois préférable de les laisser apprendre par eux-mêmes, à leur propre rythme. Cela confirme l’idée que le processus créatif est très personnel et qu’aucune personne n’apprendra ou ne se développera pas au même rythme.

Session 1 : jammez, amusez-vous, explorez, échouez, réussissez, recommencez.
Session 2 : passez en revue tout ce qui a été enregistré et isolez les idées potentielles qui se démarquent et sont utilisables.
Session 3 : parcourrez les idées isolées. Travaillez autour d’une.
Alternez.

En d’autres termes, essayez d’alterner entre flux créatif et analyse, autocritique et travail plus technique.

Votre cerveau ne peut faire qu’une chose à la fois, pourquoi faire de l’analyse quand vous êtes créatif et pourquoi être créatif quand il est temps d’être autocritique. La principale chose à laquelle vous vous référerez en tant que partie analytique est d’écouter ce qui sonne bien pour vous.

CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER. CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER.

Quand j’étais petit, aller au restaurant avec mes parents était souvent synonyme d’utiliser des crayons et du papier pour dessiner des trucs et gribouiller pendant que nous attendions notre repas. Pour moi, un bout de papier vierge est fait pour être sali. Tout est possible, et j’ai toujours trouvé facile de commencer. Notre jeu préféré était celui où l’on dessinait un truc méconnaissable et où l’on passait le papier à l’autre.

Le deuxième joueur avait la tâche difficile de transformer ce désordre de lignes, de formes et de cercles en quelque chose de reconnaissable comme une voiture, un oiseau ou quelque chose qui demande un peu de temps et d’imagination. Jusqu’à ce jour, j’ai toujours pensé que cet exercice était l’une des tâches les plus créatives que j’aie jamais faites.

Voici donc une autre façon d’aborder la question : prenez quelque chose de totalement aléatoire, même si vous ne voulez vraiment pas travailler avec, quoi que ce soit, et essayez d’en faire quelque chose d’utilisable. Faites une boucle, faites un son jouable, prenez quelque chose de terrible et poussez-vous à y trouver quelque chose d’utilisable. J’ai fait un EP complet il y a quelque temps, où je me forçais à travailler avec des sons et des enregistrements qui n’avaient aucun sens. Il s’avère que c’est un bon exercice, mais aussi très utile, car vous ne dépendez pas seulement d’un bon matériel pour être efficace avec ce que vous avez.

VOIR AUSSI : Le piège du modulaire

S’imposer des règles pour l’arrangement

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Lorsqu’on se heurte à un mur, il peut être pénible d’avancer et de passer au-dessus. C’est un jeu mental de volonté et de force contre l’effort créatif. Ce qu’il faut savoir : attendre un bref moment d’inspiration et de créativité perdra toujours le bénéfice d’un travail acharné et constant. Ça doit être aussi dur que ça tout le temps ? Y a-t-il un moyen de surpasser les tâches plus difficiles et plus longues ? Je suis la voix que vous entendez dire oui. Et c’est plus facile que vous ne le pensez.

Au fil des ans, en tant que producteur, je n’ai jamais cessé d’apprendre des autres et de trouver des moyens d’améliorer mes compétences et ma technique dans tous les domaines de la production musicale. Je vais partager avec vous une chose que j’aurais aimé avoir apprise plus tôt : créer et s’imposer des règles pour les arrangements. Des règles ? Quoi ? Je vais vous expliquer.

Pour beaucoup de producteurs, le moment où vous arrangez vos morceaux semble être quelque chose que vous n’attendez pas avec impatience. Je comprends, je suis passé par là. J’entends toujours dire que la vibe et l’âme du morceau semblent changer de manière moins excitante quand vous vous asseyez et que vous commencez à l’étaler. On m’a souvent dit : quand j’arrive à ce coin de rue, la fête est finie. Mais n’arrêtez pas la musique tout de suite.

