« Je pense qu’il faut revenir en arrière maintenant ». Voilà ce que j’ai dit à un ami qui me demandait ce qui m’attendait pour l’année. Cela en me référant à une opinion que j’avais il y a des années, à savoir qu’il faut reconnaître quand il est temps de suivre le courant, et quand il est temps de l’inverser ou de le dévier pour aller dans une autre direction. Je repensais à la révolution mp3 de 2001 ; les geeks téléchargeaient toute la musique qu’ils voulaient grâce à Napster ou à d’autres logiciels. Il y avait un débat permanent sur la copie et le partage de la musique. À l’époque, c’était surtout la musique pop et commerciale qui remportait le plus de succès grâce au partage de fichiers. Dans la culture underground, les Netlabels sont devenus un mouvement mystérieux, partageant de la musique gratuitement. Aujourd’hui, la musique gratuite est courante, mais à l’époque, elle était vraiment considérée comme une approche absurde pour un label, voire comme une « pensée rétrograde », et souvent décriée et ridiculisée.

À l’époque, Dennis De Santis (qui travaille maintenant pour Ableton) et moi-même avons été contactés pour faire partie d’une compilation pour un netlabel allemand appelé Thinner (qui est finalement devenu un netlabel assez connu). Pourquoi l’ai-je fait? Deux facteurs principaux ont contribué à cette décision :

  • Je ne signais pas de musique à l’époque et je disais « oui » à tout ce qui pouvait m’arriver.
  • Il y avait un nouveau flux de personnes qui voulaient de la musique gratuitement… alors, pourquoi ne pas la leur donner?

J’ai décidé de suivre le mouvement. En faisant cela, vous êtes poussé dans une direction et vous acceptez que vous ne puissiez pas contrôler où vous finirez. Dans mon cas, je dirais que cela ne m’a conduit qu’à de grandes choses — rencontrer des gens, obtenir des bookings et beaucoup d’attention.

Il n’est pas surprenant que lorsque j’ai lancé mon propre label, Archipel, en 2004, je l’ai également lancé en tant que netlabel. Mais en 2006, j’ai décidé d’aller à contre-courant et de faire ce que beaucoup n’approuvaient pas vraiment, c’est-à-dire vendre de la musique sur Beatport. C’était le début de la vente de musique numérique et beaucoup de gens pensaient que ça ne marcherait pas, mais ça a vraiment bien tourné.

Ce que je veux dire, c’est qu’il y a des moments où il est logique de continuer à aller dans une certaine direction, et d’autres où il est plus judicieux de changer de direction. En gardant cela à l’esprit, être flexible est quelque chose qui peut s’appliquer à de nombreux domaines, comme l’esthétique musicale, ou même une chanson.

Comme je l’ai mentionné, j’ai récemment rejoint Weeklybeats — un défi consistant à créer une chanson par semaine, pendant toute l’année, et j’ai éprouvé un grand sentiment de liberté. Normalement, je m’impose un flux de travail très rigoureux lorsque je fais de la musique, et souvent il me faut des mois pour terminer une chanson. Le fait de passer à un rythme plus rapide m’a obligé à moins réfléchir. Oui, il y a un risque de diminution de la qualité avec l’augmentation de la vitesse, mais en même temps, avec l’expérience que j’ai acquise au fil du temps, je sais que je peux au moins assurer que ma production est solide.

J’ai aussi compris que ma principale distraction est que je suis constamment bombardé de nouveaux outils musicaux promettant des tonnes de nouvelles fonctionnalités et que je passe un temps fou à les parcourir et à attendre une promotion pour les acheter, sans jamais vraiment pousser au maximum les choses que je possède déjà. Avec ce défi hebdomadaire à l’esprit, maintenant que je me suis imposé des limites, j’ai l’impression d’avoir fait une énorme percée.

Le temps

Les échéances vous rendent créatifs et productifs. Un ami qui est père de deux enfants m’a dit récemment qu’il créait ses meilleures idées lors de courtes sessions de musique, sachant qu’il serait limité à peut-être 10 minutes. Ainsi, disons qu’il devait se rendre à l’épicerie ; pendant que sa famille se préparait, il ouvrait Ableton et testait une nouvelle macro qu’il avait créée, ou essayait des arrangements temporaires. La contrainte de temps le rendait plus efficace que lorsqu’il avait une soirée entière pour faire de la musique, ce qui n’aboutissait souvent à rien d’intéressant.

Ma théorie est qu’avec trop de temps, on peut gâcher ce qu’on fait. C’est pourquoi je pense que 5 heures de studio passées sur une chanson n’est pas la meilleure idée — une pensée qui s’est avérée juste pour moi en participant à ce défi hebdomadaire. Maintenant, je prends quelques heures pour créer une idée, la sauvegarder et la développer plus tard — le lendemain, j’ajoute une couche, etc. Je suis limité dans le temps et je fais plusieurs choses à la fois, mais je trouve 20 minutes par-ci, 40 minutes par-là, puis 10 minutes avant d’aller me coucher.

Essayez ce patch Max 4 Live qui vous permettra de chronométrer votre travail et vous donnera une idée du temps que vous avez passé sur les choses.

Conseil : donnez-vous une date limite pour terminer une chanson et accepter qu’elle est ce qu’elle est. Il est plus important de passer à autre chose que d’essayer d’atteindre une perfection illusoire. Utilisez l’alarme de votre agenda comme un rappel.

Je décide de la durée de ma chanson avant d’essayer d’accélérer les choses. C’est un conseil dont on parle souvent dans le blogue, mais j’insiste sur le fait qu’il s’agit d’une limitation importante qui clarifie beaucoup de choses.

