Archive d’étiquettes pour : Processus créatif

Comment composer de manière constante?

/dans /par

J’ai toujours été intéressé par l’industrie de la restauration et en particulier par le processus d’attribution des récompenses, comme les étoiles Michelin. Il existe un certain nombre de critères qui permettent de déterminer si un chef va obtenir une étoile et je trouve qu’il est possible de s’inspirer de ces points pour les appliquer au travail d’un producteur de musique. Bien qu’il n’y ait pas de notes écrites sur les critères, ce que nous savons, c’est qu’il y a des points clés tels que la capacité, la qualité et la personnalité du chef. Cependant, un point qui ressort vraiment est la constance.

 

C’est un sujet qui revient souvent avec mes clients. Tous rêvent de trouver une formule qui garantira que chaque chanson est bonne et que chaque fois qu’ils entrent en studio, quelque chose de valable sortira du temps investi. Il existe des moyens directs d’y parvenir, mais je vais détaillerai également quelques points peuvent être un peu troublants.

 

GESTION DES ATTENTES

Il est toujours un peu difficile de parler des attentes avec les clients. Il y a quelques points à garder à l’esprit à ce sujet. Tout d’abord, de nombreuses personnes sont d’abord passionnées de musique et comptent sur ce passe-temps pour de multiples espoirs tels que l’acceptation et la validation de leur communauté ou de leurs idoles. Cela suffit à créer de grands objectifs, ce qui crée un stress qui peut entraver la créativité et la productivité. Il en va de même pour d’autres producteurs qui ont sorti de la musique et ressentent une pression pour en faire plus, mais ils sont confrontés à certaines tensions vis-à-vis de ce qu’ils font : sentiment d’être inadéquat, de se heurter à des limites techniques, comparaisons injustes avec d’autres, etc.

Personnellement, je ne crois pas vraiment qu’il soit humainement possible d’avoir des séances positives constantes en studio, où vous êtes 100 % heureux de votre musique. Pour ceux qui y arrivent, je me demande aussi si c’est vraiment amusant, car à long terme, cela peut être très stressant et fatigant.

 

Ainsi, plutôt que d’avoir une constance parfaite dans la musique, je pense qu’il est préférable de changer d’approche pour définir les conditions de votre victoire. Dans l’article Définition de fini, nous avons expliqué comment se fixer des objectifs précis pour reconnaître quand on a terminé un projet tout en acceptant les imperfections avec lesquelles on peut vivre. Mais les conditions de victoire sont légèrement différentes, tout en restant très proches.

 

Par exemple, j’ai connu des musiciens professionnels qui se forçaient à aller au studio tous les jours et à faire au minimum une chanson. Comme je travaillais avec eux, j’ai eu l’occasion d’écouter et je dois dire que je trouvais que les chansons qu’ils me présentaient étaient intéressantes environ 5 % du temps (il y en avait beaucoup). Nous en avons parlé et nous avons constaté que non seulement il n’était pas heureux de la situation ni du résultat, mais qu’il se rendait compte qu’il ne réalisait pas ce qu’il espérait. Nous avons donc travaillé ensemble pour modifier son flux de travail et ses attentes.

J’ai proposé ma technique de création musicale non linéaire dans laquelle il travaillerait sur plusieurs pistes à la fois au lieu d’une seule chanson à la fois. J’ai également demandé ce qu’il aimait le plus faire afin de m’assurer que cette partie représenterait au moins 50 % de son temps de studio. Dans son cas, il aimait la conception sonore et la création de nouvelles chansons, ce qui était parfait. Je lui ai montré que la musique peut aussi être cela et que faire de la musique est une partie importante de la création musicale, mais ce n’est pas la seule partie. Commencer de nouvelles chansons est, pour moi, tout aussi important que de les terminer. Plus vous en commencez, plus vous avez de chances de créer des idées solides et originales. Ensuite, vous récoltez les meilleures pour les transformer en une chanson. Nous avons également revu les différentes façons de faire du sound design et les techniques à essayer.

 

Cela a beaucoup changé les résultats de sa musique et la qualité des morceaux suivants s’est nettement améliorée, même si le rythme de leur sortie s’est ralenti. C’est pourquoi j’encourage parfois les gens à se concentrer sur les morceaux réalisés par saison plutôt que par jours ou semaines.

 

CONDITIONS DE VICTOIRE

Nous avons tous des conditions différentes et il n’y a pas vraiment de meilleure façon de procéder, mais je trouve que les conditions de victoire doivent être différentes des objectifs d’une sortie/release. Certaines personnes se sentent victorieuses lorsqu’elles sortent leur album après des mois de travail, mais elles en redemandent très vite et doivent alors retourner au studio, ce qui peut paraître pénible. Dans mon cas, après des années d’expérience, je constate que mes conditions de victoire se résument à m’éclater lorsque je suis en studio, même si cela implique de travailler dur pour résoudre des problèmes.

Cela implique deux choses différentes : premièrement, il y a une partie de moi qui est là pour résoudre les problèmes, installer le matériel, créer un environnement qui soit exploitable et régler les détails pour s’assurer que tout va bien. Deuxièmement, je dois me préparer à mes conditions en m’assurant que j’ai toutes les compétences nécessaires pour faire de la musique. Ainsi, si dans une Définition de fini, nous fixons les points qui nous permettent de voir que nous avons terminé, dans les Conditions de victoire, nous établissons ce qui est nécessaire pour y parvenir.

 

Comme pour moi, c’est lié au plaisir, j’ai dû faire de l’ingénierie inverse.

 

Cela signifie que j’ai dû revenir sur une séance vraiment amusante et voir ce qui s’est passé pour que cela fonctionne et avoir du plaisir. Le plus souvent, alors qu’une séance peut être gâchée par des problèmes techniques, il est clair que certaines séances dans le studio devraient être consacrées à la prévention des problèmes. Toutefois, d’autres séances devraient être consacrées à la pratique d’une technique ou d’un nouveau concept, de sorte que lorsque je suis dans la zone, j’ai tout sous la main.

 

ET VOUS?

Dans le développement d’un artiste, il y a de nombreuses étapes et phases. Il se peut que vous soyez dans une phase si éprouvante que le plaisir n’est pas au rendez-vous. C’est peut-être parce que vous vous sentez dépassé par un problème spécifique, une limitation du logiciel, un manque de connaissances sur un sujet et que viser le plaisir peut sembler un peu frustrant. Le fait est que, si cela peut vous aider, il y a eu de nombreuses années dans ma vie où j’ai accompli tant de choses sans en savoir beaucoup et que plus j’en savais, plus je ralentissais. Je dis souvent qu’il est important de terminer quelque chose et d’apprendre plutôt que de courir après la perfection.

En d’autres termes, ce qui vous pose problème pourrait en fait être une distraction. Il y a beaucoup de choses à apprendre sur YouTube et si vous ne trouvez pas, il y a toujours des gens pour vous aider — moi y compris. De nos jours, il n’est pas nécessaire de rester longtemps face à un problème, contrairement à ce qui se passait avant l’abondance de tutoriels sur Internet.

 

Vous pouvez peut-être créer des conditions dans lesquelles vous travaillez sur plusieurs choses à la fois, des petites choses, et essayer d’en tirer le meilleur parti.

 

CONTRÔLE DE LA QUALITÉ, ÊTRE PRAGMATIQUE

Nous avons parlé de la partie philosophique et du flux de travail de ce sujet, mais qu’en est-il du côté technique des choses? Quels sont les principaux éléments qui permettent de maintenir une constance entre les morceaux?

Il existe de nombreux points pour lesquels vous pourriez utiliser une liste de vérification. Après des années et des années de travail sur la musique, je vois des corrélations entre les chansons qui parviennent à avoir un certain succès. Je ne vais pas me plonger dans la promotion, la sortie et tout ce qui n’est pas lié à la production, car c’est un peu un trou sans fond qui change tous les 3 à 6 mois. Je n’arrive pas suivre.

 

Dans la création musicale, j’ai l’impression qu’il existe 2 types : commercial et artistique.

 

Par commercial, je ne l’entends pas de manière péjorative. Je fais essentiellement référence à la musique destinée à être poussée pour être vendue. Si vous faites de la musique et que vous voulez la distribuer, il y a des chances que le distributeur la refuse s’il considère qu’elle ne se vendra pas assez. C’est la norme pour les accords P & D (presse et distribution), car la distribution couvre essentiellement les coûts et attend un retour sur investissement. Selon moi, si vous faites de la musique dans l’idée de réaliser des ventes, elle est principalement et clairement commerciale (c’est-à-dire que nous la produisons dans une optique de vente).

 

D’un autre côté, la musique artistique peut être simplement numérique ou sortie aux frais de l’artiste, sans distribution et il y a très peu d’attente de ventes. Ce type de musique est souvent un peu plus audacieux, abstrait, risqué, ne suit pas beaucoup de règles et a plus de chances de ne pouvoir s’adapter à aucune règle.

Si l’on compare cela à un restaurant, le restaurant commercial sait souvent ce qui se vend et propose une direction, un style et des plats vedettes que les gens prennent à chaque visite. Le restaurant artistique est un restaurant qui change de menu chaque jour et prend des risques.

Ils ont tous deux besoin de cohérence sur un certain nombre de choses : ingrédients frais, respect des recettes, cohérence du goût sur chaque assiette, température, etc.

 

C’est à peu près la même chose avec la musique. Il existe certains critères que vous pouvez suivre et qui garantiront que vos chansons seront à la hauteur. Parfois, elles n’auront peut-être pas le même punch, mais si vous respectez les principes de base, vous aurez à coup sûr une certaine constance.

Voici les critères que j’ai en tête :

 

  • Une accroche solide, une idée principale. La raison d’être d’une chanson, c’est que vous avez trouvé une idée solide avec laquelle vous voulez partager une histoire. C’est comme ça que je vois la musique. Si vous pensez à la musique traditionnelle, les gens écrivent une histoire et ce sera l’idée principale. Dans le cas de la musique électronique, le plus souvent, il n’y a pas de voix et ce sont les sons et les idées qui constituent votre histoire. Ne faites pas de chansons simplement faire une chanson (remarque : j’encourage les gens à faire de la musique pour le plaisir, ce qui est différent). Trouvez une idée et construisez une histoire autour d’elle. Il peut s’agir d’un sample, d’un motif, d’un son amusant… Il n’y a pas de règle ici, mais trouvez une idée que vous pouvez écouter pendant 3 à 6 minutes et mettez-la vraiment en avant.

 

  • Chanson en tonalité, dans la gamme. Cela peut sembler bizarre, surtout pour les personnes qui font de la musique atonale ou de la techno industrielle qui utilisent une gamme chromatique, mais s’assurer que tous vos éléments sont dans la même tonalité donnera à la chanson un caractère beaucoup plus complet. Toutes les chansons n’en suivent pas une, mais avoir une harmonie cohérente plaira à beaucoup de gens, surtout si dans un genre spécifique, certaines gammes sont respectées. Un point facultatif ici serait la progression des accords. Vous n’en avez pas toujours besoin, mais si vous en avez une, assurez-vous qu’elle est solide et cohérente. Souvent, lorsque je donne du feedback à des personnes qui débutent dans la production musicale, je remarque qu’elles ne respectent pas ce point de base et une fois qu’elles le font, elles atteignent déjà un autre niveau.

 

  • Règle des tiers dans les arrangements. Il s’agit d’un concept que j’aborde dans les commentaires où j’explique aux producteurs que s’ils divisent leur chanson en 3 sections, elles doivent toutes présenter des variations, afin de donner à l’auditeur un sentiment d’évolution et de maintenir son attention. Si vous comprenez l’expérience d’écoute comme un défi consistant à maintenir l’attention, vous savez que vous devez apporter de nouvelles idées, mais pas trop. La règle du tiers n’échoue jamais. Si vous composez de la pop ou quoi que ce soit qui nécessite une structure, gardez cela à l’esprit également.

 

  • Mixage neutre (flat), mastering coloré. Les clients ne comprennent pas toujours ce qu’est un bon mixage. Si vous gardez un son neutre, mais que vous travaillez avec un ingénieur qui peut le colorer pour qu’il corresponde à des chansons similaires sur le marché, vous aurez très probablement toujours une chanson solide et agréable à écouter, capable de faire face à la concurrence. En outre, un mixage plat signifie que vos éléments ne sont pas trop éparpillés, ce qui est important.

 

  • Évitez le masquage et la phase. C’est plus technique, mais si vous avez un mixage chargé où beaucoup d’éléments sont utilisés, vous finirez très probablement par avoir un mixage muddy. Je ne vais pas vous expliquer comment résoudre ce problème dans cet article et vous pouvez consulter Google à ce sujet, mais gardez à l’esprit que c’est essentiel pour la qualité.

 

  • Obtenez une rétroaction. Montrez votre morceau à des gens en qui vous avez confiance et demandez-leur un retour spécifique. Sinon, les gens diront que c’est cool. Soyez technique sur ce que vous attendez d’eux.

 

  • Demandez de l’aide. Je ne comprends pas pourquoi les gens veulent tout faire eux-mêmes. C’est en fait se préparer à une musique moyenne. Vous apprendrez oui, mais pourquoi ne pas devenir un maître de la musique que vous aimez faire et demander à un maître de vous aider pour le mixage afin d’en tirer le meilleur parti? C’est comme si vous vouliez faire un sandwich, mais que vous vouliez faire le pain vous-même, la mayonnaise à partir de zéro, cultiver les légumes, faire le fromage, etc. Oui, tu peux, mais tu peux aussi acheter les meilleurs ingrédients possible et avoir un super sandwich.

 

  • La quantité pour un travail de qualité. Si vous considérez chaque chanson comme une expérience pour apprendre quelque chose de nouveau ou maîtriser une technique, vous pouvez accélérer votre processus et faire plus de musique. Un bon moyen de maintenir la qualité est de produire beaucoup, beaucoup de chansons, puis de réduire votre production à celles que vous savez être brillantes. Plus vous finissez de la musique, plus vous développez des compétences, qui font que les morceaux suivants sont de meilleure qualité. Ensuite, lorsque vous pourrez choisir ce que vous partagerez à l’étranger, au monde extérieur, ils ne verront que de la qualité.

 

Si vous tenez compte de ces points, vous aurez certainement quelque chose dont vous serez fier et lorsque vous partagerez une chanson, les gens sauront ce qu’ils peuvent attendre de vous, même si vous prenez des risques, sur le plan créatif.

 

Réflexions sur les idées « moyennes »

/dans /par

Ce qui bloque nombre de gens dans la création musicale, c’est la recherche de l’idée parfaite. Souvent, ils pensent qu’ils doivent faire quelque chose de révolutionnaire pour que cela vaille la peine de travailler dessus. Ce n’est pas le cas. Il existe de nombreuses chansons que les artistes considéraient comme médiocres, mais qui ont fini par devenir des succès pour eux. Deadmau5 en est un bon exemple : il pensait que son tube « Strobe » ne fonctionnerait que sur une face B. Il s’avère que c’est l’une de ses chansons les plus célèbres.

Si vous avez un processus et savez comment créer un mood board, il est possible de transformer des chansons moyennes en grandes chansons, ou des chansons moyennes en chansons que les gens apprécieront pour d’autres raisons. Ceci étant dit, cet article portera sur l’importance de travailler sur des idées moyennes.

 

TRAVAILLER SA MUSIQUE POUR LE PLAISIR

Parfois, les plus grandes surprises en musique viennent de ce que l’on fait dans le noir, sans savoir si ce sera bon ou pas. Ces moments impliquent de bricoler, de créer des boucles, d’extraire des sons de notre banque de samples et de tripoter des synthés juste pour le plaisir. Cependant, il arrive que l’on y travaille pendant des heures, que l’on n’y voie aucun potentiel et que l’on soit frustré. Par exemple, en ce moment, je travaille sur un nouveau set techno live, et rien ne me semble très inspirant. Cependant, je me rends compte que si je continue à travailler dessus, en suivant ma liste de contrôle et mon processus, quelque chose d’intéressant finira par se produire. Je comprends que, même si ce n’est pas la meilleure composition, cela pourrait être une face B, qui présente ses propres avantages et dont je parlerai plus loin dans cet article.

 

LE PROCESSUS

Tout d’abord, passons en revue ma liste de contrôle et mon processus. La première étape de mon processus est ce que j’appelle une « production non linéaire ». La production non linéaire est une façon de travailler où, dans un premier temps, vous résumez des idées, et vous empilez un tas de sons que vous aimez dans la vue « Live », au lieu de la vue « Arrangement ». Cela vous permet essentiellement de construire un mood board de sons dans lequel vous pouvez puiser et avec lequel vous pouvez jouer. Pour ce faire, je me force à enregistrer tout ce qui sort, littéralement tout et n’importe quoi. Ensuite, je commence à activer et désactiver des clips et voir ce qui se passe. Souvent, en faisant cela, j’obtiens bien plus que des boucles : j’obtiens des phrases entières qui deviennent des parties entières de la composition. Et comme je fais de la techno, basée sur des boucles et suivant un modèle prévisible, les choses commencent à se mettre en place.

Avant de continuer, j’ai une remarque à faire : je ne vais jamais au studio dans le but de faire de la musique moyenne. Les gens qui insinuent que je fais cela après avoir dit qu’ils devraient travailler sur de la musique moyenne, sont en quelque sorte offensants. J’essaie toujours de faire quelque chose de bien.

Cependant, je ne suis qu’un être humain, et parfois j’ai des idées moyennes que je décide de travailler afin de voir ce qui se passe. Parfois, quelque chose d’amusant se produit, ce qui me permet de faire un arrangement fantôme en passant par ma liste de contrôle. Une partie de ma liste de contrôle consiste à ajouter une ligne de basse groovy. C’est fondamental pour beaucoup de mes morceaux. Ensuite, je me demande s’il est approprié de répondre à cet appel avec un arrangement similaire. Par exemple, est-ce qu’un lead répond bien à la ligne de basse?

Une fois que j’ai déterminé cette partie fondamentale de la structure, je me dis : « Puis-je créer un élément complémentaire, comme un son de fond? » Je commence donc à parcourir mon mood board et à choisir des sons qui, selon moi, s’intégreront bien à l’arrière-plan. Il peut s’agir de bruitages, d’enregistrements de terrain ou même de textures à ajouter à l’instrumentation.

Ensuite, je commence à construire vers l’extérieur, car normalement ce que je fais dans l’esquisse finit par être la partie centrale de l’arrangement. J’ajoute donc une outro et une intro. Une fois que ces parties sont terminées, je commence à penser à tous les éléments qui font plaisir à l’oreille — les détails et les fioritures. Cela inclut généralement un élément bizarre qui rend la chanson folle et inhabituelle. Puis, une fois que j’ai rassemblé tous ces éléments, il arrive que quelque chose de moyen puisse devenir assez cool.

 

LE TEMPS GUÉRIT TOUS LES MAUX

Alors que se passe-t-il quand vous faites tout ça, et que le résultat est un peu « bof »? Facile. Il suffit de se détendre une minute. Très souvent, les étudiants enregistrent quelque chose qu’ils considèrent comme médiocre sur le moment, mais lorsqu’ils l’écoutent dans un autre état d’esprit, cela change. Ce que vous pensiez être ennuyeux il y a un moment peut sembler excitant maintenant, ou du moins, valoir la peine d’être travaillé.

La perception sera toujours l’ennemi du progrès. Nous devons tous nous rappeler que certaines musiques sonnent bien à certains moments, et à d’autres, moins bien. De même, il arrive qu’un son ne vous plaise pas particulièrement dans le contexte dans lequel il se trouve, mais qu’une fois associé à une autre esquisse, il prenne une vie qui lui est propre. Ou il peut être moyen, et c’est correct! Comme je l’ai déjà dit, ce qui est moyen pour vous peut être génial pour un autre auditeur.

 

L’AVANTAGE DES FACES B

Le fait est que les morceaux ordinaires, à mon avis, résistent à l’épreuve du temps plus longtemps que les arrangements compliqués. Quand je fais du mastering, beaucoup des idées que j’aime ne sont pas si originales ou révolutionnaires, elles sont plutôt efficaces car elles couvrent tous les éléments d’une chanson que je trouve importants. Les trucs extravagants? Pas vraiment. Peut-être quelques compositions des Chemical Brothers ou de Plastikman, mais globalement, non, du moins à mon avis.

Les faces B font souvent partie de la meilleure musique qui soit, surtout du point de vue d’un DJ. Elles sont typiquement fonctionnelles et remplies de moins de fioritures que le single principal. Elles peuvent donc être facilement mixées et utilisées comme un outil, permettant aux DJ de créer des moments uniques à la volée pendant leurs sets. Pour cette raison, ils n’obtiendront peut-être pas autant de lectures sur des sites comme Spotify, mais ils pourraient être plus performants sur des sites comme Beatport ou Traxsource.

Une fois encore, je dois mentionner le cas de Deadmau5 “Strobe”. Il pensait qu’il s’agirait d’une face B, il l’a donc soumise en tant que face B au label, et c’est devenu l’une de ses plus grandes chansons. Ce que vous pensez être une face B pourrait devenir votre titre principal.

