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Blogue de Pheek dédié à l’univers du son. Mixdown, mastering, sound design, matériel, conseils, etc.

Devenir un DJ de tournée post-pandémie

juin 26, 2021/dans Blogue/par pheek

Après avoir été enfermés pendant plus d’un an, de nombreux artistes se retrouvent avec un arsenal de morceaux sortis pendant la pandémie. Et naturellement, beaucoup d’entre eux désirent la faire écouter à un nouveau public. Cela soulève la question de devenir un DJ de tournée, principale source de revenus de la plupart des musiciens professionnels.

Cependant, la scène underground de la musique électronique étant justement underground, il n’est pas facile de savoir où tourner, surtout quand une grande partie du monde est encore fermée. C’est pourquoi il nous a semblé utile de rappeler les étapes à suivre pour se faire remarquer afin de devenir un DJ de tournée.

L’Amérique du Nord n’est pas l’Europe

Devenir un DJ de tournée en Amérique du Nord est différent de l’Allemagne par exemple. En Allemagne, la culture des clubs n’est pas seulement reconnue par le gouvernement comme une institution culturelle, elle n’est pas non plus limitée dans le temps comme en Amérique du Nord. En Allemagne, les clubs de techno ouvrent le jeudi soir et la fête se poursuit tout au long du week-end, sans interruption. En revanche, en Amérique du Nord, les clubs ferment souvent à 2 heures du matin, à quelques exceptions près qui peuvent pousser jusqu’à 4 heures.

Il existe des endroits « after-hour », mais ce n’est pas comme si quelqu’un qui fait des recherches sur une tournée pouvait facilement trouver les coordonnées du promoteur. De plus, cet univers peut être un peu exclusif, en raison de son caractère secret.

Mon expérience de la tournée

Toutefois, cela ne signifie pas qu’il est impossible de devenir un DJ de tournée en Amérique du Nord. Avant Facebook, je connaissais tous les événements qui se déroulaient à Montréal et je les fréquentais. Cela m’a permis de me faire connaître, et j’ai fini par me faire beaucoup d’amis et de connaissances dans le domaine de la musique, qui me bookaient par la suite.

Grâce à cela, j’ai commencé à rassembler des fans et j’ai appris à communiquer avec les promoteurs et les propriétaires de salles, en me présentant toujours de manière professionnelle. Au bout d’un moment, les gens venaient me voir spécifiquement, et au lieu de rester dans un coin à attendre la tête d’affiche, ils étaient sur la piste à danser leur vie. Cela a encouragé plus de gens à danser et, au bout d’un moment, les personnes venant de l’extérieur de la ville ont commencé à me remarquer.

Devenir un DJ de tournée, c’est tisser des liens

Les promoteurs des États-Unis et de l’Ontario venaient souvent aux événements de Montréal, et ils s’adressaient au promoteur pour savoir qui j’étais et me booker en dehors de mon domaine habituel pour des soirées dont je n’avais jamais entendu parler (même si elles étaient à portée de voiture, et je pensais naïvement connaître tous les événements à portée de voiture).

Puis, en jouant dans ces endroits, j’ai pu remarquer d’autres DJs à l’affiche et je les ai invités à venir jouer à l’un des événements à Montréal. C’est ainsi que se produit la pollinisation croisée des scènes et que se créent des circuits de tournée régionaux sur lesquels les gens peuvent jouer.

Devenir un DJ de tournée est conditionnel — vous devez apporter une valeur ajoutée

Cependant, les artistes en développement ne peuvent devenir DJ de tournée que si certaines conditions sont remplies. Premièrement, ils doivent jouer dans leur ville et devenir une sorte de héros local. Cela leur permet d’avoir un contenu qui peut être partagé avec d’autres promoteurs, montrant qu’ils peuvent faire vibrer une foule. C’est important, car, à notre époque, le contenu est roi et les vidéos vous montrant en train de faire un tabac sont un excellent moyen de prouver aux personnes qui n’ont pas entendu parler de vous que vous êtes quelqu’un qui mérite de l’attention.

Pour jouer localement, vous devez également apporter de la valeur à la scène au-delà de la musique que vous jouez. Soyez un mécène et allez aux spectacles. Écrivez des articles sur les spectacles destinés au public dans des blogues. Faites la promotion des spectacles en distribuant des tracts et en publiant des messages sur les médias sociaux. Montrez que vous vous intéressez au développement de la scène ; établissez une relation symbiotique. Vous serez étonné de la puissance de la réciprocité une fois que vous aurez approché le promoteur de manière respectueuse et professionnelle pour lui demander des bookings. Cependant, vous DEVEZ DEMANDER. Si vous ne demandez pas, vous ne deviendrez jamais un DJ de tournée.

Le concept du premier adepte

Même après tout cela, sachez que vos premiers concerts ne seront pas prestigieux. Vous dormirez sur des canapés, jouerez pour presque rien (et/ou gratuitement), et direz oui à presque tout. Vous ne dormirez pas beaucoup, vous ne gagnerez pas beaucoup d’argent et vous jouerez devant beaucoup de dance floors vides. Cependant, les gens finiront par se rassembler si les bonnes conditions sont réunies.

C’est le concept du premier adepte — un concept que Derek Sivers, le fondateur de CDBaby, évangélise. Cette vidéo en est la meilleure illustration : un danseur solitaire sur une colline se met à danser férocement au rythme du groove. Puis un autre adepte remarque la contagion de leurs mouvements et les rejoint. Puis un troisième, puis un quatrième. Après qu’une douzaine de personnes se soient mises à danser, une masse critique se forme, et comme une bande de mouettes sur un morceau de pain sur la plage, elles se mettent à pulluler.

C’est ce que vous devez avoir à chacun de vos événements — quelqu’un qui est prêt à être le premier à bouger. Si vous jouez en dehors de la ville, cela peut être particulièrement difficile. Par conséquent, faites de votre mieux pour jouer d’abord des spectacles qui sont à distance de déplacement de vos amis et de vos fans. Encouragez-les à venir en leur proposant des listes d’invités ou d’autres récompenses.

Jouer pour se faire connaître

Je suis sur le point de dire quelque chose de controversé. Quelque chose qui, dans certains cercles, entraînera une forte réaction négative. Alors voilà… quand un promoteur dit que jouer un concert gratuitement, ou relativement peu sera une bonne exposition, si vous êtes au début de votre carrière, il a raison. Cependant, cela ne vaut la peine que si vous pouvez obtenir ce « premier adepte ». Si vous ne jouez que pour les personnes assises au bar, il n’y aura pas d’exposition — au lieu de cela, vous serez un jukebox glorifié. Tout le monde s’en fiche du jukebox. Si vous n’êtes pas en mesure de faire venir quelqu’un qui est prêt à se déchaîner sur la piste pour vous, alors le concert ne fera probablement pas grand-chose pour votre exposition et ne vous aidera pas à devenir un DJ de tournée.

L’image de marque est essentielle

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les promoteurs sont prêts à débourser 3 000 dollars pour un visa et les frais de booking pour qu’un Européen vienne jouer dans un club local, alors qu’il y a des locaux qui peuvent jouer aussi bien, sinon mieux? L’image de marque, malheureusement.

Il est plus facile de vendre le romantisme d’un DJ européen qui occupe une place dans une culture qui l’apprécie, plutôt que de booker un local qui n’a pas la même aura. Les gens ne connaissent peut-être même pas leur musique, mais ils ont des dizaines de milliers de followers, des vidéos d’eux jouant avec la foule, et un dossier de presse qui rendrait jaloux n’importe quel artiste en devenir.

Rien qu’en ayant cela, ils ont la preuve sociale et l’autorité nécessaires pour inciter les esprits curieux à se lancer. Comparez cela à un DJ local qui n’a rien de tout cela, malgré la commodité d’être dans le coin. En outre, la rareté de l’artiste européen contribue à son attrait. Comparez cela à un DJ local qui est toujours disponible.

Autres moyens de devenir un DJ de tournée

Organiser votre propre soirée

Il n’existe qu’un seul raccourci pour y parvenir, et il nécessite un investissement initial en capital. Le moyen? Organisez votre propre soirée, et engagez des artistes de l’extérieur de la ville qui envisageront de vous engager. Ensuite, consacrez de l’argent et du temps à la promotion de votre spectacle, et une promotion intensive. Associez-vous à d’autres artistes locaux qui attirent déjà les foules. Associez-vous à d’autres promoteurs et propriétaires de salles. Concluez un contrat de partage des revenus.

Puis, puisque c’est votre événement, placez-vous dans un bon créneau qui attire du monde et assurez-vous d’avoir des amis sur place qui sont prêts à vous filmer en train de faire vibrer la foule. Ensuite, après l’événement, demandez aux personnes de l’extérieur s’ils seraient prêts à faire des échanges de concerts, où vous jouez dans leur ville en échange de la leur. Vous pouvez ensuite utiliser les images de cette fête pour solliciter des échanges de concerts avec des personnes que vous n’avez jamais rencontrées, car cela leur montre que vous pouvez organiser une soirée d’enfer.

Trouver un agent de booking

C’est plus facile à dire qu’à faire. La plupart du temps, il n’est pas possible d’engager purement et simplement un agent de booking, car ils travaillent généralement à la commission. Cependant, de temps en temps, vous pouvez convaincre quelqu’un d’essayer de vous booker si vous avez suffisamment de relations.

Le problème, c’est que vous pouvez trouver un agent de booking sans envergure. À moins qu’il ne jouisse d’une réputation telle que sa parole garantit une bonne soirée, vous devez avoir l’image de marque qu’il peut vendre. Vous devez disposer d’un dossier de presse, de photos et de vidéos des soirées auxquelles vous avez participé, et d’une présence sur les médias sociaux qui ne cesse de croître et d’être mise à jour. Vous êtes, malheureusement, un produit au même titre qu’une boîte de céréales ou une voiture.

Je suppose que je suis aussi un idéaliste

J’espérais vraiment que la pandémie se déplacerait sur des scènes plus locales, car le manque de voyages en avion, et de voyages en général, a montré son impact sur la qualité de notre air. Cependant, cela entraîne souvent des conséquences inattendues. L’absence de pollution a dégagé le ciel, et d’une certaine manière, impossible, a réchauffé la planète. Pourtant, dans ce même article, il a été conclu que même si la planète s’est un peu réchauffée, l’impact sur la vie des gens est positif, avec moins de décès dus à la pollution atmosphérique.

Espérons qu’avec un peu d’éducation, nous pourrons réduire l’empreinte carbone de nos tournées et, en même temps, développer les scènes locales. Il semble simplement que les choses vont redevenir comme avant.

Comment s’amuser en faisant de la musique?

juin 16, 2021/dans Blogue/par pheek

Parfois, faire de la musique peut être une corvée. Pour les gens extérieurs, la musique semble être une expérience passionnante, excitante et amusante, mais tout compositeur sait que faire de la musique demande de la concentration, du dévouement et, franchement, peut parfois être assez ennuyeux. C’est pourquoi il est important de connaître certaines techniques pour s’amuser en faisant de la musique, juste au cas où vous tomberiez dans l’une de ces impasses créatives. Ce que je m’apprête à partager n’est pas une méthode absolue pour s’amuser en faisant de la musique, mais plutôt des petites choses que je fais depuis un certain temps et qui m’enlèvent la pression et me permettent d’être créativement expressif sans tous les aspects pénibles.

Avoir la configuration idéale ne garantit pas de s’amuser ni même de se faciliter la tâche

J’ai déjà écrit sur ce sujet, mais il mérite d’être abordé à nouveau. Tant de créatifs pensent qu’ils ont besoin de la configuration parfaite pour s’amuser. Ils pensent qu’ils ont besoin de ce nouveau module pour leur Eurorack, ou de cette nouvelle interface audio, ou du dernier poly-synth, et qu’alors, et alors seulement, ils auront l’expérience créative idéale. C’est tout à fait faux. Chaque nouveau matériel que vous achetez a une courbe d’apprentissage.

Malheureusement, le monde de la musique électronique n’est pas entièrement standardisé, de sorte que les choses ne seront pas immédiatement intuitives, même si elles sont relativement comparables à quelque chose que vous avez déjà possédé. Il y a de fortes chances qu’un objet vous permette une expression créative plus facile et plus amusante si vous le connaissez déjà. Mais le sophisme cognitif selon lequel « nouveauté égale qualité » se limite à cela, un sophisme. Il existe même un terme pour cela en psychologie cognitive : « l’appel de la nouveauté ».

Par conséquent, si vous voulez vraiment savoir comment vous amuser en faisant de la musique, mon premier conseil serait d’utiliser quelque chose de familier.

Travaillez avec des boucles

Allez sur Loopcloud et commencez à sélectionner des boucles. Plus la boucle est complète, mieux c’est. Le but ici n’est pas de faire quelque chose de super original, le but ici est de passer un bon moment à faire de la musique. Maintenant, déposez ces boucles dans la vue session d’Ableton, et commencez à déclencher des boucles et voyez ce qui se passe. Peut-être que vous pouvez mapper en MIDI quelques effets de base comme le delay, la reverb, le flanger, le gate, le pitch bend, et un filtre. Puis mappez en MIDI les faders de volume sur les canaux du clip. Puis commencez à déclencher des boucles! Ajoutez et retirez les clips, modifiez le dry/wet des effets, modifiez le pitch et faites vivre le son. Pensez à cela comme un DJ, mais dans un esprit de composition.

Loopcloud facilite les choses

Travailler avec Loopcloud facilite le processus de sélection des clips, car il dispose de filtres de recherche intégrés et des algorithmes qui permettent d’identifier des boucles similaires en contexte avec lesquelles vous pouvez jouer. Il vous suffit de cliquer sur « trouver des sons similaires » et Loopcloud peut filtrer pour vous des sons harmoniques ou rythmiques similaires qui fonctionneront bien ensemble. Ensuite, avec leur plug-in natif, vous pouvez charger les échantillons directement dans le DAW sans avoir à télécharger les fichiers et à les trier, ce qui permet une intégration transparente et une utilisation immédiate.

Un autre point positif est que cette fonction de tri rapide des boucles vous apprend à vous amuser à faire de la musique différente de celle que vous faites habituellement. Vous êtes peut-être un DJ minimal house avec un penchant pour la disco house, mais vous n’avez pas beaucoup d’expérience dans ce domaine. Avec les boucles, il est facile de créer quelque chose qui sonne bien sans

Il ne s’agit pas de créer de l’art, mais de s’amuser

Certaines personnes pourraient remettre en question l’intégrité artistique, mais le but est de s’amuser, pas de créer notre magnum opus. Si vous ne pouvez pas passer outre, pensez-y comme un DJ. Lorsque vous êtes DJ, vous ne jouez pas seulement votre musique, mais aussi celle des autres, tout comme d’autres personnes ont créé ces boucles. Cependant, ce que vous créez sera en fin de compte plus unique, et aussi libre de droits.

Il se peut même que vous l’aimiez et que vous l’utilisiez plus tard dans une composition plus sérieuse, mais pour l’instant, le but est de trouver comment s’amuser en faisant de la musique.

Comment s’amuser en faisant de la musique pour un public artificiel?

Un public artificiel, dites-vous, Pheek? Oui, un public artificiel! À notre époque, nous avons accès à une multitude de foules qui danseront quoi que nous fassions! Comment, demandez-vous? C’est simple, en mettant sur YouTube des vidéos de foules qui dansent. Ils se fichent de ce que vous faites, ils s’amusent de toute façon! Alors, allumez votre smart TV, votre projecteur, ou même un écran d’ordinateur auxiliaire, chargez une longue vidéo de gens qui se trémoussent sur de l’acid house des années 90, mettez ce truc en sourdine, et commencez à jammer.

Commencez à jammer!

Mieux encore, laissez l’audio jouer sur la vidéo de la foule en train de danser, chargez votre matériel préféré et commencez à jammer dessus, comme si vous n’étiez qu’un instrument d’accompagnement du mix. Si vous êtes vraiment fantaisiste, vous pouvez acheminer l’audio à travers Ableton en utilisant un câble audio virtuel. Vous pouvez ajouter des effets, des patterns de batterie, des lignes de basse auxiliaires ou des leads, charger des échantillons depuis Loopcloud! En fait, tout ce que votre imagination peut imaginer à la volée, faites-le! Assurez-vous simplement d’appuyer sur le bouton d’enregistrement.

Une fois que vous aurez enregistré tout cela, vous disposerez d’une banque de samples fraîche, pleine de nouvelles idées que vous pourrez incorporer dans de nouvelles productions. Maintenant, tout ce temps de plaisir a été passé à être productif, plutôt que frivole. Vous avez également acquis une solide expérience!

Je pratique cette technique depuis une quinzaine d’années, et elle m’a permis d’obtenir une multitude de nouveaux matériaux et d’inspiration.

Téléchargez une tonne de démos de plug-ins

C’est une idée amusante. En gros, téléchargez les démos d’un tas de plug-ins que vous n’utiliseriez pas autrement. Puis prenez une boucle ou un son quelque part, ou faites-en un rapidement à partir de rien. Chargez ensuite les plug-ins, et commencez à les empiler les uns sur les autres pour voir ce qui se passe. Commencez à feuilleter les presets de chacun d’entre eux, ajustez les boutons et créez des cacophonies sonores massives. Maintenant, filtrez ces sons, et voyez ce qui se passe. Peut-être les resampler, puis ajouter d’autres plug-ins par-dessus, tout en baissant le pitch.

Comment mes abonnés s’amusent en faisant de la musique

lotech/hijack déclare : « Honnêtement, je trouve que l’exploration et l’expérimentation rendent les choses amusantes. Ne l’abordez pas comme un processus. Souvenez-vous simplement que vous aimez la musique et les sentiments que vous ressentez en tant qu’auditeur. Puis allez-y avec cet état d’esprit. Ça marche pour moi (généralement). »

Camilo Jesus Ramirez explique : « Après avoir passé des années à faire de la musique, c’est quand je ne me pousse pas à le faire que je me sens le mieux, je ne fais de la musique que quand j’en ai envie, parfois je ne touche pas à un projet pendant des mois et parfois tous les jours sans arrêt, le plaisir vient quand je me sens d’humeur ».

Steve Moss se lamente : « Chaque fois que j’achète un nouveau matériel ou un nouveau synthé, je dis à ma femme : OK, maintenant je suis comblé. Ma femme me dit : c’est ce que tu dis à chaque fois et tu n’es jamais satisfait! Hahaha. »

Pierre Deniel répond simplement : « LSD ». Je suppose que c’est aussi une façon d’y parvenir!

Il existe de nombreuses façons de s’amuser en faisant de la musique

Il existe de nombreuses façons de vivre une expérience musicale amusante et passionnante sans avoir à réfléchir trop profondément ou sérieusement au processus.

Pour résumer, tout commence par un instrument que l’on n’a pas besoin de démêler. Il est facile d’enlever le plaisir si vous devez passer votre temps à apprendre ou à résoudre un problème. Par conséquent, commencez avec du matériel que vous connaissez bien.

L’étape suivante pour s’amuser est d’essayer quelque chose sans s’y attendre. N’ayez pas peur de vous frotter à de nouveaux genres, surtout avec un outil incroyable comme Loopcloud qui vous permet de charger, de trouver et de trier des samples en un clin d’œil.

N’ayez pas non plus peur d’essayer de nouveaux plug-ins et de faire des choses qui n’ont pas de sens. En fin de compte, personne ne se soucie vraiment de savoir comment vous avez fait quelque chose, du moment que vous le faites.

La vraie magie ici, c’est que si vous l’enregistrez, vous vous retrouverez avec tellement de choses uniques que vous pourrez utiliser dans votre travail futur. Ne sous-estimez jamais l’utilité de s’amuser.

Le paradoxe de signer une musique originale

juin 3, 2021/dans Blogue, Gestion de label, Production/par pheek

Signer une musique originale peut s’avérer difficile si l’artiste est vraiment très original. Récemment, le producteur de techno et propriétaire de label Ramon Tapia a déploré qu’après avoir passé la journée à écouter des démos, « les jeunes aspirants producteurs créent tous des morceaux à peu près identiques. » Pourtant, quand on écoute son label, Say What? Recordings, on se rend compte que tous ses morceaux se ressemblent.

Vous avez donc ce producteur bien connu qui insiste sur le fait que tout ce qu’il reçoit sonne de la même façon, mais quand vous écoutez les sorties de Say What?, les morceaux sonnent presque tous pareil. Donc, naturellement, après que les gens aient écouté son label, ils vont lui envoyer une représentation assez précise de ce qu’ils pensent avoir sa place sur le label, et donc tout ce qu’il reçoit sonnera, plus ou moins, de la même façon. Ceci, mes amis, est ce qu’on appelle un paradoxe. Cependant, il n’est pas le seul dans ce cas. L’industrie est ainsi faite.

Catégorisation = Homogénéisation

De nombreux artistes ont du mal à concilier leur intégrité artistique et la possibilité de faire entendre leur musique. Et tout comme les artistes, les labels qui les signent sont confrontés à cette énigme. De nombreux labels aimeraient pouvoir laisser briller l’intégrité artistique, mais en fin de compte, ils doivent faire des ventes et, honnêtement, la plupart des gens, même les hipsters de la musique, sont assez fermés aux nouveaux sons.

De plus, pour le meilleur ou pour le pire, nous vivons à une époque où le son s’est homogénéisé en un tas de genres et de sous-genres, et où le temps s’est figé (la nostalgie est forte en 2021). Il semble que cela devait à l’origine faciliter la création d’une taxonomie de la musique, et donc ouvrir plus de possibilités aux artistes pour créer des sons plus originaux et uniques, mais à bien des égards, cela a fait le contraire.

Alors qu’à l’époque, tout était considéré comme de la « musique de rave », aujourd’hui, tout a sa propre petite maison, et tout ce qui s’en écarte devient trop différent pour être stratifié, ou se voit simplement attribuer l’étiquette omniprésente d’« expérimental », qui est souvent un signal d’alarme pour « inaccessible ». C’est pourquoi il peut être difficile de signer une musique originale.

Comment cela a rendu difficile de signer une musique unique

Il est donc difficile pour les personnes qui créent de la musique axée sur l’art de trouver un foyer. Bien sûr, certains labels sont plus ouverts d’esprit que d’autres, mais ils sont très peu nombreux. La plupart des labels ont un son et s’y tiennent, car ils savent qu’il se vendra sur leur marché.

Cependant, de temps en temps, on voit un des responsables de label, comme Ramon, déclarer que toutes les chansons qu’on leur envoie ont toutes le même son, sans se rendre compte qu’ils ont créé leur propre problème en « créant un son ».

Bien que nous soyons les instigateurs d’un son, Archipel (mon label) fait les choses un peu différemment. C’est pourquoi, dans cet article de blogue, je voulais aborder la façon dont nous équilibrons l’originalité et les possibilités de commercialisation.

Comment la musique est-elle vendue et consommée?

Tout d’abord, parlons de la quantité de musique écoutée et vendue. Il y a trois sphères : les gens qui font de la musique, ceux qui écoutent de la musique et le pont qui relie les deux. Ce pont, ce sont soit les labels, soit les canaux tels que les blogues, les chaînes YouTube et les listes de lecture Spotify.

Cependant, en raison de l’ère algorithmique dans laquelle nous vivons, pour que beaucoup de ces chaînes se développent, elles doivent maintenir l’intérêt des auditeurs, et le fait regrettable est que la plupart des auditeurs ne sont pas très intéressés par la musique nouvelle. Bien sûr, ils peuvent être intéressés par la nouvelle musique dans un genre particulier, mais tout ce qui remet en question ce genre peut pousser l’utilisateur à passer à la chanson suivante. Et chaque fois que vous êtes ignoré, vous êtes dévalorisé dans l’algorithme. Les créateurs de contenu le savent, ils ont donc tout intérêt à ce que les choses restent prévisibles et à se méfier de ceux qui sortent de la musique originale.

Votre culture est importante

Une autre façon dont les gens consomment la musique est la culture dans laquelle ils vivent. Si elle encourage les gens à être ouverts à de nouveaux sons, alors ils peuvent en découvrir de nouveaux.