JE RÉUSSIS ET JE SUIS PROLIFIQUE EN TANT QU’ARTISTE PARCE QUE J’ACCOMPLIS LES TÂCHES DIFFICILES. JE NE ME CACHE PAS DES TÂCHES QUE J’ÉVITAIS DE FAIRE. J’Y VAIS TOUT DE SUITE ET JE COMMENCE PAR LES TRAVAUX LES PLUS DIFFICILES. JE LES AI AFFRONTÉS D’UNE MANIÈRE QUI N’EST PLUS DOULOUREUSE OU ENNUYEUSE. L’UTILISATION DES RÈGLES N’EST PAS COMME VOLER EN PILOTE AUTOMATIQUE, BEAUCOUP DE DÉCISIONS DIFFICILES SONT PRÉ-DÉCIDÉES POUR MOI.

 

Cela peut sembler trop facile, ou de pur brio, mais les gens du monde entier utilisent ce processus pour décharger le dur labeur mental de prendre des décisions pour arriver à la ligne d’arrivée plus rapidement. Si vous voulez obtenir des résultats plus cohérents et plus impressionnants, lisez la suite.

(vous savez qu’il s’agit d’une priorité clé dans tout mon blogue, trouver des moyens de maximiser votre créativité et votre efficacité, en organisant notre flux de travail pour passer moins de temps sur le quotidien prenant, et plus de temps sur les parties enrichissantes et excitantes de notre travail)

Parlons de vous imposer des règles internes. Ma définition des règles serait la suivante : utiliser certaines techniques pour créer une structure de chanson engageante. Et n’oubliez pas — les règles peuvent être enfreintes plus tard, mais vous trouverez qu’il est beaucoup plus utile de commencer rapidement et de faire des progrès rapides plutôt que de commencer lentement à partir de zéro.


Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un auditeur peut être attiré par votre chanson — la qualité du mix, une superbe loop, l’accroche du hook, etc. La plupart des gens admettront qu’ils sont attirés par une chanson (ou avoir une chanson dans la tête) par la structure narrative de l’arrangement. La création d’un arrangement serré et bien séquencé est l’un des domaines où de nombreuses personnes ont du mal à réussir. Leurs chansons manquent de corrélation, c’est-à-dire la combinaison de la répétition contre le changement. C’est un domaine de l’écriture de chansons où les règles peuvent aider énormément en prédéfinissant comment chaque son peut être utilisé.

Voici quelques exemples de règles que j’utiliserai :