 

TRANSFORMER L’ORDINAIRE EN EXPÉRIMENTAL

Une chose que les gens oublient, c’est que parfois il est bon de faire de la musique expérimentale à partir de musique ordinaire. Vous vous souvenez de cette idée moyenne que vous avez eue auparavant? Vous pouvez la rendre extraordinaire avec quelques astuces simples. Tout d’abord, construisez une longue chaîne d’effets sur l’une de vos pistes de retour. Ensuite, prenez des canaux et commencez à les envoyer sur le retour. En faisant cela, vous pouvez vous retrouver avec des motifs syncopés vraiment bizarres et des textures très éloignées de ce que vous avez fait à l’origine. Vous pouvez soit laisser ces textures tout au long du morceau, soit les utiliser pour créer des moments de surprise afin de décontenancer l’auditeur.  Par exemple, je suis récemment allé voir Chaos in the CBD et l’un des moments les plus forts de leur concert a été, au milieu du set, cette fusion sonique sauvage, qui partait d’un montage d’une chanson des années 90. J’ai trouvé ça génial parce qu’ils ont pris quelque chose de vieux et l’ont rendu nouveau, quelque chose que j’ai abordé dans l’articule sur Murakami. 

 

FAITES DE LA MUSIQUE POUR VOUS

Beaucoup de gens se préoccupent de faire de la musique pour les autres, qu’il s’agisse d’un DJ ou d’un label. Pourtant, la plupart des grandes musiques proviennent de personnes qui les font pour elles-mêmes. Lorsque vous faites de la musique pour un DJ ou un label, vous vous retrouvez souvent à essayer de lire dans leurs pensées et à suranalyser leurs intentions. Les propriétaires de labels se plaignent alors que tous les morceaux qu’ils reçoivent sonnent exactement de la même façon. Bien que ce soit un produit de leur propre fait, car ils ne signent souvent que des morceaux qui correspondent à leur méta, en même temps, ils n’ont pas tort. Les producteurs mémorables n’essaient pas d’imiter. Au contraire, ils créent quelque chose que les autres essaient d’imiter. Et pour créer quelque chose d’unique, il faut que cela vienne d’un lieu d’authenticité. Et parfois, si vous vous contentez d’esquisser des idées, de former un mood board et de travailler sur des chansons qui ne correspondent pas tout à fait à un paradigme, c’est là que des choses vraiment fascinantes se produisent.

 

LA GRANDEUR EST LA SOMME DE CHOSES MOYENNES

En d’autres termes, ne vous préoccupez pas de choses moyennes ou non, commencez simplement à produire. Après tout, si vous essayez de vous faire remarquer, les algorithmes favorisent la fréquence, alors continuez à sortir des choses. La plupart n’auront pas un succès fou, mais si vous continuez à le faire, de temps en temps, vous pouvez obtenir un hit.

Les leçons d’écriture de Murakami appliquées à la musique

/dans /par

J’ai récemment lu un article sur l’un de mes auteurs préférés, Haruki Murakami. Cet article ne parlait pas tant de lui, mais de ses leçons pour devenir un bon écrivain. En lisant cet article, j’ai réalisé que ses leçons pouvaient également s’appliquer à l’écriture de la musique et je me suis dit que je devais écrire un article dans cette optique.

Si vous ne connaissez pas Murakami, il crée des histoires surréalistes qui suscitent un sentiment d’émerveillement et une connexion profonde avec le personnage principal et sa psychologie. Elles sont faciles à lire, divisées en paragraphes clairs et conscients qui laissent beaucoup d’espace au lecteur pour se perdre dans ses métaphores et ses comparaisons vivantes. Ces mots vous transportent souvent dans le récit et ont l’occasion de vous ébranler d’une manière inattendue, un peu comme une chanson. 

Sans plus attendre, voici mes interprétations des conseils de Murakami pour une bonne écriture, tels qu’ils s’appliquent à la musique.

 

Lecture

« Je pense que la première tâche de l’aspirant romancier est de lire des tonnes de romans. Désolé de commencer par une observation aussi banale, mais aucune formation n’est plus cruciale. Pour écrire un roman, il faut d’abord comprendre, sur le plan physique, comment il se construit… Il est particulièrement important de se plonger dans le plus grand nombre de romans possible tant que l’on est jeune. Tout ce qui vous tombe sous la main, des grands romans, des romans moins grands, des romans pourris, cela n’a pas d’importance (du tout!) tant que vous continuez à lire. Absorbez autant d’histoires que vous le pouvez physiquement. Initiez-vous à beaucoup de grands textes. À beaucoup d’écrits médiocres aussi. C’est votre tâche la plus importante. » 

–Extrait de l’essai de Murakami de 2015 « So What Shall I Write About ? »

Celui-ci est assez explicite. Remplacez simplement la lecture par l’écoute. En écoutant une tonne de musique, bonne ou mauvaise, vous ouvrez votre esprit à de nouveaux modèles et perspectives. Vous vous faites une idée de ce qui vous convient et de ce qui ne vous convient pas. À un certain point, vous pouvez être en mesure de déterminer les aspects des chansons médiocres que vous trouvez attrayants, ainsi que les aspects des bonnes chansons que vous trouvez peu attrayants, et appliquer cela à vos propres compétences. Ce n’est qu’en écoutant des tonnes de chansons différentes que vous trouverez votre propre son.

De plus, n’écoutez pas seulement des chansons de votre genre. Écoutez toutes sortes de musiques, en particulier celles qui se situent en dehors de la périphérie de la musique électronique, comme le folk, le classique et même la country. Il y a une perspective dans tout, et plus de perspectives permettent une compréhension plus riche de la musique.

 

Faire du neuf avec du vieux.

« L’un de mes pianistes de jazz préférés de tous les temps est Thelonious Monk. Un jour, alors que quelqu’un lui demandait comment il parvenait à obtenir un certain son spécial du piano, Monk a montré le clavier et a dit : “Ça ne peut pas être une nouvelle note. Lorsque vous regardez le clavier, toutes les notes sont déjà là. Mais si vous pensez suffisamment à une note, elle sonnera différemment. Vous devez choisir les notes que vous pensez vraiment!”

Je me rappelle souvent ces mots lorsque j’écris, et je me dis : “C’est vrai. Il n’y a pas de nouveaux mots. Notre travail consiste à donner de nouvelles significations et des accents particuliers à des mots absolument ordinaires.” Je trouve cette pensée rassurante. Elle signifie que de vastes étendues inconnues se trouvent encore devant nous, des territoires fertiles qui n’attendent que nous pour les cultiver. »

–Extrait de l’essai « Jazz Messenger » de Murakami, publié en 2007.

C’est intéressant, car il utilise une métaphore de la composition pour expliquer l’écriture alors que j’essaie d’utiliser des métaphores de l’écriture pour expliquer la composition. Ce qu’a dit Thelonius Monk est très juste. Il n’y a qu’un nombre limité de notes et ces notes ont toujours existé et continueront d’exister. Ce que vous devez faire, c’est les placer dans de nouveaux contextes. Dans la musique électronique, cela signifie souvent des contextes reliés au timbre. Nous disposons de plus d’outils que jamais pour façonner et concevoir le son, bien plus que Monk n’aurait pu l’imaginer au cours de son illustre carrière de pianiste de jazz. Utiliser une ligne de basse acide en do mineur n’est pas vraiment un nouveau timbre pour le contexte, mais prendre une ligne de basse acide et la mettre dans une chanson de Thelonius Monk, c’est faire du neuf avec du vieux. 

 

Fournir des explications claires.

« [Quand j’écris,] des images me viennent et je relie un morceau à un autre. C’est la trame de l’histoire. Ensuite, j’explique la trame de l’histoire au lecteur. Il faut être très gentil quand on explique quelque chose. Si vous pensez, “C’est bon, je le sais”, c’est très arrogant. Des mots faciles et de bonnes métaphores ; une bonne allégorie. Alors c’est ce que je fais. J’explique très soigneusement et clairement. »

–Dans une entrevue de 2004 avec John Wray pour The Paris Review.

Ce que j’apprécie dans son explication, c’est l’accent mis sur la clarté, qui est également cruciale dans les arrangements. Il faut que l’idée soit compréhensible et accessible pour que l’auditeur se sente intelligent parce qu’il l’a comprise. En équilibrant la complexité et l’accessibilité du motif, vous pouvez prolonger l’attention de l’auditeur sur la chanson. Trop complexe et la personne se sent perdue, trop simple et l’auditeur s’ennuie. C’est ce qu’il considère comme de bonnes métaphores et allégories, c’est-à-dire quelque chose de parallèle pour expliquer une idée, ce qui est la même chose en musique. 

Les images et les scènes que vous créez doivent être clairement comprises par votre public. Par exemple, il y a certains moments dans une chanson, comme le refrain. Comment faire le lien entre le refrain et le prérefrain? Vous pouvez être très fluide si vous utilisez aussi un élément de transition pour le faciliter. Si vous n’avez pas cet élément, cela risque d’être trop abrupt et de déstabiliser l’auditeur (sauf si c’est ce que vous essayez de faire). 

 

Partager vos rêves.

« Rêver est le travail quotidien des romanciers, mais partager nos rêves est une tâche encore plus importante pour nous. Nous ne pouvons pas être romanciers sans ce sentiment de partager quelque chose. »

–Extrait du discours d’acceptation du prix international Catalunya 2011 de Murakami.

Le rêve est une activité à plein temps pour les musiciens également. Nous rêvons souvent de ce que les autres pensent de notre musique, qu’il s’agisse du public, d’un label ou d’un ami. Ces pensées que vous avez sur votre musique dans le contexte qui vous rend le plus heureux sont de puissants facteurs de motivation lorsqu’il s’agit de terminer des chansons. 

Souvent, cela signifie que vous devez concrétiser votre musique, que ce soit simplement auprès de vos amis ou dans le cadre d’un plan de distribution à grande échelle. C’est beaucoup de travail de finir et de sortir une chanson, mais en général c’est beaucoup de travail de manifester un rêve dans la réalité. 

Une autre forme de rêve est le fait de composer des chansons dans sa tête. En tant que musicien, vous êtes probablement toujours bombardé de clips et de bribes de chansons qui peuvent ou non être originales. Il est parfois difficile de capturer ces idées, mais si vous parvenez à vous concentrer, vous pourrez peut-être exploiter l’une de ces idées pour une future composition. Cependant, il existe aussi des moyens plus faciles de capturer ces rêveries. S’il s’agit d’une mélodie, fredonnez-la ou sifflez-la dans votre téléphone. Les motifs de batterie peuvent même être tapés avec les doigts, puis exportés vers Ableton où ils peuvent être convertis en MIDI.

 

Écrire pour découvrir.

« Moi-même, au moment où j’écris, je ne sais pas qui a fait quoi. Les lecteurs et moi sommes sur le même terrain. Quand je commence à écrire une histoire, je ne connais pas du tout la conclusion et je ne sais pas ce qui va se passer ensuite. S’il y a une affaire de meurtre en premier lieu, je ne sais pas qui est le tueur. J’écris le livre parce que j’aimerais le découvrir. Si je sais qui est le tueur, il n’y a pas de raison d’écrire l’histoire. »

–Dans une interview de 2004 avec John Wray pour The Paris Review.

Si vous savez déjà exactement ce que va donner une chanson, quel intérêt y a-t-il à la composer? Il nous est arrivé à tous de vouloir faire quelque chose, puis de constater un résultat complètement différent et passionnant que nous n’aurions jamais pu imaginer. C’est parce que, à bien des égards, l’écriture de chansons consiste à assembler des idées qui se manifestent par la motivation créative, plutôt que par une intention précise.

Un excellent moyen d’exploiter cette imprévisibilité est de faire des jams. Au lieu de tout dessiner dans une grille et d’utiliser des boucles, essayez de les jouer en utilisant une sorte de mouvement tactile réactif, comme jouer sur un clavier, un motif de batterie, ou même programmer en direct un séquenceur. La spontanéité de la performance en direct et les « accidents » qui en résultent sont rarement quelque chose que votre esprit conscient peut reproduire. 

 

La répétition aide.

« Quand je suis en mode écriture sur un roman, je me lève à quatre heures du matin et je travaille pendant cinq à six heures. L’après-midi, je cours pendant dix kilomètres ou je nage pendant quinze cents mètres (ou je fais les deux), puis je lis un peu et j’écoute de la musique. Je me couche à 21 heures. Je garde cette routine tous les jours sans variation. La répétition elle-même devient la chose importante ; c’est une forme de magnétisme. Je m’hypnotise pour atteindre un état d’esprit plus profond. Mais s’en tenir à une telle répétition pendant si longtemps — six mois à un an — exige une bonne dose de force mentale et physique. En ce sens, l’écriture d’un long roman s’apparente à un entraînement de survie. La force physique est aussi nécessaire que la sensibilité artistique. »

–Dans un entretien accordé en 2004 à John Wray pour The Paris Review

Par répétition, Murakami entend avoir des habitudes inébranlables. J’aimerais cependant ajouter quelque chose à cela. En ayant des habitudes programmées, vous créez aussi un moment où vous êtes le plus frais. Je trouve qu’il n’y a qu’un seul moment par jour où j’ai cette plasticité créative initiale qui permet aux idées de jaillir de moi sans être encombrées par d’autres pensées ou distractions. C’est pourquoi je m’assure de consacrer un bloc de temps à la musique, et une fois que j’ai terminé, j’ai terminé pour la journée, car je sais que tout ce qui est fait en dehors de ce temps préétabli n’aura pas le même impact.


Amasser du matériel pour l’inclure dans votre œuvre.

« Vous vous souvenez de cette scène dans le film E.T. de Steven Spielberg où E.T. assemble un appareil de transmission à partir du bric-à-brac qu’il sort de son garage? Il y a un parapluie, un lampadaire, des casseroles, un tourne-disque─cela fait longtemps que je n’ai pas vu le film, donc je ne me souviens pas de tout, mais il réussit à agencer tous ces objets domestiques de telle sorte que l’engin fonctionne suffisamment bien pour communiquer avec sa planète d’origine située à des milliers d’années-lumière. Cette scène m’a beaucoup plu lorsque je l’ai vue au cinéma, mais je me rends compte aujourd’hui qu’il en va de même pour l’écriture d’un bon roman. L’élément clé n’est pas la qualité des matériaux — ce qu’il faut, c’est de la magie. Si cette magie est présente, les affaires quotidiennes les plus élémentaires et le langage le plus simple peuvent être transformés en un dispositif d’une sophistication surprenante. »

Mais avant tout, il faut savoir ce qui est rangé dans votre garage. La magie ne peut pas fonctionner si votre garage est vide. Vous devez mettre de côté un tas de choses que vous pourrez utiliser si et quand E.T. vous rendra visite!

—Extrait de l’essai de Murakami « So What Shall I Write About? » (2015).

Tout ce qui fait partie de votre vie doit être saisi comme une source d’inspiration, car vous ne savez jamais quand vous en aurez besoin. Évidemment, il est impossible de tout saisir, mais prenez la décision consciente de savoir comment localiser les choses. En musique, il peut s’agir de sons, de samples, d’enregistrements de terrain, de bribes de films, de n’importe quoi. Il peut s’agir des choses les plus banales. Comme le dit Muramaki dans son essai, ce n’est pas la qualité des composants qui compte, mais la magie qui leur est appliquée.

Par exemple, certaines chansons sont extrêmement simples. Mais cela n’a pas d’importance, car elles contiennent de la magie. Il est difficile de dire exactement comment créer de la magie, mais généralement, ce qui fait qu’une chanson se tient et a un côté magique, c’est le bon équilibre entre différents facteurs comme la technicité, l’émotion et le timing. Il y a des chansons qui sont très techniques, mais qui n’ont pas d’émotion, et la magie est difficile à réaliser parce qu’il n’y a pas d’équilibre. Mais quand vous avez suffisamment des deux — l’émotion face à la partie technique — vous avez cette sorte de familiarité et d’humanité. La familiarité vient de l’aspect technique, où vous savez que le son sera correct, parce que la composition est fluide. L’émotion est le côté humain, le côté imprévisible qui rend la musique fraîche et intéressante. 

 

Se concentrer sur une chose à la fois.

« Si l’on me demande quelle est la qualité la plus importante pour un romancier [après le talent], c’est également facile : la concentration — la capacité de concentrer tous vos talents limités sur ce qui est essentiel à ce moment-là. Sans cela, vous ne pouvez rien accomplir de significatif, tandis que, si vous pouvez vous concentrer efficacement, vous serez en mesure de compenser un talent irrégulier ou même un manque de talent… Même un romancier qui a beaucoup de talent et l’esprit plein de nouvelles idées géniales ne pourra probablement rien écrire si, par exemple, il souffre beaucoup d’une carie. »

—Extrait de What I Talk About When I Talk About Running

« Bien que je compose aussi bien des essais que des œuvres de fiction, à moins que les circonstances n’en décident autrement, j’évite de travailler sur autre chose lorsque j’écris un roman…. Bien sûr, il n’y a aucune règle qui dit que le même matériel ne peut pas être utilisé dans un essai et une histoire, mais j’ai trouvé que doublonner ainsi affaiblit en quelque sorte ma fiction. »

–De l’essai de Murakami de 2015 « So What Shall I Write About? »

Si vous êtes toujours à la recherche de quelque chose à réparer, ou à améliorer, plutôt que de vous concentrer sur un seul aspect d’une chanson à la fois, vous risquez de vous perdre et de vous disperser. Lorsque vous commencez à travailler, fixez une intention. Par exemple, concentrez-vous uniquement sur les percussions pour cette section, ou mieux encore, concentrez-vous uniquement sur les aspects syncopés des percussions. Ou si vous commencez à faire du sound design dans votre session, concentrez-vous sur cela, plutôt que de chercher à savoir comment cela va s’intégrer dans l’arrangement. Puis, lorsque vous êtes enfin prêt à faire l’arrangement, concentrez-vous là-dessus. En bref, ayez une intention.

 

Cultiver l’endurance.

« Après la concentration, la chose la plus importante pour un romancier est, sans conteste, l’endurance. Si vous vous concentrez pour écrire trois ou quatre heures par jour et que vous vous sentez fatigué au bout d’une semaine, vous ne serez pas capable d’écrire une longue œuvre. Ce qu’il faut à un auteur de fiction — du moins à celui qui espère écrire un roman — c’est l’énergie nécessaire pour se concentrer chaque jour pendant une demi-année, ou un an, ou deux ans. On peut comparer cela à la respiration. »

—Extrait de What I Talk About When I Talk About Running

Pour pouvoir vous concentrer sur un seul aspect d’une chanson, vous devez être capable d’endurer le dévouement nécessaire pour faire une telle chose. Si vous n’êtes capable de vous concentrer que pendant une heure ou deux à la fois, vous aurez beaucoup de mal à créer quelque chose de significatif. Au début, vous allez vous sentir fatigué après quelques heures par jour, 7 jours par semaine. Mais finalement, en prenant cette habitude, ce sera, comme le dit Muramaki, « comme respirer ». Vous allez devoir arriver à un point où vous le faites tous les jours, pendant de longues périodes, parfois jusqu’à deux ans, pour créer votre travail le plus significatif. Cependant, tout comme un athlète s’entraîne pendant la basse saison, lorsque vous avez terminé votre travail, vous devez continuer à vous entraîner, afin de maintenir votre endurance à un certain niveau.

Expérimenter avec la langue.

« C’est le droit inhérent de tous les écrivains d’expérimenter les possibilités de la langue de toutes les manières qu’ils peuvent imaginer — sans cet esprit d’aventure, rien de nouveau ne peut jamais naître. »

—Extrait de « The Birth of My Kitchen Table Fiction »

Il est facile de composer la même chose encore et encore une fois une fois que vous avez un modèle. Cependant, les gens peuvent se lasser de cette palette parce que tout n’est que du pareil au même. Si vous avez l’impression de stagner, ou si votre public vous dit que c’est toujours la même chose, essayez de changer de tonalité et de gamme. Les harmoniques sont le langage de la musique. En les changeant, vous créerez quelque chose d’inattendu et de nouveau, même si vous utilisez les mêmes tonalités et le même tempo. Certains peuvent craindre d’aliéner leur public s’ils changent trop leur langage, mais si vous gardez des timbres similaires, s’ils sont fans, ils vous reconnaîtront dedans et seront généralement agréablement surpris.

Avoir confiance en soi.

« La chose la plus importante est la confiance. Vous devez croire que vous avez la capacité de raconter l’histoire, de trouver le filon, de faire en sorte que les pièces du puzzle s’assemblent. Sans cette confiance, vous ne pouvez aller nulle part. C’est comme la boxe. Une fois que vous montez sur le ring, vous ne pouvez plus reculer. Vous devez vous battre jusqu’à ce que le match soit terminé. »

–Extrait d’une conférence donnée en 1992 à Berkeley, transcrite dans Haruki Murakami and the Music of Words, Jay Rubin.


Ayez confiance en ce que vous faites. Certaines personnes peuvent passer trop de temps sur de petites choses comme leur kick ou leur clap parce qu’elles ne cessent de se remettre en question, par manque de confiance. Si vous commencez à vous remettre en question, il est parfois préférable de faire une pause et de revenir. Faites confiance à ce que vous savez être capable de faire à ce moment-là, et connaissez vos limites. Sachez simplement que vous pouvez dépasser vos limites avec la bonne dose de pratique et de confiance. C’est ainsi que nous nous améliorons. Mais d’abord, il faut avoir confiance en soi et savoir ce dont on est capable.

 

Écrire du côté de l’œuf.

« [C’est] quelque chose que je garde toujours à l’esprit lorsque j’écris une fiction. Je ne suis jamais allé jusqu’à l’écrire sur une feuille de papier et à la coller au mur : Je l’ai plutôt gravé dans le mur de mon esprit, et ça donne quelque chose comme ça :

“Entre un mur haut et solide et un œuf qui se brise contre lui, je me tiendrai toujours du côté de l’œuf”.