Un bon exemple de cela est Montréal, d’où je viens. Nous avons une tonne de musiciens uniques et avant-gardistes qui ne ressemblent à personne d’autre et qui sortent de la musique originale. De bons exemples sont Tim Hecker, Godspeed You! Black Emperor, Arcade Fire, Grimes, Kaytranada et Leonard Cohen.

Bien sûr, il y a des dizaines de musiciens qui ressemblent à Arcade Fire et Leonard Cohen, mais à l’époque où ils ont commencé à sortir une musique originale, ces sons étaient frais et exaltants. Et cette innovation n’était possible que grâce à la culture dans laquelle ils évoluaient. Malheureusement, la plupart des endroits ne sont pas comme Montréal.

Ne négligez pas les petites cultures

En parlant de culture, même si vous ne vivez pas dans un endroit aussi ouvert d’esprit que Montréal, il existe très probablement de petits cercles où vous pouvez vous permettre de sortir une musique originale et de la jouer devant une foule réceptive. Il existe une perception selon laquelle, pour apprécier la musique, il faut en quelque sorte faire partie de la foule mainstream qui la représente. C’est généralement irréaliste pour la plupart des gens, c’est pourquoi je recommande toujours de trouver environ cinq personnes qui peuvent devenir des ambassadeurs de votre musique. Ils en parleront à d’autres, et on ne sait jamais quelles opportunités cela ouvrira, ou quelles autres sous-cultures auxquelles ils appartiennent et dans lesquelles votre son s’inscrit.

La culture du label est importante pour signer de la musique originale

J’ai beaucoup écrit à ce sujet, mais une autre chose à propos d’Archipel est que ce n’est pas parce que votre son peut convenir que vous serez signé. En effet, si un label a pour but de créer un portrait sonore, il s’agit également d’une question d’adéquation culturelle, comme la plupart des autres entreprises.

Pensez-y, vous êtes un développeur de logiciels qui postule pour un emploi. Vous avez toutes les qualifications requises, et pouvez coder comme les meilleurs. Cependant, il en va de même pour tous les autres candidats qui se trouvent dans la même série d’entretiens que vous. Alors qu’est-ce qui vous sépare d’eux? Votre personnalité. C’est pourquoi nous ne signons généralement que les personnes avec lesquelles nous avons une relation personnelle ou celles qui se présentent comme culturellement pertinentes.

Par conséquent, avant d’essayer de signer avec Archipel, il est préférable de nous parler un peu. Vous pourriez nous contacter pour du mixing et mastering. Interagissez avec nos articles. Parlez à nos artistes. Mais si vous ne voulez pas faire tout cela, alors, pour l’amour de Dieu, ne vous contentez pas d’envoyer un lien par courriel. Cela s’est produit constamment au cours des dix dernières années, et c’est une perte de temps. Au lieu de cela, écrivez quelque chose sur la façon dont vous seriez un bon candidat et montrez que vous avez fait vos devoirs, comme pour tout entretien d’embauche. Cette attitude se traduira par un taux d’acceptation plus élevé auprès d’autres labels également, même si votre son ne correspond pas forcément.

Les bons labels signent une musique originale dans le cadre d’un récit

Il y a quelque temps, j’étais en train de faire le mastering de la sortie d’un artiste, et j’ai pensé qu’il conviendrait au label. Je l’ai donc contacté pour lui demander s’il voulait le signer. Sa réponse se situait entre la flatterie et le choc. Il était flatté que je pense qu’il devrait figurer sur le label, mais en même temps, il ne pensait pas que cela conviendrait. C’est parce qu’avec Archipel, j’aborde le label comme un album, ou un mix de DJ, où la prochaine sortie est une chanson qui sert de passerelle à la suivante.

Je vois le tout comme un récit, d’une certaine manière. Et cela signifie que même si une chanson avait fonctionné dans le passé sur le label, à ce moment précis ce n’a pas été le cas, à cause de l’histoire élaborée.

Cependant, la sortie de ce type, même si elle n’avait pas eu de sens dans le passé, a eu un sens parfait ici.

La morale de cette histoire est que si vous voulez vraiment être sur un label, et que ce label sélectionne de nombreux genres différents, ne vous inquiétez pas de savoir si votre album sera adapté ou non — envoyez-le simplement. On ne sait jamais vraiment quelles sont les intentions du directeur artistique. Cependant, si vous voulez envoyer de la musique à un label comme Say What? Recordings qui sort presque exclusivement de la techno à 130+ BPM, il n’est probablement pas judicieux de leur envoyer votre morceau d’ambient.

En Conclusion

Les labels sont une chose délicate si vous prévoyez de signer une musique originale. Si elle est trop semblable à tout le reste, elle sera ignorée. Si elle est trop différente de tout le reste, elle sera ignorée. Même si vous trouvez le juste milieu, il y a de fortes chances qu’elle soit également ignorée, puisque vous n’avez pas de relation avec le label. Par conséquent, il est préférable de cultiver les relations et de rejoindre une culture qui vous acceptera tel que vous êtes. N’oubliez pas qu’à un moment donné, tous les genres étaient vraiment originaux. Il fallait juste qu’un diffuseur ait la confiance nécessaire pour le signer sur le marché. Peut-être qu’il serait temps pour les diffuseurs d’avoir plus de confiance?

Différence entre la musique artistique et la musique commerciale

avril 3, 2021/dans Blogue/par pheek

On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques. Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris. Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce? Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.

Leçons de coaching en musique électronique

avril 3, 2021/dans Blogue, Production/par pheek

Il y a une attitude dans la musique électronique selon laquelle si vous partagez vos secrets et vos techniques, une partie de l’essence se perdra, et une partie de la magie se dissipera. Les gens pourraient suivre tel conseil, l’utiliser et, d’une certaine manière, dépasser le professeur. Et personne ne veut avoir l’impression d’avoir creusé sa propre tombe. Cette philosophie sur le coaching en musique électronique m’a pris du temps à surmonter, et je suis ravi de l’avoir fait.

Au lieu que la relation entre le professeur et l’élève devienne parasitaire, je l’ai trouvée purement symbiotique. Bien sûr, certains étudiants m’ont dépassé sur de nombreux aspects, mais il existe une réciprocité quant à leurs nouvelles connaissances. Désormais, j’ai de nombreuses personnes qui sont heureuses de m’aider sur des aspects de la création musicale que je n’aime pas faire autant qu’eux.

A photo of George Martin coaching the Beatles.

George Martin qui aide les Beatles. Il aurait été excellent en coaching de musique électronique.

LE SUCCÈS PASSE PAR UNE ÉQUIPE

Comme je l’ai répété dans des articles précédents, il est logique de déléguer certaines des tâches liées à la création musicale, car c’est ce qui se passe dans tous les autres genres de musique, mais qui, pour une raison quelconque, semble être stigmatisé dans la musique électronique. Pensez-y, les Beatles avaient George Martin, Miles Davis avait Herbie Hancock. Michael Jackson avait Quincy Jones (tout comme Frank Sinatra). Cela ne fait pas de vous un moins bon musicien d’être le professeur et d’encourager vos élèves ; cela vous donne du pouvoir et vous propulse vers la grandeur.

C’est pourquoi, vers le printemps 2016, j’ai annoncé sur ma page Facebook que je ferais du coaching gratuit en musique électronique à tous ceux qui viendraient me voir. À l’époque, c’était juste une pure invitation à partager mes connaissances aux gens et en utilisant la technologie de newsletter de Mailchimp, j’espérais pouvoir envoyer des courriels aux gens et les guider à travers des exercices.

PREMIÈRES EXPÉRIENCES DE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE ET LEÇONS RETENUES

Ma première tentative a échoué assez rapidement, car mon manque de compréhension de la technologie de messagerie électronique a rendu certains des participants fous et je faisais plus de réparations de dégâts que de coaching. J’ai donc mis fin à cette option et décidé d’ouvrir un collectif de musique électronique/groupe Facebook avec un objectif précis : offrir un espace de confiance à toute personne qui n’est pas sûre de sa musique avant de la publier ou de l’envoyer à un label. Bien sûr, toute question serait la bienvenue et nous aurions un esprit de fourmilière pour répondre aux questions de diverses personnes.

À l’approche de mes cinq années de coaching gratuit en musique électronique, j’ai beaucoup appris de cette expérience. Qu’il s’agisse de donner du feedback ou de voir les élèves devenir de solides musiciens, voici les scénarios que j’ai vus se dérouler.

SCÉNARIOS COURANTS DANS LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Presque tous ceux qui sont venus me voir pour obtenir de l’aide avaient une chose qui les bloquait. Une minorité d’entre eux viennent pour perfectionner leurs compétences et d’autres viennent pour être guidés dans différentes situations, mais dans la plupart des cas, les gens viennent me voir parce qu’ils sont bloqués. Dans notre collectif de musique électronique, les questions les plus précises concernent généralement la recherche d’un effet spécifique utilisé pour reproduire un son, ou pour obtenir un retour sur leur chanson. La communauté répond rapidement à ces questions en partageant quelques idées et conseils. Souvent, ce n’est pas exactement ce dont la personne a besoin, mais cela la guide sur un chemin qui peut la mener à quelque chose de plus proactif.

CEPENDANT, LORSQUE JE FAIS DU COACHING INDIVIDUEL EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE, JE RENCONTRE SOUVENT LES MÊMES PROBLÈMES :

Certains ont un blocage majeur de l’écriture et se sentent impuissants.
Des artistes en herbe ont travaillé très dur et se sentent bloqués, ne voyant pas d’améliorations.
D’autres souffrent du syndrome de la boucle, qui ont d’innombrables boucles, mais ne parviennent pas à terminer leurs chansons.
Des personnes qui ont un amour profond pour ce qu’elles créent et qui s’obstinent à ne pas écouter les critiques ou, à l’inverse, qui ont une haine absolue pour ce qu’elles créent et qui s’en veulent.

L’ÉVOLUTION INFLUENCE LA CONNAISSANCE

Si vous regardez avec du recul ce qui s’est passé dans le monde de la production de musique électronique au cours des 20 dernières années, le monde du logiciel associé à l’Internet a rendu les choses beaucoup plus simples. Il y a 20 ans, nous étions limités à quelques ressources et nous étions toujours en suspens en attendant que nos réponses arrivent (si jamais elles arrivaient). Aujourd’hui, nous vivons dans un monde où notre attention est constamment attirée dans de multiples directions, chacune d’entre elles affirmant que « c’est la vraie voie », alors qu’il y a rarement une « vraie voie » pour quoi que ce soit, surtout en art.

Ce sont ces déclarations contradictoires qui sèment une tonne de doute, ou créent une confiance démesurée chez leurs praticiens. C’est à ce doute, ou à cette confiance excessive que mes séances individuelles cherchent à remédier.

Il n’y a rien de mal à être confiant dans son travail, mais l’excès de confiance crée des obstacles à l’apprentissage, et des conflits avec le progrès. Je me demande parfois pourquoi ces personnes veulent un coaching en musique électronique, mais leur démarche montre qu’elles ont au moins une compréhension consciente de son importance, même si leur confiance subconsciente rentre en conflit avec elle.

À l’inverse, le doute qu’éprouvent de nombreux musiciens crée un problème similaire. Ils peuvent être en coaching pour devenir plus confiants, mais leur manque de confiance se traduit par une sorte de syndrome du petit chien qui aboie, où la moindre critique porte atteinte à leur ego créatif déjà fragile, même s’ils savent consciemment que c’est nécessaire. On peut comparer cela à une thérapie physique : si vous vous êtes cassé les deux jambes, vous aurez du mal à marcher à nouveau et vous détesterez cela, mais vous savez que c’est nécessaire.

ÉTUDIANTS QUI RÉUSSISSENT

Après avoir été coach pendant plus de 15 ans au total, j’ai remarqué que certaines personnes réussissent mieux que d’autres. Au début, je travaillais avec un plan et j’enseignais les mêmes choses à tous, mais j’ai rapidement adapté ce plan, car il ne fonctionnait pas bien. Certains apprenaient rapidement et posaient des questions ou des défis intéressants, tandis que d’autres avaient les mêmes questions, mais se débattaient toujours avec des problèmes de base.

J’ai compris une chose : on ne peut pas vraiment enseigner la théorie de la musique électronique et la formation à la production musicale à partir d’une approche rigide, car ce qui fait le succès, c’est de comprendre quelqu’un globalement et ensuite, en équipe, de trouver des stratégies pour construire une routine et des habitudes de travail. Plus important encore, j’ai essayé d’aider la personne à trouver sa propre façon d’apprendre à travers la jungle d’Internet.

VOICI LES POINTS COMMUNS DE TOUTES LES PERSONNES QUI ONT RÉUSSI :

Ils avaient une direction claire : Ils avaient une direction claire : les personnes que je vois avec une intention et une direction claires, comme « vouloir sonner comme X », sont les plus faciles à guider. Si vous avez une cible et un objectif, vous pouvez toujours essayer de pousser ce que vous faites et étudier techniquement comment c’est fait avec la musique que vous avez sous la main. Avec mon aide, nous pouvons faire de l’ingénierie inverse sur certaines chansons et essayer différentes choses. Une fois que cet objectif est en grande partie atteint, ce qui est intéressant, c’est la façon dont cela les mène ailleurs. Le fait qu’ils sachent comment quelque chose est fait leur permet de découvrir d’autres artistes ou chansons qui piquent leur curiosité. Mais travailler avec des cibles, c’est toujours une indication claire d’amélioration.
Ils ont fait preuve de constance : toute personne qui travaille de manière régulière, sur une durée constante, a montré une grande amélioration. Plus que les personnes qui ont commencé très fort, mais n’ont pas pu maintenir le rythme. Travailler dur n’est pas toujours intelligent. Il s’agit plutôt de savoir ce que l’on peut faire et d’essayer d’apprendre constamment quelque chose de nouveau, de le pratiquer et de le mettre dans le contexte d’une chanson.
Ils ont posé beaucoup de questions : souvent, le succès créatif et la curiosité vont de pair. Demander des conseils et des orientations techniques est une nécessité si vous souhaitez aller loin. Vous pouvez tout faire vous-même, mais vous ne vous donnez pas la chance de vous développer convenablement. Même si quelqu’un pense différemment de vous, une partie de son point de vue peut être utile.
Ils sont restés humbles et ont toujours voulu apprendre. Si vous venez avec l’idée que vous apprendrez quelque chose tous les jours, vous ne serez pas stagnant dans ce que vous faites et vous regarderez toujours vers l’avant.
Ils n’avaient pas peur du rejet et de la critique. Parce que chaque chanson est une expérience en soi et que le point de vue de chacun est arbitraire.

electronic music coaching photo

OBSTACLES

Il y a des personnes qui ont été confrontées à un certain nombre de problèmes dans l’apprentissage et, bien qu’elles aient beaucoup appris et se soient grandement améliorées, elles ne se sont malheureusement pas déployées autant qu’elles le souhaitaient. Ce sont ces points qui les gênent le plus souvent.

L’étudiant se concentre sur la réussite d’une chanson spécifique.
Ils travaillent de manière linéaire et ne veulent pas changer.
Ils insistent pour tout faire eux-mêmes.
Le musicien est souvent convaincu qu’il en sait plus qu’il n’en sait.
Ses attentes sont très élevées.
La conviction que le travail acharné mène au succès est profondément ancrée en eux.
Ils voient la musique de manière hiérarchique.

CE QUE J’AI APPRIS AVEC LE COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Le proverbe latin docendo discimus se traduit par « en enseignant, on apprend ». Voici quelques-unes des leçons que j’ai apprises en enseignant aux autres.

LA GRATUITÉ N’EST PAS TOUJOURS UNE BONNE CHOSE

Si vous donnez quelque chose gratuitement, cela n’a pas toujours de la valeur. Un conseil gratuit est un conseil bon marché. Si les gens ne paient pas pour cela, il y a moins de chances qu’ils ancrent ce conseil. Je ne dis pas que donner des conseils gratuits est mauvais ; c’est ce sur quoi ces articles de blogue et le groupe prospèrent. C’est juste qu’ils peuvent être facilement rejetés. Cependant, si vous avez payé pour un conseil, il y a plus de chances que vous le mettiez en œuvre.

LA CONSTANCE EST LA CLÉ DU DÉVELOPPEMENT

Pensez-y comme à l’entraînement d’un sport. Si vous vous entraînez pour un marathon et que vous décidez de prendre un mois de congé, vous allez devoir passer du temps à vous remettre à niveau. En outre, plus vous remettez quelque chose à plus tard, plus vous avez de chances de le négliger.

N’AYEZ PAS PEUR DE FAIRE DES ERREURS

Le dessinateur de bandes dessinées Scott Adams a une citation vraiment poignante sur les erreurs dans le parcours créatif. Il dit : « La créativité, c’est se permettre de faire des erreurs. L’art, c’est de savoir lesquelles garder. » Je trouve cette déclaration très vraie. La plupart des parties de mes œuvres que je préfère ne sont pas intentionnelles ou résultent d’une grave erreur.

FAIRE PARTIE DE LA COMMUNAUTÉ

Personne n’est autosuffisant. La civilisation a été construite par des équipes et des communautés, et non par des individus. L’enseignement m’a permis de faire partie d’une communauté dynamique, et j’en suis extrêmement reconnaissant. Elle m’a appris au moins autant et m’a fourni autant de ressources que j’en ai fourni aux autres.

AUTRES AVANTAGES DU COACHING EN MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

Comme ma musique est plutôt ésotérique, j’ai appris, au fil des décennies, que les personnes qui assistaient à mes spectacles étaient de la même trempe. Il s’agissait de musiciens et de concepteurs de sons, désireux d’absorber une partie de l’essence de la performance afin de la traduire dans leurs propres créations.

Cela m’a fait prendre conscience que pour développer et maintenir l’intérêt de mes fans, je devais leur donner ce qu’ils voulaient. Par conséquent, le coaching électronique est devenu non seulement une source d’inspiration créative, mais aussi un solide canal de marketing.

Si vous souhaitez faire partie de notre communauté et bénéficier d’un coaching gratuit, rejoignez notre collectif de musique électronique, Pheek’s Coaching Corner. Nous avons également un tas de tutoriels sur YouTube. Si vous souhaitez un coaching plus personnalisé, je le propose également.

Comment mixer au casque?

mars 17, 2021/dans Blogue/par pheek

Tout le monde n’a pas accès à un studio traité, avec des panneaux acoustiques parfaitement placés, des bass traps, et des moniteurs de studio calibrés dont l’équilibre est perfectionné par des mesures professionnelles. Beaucoup de producteurs en herbe ont des notions de ce genre, mais en fin de compte, ils n’arriveront pas à tout régler parfaitement, car un studio bien réglé coûte cher auprès de professionnels.

C’est pourquoi beaucoup de mes étudiants me demandent ce qu’ils peuvent faire à la place, car beaucoup d’entre eux ne disposent pas de milliers de dollars pour régler leur studio. La réponse est simple : mixer au casque. Mais faut-il mixer avec un casque? Il y a beaucoup de discussions en ligne qui disent que si vous mixez au casque, vous allez bousiller le mixage, car ce n’est pas une représentation exacte du son dans l’espace. Ils disent que dans un véritable champ stéréo, vos oreilles gauche et droite entendent les deux canaux, et non chacun en mono. Et bien que cela soit vrai, il y a beaucoup d’artistes, moi y compris, qui font beaucoup de mixage au casque, et leurs productions sonnent très bien.

Sennheiser HD650

UN BON MIXAGE AU CASQUE COMMENCE PAR UN CASQUE DE QUALITÉ

Mon premier conseil est le suivant : vous avez besoin d’un très bon casque, et vous devez vous y habituer. Je recommande le Sennheiser HD650 pour le haut de gamme, et pour le meilleur casque de mixage à petit budget, je recommande le Sennheiser HD350BT qui est également Bluetooth.

Une fois en possession d’un de ces casques, ou équivalents, ne commencez pas à mixer tout de suite, car vous n’avez aucune idée de la manière dont ils sonnent. Choisissez alors une dizaine de chansons que vous respectez vraiment, achetez la version lossless (flac, wav, etc.) et écoutez-les intimement dans le casque. Apprenez comment le kick se place dans le mix. Observez le sidechain des différentes couches lorsque le kick est introduit. Quelle est la brillance des hi-hats? Quelle est la netteté du lead? Après avoir écouté cet ensemble de chansons encore et encore pendant un mois environ, vous serez prêt à tenter l’expérience sur vos propres morceaux.

MIXER AU CASQUE, C’EST COMME CUISINER UN PLAT TRADITIONNEL

Une autre bonne astuce consiste à choisir des chansons qui présentent un élément particulièrement excellent. J’assimile cela à manger un plat traditionnel. Chaque fois que je visite un nouveau pays, je m’assure de demander aux habitants quel est l’endroit où l’on trouve la nourriture la plus authentique, et quels éléments de cette nourriture définissent vraiment la cuisine régionale.

Avec la musique, j’adopte une approche similaire. Par exemple, lorsque j’ai commencé à mixer beaucoup de techno roumaine, il est devenu évident que l’aspect que les producteurs recherchaient le plus était le kick. Par conséquent, si vous voulez un exemple de kick vraiment sophistiqué, vous pouvez commencer par la techno roumaine. C’est comme avec un aliment tel que le mole du Mexique. Si vous vouliez reproduire le meilleur mole, vous prendriez celui d’Oaxaca comme référence.

MIXER AU CASQUE À DIFFÉRENTS VOLUMES

Écoutez vos mixages à différents volumes pour avoir une bonne idée de la façon dont les éléments s’intègrent dans le mix. Les différents niveaux exposeront ce qui ne va pas dans le mixage de manière assez précise. Même si le son est bon à haute intensité, vous remarquerez peut-être qu’il n’est pas tout à fait adapté lorsque vous l’écoutez à basse intensité. D’après mon expérience, ce sont les volumes faibles qui révèlent le plus de choses, donc si le son est bon à basse intensité et juste correct à haute intensité, il y a de fortes chances que le volume le plus faible soit le bon.

REFERENCE plugin

MEILLEUR LOGICIEL DE MIXAGE AU CASQUE

Le meilleur plug-in de mixage au casque est assurément REFERENCE de Mastering The Mix .

Vous avez déjà senti que votre mix n’était pas tout à fait comparable à vos mixages de référence?

Afin de vous rapprocher plus que jamais du son de votre musique préférée, Mastering The Mix a créé REFERENCE. Il est doté de fonctionnalités puissantes et d’informations qui vous permettent de vous rapprocher de votre référence comme jamais auparavant.

Avec REFERENCE vous pouvez :

Comparer votre master avec jusqu’à douze pistes de référence, et créer plusieurs boucles vous permettra de comparer rapidement diverses sections de votre piste avec une piste de référence.
Faire correspondre la loudness de votre piste et avec les références de façon instantanée et précise. Cela vous permettra de prendre des décisions plus éclairées pour façonner votre son.
Faire correspondance le true peak, la loudness, la balance d’égalisation, le punch et la largeur stéréo d’une piste de référence de manière plus fluide que jamais.
Ajouter un plug-in source appelé REFSEND pour effectuer des comparaisons A/B en fonction de l’intensité sonore.

Si vous voulez émuler le crossfeed stéréo (processus de fusion des canaux gauche et droit d’un enregistrement audio stéréo) comme vous l’obtiendriez avec des haut-parleurs, vous pouvez également utiliser un VST tel que CanOpener de Goodhertz, qui simule la stéréo que vous obtiendriez avec des haut-parleurs. Je n’ai personnellement jamais utilisé d’émulateur de crossfeed, mais il en existe.

CanOpener

LA STÉRÉO EST DIFFÉRENTE DANS UN MIXAGE AU CASQUE

Le plus gros obstacle à surmonter lors du mixage au casque est que le champ stéréo est mono dans chaque canal. En particulier dans la musique électronique, nous avons tendance à avoir des panoramiques extrêmes, ce qui, dans un casque, peut empêcher ce flux naturel gauche/droite que vous obtenez lorsque vous écoutez un morceau avec les deux oreilles à partir de moniteurs.