  1. Direction : ce projet est-il pour le club, pour le casque, pour un projet de cinéma ? Sachant cela, chaque choix qui s’ensuivra sera dicté.
  2. Définition des sections : c’est une partie cruciale, que je vais définir comme une partie de la piste où une idée est utilisée d’une certaine manière, et vous passerez d’une section à l’autre, en entendant une différence claire et perceptible. Selon le genre, certains arrangements sont serrés, couplet, refrain, couplet, refrain, refrain, pont, couplet, etc. Beaucoup d’arrangements s’en tiennent à une formule répétitive, ce qui dans ce cas-ci est une bonne chose, car nous écoutons et savons rapidement à quoi nous attendre. C’est ici que vous pouvez ajouter et créer des variations aux sons qui peuvent augmenter l’intensité de manière puissante pour l’auditeur.
  3. La séquence de percussions : Cette séquence est-elle la même sur 8 ou 16 mesures ? Comme précédemment, vous voulez créer un motif stable qui se répète et qui peut supporter les autres éléments de votre piste. L’avantage d’utiliser des structures répétitives est qu’il suffit d’un petit changement pour introduire un grand changement, qui saura captiver l’oreille de l’auditeur tout de suite, et créer une anticipation pour la partie suivante. Des hats ou des claps sont souvent utilisés pour créer cette variation.
  4. Séquence de blocs et couleur : S’il y a une variation dans la même piste pour un son, je recommande fortement de changer les couleurs des blocs pour indiquer cette différence. C’est amusant et efficace de placer vos blocs dans un motif visuel, bleu-rouge-bleu-rouge-rouge-rouge-bleu-orange.
  5. Blocs superposés : C’est le prolongement naturel de la règle précédente. Imaginez que vous avez deux pistes, chacune ayant ses propres séquences de couleurs, votre motif visuel peut être créé en combinant les deux. C’est très utile lorsque vous voulez que deux sons différents s’appellent ou se répondent l’un l’autre. Vous les verrez l’un au-dessus de l’autre, comme une paire.
  6. Taille des blocs : J’aime faire une séquence pour mes kicks et ensuite les consolider (Cmd + J). Cela va créer un bloc plus grand que je vais dupliquer jusqu’à la fin. Maintenant, je peux exiger que ces blocs ne changent pas du tout, ce qui me permet de concentrer mon énergie sur la création de variations pour mes blocs de percussion plus courts. Imposer des tailles de blocs est l’un des moyens les plus libérateurs pour accélérer le processus d’arrangement !
  7. Blocks statiques vs blocks lives : Vous constaterez que chaque piste que j’ai inclura des éléments individuels qui sont un enregistrement audio de quelques manipulations live. Pour moi, ces blocs sont « Live » (vivants) tandis que ceux qui n’ont pas de manipulation sont « sleepy » (statiques). Vous pouvez décider d’avoir un certain rapport entre les vivants et les statiques.
  8. Rapport de perspective : Peut-être mon préféré. Alors qu’un ratio en tiers est habituel (ex. intro, milieu, fin), vous pouvez aussi en avoir plus, mais chaque ratio doit être de la même longueur plus ou moins. Le nombre de sections qui convient dépend vraiment de vous.
  9. Pourcentage de surprises : simple n’est-ce pas ? Combien de surprises donnerez-vous à l’auditeur ? Un trop grand nombre diminuera l’impact alors qu’un trop petit nombre pourrait ne pas engager suffisamment et ils trouveront votre morceau ennuyeux.
  10. Silences : élément très important. Les silences dans la musique peuvent donner une grande puissance aux notes jouées. Vous aurez besoin d’au moins un petit moment où vous donnerez de l’air à votre mix en ajoutant des silences à une pièce. Pensez de façon créative à la manière dont vous voulez créer de l’espace dans votre séquence.

 

Comme vous pouvez le voir, les règles que vous pouvez créer et appliquer à votre piste peuvent être tout ce que vous souhaitez. La meilleure partie sur l’utilisation des règles dans votre flow de travail est que vous allez considérablement accélérer les choses en déchargeant une grande partie du travail de devinette mentale à un processus qui a déjà été prédécidé. Tout cela signifie plus de plaisir en studio, plus de musique finie, ce qui est une situation gagnant-gagnant sous tous les angles.

VOIR ÉGALEMENT : The Science Behind Tracky Music

Checklist pour savoir si ma track est terminée

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Alors que je travaillais activement sur mon live, je me suis rendu compte que j’utilisais une checklist personnelle pour savoir si ma track était terminée. Des petits détails aux gros morceaux, il est parfois facile d’oublier certaines choses. De la même manière que pour partir en voyage, vous voulez vous assurer d’avoir tout préparé avant de sortir du projet.

Cette liste de contrôle est ce que j’utilise personnellement avant de passer au mixdown. Vous verrez qu’il y a encore des points que j’aborde comme étant du pré-mixing, mais je ne passerai pas trop de temps là-dessus. Dans un article précédent, j’ai expliqué l’importance d’exporter les stems hors de votre projet une fois la production terminée. Cela libère l’utilisation du CPU, donne une sensation de légèreté, donne la possibilité de sauvegarder ou de collaborer et éventuellement de faire un peu de mix dans un autre DAW pour obtenir des textures différentes. Mais surtout, c’est une façon de se dire : « Ok, il est temps de passer à autre chose. »

Avez-vous besoin de tout contre-vérifier pour déclarer que c’est fini ? Non, pas du tout. Il ne s’agit que d’une aide pour vous aider à mieux voir tout ce qui pourrait être couvert (et je suis sûr qu’il me manque encore une ou deux choses là-dedans !)