Oui, peu importe que le mur soit juste et que l’œuf soit dans le tort, je me tiendrai du côté de l’œuf. Quelqu’un d’autre devra décider de ce qui est bien et de ce qui est mal ; peut-être le temps ou l’histoire décideront-ils. S’il y avait un romancier qui, pour quelque raison que ce soit, écrivait des œuvres se tenant du côté du mur, quelle valeur auraient ces œuvres? »

–Extrait du discours d’acceptation du prix Jerusalem (2009)

Parfois, nous créons quelque chose que nous craignons d’être trop abstrait ou qui pourrait même sembler incorrect, même si nous l’apprécions. Il s’agit de l’œuf, un élément fragile, désordonné et pourtant essentiel à la vie, qu’il s’agisse de sa fonction d’incubateur de la vie ou de sa fonction alimentaire. Si vous créez un œuf et qu’il semble convenir, mais que vous ressentez tout de même un sentiment de controverse, gardez-le. Ce sont souvent les facteurs indescriptibles qui font que les gens se souviennent des chansons. Il faut juste compter sur l’auditeur pour le décoder. 

 

Observer le monde.

« Réfléchissez à ce que vous voyez. Rappelez-vous, cependant, que réfléchir ne signifie pas se précipiter pour déterminer le bien et le mal ou les mérites et démérites de ce que vous observez et de qui vous observez. Essayez de vous abstenir consciemment de porter des jugements de valeur — ne vous précipitez pas sur des conclusions. Ce qui est important, ce n’est pas d’arriver à des conclusions claires, mais de retenir les spécificités d’une certaine situation… Je m’efforce de conserver une image aussi complète que possible de la scène que j’ai observée, de la personne que j’ai rencontrée, de l’expérience que j’ai vécue, en la considérant comme un “échantillon” singulier, une sorte de test. Je peux y revenir plus tard, lorsque mes sentiments se sont apaisés et que l’urgence est moindre, en l’examinant cette fois sous différents angles. Enfin, si et quand cela semble nécessaire, je peux tirer mes propres conclusions. »

–Dans l’essai de Murakami de 2015 « So What Shall I Write About? »

 

Si vous jugez quelque chose comme étant une vérité absolue, alors vous allez être déçu. Il n’y a pas de bien ou de mal objectif, surtout en art. Tout est subjectif, et les « règles » créées sont mises en place par les normes sociétales, plutôt que par un ordre cosmique. Bien sûr, il y a des normes que les gens ont pour leur art, mais cela ne rend pas les choses bonnes ou mauvaises. Cela en fait simplement une norme personnelle.

Ce sens de l’objectivité est utile pour évaluer l’art qui vous entoure au quotidien, un art qui n’est souvent pas le vôtre. C’est de là que nous tirons nos influences. Ainsi, plutôt que de rejeter un genre ou un style entier en raison de la pression sociale, essayez d’y réfléchir objectivement. Par exemple, vous pouvez mépriser l’EDM, mais pourquoi est-il si populaire? On pourrait dire qu’il est populaire parce qu’il a une structure et des accroches de musique pop. C’est peut-être une leçon que vous pouvez en tirer. En d’autres termes, prêtez attention aux tendances, car vous ne savez jamais quelle nuance vous pouvez tirer d’une tendance pour votre propre art.

 

Essayer de ne blesser personne.

« Je garde à l’esprit de ne pas laisser la plume devenir trop puissante lorsque j’écris. Je choisis mes mots de manière à blesser le moins de personnes possible, mais c’est aussi difficile à réaliser. Peu importe ce qui est écrit, il y a une chance que quelqu’un soit blessé ou offensé. En gardant tout cela à l’esprit, j’essaie autant que possible d’écrire quelque chose qui ne blessera personne. C’est une morale que tout écrivain devrait suivre. »

–Dans la colonne de conseils de Murakami (2015)

En 2017, le producteur Dax J a repris un verset de prières islamiques et l’a samplé dans sa musique. Puis, dans toute sa sagesse, il a décidé de le jouer en Tunisie. Et comme le démontrent tous les caricaturistes assassinés qui ont essayé de dessiner Mahomet, les islamistes ne voient pas d’un bon œil que l’on modifie leurs symboles religieux. Malgré les menaces de mort qu’il a reçues, Dax n’a pas été décapité. Il a toutefois été condamné à un an de prison en Tunisie. 

Il s’agit toutefois d’un exemple extrême. En règle générale, il est préférable de ne pas s’approprier la culture d’autrui ou, à tout le moins, de connaître le public auquel vous vous adressez lorsque vous décidez de goûter à la culture d’autrui. Un pays islamique est un choix terrible pour jouer une prière islamique. Ce n’est pas une connaissance rare. Dax aurait dû le savoir. Mais jouer une prière islamique dans votre chanson techno au Burning Man? Beaucoup de burners aspirent l’appropriation culturelle comme de l’oxygène. Je sais que Muramaki dit d’écrire du côté de l’œuf, mais il y a des choses qui sont déjà déterminées comme étant culturellement sensibles, et vous devriez respecter cela, ou sinon faire face aux conséquences.

Une autre façon de voir les choses est de ne pas voler le travail d’autrui et de l’appeler sien. Cependant, la frontière est toujours mince, car la musique électronique n’est qu’un vaste sample de musique.

 

Faire voyager les lecteurs.

« En écrivant A Wild Sheep Chase, j’ai acquis la conviction qu’une histoire, un monogatari, n’est pas quelque chose que l’on crée. C’est quelque chose que l’on extrait de soi. L’histoire est déjà là, en vous. Vous ne pouvez pas la créer, vous pouvez seulement la faire sortir. C’est vrai pour moi, en tout cas : c’est la spontanéité de l’histoire. Pour moi, une histoire est un véhicule qui emmène le lecteur quelque part. Quelles que soient les informations que vous essayez de transmettre, quels que soient les sentiments que vous essayez d’éveiller chez le lecteur, la première chose que vous devez faire est de le faire monter dans le véhicule. Et ce véhicule — l’histoire — le monogatari — doit avoir le pouvoir de faire croire. Ce sont là, avant tout, les conditions qu’une histoire doit remplir ».

–Extrait d’une conférence donnée en 1992 à Berkeley, transcrite dans Haruki Murakami and the Music of Words, Jay Rubin.

Faites voyager les auditeurs. Je suis un fan inconditionnel de la création d’une chanson dont on ne veut pas voir la fin, car elle évolue sans cesse et n’est jamais ennuyeuse. Quel que soit le genre que vous créez, les meilleures chansons transcendent l’espace et le temps, où il y a toujours ce sentiment que le temps passe, sans le savoir. Quand on perd la notion du temps, on sait que l’on a vécu un voyage musical. Je crois également que les DJ collectent de la musique pour créer des voyages et l’une de nos tâches consiste à les alimenter en idées mémorables qu’ils pourront utiliser. Il s’agit de laisser l’ego de côté et de voir votre musique comme faisant partie de quelque chose de plus grand que vous, mais aussi d’important dans la vie des autres.

Écrire pour apporter de la lumière sur les êtres humains.

« Je n’ai qu’une seule raison d’écrire des romans, c’est de faire remonter à la surface la dignité de l’âme individuelle et de la mettre en lumière. Le but d’une histoire est de tirer la sonnette d’alarme, de garder une lumière allumée sur le Système afin de l’empêcher d’emmêler nos âmes dans sa toile et de les avilir. Je crois fermement que c’est le travail du romancier de continuer à essayer de clarifier l’unicité de chaque âme individuelle en écrivant des histoires — des histoires de vie et de mort, des histoires d’amour, des histoires qui font pleurer, trembler de peur et trembler de rire. C’est pourquoi nous continuons, jour après jour, à concocter des fictions avec le plus grand sérieux. »

–Extrait du discours d’acceptation du prix Jerusalem de Murakami (2009)

Toute musique est une expression du dévouement et de l’émotion humaine. Pour être un grand artiste, il faut se consacrer à son métier et avoir la capacité de reconnaître et de modifier les émotions. La musique électronique étant souvent dépourvue de paroles, nous devons trouver le moyen d’exprimer les émotions d’un récit par d’autres moyens, en particulier dans une musique qui peut être considérée comme robotique par beaucoup. Une bonne façon d’ajouter de l’humanité à la musique électronique est d’ajouter du swing, de la quantification, de la randomisation, et de jouer et de jouer ses morceaux, que ce soit en studio ou en direct. L’humain reconnaît l’humain.

 

Quoi qu’il arrive, tout doit commencer par le talent…

« Dans chaque interview, on me demande quelle est la qualité la plus importante qu’un romancier doit avoir. C’est assez évident : le talent. Peu importe l’enthousiasme et les efforts que vous mettez dans l’écriture, si vous manquez totalement de talent littéraire, vous pouvez oublier d’être un romancier. Il s’agit davantage d’un prérequis que d’une qualité nécessaire. Si vous n’avez pas d’essence, même la meilleure voiture ne roule pas. »

–De What I Talk About When I Talk About Running

 

« Écrire, c’est comme essayer de séduire une femme. Beaucoup de choses ont à voir avec la pratique, mais c’est surtout inné. Quoi qu’il en soit, bonne chance. »

–De la colonne de conseils de Murakami (2015)

…Sauf si vous travaillez très dur!

« Les écrivains qui sont dotés d’un talent inné peuvent écrire facilement, quoi qu’ils fassent — ou ne fassent pas. Comme l’eau d’une source naturelle, les phrases jaillissent et, sans effort ou presque, ces écrivains peuvent terminer une œuvre. Malheureusement, je n’appartiens pas à cette catégorie. Je dois taper sur un rocher avec un burin et creuser un trou profond avant de pouvoir localiser la source de ma créativité. Chaque fois que je commence un nouveau roman, je dois creuser un autre trou. Mais, à force de mener ce genre de vie pendant de nombreuses années, je suis devenu assez efficace, tant sur le plan technique que physique, pour ouvrir ces trous dans la roche et localiser de nouvelles veines d’eau. Dès que je remarque qu’une source se tarit, je passe à une autre. Si les gens qui comptent sur une source naturelle de talent s’aperçoivent soudain qu’ils ont épuisé leur source, ils ont des problèmes. »

« En d’autres termes, regardons les choses en face : la vie est fondamentalement injuste. Mais, même dans une situation qui est injuste, je pense qu’il est possible de rechercher une sorte d’équité. »

–Extrait de l’essai de Murakami de 2008 intitulé « The Running Novelist »

Certains talents sont tout simplement innés. C’est la raison pour laquelle on voit tant de dynasties d’athlètes professionnels, où les fils et les filles de leurs parents réussissent aussi bien, sinon mieux. Il en va de même pour les frères et sœurs. Cet exemple ne se produit pas toujours dans le domaine de la musique, car le talent n’est pas nécessairement synonyme de popularité, mais lorsqu’il s’agit de sport, le talent est quantifiable par les victoires et les défaites.

Cependant, beaucoup d’entre nous connaissent ces personnes qui se mettent à apprendre quelque chose de nouveau et qui sont douées sans effort. C’est même vrai dans le domaine de la musique, où ils peuvent créer leur première boucle et, bien qu’ils n’aient aucune expérience en musique, elle sonne comme quelque chose qui dépasse largement leurs capacités de débutant. Ce sont ces personnes, les Jimi Hendrix du monde, qui définissent leur niche culturelle pour les décennies à venir.

Cependant, si vous travaillez vraiment dur pour quelque chose, vous pouvez être génial, comme Muramaki, qui dit qu’il n’est pas un écrivain au talent inné. Il fait probablement preuve d’humilité, mais j’ai vu dans mon propre enseignement des gens qui venaient me voir pour être coachés et qui, au début, me montraient des choses plutôt mauvaises. Puis ils s’accrochent, prennent les leçons à cœur et s’appliquent. Puis, après une période de temps relativement courte, vous commencez à voir une amélioration significative. Cependant, qui sait, il se peut qu’ils aient un talent inné au départ, et qu’ils aient juste besoin de quelqu’un pour leur donner confiance afin d’exploiter leurs capacités.

 

 

 

Comment se préparer à faire de la musique?

/dans /par

À 10 ans, j’ai été invité à faire partie de l’équipe d’athlétisme de mon école. Bien que je me sois toujours considéré comme un coureur compétent, il y a une chose que nous avons commencé à faire plus souvent : des étirements. Au début, cela semblait être une énorme perte de temps, puisque tout ce que je voulais faire, c’était courir. Au lieu de cela, nous passions tout ce temps à faire ces exercices qui, pour moi, n’avaient rien à voir avec la course. Cependant, après des mois d’étirements, j’ai commencé à réaliser que je devenais nettement plus rapide. C’est parce que je m’échauffais. Tout comme vous devez vous échauffer pour vous préparer à courir, il en va de même pour la musique. Dans cet article, nous allons aborder des techniques d’échauffement qui aident à vous préparer à faire de la musique.

 

VOS OUTILS NE SONT PAS SI IMPORTANTS

J’en ai souvent parlé dans des articles précédents, mais cela mérite d’être répété. Dans le domaine de la production musicale, les clients pensent souvent qu’ils peuvent acheter tout l’équipement qu’ils veulent, et que d’une manière ou d’une autre, par miracle, ils seront inspirés pour créer. Cependant, le plus souvent, ils sont bloqués et la chose la plus productive qui se produit est que mon client nettoie la poussière de son mur de matériel inutile.

Le simple fait d’acheter du matériel ne sert à rien si l’on n’est pas intimement familiarisé avec. Imaginez que vous achetiez une belle guitare et que vous pensiez pouvoir en jouer tout de suite alors que vous ne savez pas en jouer. Cela semble ridicule, non? Bien sûr, c’est le cas! Il faut du temps pour apprendre un nouvel instrument. Il faut de la frustration. Il faut de l’engagement. Cependant, il arrive qu’ils sachent comment utiliser ce matériel, et pourtant, rien ne se passe. Le plus souvent, leur problème est qu’ils ne savent pas comment se préparer à faire de la musique. Et tout comme je m’échauffais pour l’athlétisme, un producteur doit aussi s’échauffer.

 

TROUVEZ VOTRE PROPRE SYSTÈME POUR VOUS PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Aujourd’hui, les gens pensent qu’il y a une manière uniforme de se préparer, cependant, tout le monde est différent. L’esprit n’est pas un quadriceps, où il existe des étirements standardisés qui le rendent plus fonctionnel. Donc ce que nous faisons lors des séances de coaching est de trouver un système qui fonctionne pour eux. Je commence par déterminer quelles sont leurs habitudes actuelles, car ce que nous savons, c’est que ce qu’ils ont fait jusqu’à présent ne fonctionne pas.

Donc, une fois que nous avons déterminé ce qu’ils font, il est temps de trouver un système qui fonctionne pour eux. Comme je l’ai dit précédemment, chaque personne est différente, donc tout ce que je vais dire est une suggestion, pas une recette magique.

 

ÉCOUTER DE LA MUSIQUE ACTIVEMENT POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

a photo of preparing to make music by actively listening to music

La première chose que les producteurs peuvent faire est d’écouter de la musique avant d’en faire. C’est une affirmation qui peut paraître évidente, mais combien de personnes écoutent activement de la musique? Combien de personnes rentrent à la maison, boivent une bière, mettent un disque et s’assoient, ne faisant rien d’autre que de s’intéresser à la musique? 10 %, peut-être? Cependant, ce sont ces 10 % de personnes qui sont prêtes à réussir si elles sont elles-mêmes auteurs de musique.

Lorsque vous écoutez activement de la musique, il est préférable de la considérer comme une piste de référence, en quelque sorte. Écoutez la chanson encore et encore. Notez le timbre et la structure de la chanson. Notez-le même dans un cahier. Cela préparera votre esprit à faire de la musique en l’engageant activement.

 

Lorsque vous écoutez activement de la musique, assurez-vous de vous concentrer sur les parties appropriées du morceau. Beaucoup de producteurs sont obsédés par les kicks, les hi-hats et les basses, mais au bout du compte, c’est la mélodie que les gens retiennent. Alors faites-vous une faveur et essayez de concrétiser des choses que vous pouvez facilement absorber. Vous ne vous souviendrez probablement pas du timbre exact d’un hi-hat, mais vous vous souviendrez peut-être suffisamment de la mélodie pour reproduire quelque chose de similaire plus tard.

 

 

ÉCOUTER UN DJ SET VOUS AIDERA À VOUS PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

De nombreux étudiants me disent qu’ils trouvent leur inspiration en boîte de nuit et qu’ils ne peuvent pas rentrer chez eux assez vite pour l’exploiter. Une solution? Écoutez un DJ set pendant 20 minutes à une heure. Plus vous vous préparez longtemps, mieux c’est.

An image of someone DJing, which is a great way to prepare to make music

Vous pouvez prendre des notes sur les transitions et les subtilités de la composition, ce que vous ne pouviez pas faire dans un club. Même si ce n’est pas exactement la même chose qu’en club, mes élèves disent souvent que toutes les idées qu’ils ont eues en club se manifestent à nouveau.

Une chose que j’aime faire est de mettre un mix tout en laissant jouer et en réécoutant les samples sur mon disque dur. En faisant cela, vous pouvez entendre quand un sample s’intègre bien dans le mix, ce qui vous permet de le catégoriser et de l’utiliser plus tard. Assurez-vous simplement que les niveaux de volume correspondent à ce que vous faites dans Ableton. Vous voulez que vos samples s’intègrent vaguement dans le mixage, plutôt que d’être le son prédominant. C’est également une façon utile de gérer les samples, parce que sinon, lorsque vous les faites simplement défiler, et que vous ne les comparez pas à de la musique, vous comparez simplement les samples à de l’air.


LE DJING POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Je pense que le DJing est un excellent moyen de se préparer à faire de la musique. Comme les autres suggestions, le DJing est une forme puissante d’écoute active. Le DJing entraîne vos oreilles à comprendre en profondeur la structure et le mixage d’une chanson. Vous pouvez facilement ajouter ou soustraire des fréquences pour voir comment elles modifient le morceau. Vous pouvez également entendre où se produisent les transitions, ce qui vous permet de construire vos morceaux pour qu’ils soient plus adaptés aux DJ (si c’est l’un de vos objectifs).

 

CRÉER DES LISTES DE LECTURE CATÉGORISÉES POUR SE PRÉPARER À FAIRE DE LA MUSIQUE

Je sais que j’ai dit plus tôt qu’il était plus facile de se concentrer sur la mélodie de la chanson, plutôt que sur son rythme. Alors, qu’est-ce que vous êtes censé faire lorsque vous voulez travailler sur un aspect spécifique d’une chanson? Eh bien, pendant que vous écoutez, placez les chansons dans des listes de lecture étiquetées en fonction des aspects de la chanson qui vous inspirent. Donc, il y en a une pour la mélodie, une pour les hi-hat ou un kick très spécifique. Ayez-en une pour la ligne de basse. Ensuite, lorsque vous voulez vous préparer à faire de la musique, vous pouvez revenir à ces listes de lecture et vous échauffer en les écoutant activement.

 

S’INSPIRER DE CEUX QUI INSPIRENT VOS INSPIRATIONS

Une autre façon de se préparer à faire de la musique est d’apprendre des personnes qui vous inspirent. Par exemple, je suis inspiré par Ricardo Villalobos, alors je lis souvent des articles sur lui. Grâce à ces articles, j’ai découvert qu’il est inspiré par le pianiste Keith Jarrett. Jarrett ne fait pas de musique électronique, mais il a clairement eu une grande influence sur le genre, qu’il le sache ou non. Alors, naturellement, j’écoute Jarrett pour voir si je ne peux pas exploiter une partie de cette inspiration.

 

IL EXISTE DE NOMBREUSES FAÇONS DE PRÉPARER VOTRE CERVEAU

En fin de compte, l’objectif est de faire travailler votre cerveau. Vous pouvez jouer à des jeux vidéo en écoutant de la musique, lire un livre ou aller courir. Vous pouvez également peindre ou écrire. Ce ne sont que des suggestions et vous devez trouver celle qui échauffe votre esprit, car comme je l’ai dit au début de l’article, un esprit n’est pas comme une jambe : il n’y a pas d’uniformité.

 

Mise à jour de service : la finalisation de track est désormais exclusive

/dans /par

Cette décision a été difficile à prendre, car j’ai beaucoup aimé collaborer sur de nombreux morceaux qui m’ont été envoyés par le biais du service de finalisation de track que je propose. Cependant, j’ai constaté qu’en permettant à tout le monde d’acheter ce service, cela devient non seulement une source de stress considérable, mais aussi que le rapport travail/récompense n’est pas toujours au rendez-vous. Par conséquent, je suspends indéfiniment mon service de finalisation des tracks, sauf pour les personnes avec lesquelles j’ai eu le plaisir de travailler dans le passé.

Cependant, plutôt que de simplement mettre le service en pause, j’ai l’impression que je dois une explication. Cet article de blogue sera un peu différent de la plupart des autres et comportera deux auteurs. D’abord, j’expliquerai mon raisonnement, puis une personne qui a utilisé mon service à plusieurs reprises expliquera ce qu’elle pense de la collaboration avec moi.