Pour remédier à ce problème, vous pouvez simplement modifier un peu les paramètres des instruments panoramiques gauche/droite, mais n’en faites pas trop, car cela compromettrait les performances des haut-parleurs. Gardez à l’esprit que la stéréo, lorsqu’elle est lue par des haut-parleurs, aura une image sensiblement plus étroite que lorsqu’elle est écoutée au casque.

Une autre astuce consiste à ajouter un tout petit peu de réverbération aux sons exposés au premier plan (5 à 10 % de réverbération). Cela leur permet de coller les uns aux autres comme ils le feraient dans une pièce naturelle.

Judging Low End With Headphone Mixes

Il est difficile d’avoir une idée de la place des basses dans le mixage, à moins d’avoir de sérieux subs. Cependant, nous vivons au 21e siècle, où les Subpacs existent. Si vous n’êtes pas familier avec les Subpacs, il s’agit essentiellement de subwoofers portables, qui utilisent votre corps comme transducteur de basse. Par conséquent, ils produisent toute la sensation et le sentiment de la basse, sans aucun des décibels nécessaires pour les produire. Par conséquent, avec un bon casque et un Subpac, vous pouvez profiter de toutes les fréquences et évaluer avec précision la place des basses dans le mixage.

Je préfère souvent utiliser un Subpac plutôt qu’un bon ensemble de subs, parce qu’à moins que vous ne soyez dans un endroit où votre mixage ne dérangera personne, avoir des haut-parleurs de club qui vous permettent de sentir les basses est généralement impossible dans la plupart des environnements. C’est aussi considérablement moins couteux.

UN MIXAGE AU CASQUE RÉVÈLE LES PETITS DÉTAILS

Le meilleur aspect du mixage au casque est sa précision. Même avec une salle bien réglée et des moniteurs de qualité professionnelle, vous manquez souvent les plus petits détails d’un mixage, comme les sifflements, les artefacts, les distorsions indésirables et les clics/pops. Avec un casque, ces détails deviennent extrêmement clairs, ce qui vous permet de corriger ces problèmes de manière chirurgicale.

En contrepartie, cela vous permet d’ajouter des petits détails que vous ne pourriez pas ajouter autrement. Disons que vous voulez que ce synthé ait juste une touche de bruit blanc pour lui donner une sensation plus chaude, un mixage au casque vous permet de le faire avec une immense clarté.

Comme vous pouvez le constater, le mixage au casque présente de nombreux avantages. Cependant, rien ne vaut un mixage professionnel. Par conséquent, si vous voulez que ce soit bien fait, envisagez de passer par moi. J’ai mixé des milliers de chansons, le tout pour un tarif très raisonnable. Votre musique sera éternelle, alors autant la faire sonner aussi bien que possible, à un prix abordable.

Les liens peuvent contenir des offres publicitaires.

Comment signer votre musique en temps de pandémie?

février 16, 2021/dans Blogue/par pheek

Une question que l’on me pose souvent lors de mes séances de mentorat est de savoir s’il est différent de signer avec un label en temps de pandémie ou si c’est la même chose. La réponse est oui dans les deux cas, mais avec quelques réserves. Ce sont là quelques-unes des meilleures façons de signer votre musique pendant une pandémie.

La meilleure façon de se faire signer par un label est de se mettre en réseau, plutôt que de soumettre à froid, pandémie ou pas. Au fil des ans, Archipel n’a publié qu’environ 2 % de ses sorties par le biais de courriels non sollicités.

C’est parce que j’ai une relation personnelle avec la plupart des personnes que je signe. Et la majorité de ces relations personnelles ont été favorisées par des rencontres lors d’événements.

Il est clair qu’il n’y a plus d’événements en ce moment.

Une autre façon courante de signer des titres est qu’ils soient joués par des DJs en club, et que les propriétaires de labels comme moi demandent quel est le titre. Nous contactions alors l’artiste pour voir s’il veut signer avec le label.

Mais hélas, les clubs ne sont pas ouverts et les diffusions en direct ne sont pas suivies de la même manière que les clubs. Les chances qu’une signature organique se fasse comme ça sont donc plus minces qu’auparavant. Bien sûr, cela peut toujours arriver, surtout par le biais de mixes de DJ, mais ce n’est pas la même chose.

Mais ne désespérez pas. Ce n’est pas parce que les moyens traditionnels et organiques de signer des chansons ne sont pas disponibles que de nouveaux moyens ne le sont pas non plus.

LES STRATÉGIES POUR SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — LES CHOSES QUI NE FONCTIONNENT PAS

Avant de parler de ce qui fonctionne pendant une pandémie, voyons ce qui ne fonctionne pas. Comme je l’ai déjà dit, seuls 2 % des sorties de mon label proviennent de courriels. Pendant une pandémie, ce chiffre est considérablement réduit en raison du nombre de sollicitations.

En outre, de nombreux labels réduisent le nombre d’artistes signés, car les DJ n’achètent pas autant de titres, ce qui tarit leurs sources de revenus. De plus, s’ils sortent sur des formats physiques tels que le vinyle ou la cassette, beaucoup de ces usines fonctionnent avec un personnel réduit pour des raisons de santé. Cela retarde les sorties et augmente le coût de ces supports.

Cela rend les labels encore plus pointilleux sur les produits qu’ils signent, considérant que cela leur rapportera en fin de compte moins de revenus.

En d’autres termes, à moins que vous ne soyez quelqu’un qu’ils veulent vraiment signer, les chances de vous faire signer par une approche à froid sont assez minces, en raison de la rareté.

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — LES TRUCS QUI MARCHENT

Cela ne veut pas dire que les artistes sont foutus. Même si les clubs sont fermés et les boîtes de réception submergées, il existe des voies alternatives pour se faire signer, ainsi que de nouvelles voies qui sont devenues disponibles en raison de la pandémie.

SE FAIRE DÉCOUVRIR SUR YOUTUBE OU SOUNDCLOUD

Ce processus implique un sacrifice. Un sacrifice aux dieux de YouTube ou de SoundCloud. Il existe des dizaines de chaînes YouTube et SoundCloud consacrées à la bonne musique. La plupart du temps, ces chaînes ne se préoccupent pas de la reconnaissance de la marque ou du potentiel de revenus, car elles ne gagnent pas beaucoup d’argent avec ce qu’elles mettent en ligne. De plus, le coût pour elles n’est qu’une opportunité, puisque le téléversement sur SoundCloud et YouTube est gratuit.

Si c’est une chaîne bien gérée, il y aura des propriétaires de label qui la fréquenteront, car avant tout, les propriétaires de label sont des fans de musique. Ensuite, si votre morceau est très bon et qu’ils l’entendent, ils peuvent vous contacter pour voir ce que vous avez d’autre en stock.

Le titre que vous avez téléversé ne sera généralement pas signé, mais si vous produisez un son similaire, il y a de fortes chances que l’un de vos autres titres le soit. De plus, votre morceau sera publié sur une page très fréquentée, donc qui sait qui d’autre l’entendra. Cela pourrait déboucher sur de nouveaux fans, des téléchargements, etc.

Alors, comment diffuser votre musique sur ces chaînes en temps de pandémie?

CIBLEZ VOS CHAÎNES

Tout d’abord, assurez-vous que la chaîne est bien ciblée. Si vous faites de la musique minimal house, il n’est pas logique de l’envoyer à une chaîne drum’n’bass, ou vice versa. Non seulement vous perdrez votre propre temps à rassembler les coordonnées et l’adresse électronique, mais vous gaspillerez également le leur, ce qui augmente les chances que votre courriel soit signalé comme pourriel (spam). Si vous recevez un certain nombre d’indicateurs de pourriel, aucun de vos messages ne sera transmis, même à ceux qui sont pertinents.

Une bonne façon de cibler ces canaux est de penser à un artiste de petite ou moyenne taille qui a un son similaire au vôtre, puis de le rechercher sur YouTube ou SoundCloud. Ensuite, si vous voyez une chaîne qui l’a publié, contactez-les.

ASSUREZ-VOUS QUE LA CHAÎNE N’EST PAS UN LABEL

Notez que de nombreuses chaînes qui publient ces titres sont les labels eux-mêmes. Il n’est donc pas logique de les contacter, car ce n’est pas le but. Faites simplement attention à qui vous soumettez votre musique.

EXEMPLE DE COURRIEL

Lorsque vous vous adressez une chaîne, comprenez que plus elle est populaire, plus elle sera sollicitée. Par conséquent, veillez à ce que vos messages soient brefs, agréables et pertinents.

Salut {nom ou prénom du propriétaire de la chaîne},

Merci de soutenir les artistes émergents. Ce sont des gens comme vous qui font circuler la bonne musique, et pour cela, je vous suis reconnaissant.

J’ai vu que vous avez publié {nom d’artiste similaire}. Je viens de terminer ce morceau (lien SoundCloud privé avec téléchargements activés), je pense qu’il a des caractéristiques similaires et qu’il fonctionnerait bien sur {nom de la chaîne}.

Pourriez-vous me faire part de votre avis à ce sujet?

Merci de l’avoir écouté!

{Votre nom}

{Liens vers votre Press Kit, site web, etc.}

Voyez comme il est court, sympathique, flatteur et fournit toutes les informations nécessaires. C’est un excellent moyen de diffuser de la musique pendant une pandémie.

INDIQUER QUE CE N’EST PAS SIGNÉ

S’ils décident de le publier, il est fort probable qu’ils vous contactent à ce sujet pour vous demander plus d’informations. Demandez-leur de préciser que le morceau n’est pas signé et qu’il est autoproduit dans la description YouTube. Cette mention se trouve généralement dans la section où est indiqué le nom du label, mais ici il s’agit d’une mention non signée.

Cela indiquera aux labels potentiels que vous êtes disponible et constitue une tactique clé pour signer votre musique pendant une pandémie.

VOUS OBTIENDREZ DES MILLIERS D’ÉCOUTES

Ne désespérez pas si vous ne vous faites pas signer de cette façon. Si c’est une chaîne assez populaire, vous aurez des milliers d’oreilles sur votre piste, ce qui est en soi une victoire. De plus, rien ne vous empêche de la soumettre à plusieurs chaînes également. Ce sont des chaînes, pas des labels. Vous pouvez être sur plusieurs chaînes avec la même chanson. C’est toujours une bonne tactique pour diffuser de la musique pendant une pandémie.

CHAÎNES PAYANTES

Notez qu’il y a beaucoup de chaînes payantes. Certaines sont bonnes, d’autres moins bonnes. Les bonnes auront un processus de sélection et n’accepteront pas n’importe quoi. Si vous recevez une réponse de l’une d’entre elles vous demandant de payer pour une publication, vérifiez les autres pistes et voyez si elles sont de qualité. S’ils ne font que publier tout ce qui peut leur rapporter quelques dollars, il y a de fortes chances que l’engagement que vous voyez soit faux, car qui veut s’engager dans des trucs de mauvaise qualité?

SubmitHub

Certaines personnes peuvent également être familières avec SubmitHub. C’est une chaîne commune que les gens utiliseraient pour savoir comment diffuser de la musique pendant une pandémie, ou non.

Si vous ne connaissez pas, SubmitHub est un endroit où vous pouvez payer une petite somme pour solliciter l’écoute d’un blogue. S’ils l’apprécient, ils peuvent le publier. Cependant, vous ne payez que pour une écoute, pas pour une publication.

SubmitHub est un moyen décent de diffuser de la musique pendant une pandémie, si vous avez de bonnes choses. Mais assurez-vous que 1) vos contenus sont pertinents et 2) qu’ils ont un taux d’acceptation décent. Si le taux d’acceptation n’est que de 1 ou 2 %, il y a autant de chances que votre musique soit signée grâce à un courriel non sollicité adressé à un label, alors autant vous adresser directement au label au lieu de faire ce détour. Recherchez les chaînes qui acceptent au moins 10 % des candidatures.

LE RÉSEAUTAGE, STYLE PANDÉMIE

La façon suivante d’obtenir une signature est de se faire recommander ou de rencontrer directement le responsable du label. Bien que ce soit moins personnel que de les rencontrer en personne, sous l’influence positive du club et ses nombreux vices, il existe toujours des moyens d’atteindre un objectif similaire en utilisant des choses comme les médias sociaux. Il s’agit d’un des moyens les plus sûrs pour diffuser de la musique pendant une pandémie.

CONTACTER LES DJ/PRODUCTEURS POUR OBTENIR UNE RECOMMANDATION

Alors que par le passé, les DJ auraient été en tournée, et donc moins sensibles aux messages en ligne, dans l’environnement actuel, ils sont tous chez eux. À moins qu’ils ne jouent à Tulum et ne tuent l’abuela de quelqu’un pour se faire remarquer.

Mais pour les DJ non égoïstes, la plupart sont assis chez eux, ou en studio, ne faisant pas grand-chose, comme tout le monde. Ils sont donc plus susceptibles de répondre aux messages. Cela signifie qu’ils sont plus susceptibles de répondre à VOTRE message. Si vous faites preuve de tact, vous pouvez transformer ce message en une référence à un label sur lequel ils se trouvent.

L’un des meilleurs moyens de se faire remarquer par quelqu’un est de lui demander conseil sur quelque chose. Les gens aiment être appréciés pour leur expertise, et comme ils ont du temps, ils sont prêts à la donner.

Cependant, comme dans le groupe Pheek’s Coaching Corner, si vous voulez demander des conseils, soyez précis. Ne vous contentez pas de demander ce qu’ils pensent de la piste. Demandez-leur des choses précises, comme les parties du mixage, ce qu’ils pensent du bridge ou d’un ton spécifique que vous utilisez. Demandez-leur comment ils pourraient l’améliorer, ou s’ils pensent qu’il est bon tel quel.

S’ils vous donnent des conseils, modifiez le morceau en les suivant, puis renvoyez-le-leur pour un avis complémentaire, qui, s’il vous a aidé la première fois, vous aidera probablement à nouveau.

PROPOSER À CES DERNIERS

Une fois que vous avez atteint le point où ils sont excités par le morceau, vous pouvez lancer : « A votre avis, pensez-vous que cela fonctionnerait bien sur {insérer un label} si je leur envoyais? Ils vous donneront, espérons-le, une réponse par oui ou par non. Si c’est un non, demandez-leur la raison et ce que vous pouvez faire pour améliorer vos chances.

Ne le prenez pas personnellement, parfois les labels ne signent tout simplement pas de nouveaux artistes, ou ils ne signent que des artistes appartenant à un certain cercle social.

Si c’est un oui, humblement, demandez-leur s’ils feraient une recommandation pour vous, ou s’ils vous permettraient d’utiliser leur sceau d’approbation dans le courriel que vous envoyez au label. Cela contribuera grandement à prouver au label que vous n’êtes pas un autre candidat, mais plutôt quelqu’un qui fait partie du cercle restreint. L’une des meilleures solutions que je puisse vous proposer pour signer votre musique en temps de pandémie est d’obtenir leur accord pour une rétroaction ou une recommandation.

CONTACTER LES LABELS POUR OBTENIR DES CONSEILS

La même approche peut être adoptée pour les labels. Bien qu’il ne soit pas recommandé de leur envoyer votre morceau tout de suite pour qu’ils vous donnent leur avis, vous pouvez leur dire : « Salut, j’adore votre label [parlez brièvement de ce que vous aimez]. Je suis un artiste qui essaie d’apprendre les coutumes de l’industrie, et j’étais curieux de savoir quelle est la meilleure façon d’approcher un label comme le vôtre. Recommandez-vous de le soumettre à froid, ou y a-t-il une meilleure façon? »

De cette façon, vous leur demandez leur avis, sans nécessairement soumettre un titre. Si vous êtes capable d’établir une relation solide avec eux, alors demandez-leur s’ils acceptent de tester votre titre. Le pire qu’ils puissent dire est non, et vous aurez appris une leçon précieuse sur la façon d’aborder les labels, et établi une bonne relation avec l’industrie à laquelle vous pourrez faire appel, à condition de maintenir le contact avec eux.

Un conseil avant de contacter quelqu’un : assurez-vous d’interagir avec leur contenu au préalable afin de montrer que vous êtes un vrai fan, et pas seulement quelqu’un qui veut quelque chose. Pendant quelques mois, par exemple, commentez leurs messages afin qu’ils reconnaissent votre nom lorsque vous les contacterez. Cela permettra de briser la glace, et de les rendre beaucoup plus réceptifs.

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — AUTRES POSSIBILITÉS

REJOINDRE UN GROUPE

Par exemple, le Pheek’s Coaching Corner. Il y a des tonnes de propriétaires de labels sur ce groupe, et si vous y restez actif et que vous publiez vos morceaux pour obtenir des conseils, il y a de fortes chances qu’un propriétaire de label l’écoute et vous contacte s’il l’apprécie. Il y a des tonnes de groupes comme celui-ci pour leur genre respectif, sur Facebook et Discord. Vous pouvez également demander à ces groupes comment publier votre musique en temps de pandémie.

S’INSCRIRE À UN COURS

Il y a des tonnes de producteurs qui organisent des cours en ligne. Par exemple, Justin Jay donne actuellement des cours à un groupe d’étudiants et il a récemment sorti une compilation de cours sur son label. Ils peuvent même aborder la manière de sortir de la musique en temps de pandémie.

COMMENCER UN BlOGUE

Vous seriez surpris de voir à quel point il est facile d’obtenir une interview d’un artiste, surtout de nos jours. Si vous orientez votre blogue vers un sujet spécifique qui n’est pas bien couvert, vous pouvez alors vous constituer une audience autour de ce créneau.

Une autre bonne chose à faire est de créer une page Facebook où vous faites des podcasts vidéo et de les publier sur Facebook. Une fois que vous les avez transférés sur Facebook vidéo, vous pouvez les partager dans des groupes pertinents, et chaque vue de 3 secondes compte comme une vue. De cette façon, vous pouvez montrer de bonnes statistiques aux personnes à interviewer et leur montrer que cela ne tombera pas dans l’oreille d’un sourd.

Vous pouvez également téléverser vos vidéos sur YouTube et lancer une chaîne YouTube avec les interviews.

Cette méthode est précieuse, car non seulement vous obtenez une introduction, mais vous leur donnez aussi de la valeur, ce qui engendre la réciprocité. Et la réciprocité est un excellent moyen pour diffuser de la musique en temps de pandémie.

CONTRIBUER À UN BLOGUE ÉTABLI

Si vous êtes un bon écrivain, beaucoup de ces blogues cherchent des personnes pour contribuer et ajouter du nouveau contenu. Beaucoup ne paient pas, mais la valeur que vous pouvez en tirer en vaut la peine, car elle vous donne accès à des personnes auxquelles vous n’auriez normalement pas accès.

De plus, de cette façon, vous n’avez pas à construire votre propre blogue, et vous utilisez plutôt la position de quelque chose de déjà établi pour garnir les interviews.

Cependant, je ne recommanderais pas de quiproquo, où ils obtiennent une interview pour signer ou écouter votre titre. Cela peut mal se passer, et le blogue pour lequel vous écrivez risque de vous écarter de la rédaction.

Au lieu de cela, après avoir publié l’interview, demandez-lui si cela ne l’ennuie pas de répondre à quelques questions pour vous et/ou de vous donner un retour d’information.

CRÉER VOTRE PROPRE CHAÎNE YOUTUBE OU SOUNDCLOUD

Cette méthode est similaire à celle dont nous avons parlé précédemment, où l’on vous découvre sur une chaîne YouTube ou SoundCloud, mais un peu à l’envers. Maintenant, les étiquettes viennent à vous. Et si vous créez une chaîne avec un son similaire au vôtre, les labels qui viendront à vous sont ciblés.

Comme il s’agit de votre chaîne, vous pouvez définir les conditions que vous voulez pour qu’ils puissent avoir leur piste sur votre site.

Cela prendra évidemment du temps pour que la chaîne soit viable, mais une fois qu’elle sera établie, vous aurez un flux constant de labels qui vous contacteront, au lieu de l’inverse. Vous aurez également une chaîne sur laquelle vous pourrez présenter votre propre musique en première, si vous le souhaitez.

CRÉER VOTRE PROPRE LABEL

C’est un peu comme si vous lanciez votre propre chaîne YouTube ou SoundCloud, ce qui fait que les gens que vous voulez viennent à vous, en un sens. Dans un premier temps, vous devrez constituer une base de sorties. Il peut s’agir d’amis ou de petits producteurs à la recherche d’un label à signer (certains petits producteurs aiment simplement collectionner les labels).

Ensuite, une fois que vous avez une douzaine de sorties, vous pouvez commencer à contacter les petits artistes des labels sur lesquels vous voulez être, ou des labels qui sont liés aux labels sur lesquels vous voulez être. Ensuite, vous faites signer ces personnes, et vous continuez à faire du commerce, jusqu’à ce que vous commenciez à signer des artistes plus établis.

UTILISER LES TORRENTS

Un autre moyen est d’utiliser Soulseek. Soulseek est un réseau bit torrent privé où les gens partagent de la musique. Beaucoup de personnes sur Soulseek sont du genre à tout posséder, donc en y mettant vos affaires, il y a une chance qu’elles soient récupérées par quelqu’un et diffusée de manière organique. Encore une fois, il n’y a pas de garantie, mais il ne faut pas faire beaucoup d’efforts pour diffuser ses œuvres.

QUELQUES RÉFLEXIONS FINALES SUR LA FAÇON DE SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE

Ce ne sont là que quelques-unes des façons créatives de se trouver un label pendant la pandémie. La plupart de ces techniques fonctionnent à n’importe quel moment de l’histoire, mais elles sont rendues plus accessibles parce que les gens ont tout simplement plus de temps.

Lorsque le monde se mettra en marche, les DJ et les labels seront moins enthousiastes à l’idée de répondre à tous les messages qu’ils reçoivent des fans sur les médias sociaux.

De plus, les gens n’auront pas le même temps, et donc le même désir, de commencer à bloguer, ou de créer leur propre label, ou même de suivre des cours. Par conséquent, il n’y a pas de meilleur moment pour sauter sur l’occasion. L’histoire a donné aux créatifs un liseré d’argent ; nous pourrions aussi bien exploiter son minerai tant qu’il en est encore temps.

Nous espérons que cet article sur la façon de diffuser de la musique en temps de pandémie vous a été utile.

Comment préparer un EP?

janvier 7, 2021/dans Blogue, Finalisation de tracks et arrangements, Sound Design/par pheek

Dans mon groupe de coaching, quelqu’un a posé la question suivante :

Alors, comment préparer un EP (je demande cela concernant l’atmosphère générale, tous les morceaux devraient être faits de la même façon, disons, ou créer une histoire entre eux)? Je trouve cela très difficile, si je regarde mes dix derniers projets, ils sont tous très différents. Comment puis-je retrouver la même couleur pour plus de morceaux? Pouvez-vous me dire comment préparer un EP?

J’ai répondu rapidement, mais j’ai pensé qu’il serait utile de développer ce point, car la véritable réponse à la question de savoir comment préparer un EP est un peu plus longue et couvre de nombreux aspects. Pourquoi? Parce qu’en tant que producteur, amateur de musique et propriétaire d’un label, il n’y a rien qui me frustre plus que d’avoir un EP qui n’a ni âme, ni concept, ni direction. Il me paraît fade et vide. Il existe différents types d’EP et tous trouveront une oreille, mais personnellement, je suis difficile. Voyons quelques types d’EP qui ont du succès :

L’utilitaire :

Ce type d’EP est plutôt destiné aux DJ et dispose d’une collection de morceaux ayant la fonction d’être joués dans des sets.

La compilation :

Qu’il s’agisse d’une « Various Artist » ou d’un seul artiste, celui-ci est simplement une collection de morceaux choisis au hasard parmi du matériel non signé.

Le conceptuel :

Parfois, un artiste a un patch, un système ou une façon de travailler qui fait qu’une série de chansons sonnent de la même façon, que certaines chansons vont s’unir en raison de la direction.