Catégories de la checklist, par ordre d’importance :

1. L’accroche (idée principale, Hook)

C’est ici que tout commence et se termine. Commençons donc par nous poser ces simples questions :

  • Quel est le hook principal de votre chanson ? Rappelez-vous, l’accroche est ce que quelqu’un chanterait à quelqu’un d’autre pour expliquer de quoi à l’air la chanson. Votre chanson n’en a peut-être pas (et c’est très bien aussi), mais l’accroche est l’un des principaux facteurs pour rendre une chanson mémorable et intemporelle.
  • Quels éléments soutiennent le hook ? Une bonne accroche n’est souvent pas suffisante. Il est utile de la soutenir avec des sons en écho ou des petites bribes de mélodies secondaires.
  • Est-ce que vous visez une structure pop ou un mantra répétitif ? Il peut aussi y avoir une zone grise qui combine les deux. Mais quel que soit votre choix, assurez-vous d’avoir une réponse claire.

2. Design sonore (Sound design)

C’est la section la plus importante pour moi et c’est habituellement là que je passe le plus de temps. J’ai ici des sous-catégories que je vais aborder.

  • Quels sont la direction et le but de cette chanson ? Est-ce surtout pour destiné à être mixé (DJ) ou plus pour l’écoute ? Vinyle ou Spotify ? Chill, dancefloor ou expérimental ? C’est quelque chose qui peut parfois être bon de garder à l’esprit jusqu’à la toute fin où vous pourrez alors supprimer ou ajouter des détails qui changeront le tout.
  • Quelle chanson ou quel artiste serait une référence ? Cela peut être ajouté directement dans une piste. Voir mon article précédent sur comment utiliser une piste de référence.
  • Quel est le rapport entre éléments organiques et éléments synthétiques ? C’est un point auquel je pense en général au début, mais je serai également disposé à le réviser à la fin.
  • Quelle est la tonalité principale de ma chanson ? Pas toujours indispensable si vous faites de la musique inharmonique. Mais il peut être intéressant de décider de la note fondamentale de la basse, du kick et des mélodies.
  • Kick : le kick est-il en accord avec la mélodie ? Est-il compressé en sidechain avec d’autres sons qui rentrent en conflit ? Personnellement, j’essaye aussi d’avoir un kick différent de celui de ma track précédente. Le kick est le dernier élément à concevoir, car il est là pour soutenir et compléter l’ensemble du projet.
  • Snare/clap : souvent aussi important que le kick, j’utilise habituellement un clap si ma dernière track avait un snare, pour alterner. Je vais aussi essayer de les superposer (layering). D’une chanson à l’autre, le son des percussions qui se produira sur les 2e et 4e temps devra varier selon mes goûts. Je veux essayer d’offrir différentes options pour quand je joue mes chansons en live ou en DJ set.
  • Bass : est-elle en tonalité ? Est-elle en sidechain ?
  • Melodie : c’est un peu difficile mais comme expliqué dans ma technique de production non linéaire, j’aime aller et venir dans la track pour voir si la mélodie a un impact, et si celui-ci est positif dans la durée. Trouver une mélodie est déjà assez difficile, mais la rendre agréable au fil du temps est un art en soi.
  • Atmosphère : y a-t-il un arrière-plan dans ce titre ? Qu’y a-t-il en arrière-plan par rapport au premier plan ? J’aime utiliser des bus pour ça.
  • Enregistrement : est-ce que j’utilise des enregistrements de terrain pour cela ?
  • Textures : les textures sont-elles claires et audibles ? Ou est-ce plus subtil ?
  • Quel est le rapport entre les sons répétitifs et les sons changeants ? Certaines personnes aiment toujours avoir le même clap à travers la chanson tandis que dans le Hip Hop, ils aiment souvent en changer. Y a-t-il une règle que vous voulez suivre ? Si oui, à propos de quoi ?

 

3. Le groove

C’est une section un peu moins condensée mais très importante si la chanson est plus percussive et pour le dancefloor.