 

Le point de vue de Pheek

J’ai des clients qui ont des exigences assez élevées, ce qui ne me pose aucun problème et je suis heureux de les aider. Paradoxalement, de nombreux producteurs viennent me voir et aiment leur morceau tel qu’il est. Pourtant, ils veulent quand même que je travaille dessus. C’est déroutant pour moi, car si vous aimez votre morceau, pourquoi y faire quelque chose d’autre? La musique est subjective, donc elle ne sera jamais parfaite pour tout le monde. La seule chose qui compte, c’est qu’elle soit géniale pour vous.

Cependant, ils m’engagent malgré tout et ont un morceau dans lequel ils s’investissent émotionnellement parce qu’ils y ont mis beaucoup d’efforts. Ils veulent juste que le morceau soit parfait, et ils pensent que je peux le faire. Ce qui n’est pas vrai. Engager un ingénieur ne va pas tout arranger, et transformer un morceau en la piste la plus populaire du classement Beatport. Et même si cela peut parfois arriver (généralement par pure chance), les ingénieurs ne peuvent réparer que ce qu’ils sont autorisés à faire, et doivent souvent faire face aux « préjugés cognitifs » des gens envers leur morceau.

Par conséquent, avec ces clients, il est nécessaire d’expliquer que rien n’est parfait et que le concept de perfection, surtout en art, est une folie. Pour être juste, en tant qu’artiste, j’ai mis des années à accepter ce concept. J’ai fini par comprendre que, quelle que soit l’importance que j’accorde aux imperfections, le résultat final est souvent stérile. C’est quelque chose que personne ne souhaite pour une musique axée sur l’art, car ce sont ces imperfections qui rendent les chansons passionnantes. Ce sont ces imperfections qui les rendent humaines. Et l’humanité, en particulier dans la musique électronique, fait cruellement défaut, car la critique est souvent d’avis que la musique électronique sonne trop artificielle ou robotique.

Cette quête de la perfection perturbe le flux de travail de mes clients, car ils sont souvent obsédés par l’idée d’avoir la piste parfaite plutôt que de simplement la terminer. Pour moi, cela revient à chasser les licornes dans un champ de chocolat, car, comme je l’ai déjà dit, la perfection est un fantasme. Pourtant, cet état d’esprit persiste chez de nombreuses personnes, car elles se fixent des normes qu’elles ne peuvent pas changer facilement.

Maintenant, un état d’esprit perfectionniste serait parfait, s’il était tolérable. Cependant, après toutes ces années de conseil, j’ai remarqué que les perfectionnistes ont un trait de personnalité commun : ils sont des microgestionnaires. Et soyons réalistes, à quand remonte la dernière fois où vous avez entendu quelqu’un faire l’éloge de la microgestion? Probablement jamais, car cela rend tout le monde fou.

Le résultat final est généralement de deux ordres : soit ils disent que la piste est trop proche, soit elle est trop différente de celle qu’ils m’avaient donnée au départ. Cependant, je ne sais généralement pas de quoi il s’agit jusqu’à ce que je leur renvoie la piste. Ils me répondent en me disant ce qui doit encore être corrigé, alors j’y vais et je le corrige, ce que je suis heureux de faire, car il n’y a aucune chance que je réussisse du premier coup si je n’ai pas travaillé avec eux auparavant. Alors, il arrive souvent que je passe des heures à tourner en boucle et à revenir à ce qu’ils m’ont donné au départ. Ou encore, ils demandent tellement d’ajouts qu’ils finissent par déformer le morceau au point qu’il ne correspond plus aux modèles qu’ils ont établis dans leur tête. Si vous êtes producteur, vous savez de quoi je parle : vous pouvez anticiper ce qui va se passer avant que cela n’arrive et si vous vous trompez, ou si c’est différent, cela crée une dissonance cognitive.

Cette dissonance cognitive est due au fait que les producteurs sont émotionnellement attachés à leurs morceaux, et qu’ils ont des représentations heuristiques dans leur esprit de l’endroit où les choses devraient être dans le mixage, ou dans la composition. Ils l’ont égalisé d’une certaine manière, ils n’ont pas intégré certains effets ou éléments de composition qui sont maintenant présents, et lorsqu’ils l’entendent, c’est un choc, car ils s’attendent à ce que ce soit d’une certaine manière. Par conséquent, cela ne leur semble pas « correct ».

Le plus souvent, le home studio d’un producteur n’est pas représentatif du monde extérieur, il n’est donc pas étonnant qu’il ne sonne pas « juste » pour lui. Mais comme ils y sont tellement attachés, ils demandent davantage de modifications, sans se rendre compte que ce qu’ils demandent est en fait incorrect. Cependant, cela m’oblige parfois à revenir en arrière, car ils sont incapables de réaliser que la raison pour laquelle ils m’ont engagé en premier lieu était de leur fournir une piste qui se traduit bien sur tous les systèmes.

C’est encore arrivé récemment, lorsque le producteur s’est plaint que le son n’était pas assez proche de sa piste de référence, qu’il n’a jamais fournie. Je leur ai donc demandé de me l’envoyer, et voilà que la piste de référence n’était pas correctement mixée. Il se trouve que je connaissais assez bien cet artiste et je leur ai donc fourni une référence correcte. Bizarrement, je n’ai pas eu de nouvelles de ce client.

Comme vous l’avez peut-être deviné, je n’aime pas faire des affaires de cette façon. Par conséquent, à partir de maintenant, la finalisation des pistes ne sera accessible qu’aux personnes avec lesquelles j’ai travaillé avec succès dans le passé. Parce qu’en fin de compte, pourquoi voudriez-vous que quelqu’un finisse votre track s’il n’est pas sur la même longueur d’onde créative que vous?

 

Le point de vue d’Alex Ho Megas

OK, donc aucun d’entre vous ne me connaît. Cependant, je fais du marketing pour Pheek depuis presque un an maintenant. Et parfois, nous échangeons des services, et l’un de ces services est la finalisation des pistes. Il m’a demandé si je pouvais écrire quelque chose sur mon expérience de collaboration avec lui dans ce domaine, puisque nous l’avons fait à plusieurs reprises. Vous vous dites sûrement « comment peut-on être impartial envers son client? » La réponse est que je ne le peux vraiment pas. Cependant, je vais faire de mon mieux pour expliquer ce que c’est que de travailler avec lui.

En lisant le point de vue de Pheek ci-dessus, je comprends intimement la dissonance cognitive qui résulte de la modification de votre habitude de travail. Inconsciemment, vous vous attendez à ce que certaines choses se trouvent à certains endroits. Consciemment, je sais que ces attentes sont probablement erronées puisque je ne dispose pas d’un studio traité et d’une connaissance approfondie du mixage et du mastering. Personnellement, j’aime simplement écrire de la musique et concevoir des sons.

Une chose sur laquelle nous sommes d’accord, c’est que la musique est généralement un processus de collaboration et que la musique électronique est l’un des seuls genres où ce n’est pas souvent le cas. Par conséquent, j’ai engagé Pheek en sachant que la collaboration mène souvent à une meilleure musique. En revanche, je ne suis pas toujours immédiatement satisfait de tout ce que je reçois en retour. Je sais simplement qu’il faut y consacrer du temps et l’envoyer à des personnes en qui j’ai confiance pour qu’elles me donnent leur avis. Ensuite, j’y réfléchis de manière critique et je note les choses que je voudrais changer.

Par exemple, je remarque parfois que l’accordage d’un échantillon est incorrect, ou qu’un élément doit être allongé ou raccourci. Parfois, il y a des parties que je veux mettre en valeur et que Pheek n’a pas mises en valeur, comme la façon dont une snare frappe lors d’une transition. Je discute donc avec lui et lui demande s’il est judicieux de modifier ces éléments. Souvent, il me répond qu’ils peuvent être modifiés, mais je m’assure toujours que 1) ma pièce est incorrecte et 2) qu’une nouvelle perspective est utile. Bien sûr, il m’arrive de passer outre ses recommandations, mais seulement après mûre réflexion. Et pour être juste, je peux toujours me tromper dans ces décisions, mais comme il l’a dit plus tôt dans cet article, la musique est subjective à bien des égards.

Je dirais que le projet le plus difficile sur lequel nous avons travaillé est le dernier en date. Dès le début, il y avait des erreurs de distorsion qui faisaient que les canaux n’étaient pas correctement alignés, ce qui changeait considérablement la composition de la piste. C’était difficile à expliquer, car il n’était pas familier avec la piste et ne pouvait donc pas comprendre ce qui n’allait pas. Pour lui, bien sûr, c’est correct, pourquoi ne le serait-ce pas? Cependant, je lui ai simplement indiqué à quel moment du morceau original il était incorrect, et je lui ai demandé de le comparer à la version qu’il m’a envoyée. Il a fallu un certain temps pour trouver une méthode de communication efficace, mais nous avons fini par y arriver.

Il a ensuite ajouté un certain nombre de bruits parasites à la piste, à ma demande. Cependant, ils étaient soit trop importants, soit trop discrets, et j’ai donc demandé une modification. Celles-ci ne correspondaient pas exactement à ce que je recherchais, alors nous sommes revenus en arrière. Étant alors satisfait, je l’ai envoyé pour un mixdown. Puis j’ai envoyé le mix à un autre ami ingénieur pour voir ce qu’il en pensait, et il ne l’a pas trouvé bon. J’ai donc demandé à Pheek de faire un export des stems et de me les envoyer pour que je puisse voir ce que mes amis en pensaient. C’est assez drôle, après avoir comparé les deux, je préfère celle de Pheek et j’utiliserai sa version lorsque la track sortira. Cet exemple montre simplement que ce morceau a eu une emprise particulièrement forte sur mes perceptions, ce qui est logique, car j’ai travaillé dessus pendant une éternité. Ce n’est qu’après un bon bout de temps que j’ai été capable de casser ces préjugés.

La meilleure recommandation que j’ai à propos de son service de finalisation de tracks est de s’assurer de marquer clairement les endroits où il y a des choses à changer. Notez l’endroit, notez la durée. Assurez-vous d’avoir une copie de l’ancienne piste à portée de main pour lui envoyer et pouvoir le guider clairement lorsque vous avez besoin d’inverser des choses. Assurez-vous de marquer les endroits et les durées sur ces fichiers. Il a publié sur son blogue un article intitulé « Comment communiquer avec un ingénieur du son? » qui fournit des conseils pour faciliter le processus de travail avec lui sur la finalisation des pistes. Cependant, il semble qu’à présent, il ne travaille qu’avec des personnes qu’il a approuvées dans le passé. Donc si vous lisez ceci, et que vous avez réussi à finaliser des pistes dans le passé, je vous recommande de lire cet article.

Une autre bonne chose à lire serait son article sur la finalisation de vos projets, maintenant que le service est devenu exclusif pour les anciens clients.

Est-il préférable de produire un seul ou plusieurs styles?

/dans /par

Pourquoi les gens produisent-ils toujours le même genre de morceaux alors que d’autres disposent d’un large éventail de styles? Je dois admettre que je suis victime du premier cas. J’ai toujours produit le même type de musique. Bien sûr, elle sonne souvent différemment, mais dans l’ensemble, j’utilise la même formule et le même flux de travail, ce qui se traduit par un ensemble de chansons qui sonnent de manière assez identique. Par conséquent, certaines personnes se demandent pourquoi je n’élargis pas mon éventail de possibilités.

En réponse, j’essaie donc de sortir du moule et de créer quelque chose de complètement différent. Ensuite, les personnes qui m’écoutent en raison de ma constance s’agacent et commencent à se plaindre. Il n’y a pas de victoire ici, c’est pourquoi je suggère toujours de faire de la musique pour soi. Au bout du compte, la meilleure chose que vous puissiez faire est d’être satisfait de votre produit fini. Cependant, explorons les avantages et les inconvénients des deux méthodes.

 

Produire un son similaire

OK, parlons d’abord de la production de la même chanson encore et encore. À l’ère des algorithmes et des listes de lecture, c’est une approche judicieuse si vous voulez construire une image de marque. Avec le streaming, les auditeurs ont aujourd’hui un choix infini. Ils peuvent aller sur Spotify ou YouTube et construire leurs propres listes de lecture qui correspondent à leur humeur. Et quand ils veulent renforcer leur humeur, ils vont souvent chercher des chansons d’artistes connus qui satisfont cette émotion. Si vous êtes un artiste qui produit un tas de styles différents, ils n’iront peut-être pas écouter vos nouveautés, car ils savent qu’elles ne répondront pas à ce point d’ancrage émotionnel. En revanche, si vous avez une palette de sons, de tempos et de styles qui s’inscrivent dans un cadre similaire, les auditeurs peuvent compter sur vous pour produire quelque chose qui répond à leur besoin.

 

L’avantage des améliorations progressives sur un son

Une autre raison de produire des morceaux à la sonorité similaire est que l’artiste veut continuer à améliorer quelque chose. Souvent, ils pensent que s’ils continuent à travailler dans la même veine, leurs morceaux s’amélioreront progressivement, ce qui peut les conduire à une sorte de percée. S’ils décident de prendre la tangente dans d’autres domaines, ils risquent de perdre cet objectif de vue. Ils peuvent même se mettre à faire des choses plus prévisibles, à l’emporte-pièce, car souvent, lorsque les artistes explorent de nouveaux genres, ils commencent à regarder des tutoriels que des milliers d’autres producteurs ont regardé. Souvent, cela fait régresser leur son, alors qu’en gardant le cap, ils auraient pu créer des sons nouveaux et excitants, même s’ils s’inscrivent dans un cadre stéréotypé qu’ils ont défini au fil de leurs années de production.


Que faire de toutes ces chansons similaires?

Lorsque vous avez 100 chansons et qu’elles sont toutes identiques, que faites-vous? Est-ce du gaspillage? Si vous sortez ces 100 chansons, vous allez vous épuiser, car toutes ne méritent pas d’être sorties. Je recommande généralement de faire des paquets de 3 ou 4 chansons et de voir lesquelles fonctionnent en les passant à des amis DJ qui peuvent les jouer. Ils vous diront lesquelles fonctionnent et lesquelles ne fonctionnent pas.

N’oubliez pas non plus de stocker tous vos projets. Vous ne savez jamais quand vous pourrez revenir en arrière et terminer un morceau avec les nouvelles compétences que vous avez acquises.

 

Comment changer votre son, sans devenir un modèle standardisé?

Cependant, il existe des moyens pour les producteurs de conserver un modèle tout en changeant leur son. Par exemple, ils peuvent changer la tonalité. Chaque tonalité est associée à une ambiance différente, et même si les timbres et les samples sont les mêmes, la nouvelle tonalité peut redéfinir l’impact émotionnel. Vous pouvez toujours conserver l’ambiance que les auditeurs attendent si vous changez la tonalité pour quelque chose d’harmoniquement pertinent par rapport à la tonalité d’une chanson précédente. Il suffit de consulter le Cycle des quintes (Circle of Fifths) pour savoir ce qui fonctionne sur le plan harmonique.

Les compositeurs peuvent également changer de signature rythmique ou ajouter des polyrythmies dans leur musique. Dans la musique de danse, il est souvent difficile de faire quelque chose en dehors du 4/4. Bien sûr, il y a des morceaux qui fonctionnent, comme « Neon Drum Pattern » de Jon Hopkin, qui est en 5/4, ou le classique de la rave, « American Dream » de Jakatta. Cependant, ces morceaux sont difficiles à mixer et constituent une race rare de chansons de danse. Ce que je suggère, c’est d’utiliser des triolets, ou de faire en sorte que votre chanson soit à mi-temps ou à temps coupé. Une autre chose que vous pouvez faire est de mettre votre rythme en 4/4, et votre lead en 6/4, puisqu’ils sont tous deux en temps commun. Cependant, si vous ne vous souciez pas de savoir si vos chansons sont mixables, n’hésitez pas à faire des chansons en 9/8 ou 17/4. Qui s’en soucie? Comme je l’ai dit, il s’agit de se sentir satisfait de sa musique, et rien d’autre.

 

Produire de nombreux styles différents

OK, alors parlons des artistes qui ont un tas de styles différents. Je dirais que c’est aussi mon cas, puisque je produis du dub techno, de la minimale, de l’ambient, etc. Cependant, comme je l’ai déjà mentionné, mon son provient d’une racine similaire.

Ensuite, il y a des artistes qui sont partout, et qui ne peuvent pas rester attachés à un seul processus. Le groupe Underworld en est un bon exemple. Vous les connaissez peut-être pour leur chanson Born Slippy, mais ils sont bien plus que cela. À l’origine, il s’agissait d’un groupe de rock des années 80 qui a évolué vers le mastodonte de la techno que nous connaissons aujourd’hui. Cependant, si vous parcourez leur catalogue, vous entendrez de nombreux genres de musique. Il y a la house, la techno et les breaks, bien sûr. Mais il y a aussi des ballades, et des morceaux ambiants. Parfois, il y a aussi des chansons big beat. Et de temps en temps, ils reviennent à leurs racines et font une chanson plus rock.

Un autre bon exemple est Radiohead. Ils changent de style pratiquement à chaque album. Ok Computer ne ressemble pas à Kid A, Kid A ne ressemble pas à In Rainbows, In Rainbows ne ressemble pas à King of Limbs, A Moonshaped Pool ne ressemble pas à King of Limbs. Ce processus a commencé avec Kid A lorsqu’ils ont voulu faire un anti-album destiné à aliéner leurs admirateurs en changeant radicalement les choses, en remplaçant la batterie par des boîtes à rythmes, les guitares par des synthés et les voix normales par des voix déformées. En d’autres termes, ils en avaient assez de la célébrité. Mais cela s’est retourné contre eux, et il est devenu l’album le plus acclamé par la critique de cette décennie.

 

Avoir une signature artistique pour lier le tout

Cependant, s’il y a une chose qu’Underworld et Radiohead ont en commun, c’est qu’ils ont une signature artistique, qu’ils l’aiment ou non. Avec Underworld, c’est le timbre des sons qu’ils ont choisi, associé au chant parlé de Karl Hyde. Avec Radiohead, c’est le vernis de la production et le timbre crooner distinct de Thom Yorke. Cela permet au fan de rester ancré dans la familiarité, même lorsque les styles changent.

 

Nous vivons à une époque différente

N’oubliez pas qu’Underworld et Radiohead sont d’une autre époque. Ils ont existé à une époque où, je crois, les labels recherchaient des artistes qui repoussaient les limites de leur créativité. Aujourd’hui, avec le streaming algorithmique, les labels recherchent souvent la cohérence, parce qu’ils ont des artistes mis dans des cases qu’ils peuvent commercialiser auprès d’une population donnée. Si vous souhaitez emprunter cette voie, vous devrez peut-être vous autoéditer ou faire beaucoup de recherches pour trouver un label qui a encore cette ancienne éthique.

Frank Zappa a donné une grande interview dans laquelle il déplore que les jeunes cool qui dirigent des labels aient ruiné l’expression artistique. Il dit que dans les années 60, la raison pour laquelle tant de musique étonnante et avant-gardiste a été diffusée dans le grand public est que les responsables des labels étaient de vieux hommes d’affaires qui ne connaissaient rien à la musique. Ils se disaient : « Qu’est-ce que j’en sais? On sort le disque et on voit ce qui se passe. » Puis certains de ces disques ont eu beaucoup de succès, alors ils ont engagé de jeunes hippies aux cheveux longs pour les conseiller. Ces hippies sont devenus suffisants et ont décidé qu’ils savaient ce qui était le mieux, parce qu’ils avaient du goût, et c’est ainsi qu’a commencé le déclin de la musique avant-gardiste, parce que souvent, ils n’avaient aucune idée, même s’ils pensaient tout savoir.

Cette situation s’est progressivement aggravée, et aujourd’hui, ces dirigeants de labels ont mis au point des formules pour déterminer ce qui doit être publié et ce qui ne doit pas l’être. Heureusement, nous vivons à une époque où l’autodistribution est possible, et avec le bon marketing et la chance, vous ne savez jamais où votre musique multigenre peut aller.

 

Quelle que soit la route que vous avez choisie, ça n’a pas d’importance  

Quelle que soit la voie que vous choisissez, il n’y a pas de bon ou de mauvais choix. Sortir le même genre de chanson peut-être satisfaisant d’un point de vue commercial, mais d’un point de vue artistique, cela peut devenir ennuyeux. Il y a de fortes chances pour que la plupart des musiciens ne partent pas en tournée avec des milliers de fans en adoration, il est donc préférable de faire ce que vous voulez, plutôt que d’essayer de satisfaire un public potentiel. Mais si vous avez un son et que vous savez comment le commercialiser, alors, par tous les moyens, affinez-le. Dieu sait que c’est ce que j’ai fait. Mais je me suis aussi étendu à d’autres genres. Donc peut-être que quelque part au milieu se trouve une approche solide.

Aimez-vous réellement votre morceau? Ou y êtes-vous simplement trop attaché?

/dans /par
  • Le processus créatif implique beaucoup de fantasmes. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez des foules, et la réaction que vous obtiendrez des promoteurs. Vous fantasmez sur la réaction que vous obtiendrez de vos homologues créatifs et sur la réaction que vous obtiendrez de vos amis. Peut-être que la personne pour laquelle vous avez le béguin l’aimera. Peut-être parviendrez-vous à le faire signer par le label de vos rêves, ce qui marquera le début de votre carrière de musicien. Cela crée souvent un profond sentiment d’amour pour votre morceau.

Cependant, il faut savoir que beaucoup de gens ressentent cette adoration dans la phase euphorique de la composition, lorsque vous avez découvert une boucle étonnante ou la structure de base d’un morceau qui vous enchante.