Ce dernier est le type d’EP que je préfère. Si je l’écoute sur Spotify, j’aime parfois l’expérience de la non-linéarité qui consiste à l’écouter en aléatoire. Pour moi, c’est une réussite si je peux écouter l’EP de cette façon en répétition et ne pas m’ennuyer ou mieux encore, si cela me donne envie de creuser pour trouver plus de musique de l’artiste. Comme il y a de nombreuses personnes qui apprécient un EP autant qu’un album, il existe une certaine valeur à en faire un. Les gens ont pu dire que les services de streaming tuaient ce genre de sorties, mais je pense vraiment le contraire. En tant que propriétaire d’un label, si je vois quelqu’un qui met assez d’énergie pour faire un album, cela montre certainement beaucoup de maturité et le rend spécial à mes yeux. Que ce soit de manière instinctive ou planifiée, ce sont des exemples parfaits de la manière de faire un EP.

L’ŒUF OU LA POULE : PRÉPARER UN EP À PARTIR DE CE QUE J’AI DÉJÀ OU PARTIR DE ZÉRO?

De nombreuses personnes font régulièrement de la musique dans l’idée de la publier un jour. Si vous y réfléchissez, si vous passez d’un projet à l’autre, vous explorerez certainement des ambiances, des techniques, des logiciels et des idées différents. Si vous travaillez sur du matériel physique, votre musique aura surtout une sorte d’esthétique commune, mais avec l’ordinateur, elle se répand à peu près partout puisque vous avez accès à tant d’outils et de samples.

Il est un peu plus difficile de garder quelque chose de cohérent et vous pouvez facilement commencer à faire une musique complètement différente de celle que vous avez faite précédemment. Si vous vous souvenez de certains articles sur mon approche du travail non linéaire, vous travaillerez ici et là et vous pourrez emprunter certaines idées d’une chanson qui ne fonctionne pas, pour une autre qui a besoin de quelque chose de spécifique.

L’idée de comment faire un EP est, à ma connaissance, d’essayer de proposer 3-4 chansons qui ont la même direction et la même esthétique. Une des idées qui sous-tendent ma démarche consiste à toujours essayer de travailler sur plusieurs chansons, à les porter à environ 90 % et à les exporter dans un dossier comme référence.

Plus tard, lorsque je travaillerai sur un EP ou un album, j’irai dans ce dossier, écouterai les morceaux. Je saurai alors lesquels ont des similitudes, ce qui me permettra de travailler sur les derniers 10 % qui manquent pour les terminer. Chaque fois que des clients viennent me voir car ils ne parviennent pas à finir des chansons, il faut leur préciser que ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose. Vous pouvez vous entraîner à les terminer, mais ce n’est pas indispensable. C’est la même chose quand on commence à se demander ce qui se passera si je fais ceci ou cela. Je crois qu’on peut répondre à ces questions après avoir laissé mûrir la chanson pendant quelques semaines.

Comment faire un EP — Objectif et direction

Credit: Blocks

Une des choses dont nous avons beaucoup parlé sur ce blogue est qu’il n’y a pas de secrets pour faire de la musique si vous pouvez analyser une chanson de référence. En fin de compte, la réalisation d’un EP est parfois aussi simple que de se référer aux formules des artistes précédents. Beaucoup de gens avec qui je travaille craignent pourtant qu’un morceau de référence n’entache leur direction artistique de sorte qu’ils ne se sentent plus eux-mêmes.

Ce qui me fait sourire, c’est que ces personnes sont les plus susceptibles de venir me voir et me dire qu’elles sont perdues. Vous pouvez utiliser un EP/LP de référence comme moyen de sélectionner les chansons qui vont faire partie du même projet. Par exemple, un EP très important pour vous comportait 5 titres, dont 2 étaient des titres d’ambient et les autres avaient une approche différente. C’est peut-être quelque chose à envisager.

La façon dont je vois l’utilisation d’un projet de référence dans ces conditions est que vous vous serviez d’un cadre pour ensuite le supprimer. Le nombre de titres d’un EP est une question de préférence, en fonction de l’objectif que vous vous êtes fixé pour celui-ci.

Une chose qui dérange beaucoup les gens, est quand ils commencent à penser à ce que l’auditeur attend. Il y a un équilibre entre les personnes qui veulent le même type de musique d’un artiste d’une sortie à l’autre, et celles qui veulent que l’artiste garde un caractère central, mais qu’il évolue, change et ne répète pas les mêmes formules. Il peut s’agir du même type d’équilibre entre les personnes qui veulent un album ou un EP — toutes les pistes sont légèrement identiques ou toutes les pistes sont très différentes les unes des autres.

Où vous situez-vous dans tout cela?

Où vous voulez. Ne vous inquiétez pas trop, car quoi qu’il arrive, certaines personnes aimeront votre travail et d’autres ne l’aimeront pas de toute façon. Une approche que j’ai est d’imaginer mon projet pour un ami en particulier. Comment l’aimerait-il? Ou pour un DJ… qu’est-ce qu’ils aiment?

Parfois, je trouve qu’un bon exercice pour compiler quelques morceaux pour un EP est de penser à mon objectif actuel. Comment ces morceaux répondent-ils à mon propre besoin, aujourd’hui, lors de la composition d’un EP?

ÉTAT D’ESPRIT

Préparer un EP commence et finit avec l’état d’esprit. Il y a différents moments où vous aurez le temps de faire de la musique. J’aime aborder ma session avec une intention, sinon je me perds rapidement, soit en résolvant des problèmes, soit dans des détails qui ne sont pas utiles en fin de compte. Les différentes intentions peuvent être énumérées comme suit :

Conception sonore, gribouillage, test de nouveaux outils.
Assembler des boucles, créer des motifs, programmer des séquences.
Passer en revue les idées pour voir ce qui fonctionne ou non.
Arrangements.
Optimiser les idées.
Apprentissage de techniques.
Résolutions de problèmes.
Finalisation des chansons.

MA MÉTHODE

L’erreur d’un producteur débutant est d’aborder l’utilisation de son temps sans intention et de s’occuper de ce qui se présente. Cela fonctionne la plupart du temps, mais vous n’utilisez pas votre temps à bon escient. Si vous commencez une session avec une chose en tête, vous ne serez pas distrait par la poursuite d’une autre chose qui vous éloigne de ce que vous essayez de réaliser. Votre esprit peut faire quelque chose de vraiment bien si vous y mettez toute votre énergie. En ce sens, j’ai développé une confiance naturelle en moi, qui me dit que, quoi qu’il arrive, un futur moi pourra réparer ou récupérer mon travail à un moment donné.

Credit: Nguyen Dang Hoang Nhu

Cette approche est un appel ouvert à travailler sur plusieurs projets et chansons en même temps, et facilite le processus de création d’un EP. Vous créerez un immense réservoir de sons et d’idées qui sera prêt pour les moments où vous vous sentirez créatif et ferez des boucles, le cœur d’une chanson.

Il est important de capturer l’ambiance de la chanson et d’essayer de la finaliser rapidement pour ne pas la surcharger, mais vous pouvez aussi créer un tas d’idées squelettes que vous finirez plus tard. Gardez à l’esprit que si vous faites de la musique régulièrement, vous vous améliorez et serez encore plus compétant à l’avenir.

Cet état d’esprit reste ma meilleure approche de l’année dernière, lorsque j’ai réfléchi à la façon de faire un EP, c’est ce qui m’a permis de créer beaucoup de musique. Il est facile de me perfectionner au point de pouvoir, en toute inspiration, créer une chanson à partir de rien. L’autre état d’esprit que je trouve utile est d’enregistrer le plus souvent possible des petits moments en live.

La raison en est de savoir ce que l’on ressent quand on improvise, quand on joue, quand on vit la chanson au lieu de la faire en cliquant avec la souris. C’est particulièrement important pour que vous puissiez peut-être imaginer si votre musique s’adapte aux podcasts et aux sets d’un artiste. Vous voulez avoir ce facteur plaisir tout en étant essentiel à l’arsenal d’un artiste.

Un autre avantage d’avoir un état d’esprit précis est que lorsqu’il s’agit de travailler sur un EP ou un LP, les 2 états d’esprit qui en bénéficieront réellement seront la partie d’optimisation ainsi que la finalisation. Je préfère avoir 10 chansons inachevées puis en choisir 4, les terminer selon une seule esthétique pour les unifier plutôt que d’avoir 10 chansons finies qui ne sont pas vraiment cohérentes ensemble. Si vous achetez souvent de la musique et que vous cherchez un EP, qu’est-ce qui attire votre attention et quel genre d’EP vous fait envie?

ESTHÉTIQUE

Maintenant que vous savez que vous pouvez avoir un tas de chansons presque terminées et que les derniers 10 % de polissage peuvent faire avancer tout votre projet, je vous entends demander comment ce dernier détail peut être réalisé. Il y a différentes choses que l’on peut faire, mais généralement ce qui unifie un projet, si l’on se réfère aux techniques, peut être classé en différents groupes :

BASÉ SUR LA CONCEPTION SONORE

Un bon exemple est la façon dont l’utilisation d’un même ensemble de sons peut créer une unité. Par exemple, une batterie 808 pour toutes les chansons donne l’impression que toutes les chansons ont le même noyau, mais vous pouvez ajouter des idées différentes autour. Il en va de même pour un synthé en particulier, où Mathew Jonson est un très bon exemple. En ce sens, construire un kit de percussion est vraiment utile.

Il y a plusieurs façons d’en construire un, mais ma façon préférée est d’utiliser XO by XLN parce qu’il crée une carte de tous les sons que j’ai et les met aussi de façon à ce que les sons similaires soient rapprochés. Ainsi, vous pouvez non seulement créer un kit basé sur un autre, mais vous avez toujours la possibilité de rechercher une vaste sélection et de ne pas aller trop loin. C’est le genre d’outil dont je rêvais, non seulement ils l’ont fait, mais ils l’ont amélioré par rapport à ce que j’aurais fait.

BASÉ SUR LES EFFETS

Les principaux effets qui peuvent rapprocher un projet, du subtil au radical, sont ceux qui sont colorés. Pensez à la réverbération pour le Dub, à la distorsion pour le breakbeats ou aux effets lofi pour la house old school. Ils sont la clé, la signature du genre, et aident à définir comment faire un EP qui se ressemble. Parfois, il est intéressant de reprendre toutes les pistes d’un EP et d’utiliser le même rack d’effets. Il est facile de l’importer dans chacun des morceaux et vous pouvez sauvegarder quelques presets qui sont facilement paramétrables.

Il existe de nombreux plug-ins liés à l’esthétique que vous pouvez utiliser et essayer. Je n’hésiterais pas non plus à les mettre simplement sur le bus Master (oui, je suis sérieux) ce qui vous donnera une version très colorée, que vous pourrez enlever par la suite. Mais comme je le dis souvent, il faut exagérer les choses pour voir jusqu’où on peut aller sinon, si vous allez avec 2-3 % de dry/wet à la fois, vous ne verrez jamais vraiment le tableau complet. Je trouve qu’un multi-effet comme le RC-20 by XLN peut vous donner une très bonne idée de votre chanson dans un nouvel espace. Il ajoute de la saturation et du bruit de fond. Il donne à votre chanson l’impression d’être tirée d’un dubplate. Plutôt impressionnant.

BASÉ SUR LE TIMBRE (TONE)

Une chose que je vois quand je fais le mastering d’un EP, c’est la cohérence du timbre (tone). Quand il n’y en a pas, je l’accentue généralement pour plus de cohérence. C’est bizarre d’avoir une chanson super brillante au milieu de quelques autres plus sombres. Si c’est artistique, ça peut marcher, mais ça rend l’écoute un peu cahoteuse. Si vous utilisez Fabfilter Pro-Q3, vous pouvez appliquer une courbe d’égalisation d’une chanson à l’autre. Parfois, vous pouvez avoir une courbe pour un EP que vous appliquez sur toutes les chansons. Cela peut donner des résultats intéressants.

HISTOIRES COMPLÉMENTAIRES

Dans un article précédent, j’expliquais comment vous pouvez superposer tous vos morceaux et voir comment ils seraient mixés du point de vue d’un DJ. Avez-vous essayé de les superposer pour voir si de belles combinaisons sont possibles?

Templates

Comme expliqué précédemment, j’aime sauvegarder les arrangements d’une chanson pour les conserver comme modèles pour les futures. C’est très pratique pour accélérer le processus de passage d’une boucle à une chanson.

Comment communiquer avec un ingénieur du son?

décembre 2, 2020/dans Blogue, Conseils, Finalisation de tracks et arrangements/par pheek

how to communicate with audio engineer photo J’aime travailler avec des artistes non établis. C’est la raison même du Pheek’s Coaching Corner, et c’est pourquoi je propose mes services à un prix raisonnable. Travailler avec de nouveaux artistes est très enrichissant, car je trouve que les premières œuvres des artistes sont souvent les plus créatives et les plus brutes. C’est chez ces musiciens que l’on trouve des choses qui peuvent être considérées comme originales, présentant les vestiges d’un genre entièrement nouveau. C’est ce point d’équilibre qui existe avant qu’ils ne dérivent de leur propre travail, avant qu’ils ne se tournent vers un style socialement plus acceptable. Cependant, non établi signifie généralement inexpérimenté dans le reste de l’industrie de la musique. Il y a certaines choses que les artistes et les ingénieurs doivent comprendre lorsqu’ils travaillent ensemble, simplifiées par une bonne communication. Si vous êtes capable de traduire les choses dans une langue que l’ingénieur comprend, votre expérience sera beaucoup plus agréable. Dans ce guide, je vous donnerai des conseils, des astuces et des méthodes pour rendre ce processus aussi fluide que possible. Voici donc comment communiquer avec un ingénieur du son.

Tout d’abord, il est nécessaire d’exposer ce que fait et ne fait pas un ingénieur du son chargé du mixage et du mastering.

CE QUE PEUT FAIRE UN INGÉNIEUR DU SON

1. SON TRAVAIL CONSISTE À SIMPLIFIER ET À SERVIR DE MÉDIATEUR

Les gens viennent chez quelqu’un comme moi soit pour obtenir des conseils, soit pour avoir accès à un ensemble d’outils dans lequel ils n’investiraient pas autrement. Je dispose d’un certain nombre de plug-ins et de matériel qui permettent de s’assurer que les choses sonnent bien et se traduisent bien sur le plus grand nombre de supports possible. De plus, j’ai accès à des outils de création dont les artistes ignorent peut-être l’existence, mais qui pourraient s’appliquer à leur son.

De plus, les artistes viennent me voir pour obtenir des conseils sur la manière d’utiliser leur son. Ont-ils besoin d’éléments supplémentaires pour atteindre leurs objectifs? Ont-ils un blocage d’écriture, ou leurs compétences les limitent dans ce qu’ils veulent faire ensuite? C’est mon travail de trouver des ressources qui les aideront à atteindre leurs objectifs. Ces ressources sont un sujet que j’aborderai plus loin dans cet article.

2. SON TRAVAIL CONSISTE À COMPRENDRE LE GENRE AVEC LEQUEL ILS TRAVAILLENT

how to communicate with audio engineer

Tous les genres ne sont pas les mêmes et nécessitent un équipement différent. Si vous deviez enregistrer un disque de cow-boy du Far West, ce n’est probablement pas la meilleure idée de se tourner vers un producteur de micro house. Cependant, des groupes de rock sont venus me voir parce qu’ils voulaient que l’essence de leur album soit électronique, tout en restant un album de rock.

Si vous venez me voir en tant que producteur microhouse, c’est que je suis dans ce genre depuis un certain temps et que j’ai beaucoup de ressources à ma disposition. Il m’est donc facile de les exploiter et de trouver des références ou de communiquer avec d’autres artistes qui ont des astuces pour vous aider à porter votre morceau au niveau supérieur.

Cette compréhension du genre me permet de faire de l’ingénierie inverse sur certains aspects de la musique et de l’appliquer à votre morceau. Vous avez un problème avec la simulation d’un certain effet de texture que vous avez entendu sur une piste microhouse? Il y a de fortes chances que je sache comment s’en approcher avec les ressources et l’expérience que j’ai.

De plus, nous savons comment contrôler des choses comme les basses fréquences si vous créez une chanson destinée au club. N’oubliez pas qu’il y aura une compétition entre les fréquences communes d’une autre chanson, comme le kick ou le hi-hat. Il est bon de savoir comment modérer ces choses pour un environnement de club, et c’est là que les ingénieurs entrent en jeu.

3. LES INGÉNIEURS DU SON COMPRENNENT LES ASPECTS TECHNIQUES D’UNE SORTIE

Savez-vous à combien de LUFS doit se situer le volume sonore d’une piste exportée en sortie du limiteur pour être correctement normalisée sur Spotify? Et pourquoi pas SoundCloud ou Beatport? Chaque plateforme a des variations de volume différentes dans son codec, et souvent, si vos morceaux ne sont pas téléchargés en tenant compte de ces normes, il peut y avoir des problèmes de traduction. C’est là qu’interviennent les ingénieurs du son. Nous comprenons ces choses ennuyeuses et non créatives et nous savons comment les réaliser dans le mixage et le master, afin que vous puissiez vous concentrer sur votre créativité. Mais si vous voulez apprendre, nous pouvons aussi jouer le rôle d’instructeur.

4. NOUS AIDONS À METTRE L’ACCENT SUR LES MEILLEURES PARTIES

Disons que vous avez un élément plus faible dans votre morceau. Nous pouvons le reconnaître, et aider à le faire ressortir dans le mix, ou même ajouter des éléments qui l’aideront à mieux passer à la partie suivante de la chanson.

CE QU’UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS FAIRE

1. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT PAS PLAIRE À TOUT LE MONDE

La perception est la réalité, et certaines personnes ont une perception différente de ce que les choses sont censées être. Surtout lorsqu’il s’agit de leur art. Avec l’audio, les producteurs sont vraiment attachés à leurs sons, pensant qu’ils devraient être spécifiquement à cet endroit du mix, alors qu’en réalité, cela ne se traduira probablement pas comme ils le voudraient. Cela peut venir du fait d’entendre ce son encore et encore dans une pièce particulière, ou sur un support d’écoute pendant la création. Cependant, dans une pièce bien traitée, avec un équipement calibré, ou à l’inverse, dans un club avec un bon ou un mauvais système de sonorisation, il se peut que le son ne se traduise pas exactement comme vous l’aviez prévu. Certaines personnes sont plus judicieuses à ce sujet, et acceptent la réalité. Cependant, d’autres ne peuvent tout simplement pas être satisfaites.

C’est pourquoi j’adopte l’approche selon laquelle il vaut mieux endommager le moins possible un morceau, tout en laissant les fréquences respirer correctement, et le traduire sur le support sur lequel l’artiste imagine qu’il sera écouté.

C’est pourquoi il est important de savoir comment communiquer avec l’ingénieur du son, afin que nous puissions tous deux parvenir à une compréhension mutuelle grâce aux techniques dont je parlerai un peu plus loin.

2. UN INGÉNIEUR DU SON NE PEUT JAMAIS DIRE CE QUI SONNE BIEN ET CE QUI NE SONNE PAS BIEN, ARTISTIQUEMENT

Pour développer l’idée d’endommager le moins possible un morceau, il faut noter que, comme tout autre art, la musique et le son sont subjectifs. Bien sûr, il y a de bonnes pratiques pour traduire quelque chose, et le téléverser correctement sur des plateformes, mais en ce qui concerne le timbre et l’esthétique d’un son, c’est absolument subjectif. Il y a une raison pour laquelle les admirateurs de techno ne peuvent pas être d’accord sur le fait que toute la techno est bonne, même si c’est le même genre. Là où tout le reste est identique, c’est le degré sonore qui définit en fin de compte une chanson.

Ce n’est pas pour rien que certains préfèrent les cris frénétiques et les lignes de basse martelantes du SH101 de Nitzer Ebb aux douces rêveries de John Prine. En fait, ils peuvent détester John Prine, et les admirateurs de John Prine peuvent détester Nitzer Ebb. Cela signifie-t-il que l’un est meilleur que l’autre? Non, parce que nos réalités sont subjectives.

C’est mon travail de vous aider à obtenir le son que vous désirez réellement, en utilisant des références à d’autres morceaux, ou en ayant une communication claire et simple.

Cependant, il faut noter que nous savons ce qui sonne bien, techniquement. Par exemple, si vous faites de la musique pop, ou si les gens écoutent votre musique (alternative ou pop), ils aiment les médiums, parce que les médiums se traduisent mieux sur les systèmes de haut-parleurs courants, et les écouteurs. Il y a de fortes chances que si vous soumettez votre morceau sur un blogue, il ne sera pas écouté sur un système de sonorisation : il peut être écouté sur un téléphone, allongé sur le lit, et donc riche en médiums.

3. FOURNIR UNE CRITIQUE SANS AVOIR DE SOLUTION

Le talent est subjectif. Il en va de même si quelque chose semble bon. Par conséquent, si un ingénieur donne un avis ou dit que quelque chose pourrait être mieux, il est de son devoir professionnel d’avoir un moyen de l’arranger. C’est pour cela que nous sommes engagés. Cependant, si vous ne recherchez pas ce genre de retour d’information, il est bon que ce rôle soit clairement défini à l’avance.

CONSEILS POUR COMMUNIQUER AVEC UN INGÉNIEUR DU SON

1. GARDER LES CHOSES SIMPLES

how to communicate with audio engineer

Les ingénieurs comprennent que les artistes ont beaucoup de choses à dire sur leur travail et qu’ils peuvent utiliser un langage poétique pour le communiquer. Et cette prose conduit parfois à l’élaboration. Cependant, il existe un dicton dans le domaine de la vente, appelé K.I.S.S., qui signifie « Keep It Simple, Stupid » (« Garde ça simple, idiot », dans le sens de « ne complique pas les choses »). C’est parce que les gens comprennent les choses si elles sont simplifiées. Pas besoin d’être technique, ou d’élaborer. Il suffit de dire ce que vous voulez dire. Un bon moyen de communiquer facilement est de donner des exemples de choses qui existent déjà. Soyons réalistes, rien n’est nouveau sous le soleil, donc si nous pouvons identifier l’origine de cette idée, alors peut-être qu’elle peut être recréée, avec un épanouissement qui la fera vôtre.

Pas besoin d’écrire une page entière de texte. Au lieu de cela, il suffit de rester simple. N’utilisez pas non plus de mots vagues comme « Je veux que ça sonne bien ». Cela ne veut rien dire, et c’est subjectif. Ce qui m’amène à mon prochain point…

2. FOURNIR DES RÉFÉRENCES

Pour compléter ce que j’ai dit plus tôt, nous empruntons tous des idées. Même si votre track emprunte beaucoup d’idées différentes et crée quelque chose de nouveau, si vous réfléchissez bien, vous pouvez trouver des morceaux qui donnent le sentiment que vous recherchez, qui peuvent donner des indices sur les fréquences, et maîtriser les caractéristiques que vous voulez égaler.

Les références n’ont pas non plus besoin d’être sonores, elles peuvent être culturelles. Disons que vous imaginez que votre chanson sera jouée en after-hours. Cela signifie que la chanson sera probablement jouée dans un endroit peu fréquenté, ou dans un lieu long et étroit qui n’est pas habituellement utilisé pour la musique. Cela nécessite un mixage spécifique et un prémastering pour exprimer correctement tout son potentiel.

De plus, il y a des moments où l’on crée quelque chose qui n’existe pas. Je ne peux pas savoir comment créer quelque chose s’il n’y a pas de référence, alors ne demandez pas cela, car il est impossible de le savoir sans d’interminables ajustements.

3. CONTACTEZ-NOUS AVANT D’ACHETER

C’est vrai surtout si vous avez des doutes. Vous n’engageriez pas quelqu’un sans l’avoir testé normalement, alors pourquoi cela serait-il différent? Si vous avez une chanson qui, selon vous, pourrait correspondre à mon esthétique, mais pas tout à fait, alors laissez-moi l’écouter, et je vous ferai savoir si je pense qu’elle vaut la peine d’être travaillée. Croyez-moi, je ne veux pas travailler sur des projets inutilement difficiles, comme vous ne le faites pas.

Vous seriez surpris de voir sur quels projets j’ai travaillé. Par exemple, même si je fais de la musique « underground », j’ai travaillé sur un projet EDM, parce que le producteur aimait que je ne sonne pas EDM.