  • Le groove est-il emprunté à une chanson ou à un template de groove ? Est-il personnalisé ?
  • Quelle est la signature du morceau ? Est-elle globale ou différente selon les parties ?
  • Est-ce qu’il y a un groove global appliqué ou est-ce que ce morceau utilise plusieurs grooves selon les parties ?
  • Exportez toutes les boucles de percussions en MIDI pour ajuster le groove.
  • Qu’est-ce qui est répétitif et ce qui ne l’est pas ? Trouvez un équilibre sain entre les sons répétés à travers la chanson et d’autres sons qui changent sur 1-2-3-4 mesures.
  • Y a-t-il un sidechain entre les pistes pour créer un effet de pompe subtil ou au contraire très présent ? Cela peut faire une différence.
  • Quels sont les sons modulés ? C’est une des choses les plus importantes à faire si vous voulez que votre chanson soit plus organique que synthétique. C’est une chose de sélectionner les bons samples organiques, mais la façon dont vous les programmez sera cruciale pour l’impression générale. Souvent, l’oreille humaine est très sensible au mouvement, même si la musique est jouée en arrière-plan. Vous seriez surpris de ce que les gens remarquent et de ce qu’ils ne remarquent pas.

 

4. FX/RETOURS

L’utilisation des retours (sends) est cruciale pour donner une impression d’unité à la piste. L’une des erreurs les plus fréquentes que je vois de la part des nouveaux producteurs est d’utiliser plusieurs reverbs partout dans le projet au lieu d’en utiliser une seule comme send. J’utilise habituellement des sends multiples pour créer des effets 3D élaborés et sophistiqués pour les percussions et les mélodies. L’un des points les plus importants est de les utiliser avec soin, jusqu’à la fin.

  • Cette chanson est-elle sèche ou plus chaleureuse ? Quelle place attribuer au reverb ?
  • Quel type de réverbération est-ce que je veux pour cette piste ? Petite ou grande ? Les options sont le hall, room, plates, convolution et quelques autres.
  • Qu’est-ce qui va avoir un effet 3D ? Vous ne voudrez peut-être pas mettre toute la chanson en 3D, car cela va à l’encontre de l’idée. Ce qui rend la chanson 3D, c’est la quantité de sons que vous mettez en plein dans la figure, par rapport à ceux que vous mettez en arrière-plan. Une combinaison saine des deux aura un meilleur effet.
  • Un seul delay pour le projet ! Sur quelle signature ?

 

5. Structure/arrangements

J’ai fait référence à la structure comme des Legos dans un article précédent. Ils ont souvent la même façon d’être construits pour plusieurs raisons. C’est pourquoi une track de référence peut nous aider à briser nos idées narratives. Je recommande toujours de déposer des marqueurs dans les arrangements de cette façon : un au début, un à la fin et un au milieu. Cela établira ce que j’appelle des perspectives et vous aidera à voir si votre narration générale est équilibrée et si les choses sont bien organisées.

À partir du milieu, je poserais encore une fois un marqueur entre le début et le milieu, puis un dans la dernière partie. Votre chanson doit comporter 4 parties distinctes. Les sections 1-2 sont intro et outro. La partie du milieu est l’endroit où votre chanson se développe et existe.

  • Est-ce que votre chanson a une intro/outro ? Commencez-vous immédiatement dans l’action ou développez-vous ?
  • Combien d’espace avez-vous pour que le mix DJ ?
  • Vos éléments mélodiques évoluent-ils correctement à travers chaque section ?
  • Votre chanson a-t-elle au moins un développement, centre d’intérêt par section ?
  • Est-ce que la chanson a une surprise importante environ aux 2/3 de sa longueur ? Je recommande toujours d’y réfléchir.

 

J’ai donc abordé les principaux points que je couvre habituellement. Je pourrais aller plus loin, mais c’est ce que vous verrez dans la production. Au-delà, nous tomberions dans le mix et c’est un tout nouvel article à venir.