C’est le moment où vous lancez la bille sur le flipper métaphorique et faites rebondir votre idée au sommet du plateau, où elle commence à rebondir sur les cloches, les sifflets et les bumpers fixes et clignotants, l’envoyant dans un espace de possibilités infinies.

Puis, après un certain temps, le rythme ralentit et vous commencez à voir que la bille tombe de plus en plus profondément vers vos flippers et que si vous ne visez pas juste, vous risquez de détruire votre piste à jamais.

C’est ce moment de réflexion personnelle et de doute que connaissent la plupart des créatifs. C’est dans cette période qu’il peut vous arriver de penser que vous avez gâché tout le morceau en ajoutant une partie qui ne suscite pas la même joie qu’avant, un peu comme si vous recherchiez l’euphorie de la première fois que vous avez pris une drogue.

Le problème, c’est que vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous pouvez être convaincu qu’il est toujours incroyable, et vous entêter à ne rien suggérer.

Ou bien, dans l’autre sens, vous avez consacré tellement de temps à ce morceau que vous avez l’impression de devoir en faire quelque chose, mais vous ne l’aimez plus comme avant. Il existe des solutions à ces deux conflits, qui résultent de la même émotion : l’amour de votre morceau.

 

A photo of Ableton next to a cup of coffee.

 

Quelle est la solution pour ne pas aimer son morceau à outrance?

C’est une question difficile, car les gens s’entêtent souvent dans leur art. Ils l’aiment tellement qu’ils ne peuvent pas absorber les réactions ou le rejet de leurs pairs à son sujet. Souvent, c’est parce que leur amour pour ce titre est basé sur l’analyse cognitive de l’attachement, plutôt que de croire réellement que c’est un titre incroyable.

Par conséquent, ce sophisme est souvent construit sur des coquilles d’œufs et la critique peut sembler être une attaque personnelle, et donc le créateur le protège de l’opinion et du rejet, de peur d’être rejeté lui aussi. Cela conduit parfois les gens à ne pas sortir leur morceau du tout, à toujours « attendre le bon moment ».

La façon de surmonter cette peur? Se foutre de ce que disent les autres. La plupart des grands artistes se moquent de l’opinion des autres. On entend toujours des histoires sur les albums que les critiques ont décriés ou sur les œuvres qui sont restées obscures pendant des décennies avant d’être dépoussiérées et appréciées. Ou bien il y a l’inverse, où la controverse de leur art était attrayante pour certains, et consternante pour d’autres, créant un maelström médiatique.

C’est ce qui s’est passé pour John Cage et Karlheinz Stockhausen, qui ont créé des musiques parmi les plus complexes de l’histoire moderne, que la plupart des gens ne comprennent toujours pas. Mais ils sont tous deux considérés comme importants dans le canon de la musique.

Ils savaient que leur musique était dérangeante, mais ils s’en moquaient probablement, car ils pensaient qu’elle était importante, et l’ont donc diffusée.

Si les gens veulent que leur musique soit diffusée, surtout s’ils s’accrochent au fantasme original que d’autres personnes l’écoutent, ils doivent la soumettre à la critique. Qu’il s’agisse de vos amis ou d’une campagne de marketing destinée aux médias et aux DJ, vous allez ressentir un rejet, même si votre musique est vraiment brillante. C’est parce que la musique est subjective.

 

A photo of Deadmau5, who understands that his love for his tracks can often be misguided.

Credit: Wikipedia

Quelle est la solution pour savoir si vous aimez toujours votre morceau?

Si vous êtes arrivé au point où vous pouvez sortir la chanson, mais que vous avez encore des doutes à son sujet, gardez à l’esprit que vous n’avez vraiment aucune idée de la façon dont elle sonnera pour les autres. Rappelez-vous, lorsque vous avez commencé le morceau, certains éléments ont fait rebondir votre cerveau sur le flipper imaginaire. Il y a donc de fortes chances que d’autres personnes l’aiment aussi.

Deadmau5, qu’on l’aime ou qu’on le déteste, sait comment finir les morceaux et a sorti des hymnes parmi les plus marquants de la rave moderne. Avec son hit, Strobe, il a eu ce conflit. Il l’aimait assez pour le terminer, mais pas assez pour en être certain.

Comme son label n’avait rien reçu depuis un moment, il a décidé de le leur envoyer, en suggérant qu’il pourrait figurer sur la face B d’un disque, un autre élément de contenu pour aiguiser l’appétit de ses fans. Puis, à sa grande surprise, elle a décollé en 2009, juste au moment de l’explosion de l’EDM, contribuant à propulser sa carrière dans la stratosphère.

Si vous écoutez Strobe, vous comprendrez peut-être pourquoi il n’avait pas confiance en lui. Elle dure au moins deux minutes de plus que les autres chansons de l’album, soit 10:33, et il faut attendre quelques minutes avant que le kick n’entre en jeu. Ce n’est pas forcément un hymne radio.

Mais croyez-le ou non, les gens aiment la musique exigeante, car elle les fait réfléchir.

 

Un exemple moins classique est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé une chanson que je trouvais assez bonne, mais dont il avait des doutes. J’ai dit : « Et si je l’envoyais à quelques labels pour voir ce qui se passe. »

Alors je l’ai envoyée à quelques labels, et elle n’a pas seulement été signée, elle a été reprise à un tas d’endroits différents. Mon client avait des doutes, et ses doutes ont été balayés quand le disque a eu autant de succès que tous les autres qu’il avait sortis.

Vous ne savez pas non plus pour qui les titres vos sonner. S’il est possible qu’ils ne correspondent pas à votre public principal (souvent fantasmé), ils peuvent trouver un écho auprès d’un public entièrement nouveau.

Un bon exemple est celui d’un de mes clients qui m’a envoyé des morceaux ambient qu’il avait créés, ce qui était surprenant compte tenu de son travail précédent. Ce qui était également surprenant, c’est qu’ils avaient tous ces noms à consonance indienne.

Il s’est avéré que ces noms indiens étaient en fait des mots sacrés dans une secte religieuse, et lorsque les gens les recherchaient sur Google en rapport avec la secte, ses chansons apparaissaient. Ainsi, sa musique est devenue, en quelque sorte, une musique sacrée et a fini par être plus populaire que tous les autres morceaux plus connus sur lesquels nous avons travaillé ensemble.

 

Réflexion sur les attentes

En vieillissant, je réalise que le désir d’être compris ou aimé par les autres est un piège pour le processus créatif. La vraie joie devrait venir du fait qu’une chanson est techniquement solide, ou que vous avez changé de style pour quelque chose que vous n’avez jamais fait auparavant. Ce sont deux choses dont on peut être fier, car elles montrent une amélioration de nos capacités en tant qu’artiste.

J’aime penser que chaque morceau est un journal, et qu’il s’agit de capturer une idée, plutôt que d’essayer de faire quelque chose qui plaira à des milliers de personnes. Les artistes les plus frustrés sont ceux qui attendent beaucoup de leur musique et de son évolution, les moins frustrés sont tout le contraire.

Réflexion sur la collaboration

Comme beaucoup d’entre vous le savent, je fais de la finalisation de morceaux. Que vous le fassiez par mon intermédiaire ou par celui d’un autre musicien de session, je pense que ce que je vais dire est valable pour les deux. En gros, je n’aime travailler qu’avec des personnes qui ont une attente réaliste de leur art ou qui ne me considèrent pas comme une sorte de savant. Tout comme ils ont des attentes élevées pour la piste, ils peuvent aussi avoir des attentes trop élevées pour le travail de session, surtout s’ils font les deux. Car, que les gens s’en rendent compte ou non, ils peuvent avoir des idées subconscientes sur la façon dont leur piste devrait se dérouler sans savoir consciemment comment elle devrait se dérouler.

Ensuite, lorsque moi ou n’importe qui d’autre y va et effectue des modifications, ces clients s’attendent à ce que le son soit complètement différent. De plus, s’ils ont écouté un morceau plusieurs centaines de fois, toute modification sera visible et ne correspondra pas forcément à la cohérence que vous avez programmée dans leur tête. Par conséquent, si vous avez ce genre d’attentes, il est préférable de les abandonner, car elles diminuent le potentiel créatif d’un morceau. Rappelez-vous, il a fallu pas moins de 27 personnes pour écrire « I Feel Love » de Donna Summer. Étaient-elles toutes d’accord? Cela a-t-il diminué la valeur et l’impact du morceau?

Les meilleures personnes avec lesquelles travailler sont celles qui ont une cote d’amour de 6 ou 7 sur 10 pour leur morceau. Ces personnes ont tendance à garder l’esprit ouvert.

 

A photo of someone listening to a track. Don't listen to your track too much or else you might love your track artificially.

 

Leçons de coaching en musique électronique

/dans , /par

Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

  • Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
  • Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
  • D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
  • Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

  • Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
  • Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
  • Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
  • Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
  • Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

  • L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
  • Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
  • Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
  • Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
  • Ses attentes sont très élevées.
  • La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
  • Ils voient la musique de manière hiérarchique.

 

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

Bob Ross would have been great at electronic music coaching.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment communiquer avec un ingénieur du son?

/dans , , /par

how to communicate with audio engineer photoJ’aime travailler avec des artistes non établis. C’est la raison même du Pheek’s Coaching Corner, et c’est pourquoi je propose mes services à un prix raisonnable. Travailler avec de nouveaux artistes est très enrichissant, car je trouve que les premières œuvres des artistes sont souvent les plus créatives et les plus brutes. C’est chez ces musiciens que l’on trouve des choses qui peuvent être considérées comme originales, présentant les vestiges d’un genre entièrement nouveau. C’est ce point d’équilibre qui existe avant qu’ils ne dérivent de leur propre travail, avant qu’ils ne se tournent vers un style socialement plus acceptable. Cependant, non établi signifie généralement inexpérimenté dans le reste de l’industrie de la musique. Il y a certaines choses que les artistes et les ingénieurs doivent comprendre lorsqu’ils travaillent ensemble, simplifiées par une bonne communication. Si vous êtes capable de traduire les choses dans une langue que l’ingénieur comprend, votre expérience sera beaucoup plus agréable. Dans ce guide, je vous donnerai des conseils, des astuces et des méthodes pour rendre ce processus aussi fluide que possible. Voici donc comment communiquer avec un ingénieur du son.

Tout d’abord, il est nécessaire d’exposer ce que fait et ne fait pas un ingénieur du son chargé du mixage et du mastering.

 

CE QUE PEUT FAIRE UN INGÉNIEUR DU SON

1. SON TRAVAIL CONSISTE À SIMPLIFIER ET À SERVIR DE MÉDIATEUR

Les gens viennent chez quelqu’un comme moi soit pour obtenir des conseils, soit pour avoir accès à un ensemble d’outils dans lequel ils n’investiraient pas autrement. Je dispose d’un certain nombre de plug-ins et de matériel qui permettent de s’assurer que les choses sonnent bien et se traduisent bien sur le plus grand nombre de supports possible. De plus, j’ai accès à des outils de création dont les artistes ignorent peut-être l’existence, mais qui pourraient s’appliquer à leur son.

De plus, les artistes viennent me voir pour obtenir des conseils sur la manière d’utiliser leur son. Ont-ils besoin d’éléments supplémentaires pour atteindre leurs objectifs? Ont-ils un blocage d’écriture, ou leurs compétences les limitent dans ce qu’ils veulent faire ensuite? C’est mon travail de trouver des ressources qui les aideront à atteindre leurs objectifs. Ces ressources sont un sujet que j’aborderai plus loin dans cet article.

2. SON TRAVAIL CONSISTE À COMPRENDRE LE GENRE AVEC LEQUEL ILS TRAVAILLENT

how to communicate with audio engineer

Tous les genres ne sont pas les mêmes et nécessitent un équipement différent. Si vous deviez enregistrer un disque de cow-boy du Far West, ce n’est probablement pas la meilleure idée de se tourner vers un producteur de micro house. Cependant, des groupes de rock sont venus me voir parce qu’ils voulaient que l’essence de leur album soit électronique, tout en restant un album de rock.

Si vous venez me voir en tant que producteur microhouse, c’est que je suis dans ce genre depuis un certain temps et que j’ai beaucoup de ressources à ma disposition. Il m’est donc facile de les exploiter et de trouver des références ou de communiquer avec d’autres artistes qui ont des astuces pour vous aider à porter votre morceau au niveau supérieur.

Cette compréhension du genre me permet de faire de l’ingénierie inverse sur certains aspects de la musique et de l’appliquer à votre morceau. Vous avez un problème avec la simulation d’un certain effet de texture que vous avez entendu sur une piste microhouse? Il y a de fortes chances que je sache comment s’en approcher avec les ressources et l’expérience que j’ai.

De plus, nous savons comment contrôler des choses comme les basses fréquences si vous créez une chanson destinée au club. N’oubliez pas qu’il y aura une compétition entre les fréquences communes d’une autre chanson, comme le kick ou le hi-hat. Il est bon de savoir comment modérer ces choses pour un environnement de club, et c’est là que les ingénieurs entrent en jeu.

 

3. LES INGÉNIEURS DU SON COMPRENNENT LES ASPECTS TECHNIQUES D’UNE SORTIE

Savez-vous à combien de LUFS doit se situer le volume sonore d’une piste exportée en sortie du limiteur pour être correctement normalisée sur Spotify? Et pourquoi pas SoundCloud ou Beatport? Chaque plateforme a des variations de volume différentes dans son codec, et souvent, si vos morceaux ne sont pas téléchargés en tenant compte de ces normes, il peut y avoir des problèmes de traduction. C’est là qu’interviennent les ingénieurs du son. Nous comprenons ces choses ennuyeuses et non créatives et nous savons comment les réaliser dans le mixage et le master, afin que vous puissiez vous concentrer sur votre créativité. Mais si vous voulez apprendre, nous pouvons aussi jouer le rôle d’instructeur.

4. NOUS AIDONS À METTRE L’ACCENT SUR LES MEILLEURES PARTIES

Disons que vous avez un élément plus faible dans votre morceau. Nous pouvons le reconnaître, et aider à le faire ressortir dans le mix, ou même ajouter des éléments qui l’aideront à mieux passer à la partie suivante de la chanson.

 

CE QU’UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS FAIRE

1. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS PLAIRE À TOUT LE MONDE

La perception est la réalité, et certaines personnes ont une perception différente de ce que les choses sont censées être. Surtout lorsqu’il s’agit de leur art. Avec l’audio, les producteurs sont vraiment attachés à leurs sons, pensant qu’ils devraient être spécifiquement à cet endroit du mix, alors qu’en réalité, cela ne se traduira probablement pas comme ils le voudraient. Cela peut venir du fait d’entendre ce son encore et encore dans une pièce particulière, ou sur un support d’écoute pendant la création. Cependant, dans une pièce bien traitée, avec un équipement calibré, ou à l’inverse, dans un club avec un bon ou un mauvais système de sonorisation, il se peut que le son ne se traduise pas exactement comme vous l’aviez prévu. Certaines personnes sont plus judicieuses à ce sujet, et acceptent la réalité. Cependant, d’autres ne peuvent tout simplement pas être satisfaites.

C’est pourquoi j’adopte l’approche selon laquelle il vaut mieux endommager le moins possible un morceau, tout en laissant les fréquences respirer correctement, et le traduire sur le support sur lequel l’artiste imagine qu’il sera écouté.

C’est pourquoi il est important de savoir comment communiquer avec l’ingénieur du son, afin que nous puissions tous deux parvenir à une compréhension mutuelle grâce aux techniques dont je parlerai un peu plus loin.

 

2. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT JAMAIS DIRE CE QUI SONNE BIEN ET CE QUI NE SONNE PAS BIEN, ARTISTIQUEMENT

Pour développer l’idée d’endommager le moins possible un morceau, il faut noter que, comme tout autre art, la musique et le son sont subjectifs. Bien sûr, il y a de bonnes pratiques pour traduire quelque chose, et le téléverser correctement sur des plateformes, mais en ce qui concerne le timbre et l’esthétique d’un son, c’est absolument subjectif. Il y a une raison pour laquelle les admirateurs de techno ne peuvent pas être d’accord sur le fait que toute la techno est bonne, même si c’est le même genre. Là où tout le reste est identique, c’est le degré sonore qui définit en fin de compte une chanson.

Ce n’est pas pour rien que certains préfèrent les cris frénétiques et les lignes de basse martelantes du SH101 de Nitzer Ebb aux douces rêveries de John Prine. En fait, ils peuvent détester John Prine, et les admirateurs de John Prine peuvent détester Nitzer Ebb. Cela signifie-t-il que l’un est meilleur que l’autre? Non, parce que nos réalités sont subjectives.

C’est mon travail de vous aider à obtenir le son que vous désirez réellement, en utilisant des références à d’autres morceaux, ou en ayant une communication claire et simple.

Cependant, il faut noter que nous savons ce qui sonne bien, techniquement. Par exemple, si vous faites de la musique pop, ou si les gens écoutent votre musique (alternative ou pop), ils aiment les médiums, parce que les médiums se traduisent mieux sur les systèmes de haut-parleurs courants, et les écouteurs. Il y a de fortes chances que si vous soumettez votre morceau sur un blogue, il ne sera pas écouté sur un système de sonorisation : il peut être écouté sur un téléphone, allongé sur le lit, et donc riche en médiums.

3. FOURNIR UNE CRITIQUE SANS AVOIR DE SOLUTION

Le talent est subjectif. Il en va de même si quelque chose semble bon. Par conséquent, si un ingénieur donne un avis ou dit que quelque chose pourrait être mieux, il est de son devoir professionnel d’avoir un moyen de l’arranger. C’est pour cela que nous sommes engagés. Cependant, si vous ne recherchez pas ce genre de retour d’information, il est bon que ce rôle soit clairement défini à l’avance.

 

CONSEILS POUR COMMUNIQUER AVEC UN INGÉNIEUR DU SON

1. GARDER LES CHOSES SIMPLES

how to communicate with audio engineer

Les ingénieurs comprennent que les artistes ont beaucoup de choses à dire sur leur travail et qu’ils peuvent utiliser un langage poétique pour le communiquer. Et cette prose conduit parfois à l’élaboration. Cependant, il existe un dicton dans le domaine de la vente, appelé K.I.S.S., qui signifie « Keep It Simple, Stupid » (« Garde ça simple, idiot », dans le sens de « ne complique pas les choses »). C’est parce que les gens comprennent les choses si elles sont simplifiées. Pas besoin d’être technique, ou d’élaborer. Il suffit de dire ce que vous voulez dire. Un bon moyen de communiquer facilement est de donner des exemples de choses qui existent déjà. Soyons réalistes, rien n’est nouveau sous le soleil, donc si nous pouvons identifier l’origine de cette idée, alors peut-être qu’elle peut être recréée, avec un épanouissement qui la fera vôtre.

Pas besoin d’écrire une page entière de texte. Au lieu de cela, il suffit de rester simple. N’utilisez pas non plus de mots vagues comme « Je veux que ça sonne bien ». Cela ne veut rien dire, et c’est subjectif. Ce qui m’amène à mon prochain point…

2. FOURNIR DES RÉFÉRENCES

Pour compléter ce que j’ai dit plus tôt, nous empruntons tous des idées. Même si votre track emprunte beaucoup d’idées différentes et crée quelque chose de nouveau, si vous réfléchissez bien, vous pouvez trouver des morceaux qui donnent le sentiment que vous recherchez, qui peuvent donner des indices sur les fréquences, et maîtriser les caractéristiques que vous voulez égaler.

Les références n’ont pas non plus besoin d’être sonores, elles peuvent être culturelles. Disons que vous imaginez que votre chanson sera jouée en after-hours. Cela signifie que la chanson sera probablement jouée dans un endroit peu fréquenté, ou dans un lieu long et étroit qui n’est pas habituellement utilisé pour la musique. Cela nécessite un mixage spécifique et un prémastering pour exprimer correctement tout son potentiel.

De plus, il y a des moments où l’on crée quelque chose qui n’existe pas. Je ne peux pas savoir comment créer quelque chose s’il n’y a pas de référence, alors ne demandez pas cela, car il est impossible de le savoir sans d’interminables ajustements.

3. CONTACTEZ-NOUS AVANT D’ACHETER

C’est vrai surtout si vous avez des doutes. Vous n’engageriez pas quelqu’un sans l’avoir testé normalement, alors pourquoi cela serait-il différent? Si vous avez une chanson qui, selon vous, pourrait correspondre à mon esthétique, mais pas tout à fait, alors laissez-moi l’écouter, et je vous ferai savoir si je pense qu’elle vaut la peine d’être travaillée. Croyez-moi, je ne veux pas travailler sur des projets inutilement difficiles, comme vous ne le faites pas.

Vous seriez surpris de voir sur quels projets j’ai travaillé. Par exemple, même si je fais de la musique « underground », j’ai travaillé sur un projet EDM, parce que le producteur aimait que je ne sonne pas EDM.

4.CONNAÎTRE QUELQUES TERMES DE BASE

En tant que producteurs, beaucoup ont au moins quelques connaissances de base sur le spectre de l’ingénierie du son. La plupart savent ce que sont les égaliseurs et les compresseurs, ainsi que la réverbération ou le délai. Ils savent également ce que signifient mono et stéréo. Cependant, il peut y avoir des choses plus spécifiques qu’ils ne connaissent pas, par exemple la différence entre un master transparent et un master coloré. Un master transparent est un mixage dont vous êtes satisfait, mais vous voulez que tout soit bien équilibré. Un master coloré est un mix dont vous n’êtes pas totalement satisfait, et pour lequel vous souhaitez ajouter des textures et d’autres éléments, tels que la compression et la saturation, afin de faire ressortir de nouveaux éléments. En d’autres termes, cela ne vous dérange pas que les choses soient modifiées.