4.CONNAÎTRE QUELQUES TERMES DE BASE

En tant que producteurs, beaucoup ont au moins quelques connaissances de base sur le spectre de l’ingénierie du son. La plupart savent ce que sont les égaliseurs et les compresseurs, ainsi que la réverbération ou le délai. Ils savent également ce que signifient mono et stéréo. Cependant, il peut y avoir des choses plus spécifiques qu’ils ne connaissent pas, par exemple la différence entre un master transparent et un master coloré. Un master transparent est un mixage dont vous êtes satisfait, mais vous voulez que tout soit bien équilibré. Un master coloré est un mix dont vous n’êtes pas totalement satisfait, et pour lequel vous souhaitez ajouter des textures et d’autres éléments, tels que la compression et la saturation, afin de faire ressortir de nouveaux éléments. En d’autres termes, cela ne vous dérange pas que les choses soient modifiées.

LES AUTRES TERMES COURAMMENT UTILISÉS DANS LES STUDIOS POUR DÉCRIRE LES FRÉQUENCES SONT :

Muddy (Boueux) : Trop de basses.

Boxy : Trop de médiums.

Tinny : Les médiums supérieurs ou les aigus inférieurs ont besoin d’être réduits.

Bright (Brillant) : Semblable à « Tinny ».

Airy (Aéré) : Les hautes fréquences. Celles qui peuvent briser le verre.

Warm (Chaud) : Réduire les aigus ou augmenter les basses fréquences pour donner une sensation de chaleur.

5. NE PAS FAIRE DE LA MICROGESTION

Vous détestez la microgestion au travail? Eh bien, tout le monde la déteste aussi. En faisant de la microgestion, vous vous détournez du travail qui pourrait être fait sur votre projet en indiquant des choses que l’ingénieur reconnaît, mais qui ne doivent pas être faites, ou qui ne sont peut-être même pas nécessaires une fois qu’un autre processus sera fait. Nous sommes des professionnels ; soyons professionnels.

Conclusion :

Tout compte fait, si vous apprenez à communiquer correctement avec l’ingénieur du son, vous vous améliorez dans ce que vous faites, parce que vous poursuivez votre formation en comprenant les termes. En outre, vous devenez plus facile à travailler avec et, à un niveau professionnel, un travail facile peut vous mener loin.

Cet ensemble de compétences vous aidera également dans d’autres entreprises artistiques, telles que la collaboration musicale à distance, ou la réalisation de projets DAW collaboratifs, ou même de projets DAW collaboratifs en ligne.

Nous espérons que ce guide s’avérera utile pour aider les artistes à communiquer avec les ingénieurs du son. Comme dans la plupart des choses dans la vie, une communication solide, signifie une expérience solide.

Le dilemme des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House

novembre 19, 2020/dans Blogue/par Alex

Si vous êtes comme moi, lorsque vous avez regardé le nouveau docudrame de Netflix, Derrière nos écrans de fumée (The Social Dilemma), vous avez ressenti un sentiment de dégoût. Le principal enseignement à retenir : les médias sociaux ne créent pas de dépendance par hasard, mais par conception. Les effets des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House ne font pas exception.

Facebook, Google, Twitter et d’autres conglomérats médiatiques ont investi une quantité colossale de ressources pour s’assurer que votre cerveau réagit activement à la dopamine lorsque vous utilisez leur plateforme : la même réaction que les gens obtiennent en consommant de la drogue, de l’alcool ou en ayant des relations sexuelles.

Ils ont engagé les plus brillants neuropsychologues et spécialistes du comportement pour travailler main dans la main avec les concepteurs d’interfaces afin de vous garder captivé et de faire gagner de l’argent à leurs investisseurs. Ceci, en plus d’un algorithme qui alimente un contenu personnalisé basé sur vos interactions précédentes, a eu pour conséquence la diffusion de fausses nouvelles, de mensonges, et la polarisation au sein de nos communautés. Certes, ce n’était pas leur intention dès le départ, mais souvent la route de l’enfer est pavée de bonnes intentions.

Cependant, c’est un mal nécessaire à bien des égards. Alors que le marketing était autrefois réservé aux personnes aisées et étroitement connectées, les médias sociaux ont ouvert une sorte d’écosystème démocratique où, si vous jouez bien le jeu (les algorithmes), un producteur en herbe peut désormais atteindre une base d’admirateurs ciblée avec peu ou pas d’investissement.

Cela a permis à de nombreux jeunes producteurs d’avoir une chance de réussir en s’appuyant sur leur savoir-faire et leur talent, plutôt qu’en s’appuyant sur une série de consultants en marketing. Mais avec cela, vient la responsabilité ultime de ces artistes, qui, quelle que soit leur taille, alimentent la machine de libération de dopamine à des fins publicités, au profit des mégacorporations.

Cependant, certains artistes sont sortis de la course folle des médias sociaux et ont trouvé d’autres moyens de se mettre en réseau. Certaines de ces méthodes sont créatives, tandis que d’autres sont dangereuses. Dans cet article, j’espère exposer mon point de vue sur les avantages et les inconvénients des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House, les moyens de se détacher de l’emprise de ces mégacorporations par le biais de canaux médiatiques alternatifs, et les techniques que vous pouvez utiliser pour atteindre un équilibre médiatique sain.

DANS QUELLE MESURE SOMMES-NOUS RESPONSABLE, EN TANT QU’ARTISTES ET LABELS, DE LA DÉPENDANCE DES GENS AUX MÉDIAS SOCIAUX?

En tant que « créateurs de contenu », nous sommes le carburant du tristement célèbre moteur des médias sociaux. En créant des choses avec lesquelles les gens interagissent, nous renforçons les circuits de la récompense dans le cerveau de notre public. Chaque fois que nous créons quelque chose de qualité, nous sommes responsables d’une brève libération de dopamine chez notre public. C’est ce qui incite nos admirateurs à revenir sur notre page, à écouter notre musique, à interagir avec nous. Mais en fin de compte, cela permet aux gens de rester plus longtemps sur la plateforme, ce qui permet aux annonceurs de les solliciter, et aux informations rapides de les rassasier, ce qui influence leurs opinions.

Cependant, ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose si les créateurs de contenu créent quelque chose que les gens veulent finalement voir, surtout les artistes. En diffusant une chanson, à moins qu’elle n’ait un but plus important que le simple plaisir d’écoute, nous ne créons pas de désinformation, nous ne suscitons pas la peur, ni ne favorisons la division. Cependant, en les gardant sur la plateforme, nous donnons à ces mauvais acteurs plus de possibilités d’avoir un impact sur nos admirateurs. Nous devons nous rappeler que chaque fois que quelqu’un commente notre travail et reçoit une réponse, négative ou positive, nous stimulons ce cheminement neuronal et nous le maintenons captif de la plateforme.

LES AVANTAGES DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE

1. PROMOTION

C’est assez évident. Dans le passé, il fallait passer des jours à envoyer des démos et des communiqués de presse aux chaînes de médias pour qu’elles les diffusent. Si vous étiez plus doué pour le numérique, vous pouviez créer une liste de diffusion, mais cela prenait du temps pour que les gens s’y inscrivent lors de concerts, sur votre site ou par le biais d’un réseau général.

Si vous vouliez faire de la publicité, vous deviez acheter un article dans un magazine, un prospectus ou vous inscrire sur la liste de diffusion de quelqu’un d’autre. Les annonces dans les magazines coûtent cher et ne sont pas accompagnées d’un bouton d’appel à l’action. Les dépliants sont également coûteux et ne peuvent être suivis ou ciblés. S’inscrire sur la liste de diffusion de quelqu’un d’autre coûte aussi de l’argent, et n’est pas nécessairement ciblé non plus, car il s’agit de la base d’admirateurs de quelqu’un d’autre, pas de la vôtre.

Aujourd’hui, grâce aux médias sociaux, vous pouvez publier un message et vos plus grands admirateurs le verront en fin de compte, car ils sont importants d’un point de vue algorithmique. De plus, si vous voulez promouvoir quelque chose au-delà de vos admirateurs, vous pouvez le déposer dans les centaines de groupes Facebook ciblés qui existent, utiliser des mots-clics ou dépenser entre 1 et 3 cents par publicité ciblée. Bien sûr, il y a plus de brouhaha aujourd’hui, mais vous savez que vos publicités passent devant des gens qui s’en soucient et que vous ne tuez pas les arbres avec tout le papier que vous imprimez.

2. RÉSEAUTAGE

photo of checking social media for minimal house producers

Nathan Dumlao

Les labels, les artistes, les groupes sont tous sur les médias sociaux. Il s’agit d’un canal qui vous permet de vous faire connaître des labels avant de les solliciter. Vous pouvez aimer leurs messages, commenter leurs œuvres, leur envoyer des messages privés sur Instagram et les identifier dans vos messages Twitter. Une fois que vous aurez fait tout cela, à moins qu’il ne s’agisse d’un énorme label, ils reconnaîtront votre nom et seront donc plus enclins à examiner vos trucs lorsque vous les leur enverrez. En psychologie, on appelle cela « effet de simple exposition », c’est-à-dire que si quelqu’un connaît quelque chose, même inconsciemment, il est plus enclin à s’y intéresser.

En tant que producteur, vous souhaitez probablement que votre musique soit jouée par des DJ et respectée par vos pairs. Ces artistes sont pour la plupart tous présents sur les médias sociaux. En faisant la même chose que pour les labels, vous pouvez, avec un peu d’effort, leur faire connaître votre nom et augmenter ainsi vos chances de leur faire écouter votre morceau. Ces artistes peuvent également constituer une passerelle précieuse vers des réseaux auxquels vous n’auriez pas accès autrement. En vous liant d’amitié avec ces artistes par le biais des médias sociaux, vous pouvez vous aussi bénéficier d’une partie de cet accès.

De plus, il ne faut jamais sous-estimer l’utilité des groupes Facebook. Par exemple, le Pheek’s Coaching Corner, celui que je dirige, a été créé pour trouver des personnes qui partagent les mêmes idées que moi. J’ai établi de nombreux liens précieux grâce à lui.

3. PAGES D’ARTISTES

La plupart des labels attendent de vous une présence sur les médias sociaux (sauf dans de rares exceptions, que je vais aborder), car cela témoigne d’un certain professionnalisme. Cela permet également aux promoteurs et aux autres acteurs du secteur d’évaluer les possibilités de commercialisation, ce qui ouvre de nouvelles perspectives.

LES INCONVÉNIENTS DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE :

1. ILS PRIVENT LES PRODUCTEURS DE TEMPS POUR LA CRÉATION

Les médias sociaux sont distrayants pour la même raison que celle pour laquelle ils sont utiles : ils produisent de la dopamine pour vous tout autant que pour les admirateurs. En interagissant avec les médias sociaux, vous participez à cette boucle de rétroaction sans fin. Par conséquent, cette boucle de rétroaction peut distraire les producteurs de la création réelle. Comme Chris Liebing l’a récemment déclaré dans son podcast DJ’s and Beers, chaque fois qu’il répond à un commentaire sur Instagram, c’est une chose de plus qui l’empêche de faire de la musique.

Alors que les grands artistes comme Liebing peuvent être plus désensibilisés à leurs interactions sur les médias sociaux, puisqu’ils en reçoivent beaucoup, ce n’est pas toujours le cas pour un petit artiste. Un nouveau commentaire, ou un nouveau like peut être très distrayant, puisqu’il produit un high, d’une certaine manière. Chaque fois que votre téléphone vibre, ou sonne, vous êtes éloignés de ce sur quoi vous travaillez en ce moment, et cela finira par affecter vos résultats.

2. TROUBLES DE SANTÉ MENTALE

L’utilisation des médias sociaux pour les producteurs de Minimal House peut être dangereuse. 73 % des musiciens déclarent souffrir d’une maladie mentale quelconque, et sont trois fois plus susceptibles de souffrir de dépression.

En outre, des recherches ont montré que l’utilisation des médias sociaux est à l’origine d’une augmentation de la dépression. Dans une étude publiée dans le Journal of Clinical and Social Psychology, les chercheurs ont conclu que « si vous utilisez moins les médias sociaux, vous êtes en fait moins déprimé et moins seul, ce qui signifie que la diminution de l’utilisation des médias sociaux est ce qui provoque ce changement qualitatif dans votre bien-être ».

Cette combinaison est instable et peut avoir de graves conséquences si elle n’est pas correctement gérée.

3. LA VIE PRIVÉE UTILISÉE À DES FINS COMMERCIALES PAR LES GRANDES ENTREPRISES

artistic representation of tracking social media for house music producers

Tony Liao

Une citation qui m’a frappé dans Derrière nos écrans de fumée était l’adage commercial suivant : « Si une entreprise ne vous vend rien, alors vous êtes le produit. » Chaque interaction que vous faites sur les médias sociaux est analysée par des algorithmes, conçus par des spécialistes des données et des sciences cognitives reconnus comme les meilleurs et les plus brillants au monde. Penser que ces algorithmes ignorent vos secrets et vos désirs personnels les plus profonds est une ignorance délibérée. Ils existent pour vous hypercibler et vous vendre des produits, de sorte que les annonceurs continuent à utiliser leurs services. À moins que vous n’installiez des plug-ins et des logiciels, ces algorithmes vous suivent bien au-delà de la plateforme, en examinant comment vous interagissez avec tous les sites web, et pas seulement les leurs, en utilisant des témoins et des pixels de traçage. Ils vous écoutent sur votre téléphone et traduisent ce que vous dites en texte à analyser (si vous pensez que le « talk to text » n’était qu’une commodité, détrompez-vous). La fois où vous avez cherché quelque chose qui n’existe que dans votre dossier médical? Eh bien, c’est enregistré aussi.

COMMENT SE DÉTACHER DES MÉDIAS SOCIAUX POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE

Il n’est pas nécessaire d’être esclave des médias sociaux ; il y a des artistes qui s’en sortent en ne les utilisant pas du tout. Ricardo Villaobos n’a pas de présence dans les médias sociaux, et il est une étoile dans le milieu de Minimal House. Nils Frahm n’en a pas, et il est considéré comme l’un des plus grands pianistes vivants. Burial n’en a pas non plus. Aphex Twin non plus (ou du moins un qui est entretenu de manière sérieuse). Cependant, à l’exception de Frahm et de Burial, la carrière de ces artistes s’est épanouie avant l’avènement des médias sociaux.

Alors comment ces artistes peuvent-ils s’en sortir et quelles sont les alternatives aux médias sociaux pour les producteurs de Minimal House?

Dans le cas de Ricardo, il s’est fait des relations en faisant la fête de façon excessive. Des soirées tardives avec des promoteurs, des professionnels des relations publiques et de l’A & R lui ont permis de faire des promesses chimiquement induites, qu’il a suivies. Si Ricardo n’est pas présent dans les médias sociaux, les memes de son visage en sueur et en manque de sommeil le sont certainement.

Frahm a eu une présence dans les médias sociaux jusqu’en 2017/2018, date à laquelle il a décidé de la désactiver avant de travailler sur All Melody. À ce moment-là, il était déjà mondialement reconnu, dont le label et le publiciste lui ont valu toute la promotion dont il avait besoin pour soutenir sa carrière. Il a également étudié sous la direction de Nahum Brodsky, un protégé de Tchaïkovski, il était donc évidemment connecté.

Burial avait quelques atouts pour lui. Le premier, c’est que sa valeur marchande se trouvait dans son énigme et son mystère. Le fait d’être présent dans les médias sociaux aurait joué contre lui à bien des égards. Il a également commencé à envoyer des démos à Hyperdub en 2002, des années avant que les médias sociaux ne soient une nécessité. Une chose que l’on ne peut pas non plus ignorer, c’est l’endroit où Burial a grandi. Il a fréquenté la même école que Four Tet, Hot Chip, The XX, et des dizaines d’autres. En d’autres termes, ce type était connecté, que son profil vous amène à le croire ou non.

Que pouvez-vous donc faire si vous n’avez pas eu la chance d’aller dans une école privée, d’étudier sous la direction d’un mentor de renommée mondiale, ou si vous n’êtes pas prêt à sacrifier votre santé en passant de longues nuits à consommer?

Découvrez comment vous pouvez aider la scène et établir des liens. Faites du bénévolat lors d’événements, devenez journaliste, organisez des événements, devenez DJ à la radio, faites un stage et pourquoi pas, travaillez dans un studio. Toutes ces options sont possibles.
Faites les choses à l’ancienne : distribuez des tracts après les spectacles, sollicitez des journalistes avec un dossier de presse solide et une histoire convaincante. Il n’est pas nécessaire que toutes les histoires portent sur votre musique. Si vous étiez un réfugié, ou si vous aviez un parent meurtrier, ou encore si vous avez survécu à un cancer, ce sont toutes des histoires. Pensez aussi aux publications alternatives. Si vous aimez vraiment l’alimentation saine, vous pouvez faire publier une histoire sur votre alimentation en tournée sur des blogues de santé.
Réduisez votre réseau de personnes compétentes à cinq, comme dans la vie réelle, vous n’avez pas une tonne d’amis très proches. Concentrez-vous sur les personnes qui s’intéressent vraiment à ce que vous faites, pas sur celles qui s’intéressent à moitié. Ne vous intéressez qu’aux personnes qui vous donneront un avis honnête et qui vous aideront à établir des contacts.
Trouvez un mentor. Tout comme Frahm a eu un professeur, vous le pouvez aussi. Tous ne seront pas les protégés de légendaires compositeurs russes, mais ils auront leurs propres relations, dont vous pourrez tirer parti le moment venu. Cependant, il est parfois plus facile de se connecter avec ces personnes sur les médias sociaux.

LES MÉDIAS SOCIAUX ALTERNATIFS POUR LES PRODUCTEURS DE MINIMAL HOUSE :

1. TELEGRAM

Un excellent média social pour les producteurs Minimal House. Par exemple, il y a 640 membres dans la chaîne minimal techno. Telegram ne gagne pas d’argent avec la publicité, car c’est un réseau crypté. Ce cryptage signifie également plus de vie privée.

2. DISCORD

Tout comme Telegram, il y a des réseaux de musique ici. Voici une liste de chaînes.

3. TWITCH

Bien que ce ne soit pas nécessairement un forum, c’est un endroit où des producteurs établis ont ouvert une communauté pour les regarder faire des choses comme des DJ sets, et produire de la musique. Des artistes comme Kyle Geiger y font presque tous les jours des tutoriels sur la production musicale et répondent aux questions. Si quelqu’un a quelque chose d’intéressant à dire dans le chat, vous pouvez lui envoyer un message privé et établir ainsi une connexion. Vous pouvez également poser des questions à Kyle et lui envoyer des morceaux. Il l’encourage.

4. REDDIT

Plus anonymes et plus ciblés, ces groupes, également appelés sous-reddits, peuvent être un excellent endroit pour trouver des personnes partageant les mêmes idées. Si vous pensez à un genre, il y a probablement un sous-reddit pour lui. Les gens demandent un feedback sur les morceaux, DM les personnes avec qui ils veulent se connecter, trouvent des playlists auxquelles participer, et font même la promotion de leurs propres morceaux sur ces forums. On trouve souvent des artistes majeurs sur reddit, qui font des sessions de questions-réponses, appelées IAMAs. C’est généralement une communauté utile, mais attention à ne pas faire trop de promotion personnelle.

LES MOYENS DE MODÉRER VOS MÉDIAS SOCIAUX

1. INSTALLER DES OUTILS POUR RESTREINDRE L’ACCÈS

Des outils comme OffTime peuvent limiter les applications que vous pouvez utiliser sur votre téléphone, entre certaines heures ou avec certaines autorisations. Il permet également de suivre le temps d’utilisation des applications, ce qui peut être une source de fierté.

Si vous utilisez Chrome, il existe une extension appelée Work Mode qui vous permet de bloquer toutes les URL de médias sociaux entre des heures déterminées. Stay Focused est une autre excellente extension.

Si vous utilisez quelque chose comme Mozilla, il existe une extension appelée LeechBlock, qui vous permet de bloquer certains sites web.

Si vous craignez qu’ils vous traquent, des plug-ins comme AdBlocker et UBlock restrict this. limitent cette possibilité. Cependant, gardez à l’esprit que si vous vous retrouvez à faire de la publicité sur leurs plateformes, vous devrez désactiver ces bloqueurs afin de pouvoir surveiller vos propres publicités.

2. N’INTERAGISSEZ QU’AVEC CERTAINES PERSONNES, DE SORTE QUE LES ALGORITHMES NE VOUS MONTRENT QUE CE CONTENU.

En fin de compte, les médias sociaux vous montreront les choses que vous voulez voir. Si vous ne voulez rien voir de la politique ou des ragots des célébrités, n’interagissez pas avec ce type de contenu. Cela indiquera aux algorithmes que vous n’êtes pas intéressé. À l’inverse, si quelque chose vous intéresse, interagissez avec ces choses, et l’algorithme vous récompensera en vous en disant plus.

3. AIDE-EXTERNE

Faites appel à quelqu’un d’autre pour gérer votre présence dans les médias sociaux. Vous pouvez utiliser des sites tels que Fiverr, et UpWork pour engager des assistants virtuels qui peuvent créer et publier en votre nom, pour un prix raisonnable. Vous aurez donc une présence, mais vous n’aurez pas à la gérer au jour le jour. Il existe également des applications et des robots qui permettent de rationaliser ce processus, comme HootSuite ou InstaZood.

Nous espérons que cet article vous fournira des ressources que vous pourrez utiliser afin de prendre une décision éclairée sur la manière dont vous souhaitez que les médias sociaux influencent votre routine d’artiste. Il existe des moyens de sortir du jeu des médias sociaux, mais le faire prématurément aura des effets durables sur votre succès. C’est pourquoi il convient d’adopter une stratégie prudente et de voir ce que vous pouvez faire pour limiter votre accès à ces médias plutôt que de vous en déconnecter complètement. Si vous ressentez le besoin de vous retirer de l’algorithme, il existe des moyens, mais cela demandera beaucoup d’efforts et peut être moins rentable.

Les médias sociaux ne sont pas près de disparaître, nous pouvons donc soit nous lamenter sur leurs capacités destructrices, soit exploiter leur potentiel pour nous en faire bénéficier, tout en utilisant des outils pour réduire leur impact négatif sur notre santé et sur les perceptions de la société.

Trouver un label à la recherche de talents

novembre 1, 2020/dans Blogue, Conseils/par pheek

Alors, vous cherchez un label à la recherche de talents? Nous avons beaucoup parlé de la collecte de références pour vos mixages dans les articles précédents. En utilisant un logiciel qui vous aide à faire correspondre le ton d’une piste que vous aimez, avec une certaine analyse, vous pouvez maintenant faire de l’ingénierie inverse pour éventuellement parvenir à quelque chose de similaire. Grâce à cette approche, vous finirez par avoir de la musique que vous voulez faire écouter et qui sera finalement publiée sur un label à la recherche de talents.

Il y a de nombreux avantages à être sur un label. J’ai déjà abordé ce sujet dans de précédents articles. Cependant, l’essentiel est que le fait d’être sur ces labels vous donne accès à une communauté d’artistes que vous appréciez, vous procure une reconnaissance sociale par vos pairs et peut vous apporter des distinctions à exploiter pour obtenir plus de dates. Être sur un label crédible permet également aux artistes de gravir les échelons vers des labels plus importants, tout comme le fait d’avoir un emploi sur votre CV permet de passer à des emplois plus prestigieux.

LES LABELS INDÉPENDANTS PAR RAPPORT AUX GRANDS LABELS

Trouver un label à la recherche de talents (comme vous!) revient à avoir une chanson qui correspond à l’esthétique du label. Vous ne sortiriez pas une chanson Dubstep sur un label boutique Minimal Techno, tout comme vous ne sortiriez pas une chanson Minimal Techno sur un label boutique Dubstep. Bien qu’il s’agisse de musique électronique, les contacts auxquels ce label enverrait la chanson sont intrinsèquement différents, puisque les DJ de Dubstep ne mixent généralement pas de Minimal, et vice versa. Cela est particulièrement vrai pour les labels indépendants à la recherche de talents.