Les outils

Si vous êtes un lecteur de ce blogue, vous vous souviendrez que pour une chanson, je vous encourage à vous concentrer sur une idée principale soutenue par deux idées mineures. Il est très facile de se perdre en essayant de trouver une idée pour commencer. Mon approche est d’essayer d’utiliser ce qui vient rapidement.

Synths : Connaître ce dont vous disposez — faites le tour des synthés fournis avec votre DAW, et des autres. J’encourage les gens à se procurer au moins un synthé qui est une émulation analogique d’un modèle classique (Arturia fait un excellent travail dans ce domaine) et un autre axé sur un large éventail d’options de conception sonore (je suis un grand fan de Rob Papen et je vous encourage à tester ses produits).

Samplers (échantillonneurs) : Honnêtement, le Sampler d’Ableton Live fait l’affaire pour moi. Il existe d’autres alternatives, mais au final, ils font tous le même travail, à l’exception de certains qui ont plus d’options. Je reviens toujours au sampler de base parce qu’il est simple et extrêmement polyvalent.

Une fois que vous avez décidé si vous allez générer un son ou utiliser un échantillon, il est temps de jouer avec. Le mappage d’un contrôleur MIDI est très utile pour jouer différentes notes. Parfois, je vois des gens devant leur clavier et ils ne savent pas trop quoi faire. Cela peut sembler évident, mais quand je jam, je teste :

  • différentes hauteurs en jouant des notes plus hautes et plus basses.
  • des notes plus ou moins fortes pour voir comment la vélocité influence les choses.
  • le son à un volume différent. Parfois, un son à très faible volume est beaucoup plus intéressant qu’un son fort.
  • l’alternance entre des notes courtes et longues. En fonction de votre preset, il peut être joué différemment.
  • en jouant des notes rapides et lentes pour voir le ressenti.

N’oubliez pas que vous pouvez faire une chanson à partir de n’importe quel son si vous savez comment l’utiliser. La raison pour laquelle nous rejetons les sons est que nous cherchons à faire autre chose. Nous ne prêtons pas attention au son et à son potentiel. En se limitant à un seul outil par chanson, on élimine beaucoup de temps d’exploration. Cela vous oblige également à faire quelque chose avec ce que vous avez.

Il en va de même pour la reverb, la compression et l’EQ. Je n’en utiliserai qu’un ou deux, au maximum. Quand je suis en mode mix, j’explore généralement différents compresseurs.

La composition

Si vous utilisez du modulaire ou du matériel physique, vous avez votre équipement devant vous et vous commencerez à travailler avec ce que vous avez. Cette limitation vous oblige à être créatif. Mais sur un ordinateur, vous aurez de nombreuses façons de faire de la musique.

Modèles (ou Templates). Pour accélérer mon travail, j’ai créé un modèle principal que j’utilise pour créer des macros et des techniques, tout en enregistrant le tout. Je fais surtout du jam et je ne passe pas trop de temps à entrer dans les détails — volontairement brut. Lorsque j’ai quelque chose de potentiellement intéressant, je crée une piste appelée « idées » et j’y mets mes clips. Plus tard, quand je commence à travailler sur une chanson, à partir du navigateur de gauche, je peux ouvrir le modèle et importer la piste « idées » dans ma nouvelle chanson. Vous pouvez importer vos sons dans plusieurs modèles. Dans un autre modèle, créez des modificateurs de son. Par exemple, j’ai un template dub rempli de modulateurs de reverb et de delays. Je peux y faire passer n’importe quoi et quelque chose de dub en sortira.

Jam. J’essaie d’inciter les gens à jammer autant que possible. Chaque fois que j’ai une boucle comme idée principale, je commence automatiquement à enregistrer et je la mets en sourdine, je la joue, je change le volume et j’essaie différentes combinaisons. Cela me permet d’explorer des idées que je ne pourrais pas découvrir si je me contentais d’éditer à la souris les clips dans les arrangements.

Le son

Pendant très longtemps, nous avons voulu avoir accès à un maximum d’échantillons, mais maintenant que nous les avons, nous sommes complètement perdus. Essayez de décider quel snare ou quel clap vous voulez. Échanger un son n’est pas très facile, mais j’ai trouvé cet incroyable step sequencer qui a réglé ce problème. Il est fabriqué par XLN et appelé XO.

Si vous voulez faire de la musique rapidement, vous devez trouver vos sons préférés et créer des drum kits. Importez-les chaque fois que vous commencez une nouvelle chanson. À l’époque, on avait un 909 ou un 808 pour les drums, point final. Créez donc un bon drum kit principal, puis ajoutez-y quelques sons différents, et le tour est joué.

Et pour l’amour de Dieu, arrêtez de penser que vous devez tout faire à partir de rien, tout le temps! Oui, c’est cool, mais ça vous ralentit beaucoup.

J’ai mentionné que je « reviendrais en arrière » cette année. Ce que je voulais dire par là, c’est que toutes mes habitudes doivent être améliorées ou modifiées. Les habitudes me permettent de me sentir en sécurité et à l’aise, tandis que le sentiment de malaise me force à être créatif et à penser différemment. Rejoignez-moi dans cette démarche ; je suis sûr qu’il y a de la magie qui vous attend aussi!

VOIR ÉGALEMENT : Reverb Tips to Boost Your Creativity


Written by: pheek

Fondateur de Audio Services et musicien depuis les années 90's.
“I knew I was going to get a good job from Pheek, but I didn’t anticipate it being as good as it was! The final product had plenty of bottom, while leaving room for the rest of the track to breathe and move organically as it should... I will be going to Pheek from now on!”
Alex Ridley and Chris Komus

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