LES AUTRES TERMES COURAMMENT UTILISÉS DANS LES STUDIOS POUR DÉCRIRE LES FRÉQUENCES SONT :

Muddy (Boueux) : Trop de basses.

Boxy : Trop de médiums.

Tinny : Les médiums supérieurs ou les aigus inférieurs ont besoin d’être réduits.

Bright (Brillant) : Semblable à « Tinny ».

Airy (Aéré) : Les hautes fréquences. Celles qui peuvent briser le verre.

Warm (Chaud) : Réduire les aigus ou augmenter les basses fréquences pour donner une sensation de chaleur.

5. NE PAS FAIRE DE LA MICROGESTION

Vous détestez la microgestion au travail? Eh bien, tout le monde la déteste aussi. En faisant de la microgestion, vous vous détournez du travail qui pourrait être fait sur votre projet en indiquant des choses que l’ingénieur reconnaît, mais qui ne doivent pas être faites, ou qui ne sont peut-être même pas nécessaires une fois qu’un autre processus sera fait. Nous sommes des professionnels ; soyons professionnels.

 

Conclusion :

Tout compte fait, si vous apprenez à communiquer correctement avec l’ingénieur du son, vous vous améliorez dans ce que vous faites, parce que vous poursuivez votre formation en comprenant les termes. En outre, vous devenez plus facile à travailler avec et, à un niveau professionnel, un travail facile peut vous mener loin.

Cet ensemble de compétences vous aidera également dans d’autres entreprises artistiques, telles que la collaboration musicale à distance, ou la réalisation de projets DAW collaboratifs, ou même de projets DAW collaboratifs en ligne.

Nous espérons que ce guide s’avérera utile pour aider les artistes à communiquer avec les ingénieurs du son. Comme dans la plupart des choses dans la vie, une communication solide, signifie une expérience solide.

 

Voir les templates comme des graines.

/dans , , , , , /par

En tant que producteur, vous essayez probablement d’équilibrer plusieurs tâches à la fois en travaillant sur votre musique. Si vous prenez du temps à passer en revue quatre ou cinq réverbérations à la recherche du son parfait, à configurer des bus et des groupes pour pré-mixer vos morceaux pendant que vous les arrangez, ou si vous vous sentez juste figé en regardant un écran de projet vierge et en ayant du mal à démarrer, il n’est pas étonnant que vous ne soyez pas aussi productif que vous aimeriez l’être.

Bonne nouvelle, ce post a pour but de vous préparer à partir gagnant avant même de démarrer. Commencez à voir vos templates comme des graines.

De nombreux DAWs peuvent être configurées pour charger un template (modèle) comme point de départ initial. Reason vous proposera un environnement prédéfini, et Studio One vous demandera si vous souhaitez mettre en place un projet de mix pour accélérer le démarrage. Ableton Live n’a pas cette fonctionnalité par défaut, mais vous pouvez facilement changer cela pour ouvrir un projet de démarrage personnalisé.
Même si la plupart des DAW ont cette fonction, ce n’était pas suffisant pour moi, j’avais l’impression que je pouvais faire mieux.

D’une certaine manière, il s’agit d’un article de suivi de la Technique du Bonsaï. Il a été très bien reçu, et beaucoup de gens ont commenté sur la façon dont cela les a aidés à développer des tracks à partir de petites idées. Maintenant, j’aimerais poursuivre avec cette idée, car je me suis rendu compte que beaucoup de gens passent à côté du plaisir d’utiliser un template pour démarrer leurs projets. De plus, il y a quelques choses que nous pouvons ajouter et qui seront également précieuses pour vos prochaines productions. Jetons un coup d’œil aux techniques qui permettent de gagner du temps.

JE VAIS SUGGÉRER QUELQUE CHOSE DE SIMPLE EN SOI, MAIS DE TRÈS EFFICACE POUR QUE LES NOUVEAUX PROJETS SONNENT BIEN DÈS LE DÉBUT.

Commencez votre prochain projet en utilisant la dernière chanson utilisée. J’ai entendu parler de cette technique dans le manifeste de Matthew Herbert, et cela m’a inspiré. Herbert reprenait la table de mixage là où il l’avait laissée lors de la dernière session. Pourquoi est-ce une bonne idée ?
Partir du dernier mix permettrait un workflow plus rapide, mais aussi, les EQs aléatoires, la compression, les effets, seraient réglés sur quelque chose qu’il n’aurait jamais mis en place auparavant. J’ai trouvé ce concept brillant et j’ai commencé à le faire moi-même. Très souvent, je commençais avec le dernier projet chargé, mais je faisais la chanson suivante juste après la fin de la précédente. La même configuration et les mêmes réglages pour le kick, les percussions, etc.. étaient les mêmes, ce qui m’a souvent conduit dans des directions auxquelles je ne m’attendais pas du tout. C’est un gros avantage.

Envisagez de garder les effets sur chaque piste tels quels, mais déposez vos nouveaux clips dans les pistes existantes au hasard. Dans certaines situations, je copiais aussi l’arrangement d’une chanson et je le collais dans la vue d’arrangement d’une autre chanson. Des résultats très étranges se produisaient, conduisant souvent à des résultats de conception sonore inattendus, mais très utilisables. J’ai souvent un projet « mère » qui sera pour moi un lieu sûr pour développer et faire grandir ces idées. Ensuite, je copierai quelques boucles dans la vue d’arrangement d’un autre projet, et parfois je déplacerai les clips d’un canal à l’autre pour voir lequel convient le mieux. J’ai même fait l’exercice de drop un arrangement complet dans un autre projet en le gardant aussi intact que possible. De là, je ne l’écouterais même pas avant de l’exporter. Je l’écoutais des semaines plus tard et j’étais incroyablement surpris. J’ai fait une poignée de morceaux de mes albums Intra et White Raven de cette façon.
Ensuite, mettez-vous au défi de garder vos routing de bus et de groupes intacts. C’est génial d’avoir des pistes ou des bus que vous pouvez réutiliser rapidement. Bien sûr, un moyen facile serait d’assembler une macro de la chaîne d’effets que vous avez utilisée, mais j’aime l’idée d’ouvrir un template où je n’ai aucune idée des effets qui m’attendent. Je vais parfois échanger mes effets les plus utilisés avec d’autres que j’ai récemment acquis ou que j’ai oubliés. Il est souvent agréable de déterrer les anciens plug-ins qui peuvent apporter un grain particulier à votre son.

Enlevez les clips de votre projet abouti et enregistrez-le comme template.

Un exercice que vous pouvez commencer à appliquer dès aujourd’hui serait :

  1. Créez un dossier pour vos templates.
  2. Chaque fois que vous terminez une chanson, vous faites un « enregistrer sous… » dans ce dossier. Vous nettoierez ensuite les clips dans la vue arrangement. Je laisserai souvent ce que j’appelle des sons « non utilisés » dans le projet. Je vais mettre ces clips en vue de session dans une piste nommée « leftovers » (restes). Cela vous permet de réorienter ces sons, ce qui peut s’intégrer parfaitement dans votre nouveau projet.
  3. Les clips midi pourraient être laissés aussi parce qu’il est généralement intéressant d’avoir en main du matériel midi sur lequel vous pouvez rapidement lancer de nouveaux sons et voir à quoi cela ressemble.

Maintenant, une astuce supplémentaire est de faire un template pour la conception d’un EP/LP. Comme vous le savez, c’est toujours génial d’avoir un sentiment commun pour une release complète, et l’une des choses que je recommanderais serait la façon dont vous appliquez vos effets.

  • Reverb. Soit vous choisissez une réverbération d’une compagnie spécifique (ex. Altiverb) et utilisez quelques presets pour commencer, soit vous essayez de rester dans la même famille comme « plates » par exemple.
  • Delay. En utilisant le même plug-in, mais en changeant la vitesse du délai.
  • Saturation. Essayez de choisir un type et de vous y tenir. Je recommande de l’appliquer à travers un send où vous avez plus de contrôle sur la façon dont chaque son est coloré.
  • Compression/EQ. Certains appliquent une couleur distincte et sont plus ou moins transparents. Il peut être une bonne idée de garder le même type de combinaison à travers vos pistes.

Comme toujours, je veux entendre vos commentaires sur tout ce qui est mentionné dans cet article. N’hésitez pas à partager ce message ou à laisser un commentaire ci-dessous et à me dire comment ces techniques créatives fonctionnent pour vous.  

 

 

VOIR AUSSI : Conseils pour définir votre son

Le cycle de l’inspiration

/dans , /par

La plupart des gens aiment discuter de musique techniquement en termes de production, car nous nous demandons tous par où commencer et comment gérer les idées pour faire une chanson. Je lis aussi beaucoup de magazines et d’articles qui expliquent comment le cerveau perçoit la créativité, où elle commence, comment l’invoquer et la maintenir active. Cependant, même si vous connaissez les techniques pour faire de la musique, demeurer inspiré peut devenir un défi. Je bataille aussi avec l’inspiration musicale, mais j’ai quelques conseils qui fonctionnent quand on se retrouve face au syndrome de la page blanche.

COMMENT FONCTIONNE VOTRE CYCLE D’INSPIRATION?

Cette vidéo sur l’utilisation du flux (zone, flow) est étroitement liée à l’expérience de l’inspiration. Regardons les choses de plus près.

Grâce à mes lectures et à mon expérience personnelle, j’ai remarqué que l’inspiration vient et passe par un certain nombre de phases, sous forme de cycle :

  1. La stimulation et la satisfaction de l’esprit.
  2. La conceptualisation.
  3. La lutte.
  4. Libération et créativité.
  5. Achèvement du projet.
  6. Transmission, validation.
  7. Célébration.

Dans la vidéo ci-dessus, la discussion porte sur le flux qui est un état d’esprit important pour atteindre le haut niveau de créativité auquel accèdent les athlètes et les musiciens au cours d’une performance. Vous pouvez également accéder à ce niveau de créativité en faisant de la musique dans votre studio. Mais avant d’entrer dans le studio, vous avez besoin d’une idée et d’un concept. Examinons les phases du cycle d’inspiration musicale que j’ai décrit ci-dessus :

LA STIMULATION ET LA SATISFACTION DE L’ESPRIT

Pour résumer cette phase, pensez à tomber amoureux de quelque chose. Pour l’écrivain, c’est un livre ou une description de scène. Le photographe s’enthousiasme pour un paysage, le jardinier, pour les arbres parfaits, et pour le musicien ce sont les sons et les chansons. Cette stimulation peut se produire n’importe où et à n’importe quel moment : dans votre voiture par exemple, ou dans de nombreux cas, lors d’une « célébration » d’une sorte ou d’une autre. Le cycle devient évident ici, parce que la dernière phase est la célébration de l’accomplissement de votre travail, mais cette phase peut aussi relancer le cycle et correspond à la première phase de stimulation.

Par exemple, beaucoup de gens pensent qu’ils veulent devenir DJ après une soirée spéciale dans un club. C’est un exemple de stimulation musicale qui donne le coup d’envoi du cycle de l’inspiration. Les gens aiment aussi célébrer l’art, à la recherche d’une sorte de nouvelle stimulation de l’esprit, être inspirés pour créer.

Décrivant son processus créatif, Mozart observe : « Je garde les idées qui me plaisent en mémoire, et comme on a pu me le dire, j’ai l’habitude de les fredonner. Si je continue de cette façon, écrit-il, il me vient bientôt à l’esprit comment je peux rendre compte de ceci ou de cela pour en faire quelque chose de bon… Tout cela met le feu à mon âme » (Harding, ).

L’esprit se sentira satisfait par certaines choses qui l’inspireront à rassembler différents éléments dans une collection qui mènera à la création d’un concept.

Conseil : Avant d’investir et de vous plonger dans la production, essayez de créer une collection de musique personnelle qui vous touche. Il peut s’agir d’une liste de lecture privée sur YouTube, Spotify ou Soundcloud, par exemple. Plus votre collection est riche, plus vous aurez de sources d’inspiration potentielles.

CONCEPTUALISATION

Comprendre votre concept est la clé ici, il s’agit de mettre en mots ce que vous avez en tête. Le syndrome de la page blanche en musique électronique est de faire face à des options illimitées, ce qui peut brider la créativité. Les idées et les concepts vous aident à vous encadrer et à créer vos sons dans une palette qui correspond à votre idée. Par exemple, le fait de savoir que vous voulez faire du « banging techno » vous donne déjà une direction quant à ce que vous allez faire. Le défi dans ce cas particulier serait de vous instruire et de comprendre comment les sons complexes sont enregistrés ainsi que d’autres détails techniques. La conceptualisation mène à la phase suivante qui est la lutte, une partie inévitable du processus créatif nécessaire à l’application de votre concept.

Je trouve qu’il y a deux choses principales qui aident à la conceptualisation :

  • Trouver un équivalent concret dans la vie réelle de votre vision, par exemple des chansons qui contiennent votre idée ou une partie de celle-ci.
  • Trouver des ressources pour vous aider à comprendre ce qu’est réellement votre idée.

Plus votre idée ou concept initial est clair, mieux vous pouvez l’expliquer. De là, vous pouvez trouver quelqu’un qui a l’expérience ou les outils pour vous aider à y arriver si nécessaire.

Conseil : L’utilisation de mémos vocaux pour enregistrer quelque chose que vous entendez ou pour vous laisser des notes est une pratique très utile. Si vous pouvez investir dans un microphone pour essayer de reproduire des sons avec votre bouche ou des objets trouvés, cette technique peut donner des résultats très intéressants.

LA LUTTE (Struggle)

La lutte est la phase dans laquelle beaucoup de gens ont l’impression qu’ils veulent arrêter de faire de la musique et même vendre tout le matériel qu’ils ont dans les cas extrêmes. Peut-être avez-vous déjà vécu cette lutte (elle peut se manifester de plusieurs façons), mais la meilleure approche pour gérer efficacement une lutte est de modérer ce que vous aimez faire, en réduisant le temps ou les efforts que vous consacrez à l’élaboration de votre concept.

Par exemple, au lieu d’être en studio pendant quatre heures, pourquoi ne pas en passer qu’une seule ? Que diriez-vous d’aller vous promener quand surviennent des idées négatives ? Il n’y a pas de précipitation à faire de la musique.

J’ai vu tant d’artistes rester bloqués dans cette phase en étant victimes d’abus de substances, ce qui est de loin la façon la plus risquée pour faire face au blocage de la page blanche. Si vous avez besoin d’une substance pour vous rendre créatif, vous en deviendrez rapidement dépendant.

Conseil : Ma drogue, c’est d’aller courir.

RLA LIBÉRATION ET LA CRÉATIVITÉ

Cette phase correspond au moment où vous criez : « Eurêka ! » Tous les détails techniques se mettent en place et vous pouvez vous exprimer entièrement. J’ai eu ce moment avec deux albums que j’ai fait, Tones Of Void et White Raven. Cependant, pour d’autres albums, j’ai travaillé sans relâche pour trouver un rythme qui me donne l’impression d’être inarrêtable. Je finissais les chansons en une journée, ce qui me prenait normalement des mois. Trouvez une recette, un patch, une série d’effets qui vous donnent des ailes pour transformer n’importe quoi dans le son que vous recherchez.

Pour moi, le moment « Eurêka » est facile à percevoir sur Tones Of Void. J’avais trouvé la série d’effets que j’aimais et je parcourais ma bibliothèque, puis j’ai facilement pu transformer 1-2 sons en une chanson complète. Je l’enregistrais en live, j’effectuais des modifications mineures et je me sentais entièrement satisfait de ce que j’avais. J’ai aussi vu des gens utiliser des synthés modulaires pour faire des patchs autogénératifs où les chansons s’écrivent d’elles-mêmes et c’est vraiment beau à voir.

Conseil : Cette phase n’est pas linéaire et se produit en quelques instants. Trouvez des moyens de sauvegarder vos outils et de comprendre ce qui élève votre travail.

ACHÈVEMENT DU PROJET

Beaucoup de gens ont du mal à terminer leurs projets. La vraie question est de savoir : quand est-il vraiment terminé ? Récemment, j’ai fait une liste d’éléments à vérifier pour vous donner une idée, mais vous pouvez aussi vous donner certains critères. J’aime l’idée que quelque chose n’est jamais vraiment terminé, et cela fait partie de son charme. Savoir que le prochain projet sera meilleur est une façon de laisser tomber tout ce qui a été révisé trop souvent.

Une fois que vous pouvez sauvegarder votre fichier et être satisfait, faites un back-up et cette phase est simplement terminée.

TRANSMISSION, VALIDATION ET CÉLÉBRATION

Vous savez quand vous aimez tant votre chanson que vous voulez la partager avec le monde entier ? C’est de cela qu’il s’agit dans la phase de célébration dont j’ai parlé tout à l’heure. Nous voulons que notre travail soit validé, mais il y a une partie de nous-mêmes qui veut aussi transmettre nos idées aux autres. Cela crée le désir de faire une « célébration » et de donner de l’inspiration musicale à d’autres.
Il y a cependant des gens qui craignent de partager leur musique. Ce n’est un secret pour personne que la plupart des musiciens recherchent l’approbation de leur communauté et la musique est un moyen de le faire. Ce qui empêche certaines personnes de partager leur travail avec d’autres, c’est la peur d’être critiqué. Cependant, la transmission et la validation sont nécessaires pour passer à « la célébration », qui est la fin d’un cycle, mais aussi le début d’un autre.

J’adorerais entendre vos histoires sur votre inspiration. Partagez, s’il vous plaît !

Techniques de production musicale : la production non-linéaire

/dans , , /par

Cela fait longtemps que j’ai promis un post traitant d’une des nombreuses techniques de production musicale que j’utilise : la production non linéaire. Le tout premier album que j’ai fait en utilisant cette technique assidument était Intra. Et puis je m’y suis récemment plongé en profondeur pour produire de multiples EPs, réalisés entre fin décembre 2017 et mars 2018. Alors qu’Intra était un album de 23 chansons fait sur neuf mois, ma dernière expérience a produit 19 titres en trois mois. Je pense que je m’améliore, surtout parce que c’est de plus en plus clair dans mon esprit.

Sur les 19 titres récents, j’en ai gardé 8 pour l’album Returning Home, que vous pouvez écouter ci-dessus. C’est une déclaration sur le fait que la maison est un état d’esprit et non pas nécessairement un lieu physique. Je fais de la musique techno/dance depuis 1998, et après avoir expérimenté des paysages sonores plus électroniques et de la musique ambient, ça me fait du bien de revenir à mes racines. Chose amusante, j’ai essayé de travailler avec d’autres labels, car je voulais garder le mien, Archipel, pour des trucs plus downtempo, mais j’ai rencontré de nombreux refus ou des compromis compliqués. Je suis trop têtu pour changer les choses et comme cet album a été fait sur la base d’un concept très solide, je ne voulais pas revenir en arrière et changer ce que je trouvais bien.

Mais revenons à la technique de production non linéaire. Je couvrirai le déroulement du processus, du point de départ jusqu’à la fin.

J’entends souvent des gens dire, « mais je n’ai pas besoin d’une technique quand je fais de la musique ». Bien sûr, ce n’est pas pour vous alors. Mais cette technique peut être bénéfique si vous cherchez à accroître votre production. Cela a certainement contribué à me rendre plus prolifique à travers le temps.

LA PRODUCTION MUSICALE NON LINÉAIRE — UN CONCEPT

Ce concept (qui existe depuis des décennies selon les recherches que j’ai faites) encourage le producteur à explorer la possibilité de travailler sur plusieurs chansons à la fois, de manière non linéaire.

Cela signifie que :

  1. Vous ne travaillez pas sur une chanson du début à la fin, avant d’en commencer une nouvelle.
  2. Chaque piste est abordée individuellement pour ses besoins mais vous travaillez aussi globalement. Gardez à l’esprit que ce que vous avez fait dans la piste précédente devrait différer sur la suivante.
  3. La technique consiste à répéter les mêmes cycles/phases jusqu’à l’obtention d’un noyau solide. Ensuite, il y a la finalisation pour se préparer au mix.

On l’appelle « non linéaire » parce que c’est une série de phases, sur plusieurs pistes, toutes en même temps.

Note : Une règle implicite implique également que le travail sur une piste doit se faire sur de courtes périodes de 20 à 30 minutes à la fois par chanson, puis de s’arrêter, sauvegarder et passer à autre chose. Pourquoi ? Cela permet de garder des idées fraîches.

Pour beaucoup de gens à qui j’ai expliqué cela au début, cela a semblé troublant et déroutant. Il y a une sorte de croyance ancrée chez les gens que lorsque vous allez faire de la musique, vous devriez trouver votre idée, vous y tenir absolument, l’intégrer dans une chanson, en commençant par le début et en finissant par la fin. Je vois souvent des projets de gens qui ont quelques blocs au tout début de la piste et puis ils se perdent.

J’entends aussi : « Je peux faire une super boucle, mais je ne sais pas ce qui va suivre. »

J’ai écrit un article à ce sujet dans le passé. Cependant, la technique non linéaire vise vraiment à dépasser la question de la boucle, parce qu’il s’agit de transformer de petites idées en concepts plus grands.

Mais par où commencer ?