Les grandes maisons de disques (major labels) peuvent avoir une approche plus large des genres qu’elles acceptent, et peuvent signer un morceau de techno minimale, et un morceau de Dubstep puisqu’elles ont plus de ressources pour gérer un son diversifié et que ces genres ont une place dans leur modèle commercial. Cependant, pour se faire remarquer par ces labels, il faut une capacité de commercialisation que beaucoup de petits artistes n’ont pas. Vous avez déjà besoin d’une base de fans solide, d’une marque et de morceaux professionnels.

Parfois, il est possible d’avoir de la chance avec le talent seul, et d’être au bon endroit au bon moment, mais ce n’est pas la norme. Donc si vous décidez de soumettre une démo à Atlantic Records et que vous n’avez pas de base crédible, c’est comme jouer à la loterie. Bien sûr, que les grands labels soient la recherche de nouveaux talents est une chose, mais c’est une circonstance particulière s’ils sont sélectionnés.

COMMENT TROUVER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

Il existe de nombreuses approches à cet égard. Une façon solide est de faire une chanson basée sur un morceau de référence, et de voir sur quel label il a été signé. Si vous avez une stature similaire à celle de l’artiste référencé, il y a de fortes chances pour que vous soyez un bon choix. Si vous n’avez pas la même stature que cet artiste, cela ne veut pas dire qu’il a toujours été à ce niveau. Retournez dans son catalogue, et voyez sur quels labels il se trouvait lors de ses précédentes sorties. Ensuite, assurez-vous qu’ils acceptent les démos. Ils le diront généralement sur leur site, ou sur les médias sociaux s’ils le font. Assurez-vous qu’il s’agit de messages et de sorties récentes également. Les petits labels ne durent pas éternellement, tout comme les petites entreprises, et les informations peuvent ne pas être à jour, surtout s’ils n’existent plus.

Ensuite, vérifiez s’ils ont conservé la même esthétique sonore. Les labels évoluent. Ce n’est pas parce qu’ils étaient dans le Minimal en 2007 qu’ils sont dans le Minimal en 2020. Ils pourraient être dans la Hard Techno maintenant, puisque c’est ce qui se vend.

Une chose à garder à l’esprit est que beaucoup de labels populaires ont des sous-labels plus petits qui répondent aux besoins des artistes en devenir. Assurez-vous d’y prêter attention. Par exemple, Get Physical a aussi Poesie Musik, qui propose un son mélodique et signe de petits artistes.

Si vous faites partie d’une scène et que vos collègues ont signé pour un label qui correspond à votre son, demandez à être présenté. C’est la façon la plus sûre de se faire connaître par un label.

COMMENT ABORDER UN LABEL À LA RECHERCHE DE TALENTS?

En gardant à l’esprit l’esthétique d’un label, on peut se poser la question suivante : faut-il faire de la musique en pensant à un label, ou trouver un label basé sur la musique que l’on fait?

Il est difficile de répondre à cette question et il n’y a pas de réponse universelle non plus. C’est la question de la poule ou de l’œuf. Il y a différentes options et peut-être que l’une d’entre elles vous conviendra le mieux. Mais examinons les différents types de réponses qu’elles peuvent vous apporter, car elles pourraient vous donner un aperçu de ce qui se passe. C’est là que beaucoup de gens s’embrouillent.

Dans le scénario le plus courant, les gens viennent me voir pour un mix et mastering avec l’idée terminer de la musique. Une fois que c’est fait, la question qui revient toujours est « et maintenant? » Parfois, il arrive que je vienne de faire le mastering d’une musique similaire et que je suggère certains de mes clients ou, dans d’autres cas, que cela me rappelle quelqu’un que je connais, alors après avoir consulté Discogs, je partage un ou deux indices. C’est l’approche « trouver un label qui cherche un talent qui correspond à quelque chose de déjà fait ».

La deuxième option consiste à trouver un label sur lequel vous voulez être et à concevoir une musique qui lui corresponde. Vous analysez les BPM des chansons, vous prenez des références de son genre, vous incorporez le timbre et l’instrumentation que vous entendez dans les morceaux. Vous vous assurez que votre mix et votre master ont une couleur similaire à ceux du label.

Cependant, il arrive que vous puissiez faire tout cela et que l’œuvre soit considérée comme peu originale, parce que ce que vous avez fait a été stérilisé par la recherche d’éléments particuliers. Même les labels ayant un son spécifique ne veulent pas que leur travail soit peu original, ils veulent qu’il soit complémentaire. C’est une compétence qui demande beaucoup de dévouement et de pratique pour être affinée. Le processus qui consiste à créer quelque chose de contextuel, mais avec sa propre signature, est l’une des choses les plus difficiles qu’un artiste puisse accomplir, quel que soit le support. Donc, si vous voulez adopter l’approche « trouver un label en produisant pour s’adapter au label », vous devez avoir confiance en vos compétences. En adoptant cette approche, vous diluez également votre potentiel à le soumettre à d’autres labels s’il est rejeté.

Credit : Tim Marshall

LES FACTEURS CLÉS À PRENDRE EN COMPTE EN APPROCHANT UN LABEL

Parfois, votre musique s’adapte parfaitement et vous y avez investi beaucoup de travail, mais le label la rejette. Que dit-il exactement? Ce qu’il dit, c’est que vous n’avez probablement pas eu l’un de ces facteurs :

DÉTERMINATION

La chose la plus importante pour obtenir la signature d’un label est d’être déterminé. Les artistes doivent s’engager à être les meilleurs dans leur art. Ils doivent se consacrer à l’apprentissage des meilleures pratiques pour réussir en tant que musiciens, que ce soit en lisant des articles de blogue comme celui-ci ou en parlant à des pairs qui ont réussi. N’oubliez pas que les artistes vont souvent échouer dans ce qu’ils essaient de faire. C’est une réalité. C’est ce qu’ils font après avoir échoué qui les définit. Comme l’a dit Winston Churchill, « Le succès n’est pas définitif, l’échec n’est pas fatal, c’est le courage de continuer qui compte ».

POTENTIEL COMMERCIAL

Credit: Jorik Kleen

Ensuite, vous voulez vous assurer que vous êtes commercialisable. Oui, tout comme les grands labels, les labels de type boutique veulent s’assurer que les artistes ont une marque. La marque peut parfois être considérée comme l’antithèse de la créativité, mais elle a toujours été une nécessité en musique. Nommez un musicien avec un succès raisonnable qui n’a pas d’image? Les artistes doivent s’assurer que leurs médias sociaux sont en ordre, avoir un dossier de presse électronique, avoir un site web, prendre quelques photos de presse et avoir l’air de s’en soucier.

En fonction de la taille du label à la recherche de talents, les artistes doivent s’attendre à avoir une base de fans qui est relative à la stature dudit label. Si un artiste n’a que quelques sorties et quelques centaines de fans sur Facebook, il n’est peut-être pas judicieux de s’adresser à un label comme Toolroom Records ou Kompakt. Il est fort probable que leur démo se perde dans le lot, pour ainsi dire.

SOUMETTRE VOTRE MEILLEUR TRAVAIL

La suite devrait être évidente, mais elle mérite quand même d’être mentionnée. Les artistes doivent s’assurer de présenter leurs meilleurs travaux aux labels qui recherchent des démos. Assurez-vous que tout est bien mixé, et mieux encore, que tout est masterisé. Je peux fournir ces services à un prix raisonnable, et cela contribuera grandement à montrer aux labels qu’il s’agit de musique sérieuse.

AVOIR UN RÉSEAU SOLIDE

Un autre facteur important pour obtenir des contrats avec des labels compétitifs à la recherche de talents est le travail en réseau. Les artistes doivent veiller non seulement à se nourrir eux-mêmes, mais aussi à nourrir tous ceux qui les entourent. La réciprocité est très importante en tant qu’être humain, alors soyez utile. Les ponts qui brûlent n’éclairent pas toujours le chemin. Comme je l’ai mentionné dans les articles précédents, c’est le moyen le plus sûr de signer avec un label de votre choix.

PERSONNALISATION

Enfin, lorsque vous vous adressez à un label, veillez à ajouter une touche personnelle à votre démarche. Si vous pouvez trouver le nom de l’A&R, c’est utile. Si vous connaissez quelqu’un qui travaille pour eux, ou qui est en relation avec eux, faites-vous recommander ou mentionnez leur nom. Vous pourrez peut-être indiquer pourquoi vous pensez que votre son correspond bien au label. Plus vous pouvez personnaliser, plus vous avez de chances de vous faire entendre, car cela montre que vous êtes dévoué.

DERNIÈRES RÉFLEXIONS SUR LA RECHERCHE D’UN LABEL

Si vous suivez ces approches, vous avez alors une probabilité beaucoup plus élevée d’être signé par un label. Mais personne n’a dit que ce serait facile. Ce n’est pas pour rien que beaucoup de gens se moquent de l’art en tant que cheminement de carrière. Cependant, si vous êtes prêt à vous investir, à vous constituer un réseau et à faire preuve de diligence dans votre métier, ce peut être un travail long et gratifiant qui peut vous faire voyager à travers le monde et vous présenter à des personnes incroyablement intéressantes et talentueuses. N’oubliez pas que sans art, il n’y a pas de culture, et que sans culture, il n’y a pas de société. Ne laissez personne vous dire que ce que vous faites n’a pas d’importance. Ce qui compte, c’est que vous devez travailler dur. Il n’y a pas de raccourcis (sauf si vous avez un fonds d’affectation spécial et une famille soudée).

Comment peut-on commencer une chanson en étant stressé(e)?

octobre 19, 2020/dans Blogue, Conseils/par pheek

Remarque : cet article est basé sur des réflexions résultant de la pandémie de la COVID.

J’échange quotidiennement quelques mots avec des artistes que je connais : des amis, des partenaires de label, des personnes que j’aime ou toute personne qui souhaite établir un lien. Je crois qu’en ces temps, il est important de garder des contacts sociaux pour détourner notre attention de la folie, de la misère ou d’autres préoccupations qui ne cessent d’émerger.

« Comment pouvez-vous encore faire de la musique avec tout ce qui se passe? » m’a demandé quelqu’un aujourd’hui (et la semaine dernière). J’ai fait un atelier pour MUTEK et la question principale était similaire, quelque chose comme « d’où proviennent les idées (musicales)? »

Les deux réponses se recoupent, d’une certaine manière. Si vous réfléchissez à la provenance des idées (ou « l’inspiration » si vous voulez), cela peut survenir à des moments aléatoires. Pour certaines personnes, c’est sous la douche, pour d’autres c’est en déplacement, ou en faisant du yoga, etc. En gros, 90 % du temps, cela se passe ailleurs, plutôt que lorsque vous faites de la musique. D’où l’importance de faire de longues pauses lorsque vous faites de la musique, et par pauses, j’entends quitter le studio, sortir et faire autre chose. Votre esprit continue à faire de la musique, mais l’espace que vous vous créez pour penser vous permettra de résoudre des problèmes.

Je ne sais pas pour vous, mais mon esprit est presque toujours en train de faire de la musique, d’une certaine manière. Je fais la vaisselle ou je promène mon chien, et mon cerveau travaille à créer des motifs, à imaginer la structure de chansons, à prêter attention aux bruits ambiants et à trouver comment traduire cela avec un synthétiseur. Donc, quand on me demande d’où viennent mes idées, il est un peu délicat de donner une réponse catégorique, parce que la source de certaines idées émerge bien avant que je ne sois assis devant l’ordinateur. Le fait est qu’une fois devant mon écran, c’est comme si tout ce à quoi j’ai pensé disparaissait… J’ai tout oublié et je suis là, à penser à quoi maintenant?

La bonne habitude de s’asseoir pour faire de la musique commence par l’engagement d’une séance de 5 minutes.

Là où les questions existentialistes « pourquoi faire de la musique » me frappent parfois pendant cette pandémie, et fort. Pourquoi est-ce que je fais cela? À qui vais-je m’adresser? Pourquoi, pourquoi, pourquoi?

La réponse à tout peut être trouvée dans l’engagement de 5 minutes. Si vous êtes quelqu’un qui s’intéresse à la méditation, nous disons que l’étape la plus difficile pour méditer est de s’asseoir et de commencer. C’est la même chose pour la musique.

Une autre partie de ce défi que nous devons relever est l’isolement. La plupart des artistes se nourrissent d’événements pour s’inspirer. Aujourd’hui, les tournées sont difficiles, et cette coupure qui se produit d’un seul coup est un défi mental. Avoir la force de continuer à faire de la musique après des mois est un autre obstacle en soi, car c’est quelque chose qui est non seulement exigeant, mais aussi inhabituellement frustrant.

Si vous prenez le film sur The Doors, ils vont dans le désert et essaient de prendre du peyotl pour une expérience spirituelle. Dans les années 60 et 70, beaucoup d’artistes ont connu un moment décisif où ils ont voulu dépasser le style de vie rock-and-roll pour chercher des réponses à leur vie, à leur art, et pour ouvrir de nouvelles voies de création. Il y a quelque chose qui me fait me demander, quand je vois des artistes appeler leur art « méditation » ou autre, s’il y a un certain sens de l’intégrité envers l’engagement de ce qu’ils veulent traduire. La chanson est-elle juste une nouvelle prise de vue de quelque chose qu’ils ont fait auparavant ou y a-t-il un réel intérêt à faire quelque chose de significatif?

Je partage cela parce que si vous vous heurtez à un mur en faisant de la musique, cela peut être directement lié à une partie de vous-même qui a soit faim de quelque chose de plus, soit éprouve de la répulsion envers les schémas répétitifs qui n’apportent pas de réponses à vos besoins actuels. On n’a pas besoin de changement, mais si votre envie de créer s’est heurtée à un mur, il est peut-être temps d’essayer autre chose. Parce que nous sommes artistes et que nous créons comme nous respirons.

Comment se réinventer artistiquement a été abordé sur ce blogue dans le passé, ainsi que la façon de commencer une nouvelle chanson. Je ne vais pas tout reprendre, mais je peux partager comment aborder la musique en ces temps difficiles, quand on est confronté au stress ou à un sentiment d’abandon.

QU’EST-CE QUE VOUS ÉCOUTEZ? ÉTABLISSEZ UN LIEN AVEC LE NOUVEAU PUBLIC.

Beaucoup d’artistes trouvent leur inspiration dans les clubs et les tournées. Sans ce genre d’énergie dans le contexte, cela ne veut pas dire que la musique est morte, elle est juste transposée. Il a été très difficile d’expliquer à des gens qui n’ont jamais été en club de se mettre en rapport avec l’expérience de la musique forte parce que cette même musique, hors contexte, est souvent très bizarre et parfois inutile. Mais il y a d’autres options. Vous pouvez faire le même genre de musique pour le moment où ces événements reviendront, mais vous pourriez aussi prendre le temps de faire de la musique qui n’est pas destinée à ces contextes. Ce qui fait la maturité d’un artiste, c’est la profondeur dont il dispose. Si votre musique est unidimensionnelle, vous vous tirez une balle dans le pied. Les meilleurs artistes auront des pseudonymes différents pour explorer d’autres voies et je dirais qu’il est fortement encouragé de travailler sur des genres différents. Commencez par écouter beaucoup de musique, peut-être plus que vous ne le faites habituellement.

CONCENTREZ-VOUS SUR LA FACILITÉ.

L’absence d’effort semble mettre certaines personnes mal à l’aise. On a l’impression que la bonne musique est le fruit d’innombrables heures de travail. Eh bien, oui et non. Si vous pensez que vous devez travailler beaucoup pour aiguiser vos compétences, oui, cela demande de la résistance, de la motivation, de la curiosité et beaucoup de discipline. C’est là que se trouve le travail difficile. Mais pour enregistrer une chanson… c’est là que vous mettez en pratique les compétences acquises et lorsque vous composez, cela devrait se faire sans effort. Tout l’aspect de la postproduction, du montage, de l’arrangement sans fin et du clic clic clic de votre musique à la perfection n’est pas, à mon avis, le vrai problème. C’est l’interminable tentative de saisie de la perfection qui tue l’idée originale, pure et brute. Je suis plus intéressé par les idées que par la production parfaite. Dans de nombreux cas, la musique surproduite vieillit très mal.

Pour se mettre à « faire de la musique sans effort », il faut se préparer à de futurs projets en esquissant beaucoup d’idées, mais surtout des idées musicales sans grand soutien. Commencez beaucoup de projets, faites des boucles et des motifs, construisez des présélections, des macros, rassemblez-en aussi. Une partie de cela signifie également de mettre de côté la productivité et de se concentrer sur le temps passé à faire de la musique et à ne rien finir. Pensez aux guitaristes qui se contentent de jouer avec leur guitare sans faire de chanson. Ils jouent juste ce qu’ils sentent venir.

COLLABOREZ, DISCUTEZ ET ÉTABLISSEZ DES LIENS.

Combien de temps passez-vous à parler de votre musique? Je ne parle pas de plug-ins et de techniques, mais d’idées, d’émotions et de ce que vous essayez de partager. Est-ce que vous allez vers d’autres artistes et partagez ce que vous ressentez à propos de leur musique ou ce qu’elle vous donne comme image?

Parler de la musique en général est un pur carburant pour l’imagination. L’idée de mettre des mots dans l’abstraction des sons est une façon de se rapprocher de la compréhension des techniques et de vous aider à avoir plus de précision sur ce que vous voulez faire. Si vous pouvez l’expliquer, vous le comprendrez mieux. De plus, l’idée de partager avec un autre artiste est une façon d’obtenir également un retour technique sur des parties qui restent obscures et confuses.

Une des choses que j’avais l’habitude de faire, et que j’aime toujours, c’est d’inviter quelques personnes à partager leur musique préférée du moment, pour l’écouter activement, la commenter, en nous perdre dedans. C’est pour les musiciens une activité assez cruciale, car l’idée de comment les autres perçoivent la musique est une compréhension essentielle de ce que les gens recherchent dans la musique, tout autant que ce que représente la musique qu’ils sont prêts à écouter et à partager. Cela devrait permettre de remplir vos références et d’étudier pour de futurs projets.

Faire une playlist collaborative sur des sites de streaming vous permet également d’être plus connecté. C’est la beauté du streaming, même s’il suscite beaucoup de réactions. De plus, avec la Covid, c’est possible même à distance.

Objectif, passion et don naturel

octobre 19, 2020/dans Blogue, Conseils/par pheek

Vous avez peut-être utilisé la musique comme exutoire pour passer au travers de la pandémie, et vous n’êtes pas seul(e). Lorsque la pandémie s’est déclarée, j’ai commencé à recevoir un nombre particulièrement élevé de demandes de mixage et de mastering. J’ai vu une augmentation d’environ 25 % de mon travail par rapport aux années précédentes. À un moment donné, ma charge de travail a doublé. Principalement parce que tout le monde fait de la musique en ce moment et qu’il y a moins de choses à faire.

Une question revient sans cesse : y a-t-il un moyen de transformer mon passe-temps, ce que j’aime faire, en quelque chose qui peut être mon travail au quotidien? Pouvez-vous vraiment gagner votre vie en tant qu’artiste? Beaucoup d’entre nous poursuivent l’idée de finir une chanson, de sortir un album et de le voir en ligne avec d’autres artistes que nous aimons. Il doit bien y avoir de l’argent qui me revient de ce travail pour me soutenir financièrement, non?

Désolé, mais la vérité est que l’argent qui revient des ventes, du streaming et d’autres expositions est vraiment faible.

Alors comment peut-on gagner de l’argent et vivre d’une passion?

Je suis tombé sur un article basé sur une étude selon laquelle on trouve plus de bonheur en poursuivant son but plutôt que sa passion. Il est également bien connu que faire de sa passion un métier peut aussi la tuer. J’ai été musicien à plein temps, j’ai dirigé un label et j’ai fait des tournées… Je peux vous dire que si vous vous trouvez à faire un mauvais investissement, cela peut complètement anéantir la carrière que vous avez construite pendant une décennie. Cela ne m’est pas arrivé, mais j’ai vu une scène sur laquelle je comptais, s’éteindre après une longue période d’âge d’or. Ce qui a suivi ce genre ne m’a pas inspiré, et je n’ai jamais eu envie d’embarquer dans le navire comme la plupart de mes pairs l’ont fait. Au lieu de cela, j’ai fait profil bas pendant un certain temps, j’ai trouvé des emplois au hasard qui pouvaient payer les factures et avec un peu de recul, je peux voir que j’ai beaucoup appris en faisant autre chose que de la musique toute la journée. Vous pouvez perdre la perspective de vous-même, de votre orientation, de votre vision initiale.

Vous l’avez peut-être déjà vu ou lu sur ce blogue, mais j’ai commencé l’année 2020 avec le défi de faire une piste par semaine pendant toute l’année. J’ai pensé au départ que cela pourrait être un bon moyen d’attirer les gens vers ce que je fais tout en apprenant davantage sur la production, de réviser/réinventer ma propre méthode et, bien sûr, de pondre un tas de morceaux à sortir, éventuellement. Cette expérience m’a vraiment ramené vers les années 2006-2008, quand je produisais comme un fou et que j’avais beaucoup de sorties. Certaines personnes m’ont dit qu’elles voulaient que je fasse de la techno comme à l’époque, mais j’ai senti que ce qui avait été dit à alors n’avait pas besoin d’être répété : je voulais apporter quelque chose de nouveau.

Ajouter ce défi à mon travail quotidien m’a presque épuisé, ce qui est vraiment une mauvaise chose si vous êtes un artiste. C’est dans cet esprit que j’ai commencé à doser ma production musicale et que d’autres idées m’ont été proposées :

Comment connaître efficacement mes outils pour faire exactement ce que je dois faire?
Comment repérer rapidement les obstacles et apprendre la ou les techniques pour les surmonter?
Connaître mes limites, tant sur le plan créatif, de l’énergie personnelle, que sur le plan technique.
Essayer d’identifier les choses que je ne connais pas et ne pas les négliger.
Rester humble.
Savoir ce que j’aime faire et ce que je fais le mieux.

Si vous commencez à faire quelque chose pour attirer l’attention, vous vous lasserez très vite, surtout si la réaction ne répond pas à vos attentes. Dans mon cas, j’ai vite vu (je l’avais prévu!) qu’après la 8e semaine, les gens ne se soucieraient plus vraiment de la musique publiée. J’ai en quelque sorte arrêté de poster ma musique et j’ai décidé de partager avec une poignée de personnes dont je savais qu’elles écouteraient. Finalement, j’ai commencé à faire de la musique pour moi seul et j’ai même arrêté de les mettre en ligne sur Weeklybeats, le site du défi. Ce qui est assez fascinant, c’est de regarder les 8 premiers morceaux et ce que je fais maintenant : c’est complètement différent. Ce que je fais pour moi est purement expérimental, soit incroyablement bizarre, soit très répétitif, car j’ai créé des moments sonores pour mon loft, à jouer sur mon Sonos.

En quoi cela me rapproche-t-il de mon but ou de ma passion?

Il n’est pas un secret que j’ai trouvé ma passion il y a de nombreuses années, lorsque j’ai découvert que j’étais un professeur assez solide. Aujourd’hui, ça paie. Pour enseigner, vous devez connaître votre métier à fond et être capable de l’expliquer correctement. Ainsi, l’exploration de différentes techniques et la rétro-ingénierie de la musique que j’aime sont différentes façons d’enseigner aux gens qui veulent apprendre. C’est pourquoi notre groupe de coaching est précieux : nous essayons collectivement de comprendre certaines techniques. Ce qui est étonnant avec la musique, c’est que vous pouvez comprendre une technique, l’enseigner à 10 personnes et toutes l’appliqueront à leur manière, ce qui donnera 10 résultats différents. Mais ce qui est amusant, c’est que 50 % d’entre eux n’aimeront pas ne pas pouvoir faire ce que les autres peuvent déjà faire. C’est un sujet sur lequel je travaille beaucoup dans le coaching : le contrôle.