Avant de nous pencher sur la production, permettez-moi d’expliquer la technique de production musicale non linéaire, car c’est de cela qu’il s’agit :

  1. Création de contenu, génération d’idées.
  2. Filtrer les idées dans un concept.
  3. Construire une boucle comme noyau.
  4. Structure du template.
  5. Arrangements.

Lorsque vous décidez de créer votre projet, la première chose à faire est de choisir votre type de projet. S’agit-il d’un EP (3-4 chansons) ou d’un LP (5-10 pistes) ? Peut-être que vous voulez juste faire quelques morceaux ; je crois personnellement que nous ne devrions jamais faire un seul morceau à la fois. Si vous n’avez pas de projet précis en tête, inventez-en un comme « Je vais faire 5 titres pour le plaisir et je veux qu’ils soient principalement techno ». Une fois cette décision prise, vous êtes prêt pour la création de contenu. Je consacre habituellement beaucoup de temps à la création de contenu et à la génération d’idées.

Vous pouvez également partir de pistes inachevées sur lesquelles vous voulez appliquer l’idée. L’important est de travailler sur plusieurs projets en parallèle. Habituellement, cela marche mieux si vous en avez au moins cinq, mais il n’y a pas de limite bien sûr. Pour les nouveaux, commencez petit pour voir si cette façon de travailler fonctionne pour vous. La technique est sur le point de faire passer votre morceau d’une idée simple à une chanson finalisée mais non mixée. Le mix n’en fait pas partie. Je trouve que le mixdown fonctionne mieux si vous le faites tard. N’hésitez pas à créer un dossier de référence où vous mettez des chansons qui vous inspirent.

CRÉATION DE CONTENU, GÉNÉRATION D’IDÉES

De toutes ces années d’écoute de musique, de gestion de labels, de mastering et de DJing, je suis arrivé à une théorie : une chanson solide est — en général — une idée unique et solide, soutenue par deux autres. L’idée principale peut être une boucle, un motif ou même un son. Je me souviens qu’Hans Zimmer décrit un motif en disant qu’il doit avoir un impact émotionnel sur vous, qu’il doit réapparaître dans votre esprit plus tard. Il dit que le thème de Batman est composé de deux notes, mais très puissantes. En les jouant, vous pensez automatiquement à Batman. Les deux autres idées sont nécessaires parce qu’une chanson a généralement besoin d’un développement et d’une « surprise ». Cela dit, dans cette technique de production, il faut créer des idées nouvelles. Beaucoup.

J’ai fait un long post sur la manière de trouver de nouvelles idées mais je vais résumer comment ça fonctionne pour moi :

  • Recycler d’anciennes idées : J’ai d’innombrables samples que j’ai utilisés ou que je n’ai jamais touchés. J’aime les transformer en nouveaux sons.
  • Enregistrement de la radio ou d’autres atmosphères à l’aide d’un microphone : Quand je suis d’humeur créative, je passe beaucoup de temps à enregistrer les sons de cette période de ma vie. Je vais laisser l’enregistreur quelque part pendant une heure pour voir ce qui se passe.
  • Essayez des démos : J’adore les démos et j’essaie de voir ce que je peux en tirer en les samplant. Certains ont un temps limité et d’autres durent quelques jours. Cela vous oblige à resampler le travail et à en tirer quelque chose. Parfois, je finis par l’acheter, bien sûr.
  • Design sonore pur : La superposition de sons provenant de différentes prises est un excellent moyen de générer des sons riches. Je le fais souvent, mais cela prend beaucoup de temps.
  • Jammer avec les sons : Quand j’en ai beaucoup, je vais généralement mettre les sons dans un sampler et jammer avec un contrôleur midi ou un PUSH. Je vais enregistrer tout ce que je fais dans un projet.

Un projet qui a beaucoup d’idées sera enregistré avec la date du jour du jam. Il se peut que j’aie quelques heures de matériel, ce qui signifie qu’il y a hypothétiquement 3-4 idées là-dedans.

Cette phase est terminée quand vous avez un projet avec 3-4 idées prêtes à partir. Je fais habituellement une session par piste nécessaire pour le projet.

TRANSFORMER LES IDÉES EN CONCEPT

Cette phase est une phase que vous devez faire en dehors du jam. Pourquoi ? Parce que lorsque vous jammez, vous êtes dans votre état créatif (cerveau droit) et vous avez des tonnes d’idées, mais votre jugement n’est pas bon. Vous ne pouvez pas être juge alors. Vous devez vous sentir libre et explorer sans limites. Dans cette deuxième phase, il s’agit de passer à un côté plus analytique où vous allez travailler votre récolte.

  1. Passez en revue tous les enregistrements que vous avez faites une boucle avec une partie. La question est, pouvez-vous écouter une boucle et vous sentir inspiré ? Si oui, vous avez quelque chose à quoi vous pouvez vous accrocher.
  2. Utilisez des boucles de différentes tailles comme 1, 2, 4 mesures. Compiler différentes idées.
  3. Utilisez la vue de session pour créer des scènes de boucles que vous aimez.
  4. Essayez de voir si certaines boucles, une fois superposées, créent des motifs inattendus.
  5. (Optionnel) Ajoutez un kick et des hihat pour vous donner une idée du groove et ajuster le timing de la boucle.

Cette phase est terminée quand vous avez quelques scènes solides dans votre vue de session.

Notez que vous pouvez revenir en arrière pour créer plus d’idées (Phase 1) pour compléter ce que vous avez. Vous pouvez également créer un fichier pour toutes les idées de toutes les sessions et créer ainsi de nouvelles. Il n’y a pas de règles, seulement des possibilités.

LA CONSTRUCTION D’UNE BOUCLE CENTRALE

À ce stade, vous devriez avoir un nombre X de projets (basé sur la définition du projet que vous avez défini au début, c’est-à-dire EP, LP, peu importe), chacun avec du matériel qui a été organisé en 2-3 idées. Le moment est venu d’assembler le tout.

La boucle que vous allez construire ici est la partie centrale de votre chanson, donc il devrait y avoir tous les éléments.

  1. Ajoutez une fondation. La partie fondamentale de votre chanson est la partie low end et la basse. À partir de l’idée principale, ajoutez une basse qui soutient ou répond à l’idée. Ajustez-la pour qu’elle soit dans la tonalité.
  2. Ajoutez des percussions. Complémentaire à la basse, vous pouvez ajouter un kick, des percussions, ou tout ce qui est complémentaire et créera le groove. Je commence généralement tout de suite par décider quel modèle de groove je vais utiliser sur cette partie centrale.
  3. Ajoutez des touches mélodiques si nécessaire. Décidez de la durée de votre mélodie et de sa progression (si c’est le cas).
  4. Créez un fond sonore et un espace si vous le souhaitez. Il s’agit généralement de la réverbération et de textures. Mais cela peut aussi se faire plus tard.

Cette phase est terminée lorsque vous avez une boucle principale que vous pouvez placer dans la fenêtre d’arrangement, en plein cœur de votre chanson (ce qui signifie que vous devez savoir approximativement combien de temps elle doit durer). Une bonne boucle est une boucle centrée autour de votre thème où si vous jouez cette partie en solo, ce serait ce dont quelqu’un parlerait pour décrire votre chanson.

Dans le processus de travail à travers la boucle de base, vous pourriez avoir besoin de revenir en arrière pour créer plus de contenu ou vous pouvez en importer à partir d’autres sessions.

STRUCTURE DU TEMPLATE

Maintenant que vous avez la partie centrale de la chanson, il est plus facile de construire la structure restante. Dans la vue d’arrangement, créez trois sections : un début, un milieu et une fin. Vous allez maintenant présenter votre structure pour avoir une idée de ce que vous pouvez faire avec votre idée centrale.

  1. Copiez les éléments du début à la fin qui seront présents tout au long de la piste.
  2. Travaillez à l’envers en déconstruisant la ligne du temps de ce qui arrive en premier et ainsi de suite, jusqu’à ce que vous arriviez à la partie centrale.
  3. Effectuez le même processus jusqu’à la fin. Vous pouvez répéter certains éléments.

Cette phase est terminée quand vous avez une structure temporaire du début à la fin. Cela pourrait vous prendre un certain temps, je vous encourage à faire des sprints de 30 minutes à la fois. Le problème quand on travaille trop longtemps sur cette phase, c’est qu’on perd de vue la force de la chanson. Je veux habituellement faire ressortir une structure de cette phase, mais je peux aller et venir avec les autres phases jusqu’à ce que je sois satisfait.

ARRANGEMENTS

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

C’est la phase finale. Vous aurez peut-être besoin d’y revenir, car chaque personne a des besoins différents qui surgiront au cours de ce processus. Arranger — en termes simples — c’est créer la ligne d’histoire de votre chanson, mais aussi entre les chansons de votre projet ! Comment vos morceaux sont-ils liés les uns aux autres ? J’ai des chansons qui ont des frères et sœurs, alors que d’autres viennent d’une famille complètement différente.

L’arrangement est un sujet massif que je détaillerai dans un article futur et qui est impliqué dans la plupart des techniques de production musicale — mais cette explication est une conceptualisation complète de la façon dont je travaille. J’espère que cela vous aidera d’une manière ou d’une autre !

La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes

/dans , , , /par

La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes, comme je l’appelle, consiste à créer des prévisualisations de pistes d’une durée de 2 minutes. Pourquoi cette longueur ?

Si vous regardez la plupart des previews de tracks que les labels et les artistes partagent en ligne, ils durent environ 2 minutes. Ce standard non officiel est devenu populaire pendant les premiers jours de Soundcloud quand on a découvert un petit problème impliquant la possibilité de télécharger des pistes complètes à partir du site : pas le fichier de résolution complète, mais la version streaming, qui est de très mauvaise qualité. Beaucoup de morceaux ont circulé de cette façon et c’est fou de penser que certaines personnes ont utilisé ces versions pour les jouer dans des podcasts ou même en clubs !

Alors, pourquoi poster des morceaux de 2 minutes ?

Beaucoup de labels recherchent les artistes en naviguant sur leur page Soundcloud et ce n’est pas bon signe si la page est vide. En conséquence, certains artistes ont commencé à créer de « fausses » chansons, comme des morceaux de 2 minutes, souvent avec des artworks créés à partir d’une application en ligne. Le résultat fou de ce comportement a été que certaines personnes/labels ont commencé à demander aux artistes de sortir certains de ces morceaux de deux minutes, ce qui a forcé les artistes à les terminer.

L’avantage de l’upload de mini-pistes de 2 minutes est que si quelqu’un vous contacte au sujet d’une piste, vous saurez ce qui fonctionne le mieux à partir de toutes les pistes que vous avez en ligne. Ceci est particulièrement utile si vous avez un grand nombre d’esquisses et que vous vous demandez lesquelles ont le plus de potentiel. L’inconvénient de cette approche, si elle est mal faite, c’est qu’elle peut vraiment se retourner contre vous et vous faire paraître (très) peu professionnel.

Cela dit, si votre but est d’obtenir une certaine attraction en ligne, cette méthode peut vraiment être efficace. Certaines personnes ont aussi besoin de motivation et d’orientation pour faire avancer les choses, alors cette approche pourrait être bonne si vous êtes l’un de ces artistes. Voici quelques conseils sur la façon d’aborder cette question de manière efficace, afin d’en tirer le meilleur parti :

Utilisez les pistes en cours pour éviter d’être pris par des demandes inattendues. Plus vous êtes avancé dans les arrangements, mieux c’est. Vous pouvez utiliser une base complexe de 2 minutes comme moyen de trouver les idées finales de votre piste. Télécharger une boucle très simple n’est pas une bonne idée, car elle peut sembler complètement vide.

Assurez-vous qu’il est bien mixé. C’est peut-être la partie la plus difficile, mais assurez-vous que le mix est solide. Utiliser une certaine compression et avoir un limiteur sur le master pour coller le tout ensemble.

Assurez-vous que l’idée principale de la piste est exposée dans l’aperçu. Ce que je veux dire ici, c’est que si quelqu’un écoute votre preview, il aura une idée de la chanson. Si vous avez besoin d’un meilleur exemple, allez sur decks.de et écoutez des extraits de disques pour voir ce que je veux dire.

Avoir quelque chose de fort à dire. Assurez-vous que votre boucle est excitante, qu’elle contient quelque chose de spécial et qu’elle comporte un élément mémorable qui pourrait donner envie d’en entendre davantage. C’est l’aspect le plus critique de votre piste de 2 minutes.

Essayez d’avoir des idées de chansons très différentes les unes des autres. Si vous avez trop d’avant-premières qui sonnent toutes exactement pareil, c’est un peu comme avoir une palette de couleurs avec une multitude de variations beiges ; avoir des couleurs différentes, mais garder une esthétique qui est en accord avec votre style.

S’assurer que le mixdown est solide, puis normaliser. Si vous n’utilisez pas de limiteur, exportez le tout normalisé, cela créera une version plus forte.

Limitez le nombre total de pistes sur votre page Soundcloud. Essayez de ne pas dépasser un nombre entre 10 et 15 tracks. Pourquoi ? Parce que vous ne voulez pas être cet artiste qui a des millions de pistes non signées non plus. Enlever les plus anciens et enlever ceux qui n’ont pas de commentaires ou pas de likes. Ce n’est pas bon pour l’élan (voir mon article précédent).

Indiquez si la piste n’est pas signée. Faites savoir aux gens que le morceau n’est pas signé ou masterisé ; cela aide à clarifier les choses pour ceux qui l’écoutent.

Alors, quand terminer un de ces morceaux de 2 minutes ? Vous devriez décider de la finir lorsqu’il génère une sorte de buzz. Si un DJ vous demande une copie d’un titre pour un podcast, cela peut être aussi important que si un label voulait le signer. Si quelqu’un s’intéresse à votre piste, ne dormez pas dessus ! Faites-moi part de vos résultats !

Créer de la musique intemporelle

/dans , , /par

Récemment, ma page Facebook a été submergée de façon fantastique. Ce fil est devenu débordé par des commentaires que j’étais heureux de lire parce qu’ils me rappelaient combien la musique peut stimuler et affecter nos émotions. On parle de musique intemporelle.

J’ai demandé à mes followers Facebook de nommer une musique qui n’avait pas quitté leur sac de DJ depuis des années. Ce sont ces disques qui ont passé l’épreuve du temps, et qui se sont vraiment démarqués en tant que musique « intemporelle ». Ce qui soulève la question, qu’est-ce qui rend une musique intemporelle ? Dans de nombreux cas, la musique dont le contenu touche à des thèmes plus profonds peut être plus facile à intégrer, car elle semble d’emblée plus personnelle. La musique peut avoir une manière de suggérer et d’exprimer des émotions que les mots parfois ne peuvent pas exprimer, c’est pourquoi la musique est souvent un moyen d’expression aussi puissant.

Un de mes amis a mentionné que la musique avec un son ou une ambiance particulière semble avoir sa propre personnalité, ce qui est un commentaire similaire que mon amie Vera m’a dit au sujet des disques qu’elle emporte toujours avec elle — que certains disques étaient comme des amis ou des compagnons pour elle. Certains disques fonctionnent mieux avec d’autres et certains fonctionnent vraiment bien dans un contexte très particulier. Certaines personnes ont parlé de conserver certains enregistrements pour fermer leurs sets, et d’autres parfaits pour un lever de soleil.

Dans un article précédent, j’ai expliqué comment développer beaucoup d’idées rapidement, mais aussi démontré que c’est un peu la loterie d’en trouver une bonne. Il peut s’agir d’un sujet assez compliqué et, à certains égards, impossible à cerner en tant que science. Malgré le fait que tant de chansons populaires l’ont fait, et ont été écrites très rapidement, il n’y a toujours pas de science exacte pour écrire de la grande musique. Néanmoins, cela vaut la peine de prendre quelques minutes pour examiner quelques dénominateurs communs entre ces exemples.

EXPLORONS QUELQUES THÉORIES QUE VOUS POUVEZ METTRE EN PLACE, POUR QU’AVEC UN PEU DE CHANCE, VOUS PUISSIEZ UN JOUR CRÉER VOTRE PROPRE MUSIQUE INTEMPORELLE.

Tout d’abord, certains diront qu’il faut atteindre un état de grâce, qui en psychologie, est souvent étiqueté comme étant un état de flow. Beaucoup d’artistes ont ressenti ce sentiment et peuvent le ressentir, mais malheureusement ils comptent fréquemment sur les substances pour le retrouver, ce qui est souvent contre-productif. Qu’est-ce que le flow ?

 

En psychologie positive, le flow, aussi connu sous le nom de zone, est l’état mental dans lequel une personne qui exécute une activité est totalement immergée dans un sentiment de concentration énergique, d’implication totale et de plaisir dans le processus de l’activité. Essentiellement, le flux peut être caractérisé par une absorption complète de ce que l’on fait et une perte de la sensation d’espace et de temps.

Vous pourriez aussi voir cet état de « flux » comme une activité où le temps passe si vite, et vous êtes tellement absorbé par ce que vous faites que vous pouvez sentir qu’il est fait presque tout seul, de la manière la plus naturelle. Je dirais que ce n’est pas quelque chose d’essentiel, mais habituellement, comme vous faites de la musique et que vous avez expérimenté cet état, vous conviendrez que certains de vos meilleurs morceaux seront écrits pendant cette période.

Une autre façon d’aborder l’écriture de musique intemporelle est d’être au courant des tendances actuelles de la musique et de comprendre ce qui définit vraiment ce qui est populaire. On ne manque pas d’études qui ont examiné les progressions d’accords communs à travers différentes époques, et ont identifié une formule gagnante. L’utilisation de la bonne progression d’accords mélangée à des techniques innovantes d’une époque fera ressortir une chanson musicale et bien écrite. David Bowie est un artiste qui a toujours eu le flair de trouver et de collaborer avec des gens créatifs pour repousser les limites de la créativité.

Faites-le, et faites-en beaucoup.
Être productif aide si vous évitez de vous censurer, et de ne pas trop réfléchir au processus. En d’autres termes, si vous avez fait 50 titres sur une période de temps et que 5 d’entre eux étaient vraiment excellents, ce sera toujours plus prolifique que de passer des années à n’en faire que cinq.

Ci-dessous vous trouverez quelques pistes qui ont suscité des suggestions pour définir ce qui a rendu les morceaux intemporels.

Mélodies : Plus que souvent, une mélodie envoûtante ou quelque chose de très accrocheur vous rappellera un titre.

Innovation : Utilisation de nouvelles technologies ou personnalisation d’une technique. Parfois, ce que vous pouvez faire, c’est prendre un procédé utilisé dans un autre genre et l’appliquer à ce que vous faites.

Arrangements : Il n’y a pas de secret ici pour dire que les humains aiment les surprises et les arrangements sont l’art de jouer avec les attentes, les moments inattendus, les indices et les idées trompeuses. L’équilibre de ces éléments, le rapport des événements dans votre piste, répartis dans la bonne perspective, rendront votre chronologie intemporelle.

L’humeur et les émotions : Quand vous entendez un accordéon jouer dans un restaurant parisien, même si la chanson date d’il y a probablement 100 ans, vous vous connectez automatiquement à l’humeur, à l’émotion et comprenez pourquoi cette musicalité appartient aux rues de Paris. Tu sais que ça sera encore joué dans 100 ans. Ça correspond. L’utilisation d’éléments déclencheurs comme ceux-ci peut vraiment aider votre musique à se connecter à un contexte.

Pour finir mon point de vue, je vais partager quelques pistes que les gens ont suggérées et qui ont retenu l’attention, et je vais essayer d’expliquer pourquoi la piste peut être considérée comme intemporelle.

Ce titre de Maurizio (Moritz Von Oswald) correspond à la période où j’ai vraiment eu un déclic sur le mouvement minimal (vers 1996). C’était l’un des premiers morceaux low-key, complètement hypnotisant et qui pouvait être joué à n’importe quel moment, mixé avec (presque) n’importe quoi et jusqu’à présent, il a été copié et a influencé tout le mouvement dub techno. C’est un classique bien connu de tous les DJs qui cherchent du son depuis un moment. Excellent à intégrer dans n’importe quel set, c’est un de ces morceaux avec lesquels vous ne pouvez pas vous tromper. Ce disque aurait-il le même intérêt s’il était publié aujourd’hui ? C’est encore fort !

Intemporel pour : L’innovation, l’utilisation de pads, le groove et le côté infini.

Isolé a pris de l’ampleur avec la sortie de son titre « Beau Mot Plage » qui, une fois sorti, est passé automatiquement dans la plupart des DJ bags, écoutant techno, house, etc.. C’est juste un beau disque bien produit qui apporte un sourire quand on le joue. Il ne fait aucun doute que ce sera aussi un classique pour les 20 prochaines années.

Facteur intemporel : Mélodies et arrangements.

Nous avons eu la chance de voir Ric pour la première fois lors de son concert à MUTEK en 2002. Il l’a fait presser et l’a joué au festival. C’est un de ces disques qui, lorsqu’ils sont joués, incitent souvent les gens à demander de quelle chanson il s’agit. Principalement parce qu’il y a une basse super accrocheuse au début puis la guitare tombe et ça crée automatiquement une atmosphère où les choses semblent suspendues. La sensation nostalgique, mais profonde, et le ton de celui-ci vous donnent envie de l’écouter en boucle. Il ne fait aucun doute que l’utilisation de la guitare est ce qui rend ce morceau mémorable.

Je suis flatté que ce titre soit venu comme suggestion à avoir dans son sac. Quand Hubble et moi avons fait ce titre, on ne s’attendait pas à ce qu’il attire l’attention (il était en vente sur Discogs pour 150 euros à un moment avant la represse). Bientôt, nous avons vu des vidéos de DJ la jouant et nous en avons eu la chair de poule. Il semble que ce morceau soit un morceau que vous pouvez glisser dans n’importe quel set, mixé avec d’autres morceaux ou par lui-même et il vous embarque. Je suis subjectif parce que j’ai été impliquée dans sa création, mais je comprends l’intérêt des DJs pour le jouer.

Laurent Garnier est l’homme derrière ce titre, et même s’il date de 1993, il est toujours jouable aujourd’hui. C’est romantique de penser qu’à l’époque nous faisions de la musique du futur, mais celle-ci a vraiment réussi. Cette basse et cette mélodie acide font que les choses fonctionnent si bien, et il ne fait aucun doute que c’est un classique maintenant, faisant lever les bras à chaque fois qu’elle est jouée. Je pense qu’il a fait du bon travail en saisissant un instantané de ce qu’était la musique rave du début des années 90.

Très joliment faite, mélodie accrocheuse et globalement, c’est le genre de chanson qui peut séduire à peu près tout le monde. Tu ressentiras de l’amour et la vibe de Paris. Ce n’est certainement pas quelque chose que vous pouvez jouer quand vous le souhaitez dans votre set, mais je peux imaginer que quelqu’un joue cela pour clore un événement et ça aurait un effet très approprié.

Voir aussi : The Art of Keeping People on Their Toes (Traduction bientôt disponible) 

Comment filtrer vos meilleures idées ?

/dans , , /par

Je suis toujours à la recherche de façons d’améliorer ce que je fais et de mieux servir mes clients. Je continue de m’améliorer jour après jour. J’ai lu beaucoup de choses et j’aime particulièrement lire des articles d’entrepreneurs qui m’aident à tirer des leçons de la réussite des autres et à m’inspirer de leurs succès. Quand je tombe sur un article qui me fait tilter, je veux le partager. Un de ces moments est venu d’un article que j’ai lu sur la façon de transformer une idée géniale en entreprise. À travers de nombreux domaines différents, la musique, la technologie, etc. un seul schéma est vrai dans tous les domaines : les meilleures idées vous viennent de façon que vous ne pouvez pas toujours prédire.

Autre chose qui est vrai, pour générer des idées, il faut commencez par un brainstorming.

Dans le monde de la musique, je traduirais cela par un jam. N’ayant aucune direction particulière en tête, vous commencez par bidouiller et essayer tout et n’importe quoi. Faites des sons, appuyez sur les boutons, tournez les boutons, écoutez l’effet de ceci et cela, essayez de nouvelles techniques pour la première fois. Dans un article précédent, je vous avais invité à utiliser YouTube pour découvrir quelque chose de nouveau ou utiliser une nouvelle démo de synthétiseur et enregistrer le résultat.

Jammer librement. On sait que Prince passait du temps dans son studio tous les jours à faire beaucoup de bruit, simplement pour essayer de nouvelles choses, essayer de nouveaux jams, et enregistrer ces expériences qui ont abouti à un monument de musique que personne n’entendait, sauf lui. Je vous encourage à ajouter ceci à votre routine quotidienne, soit très tôt le matin ou en fin d’après-midi.

Pour en revenir à l’article qui m’a fait tilter, le processus de génération d’idées devrait impliquer les deux étapes suivantes :

  1. Séance créative.
  2. Période d’analyse.

L’article indique que le cerveau a beaucoup de difficulté à créer et à analyser en même temps. Au moment de la création et de la découverte, notre cerveau utilise beaucoup d’énergie pour se concentrer sur l’écoute active. Dans cet environnement désordonné et incontrôlé, nos cerveaux sont orientés dans une direction, nous sommes dans la zone. La pièce manquante du puzzle pour moi était de lire que nos cerveaux ont un moment très difficile quand on leur demande de créer et d’analyser en même temps. Ça ne marchera pas dans les deux sens.

C’est pourquoi il est recommandé de séparer les deux tâches, de créer librement un jour, puis d’analyser le matériel le lendemain. Cela expliquerait aussi pourquoi, le plus souvent, quand nous écoutons ce que nous avons fait à notre première session, nous trouvons que finalement c’est tout nul.
Le mot-clé ici est — le plus souvent.

Cela confirmerait aussi ma théorie selon laquelle passer trop de temps en studio est contre-productif parce que sans un changement de perspective, vous n’avez pas assez de recul pour évaluer objectivement vos efforts.

Au fil du temps, j’ai expliqué inlassablement ce processus à d’autres personnes qui avaient du mal. J’ai aussi appris qu’il est parfois préférable de les laisser apprendre par eux-mêmes, à leur propre rythme. Cela confirme l’idée que le processus créatif est très personnel et qu’aucune personne n’apprendra ou ne se développera pas au même rythme.

Session 1 : jammez, amusez-vous, explorez, échouez, réussissez, recommencez.
Session 2 : passez en revue tout ce qui a été enregistré et isolez les idées potentielles qui se démarquent et sont utilisables.
Session 3 : parcourrez les idées isolées. Travaillez autour d’une.
Alternez.

En d’autres termes, essayez d’alterner entre flux créatif et analyse, autocritique et travail plus technique.

Votre cerveau ne peut faire qu’une chose à la fois, pourquoi faire de l’analyse quand vous êtes créatif et pourquoi être créatif quand il est temps d’être autocritique. La principale chose à laquelle vous vous référerez en tant que partie analytique est d’écouter ce qui sonne bien pour vous.

CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER. CONSTRUIRE. APPRENDRE. RECOMMENCER.

Quand j’étais petit, aller au restaurant avec mes parents était souvent synonyme d’utiliser des crayons et du papier pour dessiner des trucs et gribouiller pendant que nous attendions notre repas. Pour moi, un bout de papier vierge est fait pour être sali. Tout est possible, et j’ai toujours trouvé facile de commencer. Notre jeu préféré était celui où l’on dessinait un truc méconnaissable et où l’on passait le papier à l’autre.

Le deuxième joueur avait la tâche difficile de transformer ce désordre de lignes, de formes et de cercles en quelque chose de reconnaissable comme une voiture, un oiseau ou quelque chose qui demande un peu de temps et d’imagination. Jusqu’à ce jour, j’ai toujours pensé que cet exercice était l’une des tâches les plus créatives que j’aie jamais faites.

Voici donc une autre façon d’aborder la question : prenez quelque chose de totalement aléatoire, même si vous ne voulez vraiment pas travailler avec, quoi que ce soit, et essayez d’en faire quelque chose d’utilisable. Faites une boucle, faites un son jouable, prenez quelque chose de terrible et poussez-vous à y trouver quelque chose d’utilisable. J’ai fait un EP complet il y a quelque temps, où je me forçais à travailler avec des sons et des enregistrements qui n’avaient aucun sens. Il s’avère que c’est un bon exercice, mais aussi très utile, car vous ne dépendez pas seulement d’un bon matériel pour être efficace avec ce que vous avez.

VOIR AUSSI : Le piège du modulaire

Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

/dans , /par

De temps à autre, l’excitation d’ouvrir une session, entièrement inspiré, pleinement motivé, littéralement gonflé à bloc me frappe, et c’est incroyable. Sérieusement, d’après mon expérience, il n’y a vraiment rien qui m’excite autant parce que quand tu sais que ton idée est bonne et que tout semble s’assembler parfaitement, tu sais que ça va être énorme. C’est différent cette fois-ci. Alors, vous commencez, vous ouvrez un drum rack, vous mappez le midi, vous ajustez la saturation… telleeeeeeeement bon… puis, votre Facebook bipe, le gars de l’assurance appelle, votre plug-in freeze, et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous avez complètement perdu le groove, le rêve est terminé avant qu’il ne commence. Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes à l’infini.

Pourquoi l’inspiration s’évanouit-elle si vite ? Pourquoi y a-t-il tant d’obstacles ? S’asseoir pour faire de la musique doit-il toujours être aussi difficile ? Si vous vous rappelez l’expérience que j’ai décrite ci-dessus, vous avez goûté à l’amertume du bouc émissaire en musique.

Il faudra toujours résoudre des problèmes et surmonter des obstacles, à la fois imprévus et prévisibles. Mais pour le meilleur ou pour le pire, ils font partie intégrante de la musique. Questions et distractions… Au lieu de les combattre, nous devons réduire au minimum leur effet sur nous et, dans la mesure du possible, réduire au minimum les risques de distractions.

EN REPENSANT À PRESQUE 100 % DES CONSULTATIONS ET AU COACHING QUE J’AI PU FAIRE, JE TROUVE QU’IL Y A QUATRE PRINCIPAUX « PROBLÈMES » QUI SEMBLENT TOURNER AUTOUR ET ACCAPARER NOTRE ATTENTION. BIEN QU’IL Y AURA TOUJOURS UNE CERTAINE FORME DE DISTRACTION, SI NOUS TRAVAILLONS À MINIMISER CES QUATRE PROBLÈMES, NOUS SERONS PLUS À MÊME DE RESTER SUR LA BONNE VOIE LORS DE NOTRE PROCHAINE SESSION.

Nous parlons de solutions créatives à des problèmes communs.

Problème numéro un : comment et où vous inspirez-vous ? Je crois qu’il y a une énergie spéciale qui vient à nous quand elle sait que nous sommes dévoués à elle. Quand je dis elle, je veux dire le travail. Les coureurs professionnels disent que la partie la plus difficile de courir un marathon, c’est simplement d’avoir la motivation de mettre ses chaussures et de quitter la maison. Boom. Il suffit de vous poser et de commencer — ouvrez votre DAW, et commencez à faire du bruit, vous allez bientôt devenir excité et vous orienter vers quelque chose de cool. L’une des approches les plus importantes et les plus simples de la production musicale, que je recommande toujours, est de faire de la musique quand on se sent bien. J’ai lu plusieurs articles sur l’importance des rituels — où vous concevez et réalisez un rituel qui vous rend heureux à l’intérieur et à l’extérieur, et dans cette zone, votre esprit entrera dans un espace très positif, ce qui est super important lorsque nous exigeons de la créativité et de l’imagination.

Problème numéro deux : comment puis-je savoir assez de choses sur la production musicale pour être un one-man band ?
C’est impossible de tout savoir, et vous n’en avez pas besoin. Ce que vous voulez vraiment connaître, ce sont les tenants et aboutissants de votre DAW, et les instruments que vous utilisez. Si vous avez acheté tous les derniers synthétiseurs et que chacun d’entre eux est différent, il vous faudra un certain temps pour les connaître tous à 100 %. Alors que si vous utilisez un ou deux instruments, lisez les manuels et apprenez tout ce que vous pouvez JUSTE sur ces deux synthétiseurs – vous serez beaucoup plus rapide pour produire et atteindre les sons que vous voulez en connaissant moins (moins d’instruments à apprendre), et en vous concentrant plus (maîtrisant ceux que vous utilisez).

Less is more (moins, c’est plus). J’ai regardé une interview vidéo d’un producteur qui a fait des tracks pour Kendrick Lamar ~ le mec a 18 ans, et enregistre tout dans Garage Band sur son iPhone. Il a une guitare et un téléphone. C’est tout, et il fait d’énormes avancées dans son travail, même avec l’équipement le plus rudimentaire.

Trouvez un moyen d’être absorbé. Demandez-vous quelle partie de la production musicale vous fait oublier le temps, la nourriture et tout le reste ? C’est un espace où vous êtes dans la zone, totalement absorbé, et où rien d’autre ne compte. Adoptez ce processus et soyez conscient du fait que lorsque cela se produit, il se peut que vous n’atteigniez pas ce niveau de concentration et de résultats lors d’autres étapes en cours de route. Pour certains, cet état ne viendra à eux qu’en mixant, et pour d’autres, il viendra tout en étant enfermé dans un mixdown, etc. sachez trouver votre flow.

Problème numéro trois : comment puis-je m’en tenir à une direction dans ma musique ?
Bien qu’il n’y ait pas de réponse claire à cette question, je vais simplifier les choses en disant que — vous avez de multiples options, et vous n’avez pas à vous engager dans une seule. Enregistrez les deux idées, et utilisez la fonction « enregistrer-sous », vous permettant d’enregistrer une deuxième version de la track et de décider plus tard dans quelle direction vous préférez vous engager.

Et enfin problème numéro quatre : quel sera le futur de ma chanson ?

Personne ne peut voir l’avenir, donc c’est impossible à savoir. Je ne crois pas que ce soit une utilisation productive de votre temps de rêver de ce qu’elle pourrait être un jour… sans l’avoir terminée, elle restera sur votre disque dur pour toujours, ce qui n’est pas ce que vous souhaitez. Ce qui importe maintenant, c’est de se concentrer sur les choses importantes :
Faire de la musique, terminer des projets, promouvoir votre travail, établir des contacts avec d’autres producteurs.

(Pour en savoir plus sur la façon de vous promouvoir en tant qu’artiste de manière personnelle, consultez cet article.)

Pour conclure, la résolution de problèmes peut être aussi compliquée ou aussi simple que vous le souhaitez. Alors qu’une étude a suggéré que devant l’anxiété, une des meilleures choses à faire est de prendre une pause de 2 jours, je vous encourage à prendre une semaine de congé pour commencer.

Photo par Oskar Wimmerman sur Unsplash

Dans un excellent article de psychologie, j’ai lu que lorsqu’on est confronté à un défi, il est essentiel de comprendre exactement avec quoi on est mis à l’épreuve — c’est-à-dire qu’il faut savoir quel est le vrai problème. Pour savoir et comprendre quel est le problème, vous devez être capable de l’expliquer à quelqu’un d’autre avec clarté, avec une description claire. Comprendre le problème et les options qui s’offrent à vous. J’ai lu que les négociateurs qui s’entretiennent avec des terroristes lors de prises d’otages élimineront de nombreuses options, jusqu’à ce qu’il en reste deux, afin de parvenir à une résolution rapide et satisfaisante. Réduisez vos options pour avancer rapidement. Prendre une décision à la hâte peut aussi avoir un effet négatif, alors ne vous sentez pas obligé de toujours prendre une décision tout de suite — donnez-vous du temps pour vous éloigner du problème et faites confiance à votre cerveau pour comprendre qu’en arrière-plan, sous la surface, une solution créative émergera à un moment donné, souvent quand on s’y attend le moins.

Au bout du compte, pour gagner plus, marquer plus de points, franchir la ligne d’arrivée plus souvent, il faut être autant créatif pour trouver des solutions aux problèmes que dans tous les autres domaines de vos productions. Mettez en place un système qui minimise les risques de distraction.

Conseil rapide — chaque Mac a une application appelée Automator, où vous pouvez assigner une chaîne de commandes pour tout ce que vous souhaitez faire. Regardez cette vidéo pour configurer une façon rapide de fermer tous les programmes, désactiver le wifi, lancer Live et démarrer votre session rapidement.

 

Cheers, JP.

 

 

L’intuition pour faire des choix en production

/dans , , , /par

Dans un sens, l’intuition musicale se définit avec celui qui peut apporter de la magie créatrice dans sa musique, par rapport à celui qui s’en tient à une véritable application technique du logiciel. J’ai souvent eu l’occasion de voir des producteurs expérimentés faire de la musique, que ce soit en studio ou en plein jam. Par exemple, au début des années 2000, nous avons eu le fameux Narod Niki au MUTEK de Montréal où Zip, Villalobos, Dan Bell, Akufen, Cabanne, Dandy Jack, Monolake (même Cassy a chanté pendant quelques minutes) ont tous synchronisé leur ordinateur portable et leur équipement pour improviser un live pour nous. Notre festival local nous a donné de nombreuses occasions de regarder, ce que j’appellerais, des maîtres dans ce qu’ils font, jouer devant une foule pour montrer comment créer et jouer live. L’acte live lui-même, lorsqu’il est fait correctement, doit représenter ce que l’artiste fait dans son studio, mais de manière à faire voyager la foule.

Quand je parle d’un live fait correctement, je fais référence à quelque chose qui est en partie préparé et en partie improvisé : un set qui repose donc sur l’intuition musicale. L’intuition musicale est le combo parfait qui permet à des « accidents créatifs » de survenir et crée un sentiment de prise de risque. Il y a beaucoup de performances préenregistrées dont je ne comprends pas l’intérêt. Ce qui m’intéresse ici, c’est le sujet de l’intuition musicale. Depuis que j’ai commencé à enseigner, cette question est souvent soulevée :

Comment enseigner l’intuition musicale, ou l’intuition en général ?

Il y a 3 points sur l’intuition qu’il nous faut aborder. L’intuition peut être :

  1. Une appréhension ou une connaissance immédiate sans raisonnement ni déduction.
  2. Une connaissance ou conviction acquises uniquement par l’intuition.
  3. Le pouvoir ou la faculté d’acquérir une connaissance directe ou une cognition, sans pensée et déduction rationnelles évidentes.

Ce à quoi je fais référence en utilisant le mot intuition est un peu différent de ces trois points. Pour moi, l’intuition en musique, c’est la manière de faire quelque chose qui semble aléatoire, mais qui se fait de façon très efficace. Partiellement imprévisible, en partie guidé par l’expérience, mais entièrement guidé par une vision personnelle pour arriver à un résultat spécifique. C’est l’intuition musicale.

Un exemple notable serait celui d’un artiste, lors d’un set live, qui drop des sons ou une idée musicale inattendue, mais qui fonctionne avec ce qui se passe au moment présent. Un autre exemple pourrait être celui d’un musicien proposant une idée aléatoire et la faisant prendre tout son sens après 2-3 minutes de développement.

Peut-on apprendre ou développer l’intuition musicale dans la production ?

Je crois dur comme fer que c’est possible. Voici quelques façons d’y parvenir :

  • Écoutez beaucoup de genres musicaux, soyez divers dans la sélection. La meilleure façon d’obtenir de nouvelles idées pour une chanson et d’apporter un vent de fraîcheur qui vient d’ailleurs. Le nombre d’idées que je tire du free jazz ou de la musique indienne est faramineux, je trouve beaucoup de profondeur dans ces genres ; ils existent depuis si longtemps qu’ils ont développé une grande maturité. Essayez de creuser dans des domaines qui semblent obscurs ou passez du temps à écouter de la musique folklorique comme point de départ.
  • Connaître vos outils. C’est frustrant, car il y a toujours quelque chose à apprendre. Je dis souvent aux gens, ce que vous avez besoin de savoir sur votre DAW devrait se limiter à faire des clips et construire des pistes. Le reste s’apprend au fur et à mesure. Mais le principal est que vous devriez être à l’aise avec votre DAW, et son utilisation devrait être une seconde nature pour vous. Le déplacement des blocs, les copier-coller, et les arrangements de base doivent se faire rapidement pour ne pas perdre votre workflow. C’est quand vous commencez à chercher comment faire quelque chose de très simple que vous perdez votre idée initiale. Imaginez que vous ne puissiez pas expliquer à un ami comment se rendre à l’épicerie la plus proche parce qu’il y a trop de détails à expliquer ; ce serait déroutant pour lui et pour vous.
  • Soyez attentif à vos habitudes et aux choses que vous n’aimez pas. Nous sommes pris dans ce qui a déjà fonctionné, et nous avons tendance à le répéter ad nauseam. Bien que ce soit une partie de ce qui attire les gens vers notre musique, même un son en particulier, si nous sommes esclaves de nous-mêmes et des attentes des gens, nous ne pourrons pas grandir en tant qu’artistes. L’intuition musicale progresse avec votre engagement personnel à évoluer et à sortir de votre zone de confort. Plus il vous sera facile d’explorer, plus vous pourrez vous exprimer facilement. Le sens de la maîtrise de la musique vous permettra de devenir plus spontané et de trouver de nouvelles idées.
  • Développer votre curiosité technique. Passez votre temps à lire sur la musique, mais aussi sur des sujets qui ne sont pas reliés à la musique. Beaucoup d’idées me sont venues en lisant des romans de science-fiction, en regardant des danseurs, en lisant des livres d’architecture, en dessinant avec mon fils, en courant dans les bois, etc. Votre cerveau doit faire autre chose que de passer du temps en studio. Vous ne pouvez apprendre que dans une certaine mesure en studio, les nouvelles idées viennent en faisant d’autres choses.
  • Pratiquez seul et avec les autres. Si vous pouvez jouer seul pour vous mettre à l’aise dans votre art, c’est une chose importante. Mais quand vous pouvez jouer avec un ami, cela devient très intéressant, car le dialogue vous force à interagir, proposer, écouter, ajuster. Cela améliorera vos aptitudes de communication musicale considérablement.
  • Jouez pour des amis. J’avais l’habitude de faire des concerts intimes dans le salon où je jouais pour trois ou quatre amis, assis sur le sol, sirotant du thé, dessinant, dansant, bavardant, mais surtout, écoutant attentivement. C’est à ces moments-là que j’ai le plus appris et c’est souvent sous-estimé, car les gens pensent que jouer devant beaucoup de gens est le moment où on s’amuse ; cela peut être le cas, mais ce n’est pas la seule option. L’avantage de jouer pour une poignée d’invités est d’obtenir un feedback intime et instantané, ce qui peut être une expérience enrichissante.

Expérimentez ces idées et vous devriez lentement développer votre intuition musicale. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou faites appel à mon service de coaching pour explorer votre musique plus en profondeur.