Quoi qu’il en soit, si ce que vous faites le mieux n’est peut-être pas lié à la musique, y a-t-il un espoir? Eh bien, peut-être plus que vous ne le pensez, si vous avez un peu d’imagination. Voici quelques autres types de travaux qui sont plus liés à la musique que vous pourriez le penser :

Si vous êtes doué pour l’écriture, vous pouvez travailler avec les artistes sur leurs biographies, leurs dossiers de presse, leurs descriptions de chansons, leur présence en ligne, etc.
La conception graphique est souvent une compétence que les musiciens possèdent. Vous n’avez pas idée du nombre de designers qui sont aussi des musiciens et, dans un monde où l’image est cruciale, vous pourriez certainement trouver du travail dans l’industrie de la musique.
Des compétences pour le web? Il y a tellement d’aspects que vous pouvez aussi aborder.
Compétences en matière d’équipement? Si vous avez des compétences en électronique, vous pouvez peut-être aider à assembler du matériel, par exemple du matériel modulaire qui est livré en kit et qui doit être assemblé.
Le réseautage, c’est votre truc? Vous n’avez aucune idée de la façon dont nous avons besoin de personnes capables de relier les gens entre eux ou de créer des ponts entre des parties qui ont besoin les unes des autres.

Vous pensez peut-être que les musiciens n’ont pas d’argent pour payer qui que ce soit, alors comment cela peut-il générer quelque chose? Si vous êtes vraiment doué pour quelque chose, les gens voudront payer. Peut-être pas beaucoup au début, mais si vous faites un excellent travail, il finit par être remarqué. Quand j’ai lancé ce site et les services à plein temps, cela a commencé lentement et j’ai fait beaucoup de travail gratuit (ou à prix très réduit). J’ai pris beaucoup de temps pour établir des relations avec les clients, et j’ai fini par trouver des clients satisfaits qui m’ont recommandé à d’autres. Mon but est devenu de faire en sorte que mes clients puissent s’épanouir dans ce qu’ils font, à la fois en tant que créateurs de musique, mais aussi en tant qu’artistes qui peuvent briller dans leur communauté.

C’est pourquoi j’ai pris un groupe de personnes sous mon aile avec l’idée de les pousser comme s’ils étaient moi. Que puis-je faire pour cette personne qui puisse faire une différence dans sa carrière? Est-ce que cela leur apprend quelque chose? Est-ce que cela les met en contact avec des promoteurs ou des labels?

C’est alors que j’ai compris qu’une autre compétence que j’avais personnellement est le réseautage et l’établissement de contacts. Je suis un papillon social naturel lors des événements et c’est quelque chose qui peut rapporter à long terme, surtout dans ce que je fais.

La pandémie qui touche les événements rend très difficile de faire du réseautage efficace, mais touche aussi l’inspiration générale pour faire de la musique. L’isolement vous oblige à faire de la musique basée sur des souvenirs sans avoir la possibilité de la tester sur une foule… ce qui vous oblige à faire ce que vous aimez et à être simplement patient.

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 4 : Accent et proportion

août 13, 2020/dans Blogue, Conseils, Finalisation de tracks et arrangements, Mixdown, Production, Sound Design/par pheek

Cet article fait partie d’une série : Part 1 | Part 2 | Part 3 | Part 4

Dans cet article, j’ai pensé plonger dans deux principes que je trouve indissociables : l’accent et la proportion. Commençons par définir ce qu’ils signifient, puis nous verrons comment les utiliser dans ce que nous aimons : la production musicale.

Dans de précédents articles, j’ai parlé de la façon de commencer un morceau. Bien qu’il n’y ait pas de bonne ou de mauvaise réponse ici, nous pouvons nous mettre d’accord sur certains points à propos du noyau d’une chanson. Permettez-moi de vous poser une question directe pour commencer, qui est la suivante : quand vous pensez à votre chanson préférée de tous les temps, qu’est-ce qui vous vient automatiquement à l’esprit concernant sa partie la plus mémorable?

Toutes sortes de réponses peuvent se présenter, et peut-être entendez-vous la chanson dans votre tête en lisant ceci. Peut-être vous souvenez-vous du refrain, du riff principal (motif), ou encore une partie de la chanson où une émotion spécifique est évoquée en vous ; vous pensez peut-être même à une partie purement technique.

Ce dont vous vous souvenez de cette chanson est votre point focal. Le point focal de l’auditeur est ce qui attire et retient son attention.

L’accent est une stratégie qui vise à attirer l’attention de l’auditeur sur un élément de conception spécifique ou sur un élément précis. Vous pouvez mettre l’accent sur plusieurs points, mais plus vous en avez, moins l’accent aura d’impact.

Quand je produis une chanson, j’aime me demander quel est l’élément phare de cette chanson. Quel est le motif, l’idée principale? Qu’est-ce qui va d’abord attirer votre attention et vous garder engagé? En écoutant une chanson, vous pouvez avoir différentes couches et idées qui se succèdent, mais bien sûr, elles ne peuvent pas toutes attirer l’attention de l’auditeur, car vous ne pouvez vraiment vous concentrer que sur un ou deux éléments à la fois. Comme expliqué dans les articles précédents, l’auditeur suivra les arrangements exactement comme on suivrait l’histoire d’un film.

L’accent peut être mis selon deux perspectives : du côté du tonique et/ou de la narration.

La partie tonique est celle où vous avez votre phrase (mélodie) et où il y a une partie qui est « plus forte » que les autres. Supposons que nous prenions une phrase et que nous changions l’accent de la tonique, cela changera son sens (les majuscules représentent la tonique) :

I like carrots.
I LIKE carrots.
I like CARROTS.
mais aussi, I LIke carROTS!

Nous avons ici trois accents toniques différents, et dans chacun d’eux, le point focal de l’auditeur est déplacé vers un mot spécifique. Lorsque nous parlons, nous changeons l’accent tonique naturel pour un mot spécifique afin de mettre de l’importance sur celui-ci. Il peut être utilisé comme poids, pour insister sur votre position sur un sujet, ou pour clarifier un mot.

Il en va de même pour le positionnement dans le temps :

I like… carrots.
I… like carrots.

Ou en espaçant peut-être les syllabes pour créer un autre type de tonique :

I li..ke carrots.
I like car…rots.

La pause crée une tension lorsque vous attendez. Si vous pouvez vous concentrer sur une idée et l’articuler de différentes manières, vous pouvez imaginer que votre motif gardera l’intérêt de l’auditeur.

Imaginez maintenant ces idées transposées dans votre phrase mélodique ; vous pouvez jouer avec la vélocité, mais aussi créer une accentuation en la mettant en pause, en la retardant et en la mettant en avant.

Solutions possibles pour mettre l’accent : vitesse, swing, hasard (random).

Dans notre groupe de coaching sur Facebook, je vois souvent des gens essayer de se concentrer sur tout ce qu’une chanson devrait avoir, mais sans idée principale et donc sans accent, les auditeurs ont du mal à se laisser accrocher par une partie quelconque. Vous pouvez faire tout ce que vous voulez en musique, oui, mais peut-être que si vous écoutez vos chansons préférées, vous remarquerez qu’elles ont généralement une forte accroche ou quelque chose qui vous entraîne.

Conseil : réduisez votre morceau au strict minimum, mais de façon à ce qu’il soit toujours reconnaissable comme étant la même chanson. Vous reste-t-il la mélodie ou est-ce autre chose? Qu’est-ce qui est unique dans votre chanson?

Bien que cet article ne traite pas en détail des motifs et des accroches, puisque cela a déjà été traité plusieurs fois sur ce blogue, j’aimerais discuter de la façon dont l’accent peut être utilisé pour donner vie à une accroche ou un motif.

Pour mettre en valeur un son, une accroche ou un motif spécifique, vous pouvez utiliser l’une de ces techniques :

Amplitude : Un son avec un gain inférieur ou supérieur de 25-75 % à celui d’un autre. Pensez à différents sons de batterie dans un kit.
Luminosité : La luminosité commence généralement à environ 8 kHz. Un filtre ou une augmentation de l’égalisation autour de cette zone et plus haut vous donnera une impression de magie. Même chose pour la saturation multibande. C’est pourquoi le fait de couper ou d’apprivoiser les sons par rapport à ceux que vous voulez plus clairs contribuera à l’accentuation.
Épaisseur : Si vous prenez plusieurs échantillons, percussifs par exemple, et que vous en compressez certains en parallèle (par exemple 50 % wet) de manière très agressive avec un ratio de 8:1, vous verrez certainement une différence.
Dynamique : En utilisant une enveloppe, mappez-la à certains paramètres de vos plug-ins pour qu’ils interagissent avec le signal entrant.

Cependant, toutes ces techniques dépendent d’une chose : ce sur quoi vous mettez l’accent doit avoir un « avantage » par rapport aux autres sons. En ambient ou en techno avec plusieurs sons, vous devrez vous assurer de mettre en place le routage dans votre production avant même de mixer votre chanson. J’aime regrouper tous les éléments qui sont décoratifs pour qu’ils soient traités comme s’ils étaient un peu plus distants. Par exemple, pour ce groupe, vous pourriez commencer par couper la plupart des aigus à environ 10 k avec une courbe de filtre douce, puis contrôler les transitoires avec un transient shaper en les rendant moins agressifs et enfin avoir une réverbération qui se concentre sur une réponse tardive, ce qui créera une distance. Vous pouvez ensuite diminuer le gain de l’ensemble du groupe à tester pour obtenir une plus grande sensation d’arrière-plan de tous ces sons. Quelque chose comme Trackspacer pourrait aussi être très utile ici pour créer un espace entre l’idée principale et vos autres sons.

Pour soutenir l’accent, il faut de la proportion. En matière de conception sonore, j’aime penser que la proportion est un élément de conception plus qu’une chose pragmatique. Si vous pensez à une batterie, tous les coups sont vraiment à des niveaux de volume différents — vous ne voyez jamais un batteur frapper tout au même niveau de volume ; ils ne le feraient probablement pas même s’ils le pouvaient parce que ça ne sonne pas bien. C’est une version de la proportion qui peut être appliquée à n’importe laquelle de vos séquences, percussions et autres idées — c’est souvent lié à la vélocité.

Je vois aussi la proportion dans le bouton dry/wet des effets. Quelle quantité voulez-vous ajouter ou enlever?

Pour que l’auditeur comprenne l’importance et l’accent d’un effet, vous devrez le contrebalancer par quelque chose de proportionnellement inférieur. Si vous voulez que l’auditeur entende la puissance d’un son, essayez d’en utiliser un autre qui est très faible ; le contraste l’amplifiera.

La proportion provient de différents aspects. Les dispositions prennent le relais du mix de manière dynamique. Ainsi, si vous considérez que votre chanson comporte une introduction, un milieu et une fin, la proportion peut également être abordée dans les arrangements sous l’angle du temps. Bien qu’il n’y ait rien de mal aux arrangements linéaires, qui sont parmi les outils de DJ les plus conviviaux possible, ils ne sont peut-être pas l’exemple le plus probant de proportion en musique.

Voici quelques exemples de la façon dont vous pouvez aborder la proportion dans vos productions avec quelques petits ajustements simples :

Lorsque vous mixez vos éléments, regardez la mesure du volume sur le Master. Vous voulez que votre élément principal vienne le plus fort pour ensuite mixer les autres éléments. Vous pouvez regrouper tous vos autres éléments en plus de l’élément principal et les faire légèrement diminuer avec un compresseur. J’ai vraiment apprécié le Smart Compressor de Sonimus. Il fait un excellent travail d’atténuation des fréquences, un peu comme le Track Spacer mais en plus propre puisqu’il fournit un assistant interne.
Si vous avez manqué les articles précédents, une technique que j’ai décrite est la technique 75-50-25, comme je l’ai nommée. Une fois que vous avez votre élément principal en place, vous voudrez que les autres canaux soient soit un peu plus bas (75 %), soit la moitié de l’élément principal (50 %), soit à l’arrière (25 %). Cela donnera forme à un mix spatial pour donner vraiment de l’espace et des proportions à l’élément principal.
Je trouve que si vous voulez mettre l’accent, il n’y a rien de mieux que d’y apporter un peu de vie et je vous recommande d’utiliser un outil comme Shaperbox 2. J’automatiserais le volume sur 4 mesures. Je trouve que le 4 mesures est la cible principale de la musique électronique, surtout pour l’organisation et la variation dont elle a besoin pour garder l’auditeur engagé. Si elle change toutes les 2 mesures, l’auditeur le remarquera, mais toutes les 4 mesures, avec une progression, cela créera l’idée qu’il y a toujours une variation. De plus, j’aime créer des fondus dans différents plateaux d’automatisation. Vous pouvez avoir une inclinaison entre les mesures 1 et 2, puis passer à un niveau différent sur 3 et un mouvement lent sur 4. C’est très excitant pour l’oreille. Associez cela à l’automatisation du filtre, et vous aurez une véritable action. L’accentuation fonctionnera bien si ce type d’automatisation se produit sur votre élément principal, mais c’est difficile à faire sur toutes les pistes, car cela devient distrayant.
Les éléments de soutien peuvent partager des réverbérations ou des effets similaires avec l’idée principale pour créer une cohésion.
La dynamique est utile pour l’articulation et l’accentuation. Le nouveau Saturn 2 est assez incroyable pour cela — il peut modifier la saturation en fonction d’un signal entrant.

Pouvez-vous faire confiance à votre jugement sur votre propre musique?

juillet 15, 2020/dans Blogue, Conseils, Finalisation de tracks et arrangements, Mastering, Mixdown, Production/par pheek

C’est un sujet très populaire ces derniers temps — je pense qu’en raison de la pandémie et de l’isolement qui l’accompagne, les gens comptent beaucoup sur les contacts en ligne pour obtenir un retour sur leur musique. L’absence de tests musicaux en personne et le fait de ne pas pouvoir aller dans les clubs ont changé la façon dont nous pouvons analyser notre propre musique.

J’ai récemment participé à un streaming en direct organisé pour soutenir un ami du nom de Denis Kaznacheev, qui a été emprisonné pour quelque chose que nous pensons tous être impossible (mais c’est un autre sujet). Être dans une pièce avec 4 personnes, jouer en live et recevoir des commentaires après des mois d’isolement a été une expérience étrange. La première chose qui m’est venue à l’esprit, c’est que ma musique était nulle. Oui, j’ai aussi vécu ça de temps en temps, et j’avais oublié comment le fait de jouer de la musique pour et devant des gens change la dynamique d’une chanson. En studio, ça sonne d’une manière spécifique, mais ajoutez un auditeur et tout d’un coup, c’est différent.

Une chanson, un contexte différent, une ambiance complètement différente. Y avait-il quelque chose que je pouvais faire pour prédire cela?

Techniquement, il n’y avait absolument rien de mal dans ce que j’ai fait. Les gens qui ont écouté l’émission ont adoré. Le problème, c’était l’ambiance, la sensation du morceau, par rapport à ce que j’avais en tête. Dans des articles précédents, j’ai parlé de l’importance d’un morceau de référence, et cela aurait pu m’aider dans cette situation particulière, et aurait pu aussi aider à mieux classer ma musique. Mais comme vous le savez, il n’y a pas de plug-in qui puisse empêcher cela. C’est pourquoi beaucoup de gens ont du mal à juger leur propre musique.

Validation technique

En ce qui concerne les éléments techniques, vous pouvez vous autoévaluer à l’aide de quelques outils pratiques.

Pour voir si votre morceau, comparé à une référence, a le même ton et est équilibré, je vous recommande d’utiliser Reference. Cet outil est mon plug-in de prédilection lorsqu’un client insiste pour que la piste sur laquelle je travaille ressemble à une chanson particulière. Je charge le morceau de référence et, après avoir fait correspondre le volume, je peux voir si les basses, les médiums et les aigus sont réglés de la même manière que mon mixage. Cela vous montre également si vous avez, par groupe, le même niveau de compression ou de largeur. Il ne ment pas et vous pouvez le faire correspondre pour avoir quelque chose de similaire. Mais comment élever une bande pour qu’elle corresponde à la référence?

J’utilise un compresseur multibande pour compresser et/ou un EQ. Un égaliseur à trois bandes peut être utile pour ajuster, mais un compresseur multibande peut vraiment donner le ton. Vous réglerez les cross-overs de chaque bande pour qu’ils correspondent à la référence et en les ajustant, vous verrez qu’ils réagissent à votre gain ou réduction. Bien que vous puissiez utiliser n’importe quel compresseur multibande, je vous recommande vivement le Fabfilter MB.

La même société qui fabrique Reference a également créé un plug-in appelé Mixroom qui, avec la même idée que Reference, se concentre sur les moyennes et hautes fréquences. C’est un peu délicat à utiliser au début, mais une fois que j’ai trouvé des chansons de référence qui ont été analysées correctement, cela m’a donné des indications intéressantes sur ce qu’il faut pousser ou enlever. J’ai trouvé qu’il était assez intéressant de faire de la rétro-ingénierie pour certains mixages compliqués.

Souvent, les gens me disent qu’ils n’aiment pas se comparer à qui que ce soit ou qu’ils optent pour leur propre style, mais c’est comme essayer de dessiner votre grand-mère à partir d’un simple souvenir. Certaines personnes peuvent faire mieux que d’autres, mais l’audio est abstrait et vous devez vous comparer à quelqu’un d’autre pour savoir ce qui manque ou ce qui déborde. Je veux dire que même dans un mixage, je compare mes pistes pour voir leurs pics, leurs densités et leurs panoramiques pour m’assurer que l’un ne croise pas l’autre, à moins de créer quelque chose comme un tout.

Les gens ont du mal à avec l’intensité sonore (loudness), mais c’est un peu plus facile à gérer. Vous aurez besoin d’un outil de mesure tel que le IKmultimedia TR5 Metering ou le charmant Hawkeye from Plugin Alliance. Ils sont coûteux, mais indispensables. Pour un mixage, vous devez garder à l’esprit quelques détails : le pic le plus fort doit être de -6 dB, le RMS (plus ou moins la densité) entre -13 et -20 dB. En LUFS, je suggère d’être autour de -15 dB et de conserver une gamme dynamique au-dessus de 10. Un plug-in tel que Reference indique également l’intensité sonore, ce qui peut être très utile pour voir si vous êtes dans la même fourchette.

Veuillez considérer que ce sont des chiffres auxquels j’ai affaire souvent, et que pour certains genres, cela peut être complètement différent.

Si vous avez du mal avec les basses, les gars de Mastering The Mix ont un outil de validation/amélioration des basses fréquences avec l’excellent plug-in Bassroom. Là encore, vous aurez besoin d’une référence de qualité pour faire l’affaire, mais une fois chargée et avec un peu de pratique, les basses fréquences faibles et muddy appartiendront au passé.

Ce sont les meilleurs outils de validation technique que j’ai utilisés ces dernières années. Ils sont efficaces, abordables et très utiles dans tout ce que je fais.

Faire le mixage et le mastering soi-même

Quiconque fait de la musique depuis un certain temps ou a étudié l’ingénierie du son conviendra que faire le mixage ou le mastering soi-même n’est pas le vrai problème. C’est faisable, comprenez-moi bien, mais vous ne gagnez pas. Avec la liste précédente de tous les outils techniques que j’ai partagés, vous pouvez faire des mixages vraiment efficaces, mais peut-être que parfois ce n’est pas suffisant.

En tant qu’ingénieur, la principale chose que je dirai est que quelqu’un d’autre pourrait repérer des choses qui sont dans vos angles morts, en plus cette personne est également émotionnellement détachée de la musique elle-même, donc prendre des décisions semble moins risqué en soi. Si vous avez lu ce blogue régulièrement, vous savez que je fais souvent référence à notre dualité en tant qu’êtres humains pour y voir un côté analytique et un côté créatif. Lorsque je travaille avec des musiciens, je les invite à voir cette dualité comme un muscle. Votre côté créatif a besoin d’être exercé, il doit être constamment nourri parce que c’est une éponge. Vous voulez trouver la routine parfaite et être efficace, puis la briser en morceaux pour réinventer votre nouvelle façon de faire de la musique en les recombinant pour une nouvelle version de vous-même.

Pour moi, faire de la musique, ce n’est pas essayer d’être en pleine possession de son potentiel, mais plutôt se mettre toujours dans un état d’instabilité et de risque, pour que de nouvelles idées créatives émergent. Vous allez relier les points du passé pour créer un chemin dans le présent.

Cet état d’esprit n’est pas toujours technique, et il est brut. Je vous invite à ne pas l’apprivoiser, mais à créer des idées spontanées et des projets bruts.

Cette approche est en fait l’exact opposé de celle qui consiste à s’asseoir devant son ordinateur pour concevoir et régler une snare. Il n’y a rien de mal à cela si vous le souhaitez, mais comme je le dis aux gens, les artistes devraient devenir des experts du flux, pas de la perfection. Ils veulent être des artistes, pas des artisans. Mais je ne vous empêcherai pas d’être les deux — j’ai juste souvent l’impression que la production technique ne vieillit pas aussi bien que les idées créatives solides. La seule chose qui résiste à l’épreuve du temps est la simplicité, qui s’accompagne d’une maîtrise à la fois du flux et de l’expertise technique.

Si vous voulez être un maître en tout, vous serez également très moyen en tout pendant un certain temps, voire pour toujours.

Alors, imaginez que vous avez une idée géniale, mais que vous êtes très moyen dans le mixage et nouveau dans le mastering — vous serez probablement en train de massacrer votre idée quand vous essaierez de faire l’un ou l’autre. Oui, vous économisez de l’argent et vous apprenez en le faisant vous-même, mais je pense que si vous aspirez à sortir quelque chose sur un bon label, à attirer l’attention, il serait bon que quelqu’un, même un ami, regarde votre mix. Mais si vous voulez vraiment tout faire vous-même, procurez-vous des outils solides pour vous assurer d’en tirer le meilleur parti.

Si vous voulez vous entraîner au mixage, je vous suggère d’essayer de trouver ce que j’appelle, un compagnon d’échange qui peut vous envoyer ses mixes et vice-versa. Vous apprendrez tous les deux en vous mettant au point mutuellement, et retourner ensuite à votre propre musique vous semblera plus facile, et plus clair aussi.

Validation psychologique

Aujourd’hui, la psychologie est un domaine où il n’y a pas d’outils d’aide disponibles. C’est cet entre-deux où vous avez peut-être fait quelques mixes différents et ne savez pas lequel est le meilleur. Vous savez que techniquement tout est là et en ordre, mais dans la dernière partie, vous essayez d’étiqueter votre chanson dans un de ces paniers : Bon, Pas bon, Encore à travailler, Prêt pour le mastering… etc.

Les producteurs avancés, expérimentés et vétérans sont-ils exemptés de cet état d’esprit? Pas du tout. Après des décennies de production musicale, je n’ai toujours aucune idée si ma musique est « bonne » ou non, même si elle est entrée dans le top 10 de Beatport ou si mes amis l’aiment tous. Au fond de moi, parfois, je doute de moi-même. Cependant, j’ai établi quelques règles personnelles pour m’aider à juger si je pense que mon propre travail est décent ou non.

Traitez d’abord les points techniques : c’est pourquoi j’ai commencé cet article avec les points techniques. Je vois dans notre groupe Facebook, des gens qui donnent leur avis, et mon observation est qu’il est souvent biaisé par leur humeur ou leur situation d’écoute. Ce qui est devenu clair pour moi, c’est que pour donner un feedback, il faut une référence commune. Je peux vous dire que votre kick est trop fort, mais par rapport à quoi? J’ai des clients qui se plaignent parfois que la basse est trop forte, mais lors de la même session de mastering ce jour-là, j’ai eu un autre client qui aimait les kicks très, très forts. La différence était risible et les deux avaient un feedback exactement opposé : l’un avait des graves faibles, mais il trouvait que c’était trop alors que l’opposé était une orgie de basses, mais il en voulait plus. Serait-ce seulement ce qu’ils entendent? Oui, probablement, et c’est pourquoi vous devez pouvoir utiliser un FFT pour vérifier, mais aussi, écouter votre musique au milieu d’une playlist qui a d’autres chansons du même genre pour savoir si elle sonne bien.

Un client me disait : « Ça sonne bien en studio, mal dans la voiture et à la maison, c’est une autre chanson… quelle est la bonne impression? »

Celle qui est correcte doit être votre version studio, mais elle doit être techniquement validée par rapport à d’autres chansons. Si elle ne sonne pas bien chez vous, trouvez une chanson qui y sonne bien et étudiez-la en studio pour voir ce que cette chanson a de plus que la vôtre.

Sachez que vous n’aurez jamais vraiment une opinion permanente sur votre musique. Chaque jour, votre humeur peut changer et affecter la façon dont vous appréciez votre musique. En cours de route, vous apprendrez de nouvelles techniques et vous entendrez des erreurs dans votre chanson, vous entendrez une meilleure chanson que la vôtre… tous ces points vous feront douter de vous-même. Vous aurez toujours envie d’aller réparer quelque chose. Comme vous savez que vous n’en serez jamais vraiment satisfait, alors vous pouvez accepter d’aller plus vite. Il suffit de commencer une autre chanson, d’appliquer ce que vous avez appris, d’utiliser vos nouvelles influences et d’essayer quelque chose de nouveau.

Rien d’extérieur ne validera votre musique. Peu importe ce que vous pensez ou faites avec votre chanson, vous pouvez en douter. Cela signifie que vous n’avez pas besoin du dernier synthétiseur ou d’être sur ce label spécifique. «…et puis je serai heureux » est une illusion. Sachant cela, cela vous recentre sur le fait de compter sur une poignée d’amis pour vous donner un avis.

Laissez les choses vieillir. Rien de mieux que de prendre quelques semaines avant d’écouter à nouveau pour savoir ce que vous en pensez.

Ce qui est intéressant, c’est que chaque fois que je reçois des critiques, je commence à voir une perspective que je n’ai pas suffisamment étudiée — super importante. La production musicale et l’ingénierie du son sont souvent décourageantes et c’est la réalité de l’art. Cela dit, je pense qu’il n’y a pas un jour où je fais de la musique où je n’apprends pas quelque chose de nouveau. Acceptez que tout soit un travail en cours. C’est pourquoi les chansons qui prennent trop de temps à terminer sont souvent dues à mon côté perfectionniste qui a pris le dessus, et ce n’est pas là que je peux faire de la magie — c’est souvent l’inverse.

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 3 : Répétition

juillet 3, 2020/dans Blogue, Conseils, Finalisation de tracks et arrangements, Production, Sound Design/par pheek

Cet article fait partie d’une série : Part 1 | Part 2 | Part 3

Cet article met l’accent sur la façon dont j’aborde la répétition dans ma musique, ainsi que sur la façon dont je la perçois lorsque je travaille sur la musique de mes clients. Bien que ce soit un sujet très évident dans la musique électronique orientée vers la danse, où les motifs se répètent, je comprends qu’en tant qu’artiste, cela peut être un sujet très personnel. Chaque genre a une façon d’aborder la répétition, et si vous avez parcouru ce blogue, vous reconnaîtrez certains concepts déjà abordés que je vous encourage à approfondir. J’aimerais aborder la répétition en musique en examinant votre flux de travail pour éviter de perdre du temps sur des choses qui peuvent être automatisées.

Tempo

L’utilisation du tempo pour délivrer un message est un sujet très délicat. Souvent, avant de jouer en live dans une salle, je passais un peu de temps sur la piste de danse pour analyser l’ambiance et les besoins des danseurs. Je vérifiais la vitesse du set d’un DJ, la vitesse de transition et la réaction de la foule. J’ai toujours été surpris de voir à quel point le fait de jouer à 122 BPM contre 123 BPM peut changer l’ambiance ; je ne peux vraiment pas expliquer pourquoi. Mais quand je faisais une chanson, je gardais à l’esprit que les DJ puissent l’accélérer ou la ralentir — un facteur important qui affecte l’énergie. Je trouve que des incréments de 5 BPM font un énorme changement dans la densité du son dans le club. Si vous ralentissez des motifs très complexes, les sons ont de l’espace entre eux, ce qui permet aux auditeurs de percevoir le son différemment.

Quel que soit le tempo que vous utiliserez, je vous recommande vivement d’envisager l’utilisation d’un Gate pour vos percussions courtes ou d’utiliser un outil de création d’enveloppes comme Shaperbox 2 pour vraiment modeler l’espace entre vos sons et avoir un « espace blanc » entre chacun d’eux. Si vous optez pour une atmosphère dense, je vous recommande d’utiliser une compression avec un release très rapide et de recourir également à une compression parallèle pour vous assurer de ne pas trop encombrer votre chanson.

Répétition des sons

Une fois que nous avons trouvé quelque chose que nous aimons, nous avons tendance à vouloir le répéter pendant toute la durée d’une chanson. C’est, bien sûr, un peu trop pour quelqu’un qui l’écoute. Les gens s’attendent au changement, car les sons ont des variantes et sont aspirés par quelque chose d’inattendu. John Cage n’est pas d’accord et suggère de répéter une idée pendant dix minutes, ce qui plairait à l’auditeur, mais honnêtement, je n’ai pas entendu beaucoup de chansons (par expérience ou travail) qui m’ont intéressé aussi longtemps.

La question est de savoir à quelle fréquence une idée peut être répétée.

Cela dépend de nombreux facteurs, et bien que je ne prétende pas connaître la vérité, il y a des techniques à garder à l’esprit. J’aimerais vous enseigner la meilleure façon d’apprendre pour votre musique. Laissez-moi vous expliquer certaines de mes règles personnelles — mon « état des lieux » pour valider une chanson et les questions relatives à la répétition.

La première impression est toujours la bonne : c’est vraiment important. 99 % des gens avec qui je travaille commencent à perdre toute perspective et confiance dans le potentiel de leur chanson en faisant des séances prolongées de production. Cela signifie que lorsque vous ouvrez pour la première fois un projet sur lequel vous avez travaillé, ce qui vous frappe au début est ce que vous devez corriger dans cette session. Une fois que c’est fait, il faut l’enregistrer sous un autre nom et le fermer ensuite. Si vous pouvez espacer vos sessions de quelques jours ou semaines (meilleure option), vous pouvez alors vérifier à nouveau votre première impression de la chanson et voir si quelque chose de nouveau s’y oppose.

La chasse aux problèmes vous rattrapera : il y a toujours quelque chose à régler dans votre chanson. Même quand vous pensez que c’est fait, il y aura toujours quelque chose. À un moment donné, il faut se laisser aller et accepter l’imperfection. Beaucoup de gens tombent dans l’état d’esprit de la recherche de problèmes parce qu’ils pensent avoir manqué quelque chose. Il y a de fortes chances qu’ils réparent des choses inutiles. Ce que vous pensez réellement avoir manqué, ce sont des détails qui sont techniquement hors de votre connaissance actuelle. Habituellement, je fais ce que j’appelle une « vérification bête » de ma musique, qui consiste à vérifier les niveaux, les problèmes de phase, les coupures et les résonances. Le reste consiste à peaufiner les détails, ce que je fais en une seule session. Après cela, je la passe à un ami pour avoir son impression. En général, ça fait l’affaire.

Écoutez les yeux fermés : êtes-vous capable d’écouter toute votre chanson les yeux fermés dès la première écoute? Si oui, votre répétition fonctionne, sinon, corrigez, puis passez à autre chose.

Génération de contenu de soutien et variations

En mode production musicale, si vous voulez être efficace et créatif, vous devez disposer d’un grand nombre d’options différentes. Disons que votre motif/accroche est un synthé que vous avez écrit, ce que je suggère, c’est d’avoir de multiples variations de celui-ci.

Dans cette vidéo, Tom présente une façon de travailler qui est vraiment semblable à la mienne (et à celle de beaucoup d’autres personnes). C’est quelque chose qui est un peu long à faire, mais une fois que vous passez en mode création, cela devient vraiment amusant et efficace. La seule chose, c’est que je trouve personnellement qu’il n’utilise pas assez la répétition, et bien que ce soit super utile pour faire des chansons courtes et lentes qui ont une dynamique pop comme dans la vidéo, ce n’est pas génial pour créer de la tension. Trop de changement est divertissant, mais il faut vraiment faire travailler ses muscles créatifs pour que cela reste engageant. Je préférerais qu’une boucle soit jouée au point que l’auditeur passe de « ça devrait changer maintenant » à « je veux que ça change maintenant ». Il y aura peut-être un changement après 3 ou 4 mesures dans votre boucle. C’est à vous d’explorer cette possibilité.

Comment créer des variations?

Il n’y a pas de manière rapide ni de raccourci, créer de bonnes variations demande du temps et de la patience. Il faut aussi quelques séances de conception sonore pour obtenir des résultats intéressants. Pour ce faire, jouer avec le caractère aléatoire des effets est probablement le meilleur point de départ, puis il faut régler en fonction des goûts.

Outils MIDI —La meilleure façon de commencer à éditer est de commencer par régler votre signal MIDI avec différentes options. Les outils MIDI inclus dans Ableton sont vraiment utiles. Aligner un arpège, le changement de la longueur d’une note, ou encore les notes et accords aléatoires sont assez incroyables pour transformer une simple mélodie de deux notes en quelque chose de substantiel. Un plug-in qui est sorti récemment et qui m’a beaucoup impressionné est Scaler 2. J’aime la profondeur qu’il donne avec toutes les différentes gammes, les presets d’artiste (utiles pour un musicien non académique comme moi) et toutes les différentes façons de prendre des mélodies et d’avoir des modèles prêts à être modifiés pour votre chanson. Une façon de s’engager dans ce que vous avez est de tout resampler comme Tom l’a fait dans sa vidéo. Au final, j’aime bien supprimer le canal MIDI parce que sinon, je continue à avoir de nouvelles idées et elles ne seront probablement jamais utilisées. Si vous resamplez tout, vous avez votre son figé dans le temps, vous pouvez le découper et l’arranger pour qu’il s’intègre dans la chanson au moment où il convient le mieux.
Jouer avec l’audio —Une fois que votre idée MIDI est exportée, il est temps de jouer avec pour avoir encore plus d’idées. Il existe deux types d’idées que vous pouvez utiliser pour aborder votre mouvement : les réglages rapides ou les réglages lents. Lorsqu’il s’agit d’un événement rapide, comme un balayage de filtre ou un send de réverbération, j’avais l’habitude de tout faire à la main ; cela prenait des années. Le moyen le plus rapide est de prendre un plug-in muti-effet et de tout randomiser, tout en le resamplant. Celui que j’ai trouvé le plus utile pour cela est Looperator de Sugar Bytes. En interne, vous pouvez générer des idées aléatoires, faire des réglages rapides, contrôler le dry/wet et passer facilement de réglages intenses à doux. Il est possible d’effectuer des réglages rapides (communs à l’EDM ou au dubstep), mais aussi plus lents. Combinez cela avec le plug-in Texture pour ajouter des couches de contenu à n’importe quoi. Par exemple, au lieu d’avoir simplement un bruit de fond, vous le fondez dans une certaine omniprésence dans la chanson afin qu’il puisse y réagir, rendant votre bruit constant vivant et réactif. L’arrière-plan est un bon moyen de rendre tout ce qui est répétitif un peu moins répétitif parce que les oreilles le détectent comme quelque chose de changeant, mais il déplace constamment son centre d’intérêt du premier plan à l’arrière-plan.
Édition —C’est l’étape la plus douloureuse pour moi, mais heureusement, j’ai trouvé un moyen de la rendre plus intéressante grâce au Serato Sampler. Cet outil étonnant permet, comme l’échantillonneur Ableton, de découper, de cartographier et de réorganiser. Vous pouvez le combiner avec un séquenceur comme Riffer or Rozzler (patch Max4Live gratuit) pour créer de nouvelles combinaisons. Pourquoi Serato plutôt que le plug-in de base? Eh bien, c’est tout simplement facile — je veux juste « claquer des doigts », si vous voyez ce que je veux dire, et cela ne demande aucun ajustement.

L’édition est vraiment le domaine où l’on peut différencier les producteurs chevronnés des producteurs débutants. Je propose aux nouveaux venus une simple liste d’idées différentes.

Décider des règles internes : certaines personnes aiment avoir des règles précises qui sont fixées au début de la chanson et qui seront ensuite respectées tout au long de la chanson. Je le fais parce que cela m’aide à comprendre l’idée de la chanson. Si vous changez trop, cela peut tomber dans le domaine de l’« expérimentation » et ce n’est peut-être pas ce que vous aviez à l’esprit. De temps en temps, lorsque je suis sollicité pour la finalisation de track, les gens ont un problème avec le dernier tiers ou le dernier quart de leur chanson. Ils perdent leur concentration et essaient d’extrapoler ou de créer de nouvelles idées. Si vous créez suffisamment de matériel au début, vous allez faciliter la dernière partie. Mais quand les gens sont perdus, j’écoute généralement la première minute de la chanson et je leur dis, « voyons ce que vous aviez en tête au début » pour les ramener à cette logique. On peut créer des règles de base en décidant d’un schéma et d’une série d’effets qui se produisent, plus ou moins, en même temps, ou d’une séquence d’éléments ou de sections. La pop a des règles très précises pour les sections, tandis que les « règles » de la techno sont plus liées à la sélection des sons et aux motifs créés.
Processus, processus, processus : Si j’ai une piste de claps ou un son différent, je veux en avoir des variations, du subtil à l’extrême. Pourquoi? Parce que même les plus simples vont faire la différence. C’est ce qui rend un vrai batteur humain captivant (s’il est bon!), parce que son jeu change légèrement à chaque fois, même en jouant une boucle. Looperator est un bon outil, mais vous pouvez aussi utiliser les plug-ins de base et vous contenter d’utiliser les presets pour commencer et resampler, jouer avec les boutons au fur et à mesure et vous pouvez déjà obtenir de beaux effets.
Dupliquez tout : chaque piste doit avoir des doublons où vous pouvez déposer toutes vos prises wet. Vous pouvez les mettre toutes en sourdine et les activer pour voir comment ça se passe.
Le contrôleur MIDI est un plus : Mappez tout ce que vous voulez régler et enregistrez les mouvements de votre jeu. En général, cela vous donnera une impression humaine par rapport à ce qui est créé par un clic de souris. Vous voulez rompre cette habitude.
Utilisez vos yeux : je trouve que travailler visuellement avec les clips et créer des motifs est un bon moyen de voir si vous utilisez vos règles internes et de voir si vous utilisez trop de sons.

Après tout cela, comment savoir si la répétition d’une chanson est suffisante, et comment savoir si elle est linéaire?

Valider avec une référence est un moyen rapide de vérifier cela, mais si vous prenez des pauses et espacez vos séances, cela serait également efficace. Mais ce sont les règles internes qui, à mon avis, font que cela fonctionne correctement. Je pense que le plus grand défi auquel les gens sont confrontés est qu’en passant trop de temps sur une piste, ils s’ennuient et veulent pousser les choses, ajouter des couches, changer les règles et ce qui leur semblait peut-être frais au départ sera changé au point où vous n’utilisez pas le principe de répétition à son plein potentiel. Le meilleur exemple d’un maître de la répétition est celui de Steve Reich et de son chef-d’œuvre Music for 18 Musicians. Il n’y a rien de plus captivant que de voir comment on peut créer autant en jouant avec la répétition.

Certains effets ici seraient reproduits avec des delays, des phasers, le delay de la piste et autres. Vous pouvez également utiliser le patch humanize pour ajouter un peu de delay au hasard. Je vous encourage vivement à écouter ceci quelques fois pour vous donner de l’inspiration!

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 2 : Équilibre

juillet 3, 2020/dans Blogue, Finalisation de tracks et arrangements, Mixdown/par pheek

Cet article fait partie d’une série : Partie 1 | Partie 2

L’équilibre dans le mixage — et dans la musique en général — est l’un des principaux aspects d’une musique saine, surtout parce qu’elle est le reflet de l’espace, et peut-être aussi de notre vie. Bien que cet article traite principalement de ma philosophie de travail, je vais quand même discuter de quelques conseils techniques qui peuvent être appliqués à votre stratégie de mixage et à votre travail d’arrangement.

Définissons ce que signifie l’équilibre dans la conception visuelle et voyons comment cela se traduit en musique :

L’équilibre est la répartition du poids visuel des objets, des couleurs, de la texture et de l’espace. Si le dessin était une échelle, ces éléments devraient être équilibrés pour que le dessin semble stable. Dans un équilibre symétrique, les éléments utilisés d’un côté du dessin sont similaires à ceux de l’autre côté ; dans un équilibre asymétrique, les côtés sont différents, mais semblent toujours équilibrés.
Source: Getty Edu

Bien que cela provienne de la conception visuelle, vous devriez déjà voir comment cela s’applique au monde des sons. Quand j’ai lu cette définition pour la première fois, j’ai pu comprendre comment je l’appliquais déjà au mixage de la musique, car je suis très conscient de l’espace et de la distribution des fréquences. Un de mes outils préférés en ce moment est Neutron, que j’utilise sur tous mes groupes et parfois, sur toutes les pistes, afin de pouvoir tout contrôler visuellement. Je peux également appliquer le flipping EQ, où si vous augmentez la fréquence d’une piste, vous obtiendrez la coupe inverse sur une autre piste qui peine à être entendue. En utilisant l’outil de mixage visuel, vous pouvez ensuite placer chaque son dans l’espace. Pour les personnes qui ont du mal à faire des panoramiques, c’est un outil précieux qui vous aidera également à voir si vous avez bien réparti vos sons.

L’un des aspects les plus incompris du mixage est la différence de volume entre les éléments. Penser que tout devrait être fort est non seulement une idée fausse, mais cela crée un déséquilibre. La différence de volume représente l’utilisation de l’espace et vous avez besoin de certains éléments qui sont plus éloignés, sinon les plus forts ne seront pas importants, ils seront perdus.

Il en va de même pour les textures. Tous vos sons ne peuvent pas être texturés simultanément, sinon vous ne pourrez pas remarquer leurs différences. Cependant, ils peuvent tous être texturés à des moments différents. J’aime diviser la ligne de temps des arrangements en trois parties et laisser les sons avoir leur moment dans chacune d’entre elles ; cela permet de faire évoluer l’histoire.

En ce qui concerne le spectre stéréo, nous le comparons souvent à un panoramique gauche et droite, mais un aspect important que beaucoup de nouveaux venus dans le monde du mixage ne voient pas est l’importance de la section mono. Si vous voulez que votre chanson ait une colonne vertébrale, vous avez besoin que cette partie soit solide. Une astuce que j’aime bien est d’avoir un compresseur dans une piste de retour et d’y ajouter un Utility en mono. J’enverrai beaucoup de mes groupes sur ce canal qui renforcera le signal mono du morceau.

En ce qui concerne la répartition des fréquences, je constate que l’ensemble de votre spectre peut être divisé en 5 sections : lows, mid-lows, mids, high-mids, highs. Vous pouvez techniquement les avoir tous forts, mais ce n’est pas vraiment un bon équilibre, et votre mixage aura probablement l’air agressif si vous ne contrôlez pas correctement les résonances et les transitoires. Je pense que le fait d’avoir 2 de ces 5 gammes de fréquences légèrement plus basses que les autres donnera de la place et votre mixage respirera davantage. Lorsque les gens me confient un mastering, ils peuvent choisir un master coloré ou transparent, et s’ils demandent un master coloré, c’est ce que je ferai. Le réajustement de deux des bandes donnera un nouveau ton au morceau et la plupart du temps, les mixages que je reçois sont déjà déséquilibrés, car il y a souvent une bande qui est beaucoup trop forte (la plupart du temps, les basses). Si les basses sont trop fortes, alors je les baisse.

Maintenant, quand il s’agit d’arrangements, c’est là que ça devient amusant.

Je trouve qu’il y a beaucoup à dire sur la signification des arrangements. Les arrangements se présentent sous de nombreuses formes : récits, expérimentations éditées, improvisations live, etc., mais je trouve que ces trois types d’arrangements sont un bon point de départ. Une chanson pop peut être un récit, et un morceau de musique techno minimaliste peut aussi en être un, mais avec un objectif différent. La raison pour laquelle nous appliquons une certaine méthodologie aux arrangements est de maximiser le potentiel des sons, ainsi que des motifs. Dans l’article précédent de cette série, nous avons parlé du contraste et de la façon dont il peut être utilisé dans un son spécifique. L’équilibre sonore, d’autre part, peut exister à plusieurs niveaux.

Comment puis-je savoir si un arrangement est bien équilibré?

L’idée d’utiliser l’équilibre pour exploiter la créativité n’est pas une règle, mais une idée et une approche. Il existe d’innombrables pièces qui n’ont pas d’équilibre et cela fonctionne parfaitement. Je trouve que l’équilibre dans les arrangements est une méthode de régulation, mais ce n’est pas quelque chose sur lequel je me concentrerais uniquement comme approche principale.

Imaginez l’équilibre comme une sauce tomate. Elle peut être une base vraiment excellente pour de nombreux plats et oui, elle peut être utilisée telle quelle, mais elle est plus efficace lorsqu’elle est combinée à d’autres ingrédients. C’est pourquoi elle convient parfaitement à une pizza, à des pâtes, etc.

Cela dépend donc de ce que vous écoutez et bien sûr, certaines grandes chansons sont totalement déséquilibrées et c’est ce qui les rend spéciales. J’aime à dire que les règles sont faites pour être enfreintes, mais il faut d’abord les connaître. Une chanson équilibrée a plus de chances de créer une qualité que nous recherchons tous dans la musique : l’intemporalité. Dans les arts visuels, le minimalisme a bien vieilli. Le logo de Mercedes est resté essentiellement le même, comparé à la marque de Google, qui était une catastrophe au départ. Même chose pour la musique, en général. Ce que je vois, c’est une musique qui est équilibrée, qui a un certain nombre de sons joués en même temps et qui a une organisation et des règles internes qui sont établies pour garder une clarté et une compréhension facile.

Je trouve que les arrangements équilibrés sont généralement plus faciles à comprendre et ne sont pas trop déstabilisants. Mais si vous allez dans la direction opposée volontairement, cela peut être un bon moyen de créer un contraste.

Une chanson avec un mixage équilibré a une pleine présence et n’a généralement pas un élément qui se démarque. Ainsi, pour les percussions, j’aime avoir un équilibre entre de nombreux sons, mais vous pouvez alors en avoir un qui ressort, par contraste (voir Part. 1).

Pour ce qui est d’avoir des arrangements équilibrés, je recommande ce qui suit :

Fixez les règles de votre chanson à la 1re minute (ou première partie). Cela peut être le tempo, la signature temporelle, la densité, l’aperçu du motif, etc. Le reste de la chanson est un équilibre de contraste fonctionnant selon les règles que vous avez fixées. Par équilibre, on peut convenir qu’il s’agit de ne pas placer tous vos atouts dans la même partie.

Répartissez vos idées de manière égale sur votre chanson. Je parle du motif par exemple, qui pourrait révéler une variante de plus par section. Trouvez un équilibre entre le prévisible et l’imprévisible en faisant entrer et sortir vos sons à des moments auxquels l’auditeur s’est habitué.

Utilisez la répétition pour créer des schémas qui se soutiennent mutuellement. La célèbre technique d’appel et de réponse en est un bon exemple.

La meilleure façon de laisser des annotations dans vos arrangements est d’ajouter une piste MIDI vide et de créer des blocs que vous pouvez étirer sur des sections de votre morceau et laisser des notes en conséquence. Cela peut être très utile si vous avez du mal à voir comment les sons sont distribués une fois qu’une piste est à plat.

J’aime avoir des couleurs pour chaque genre de sons. Cela me dit généralement s’il y a trop de blocs de percussion par rapport à un autre groupe, par exemple.

Les sons en arrière-plan sont souvent un bon moyen d’aider à coller le tout ensemble. Les chansons qui donnent l’impression d’être pleines ont un fond, un plancher sonore. Il peut s’agir d’une réverbération, d’un bruit ou d’un enregistrement sur le terrain. Les gens me demandent souvent où trouver des sons de ce genre. Archive.org, Freesounds.org, Loopcloud, and Soundly sont tous très utiles pour trouver ces sons ainsi que des idées bizarres et hors du commun.

Cet article fait partie d’une série : Partie 1 | Partie 2