Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 4)

Pour faire suite à l’article précédent de cette série, je vais vous présenter les derniers ajustements et les réglages avancés des clips pour votre set live. Il y a beaucoup à couvrir ici, mais je vais essayer de me limiter à l’essentiel.

DERNIERS RÉGLAGES

Comme votre set est probablement en train de prendre forme, vous devriez avoir des chansons différentes organisées en scènes. Vous pouvez penser que c’est le minimum dont vous aurez besoin pour jouer en live, mais si vous voulez le meilleur résultat, il y a encore des choses à régler. Personnellement, quand j’écoute un set live, je veux vraiment qu’il sonne vivant ; l’artiste peut interagir avec l’énergie de la pièce et construire en fonction. Il faut éviter de jouer chaque scène l’une après l’autre, sans surprises. Encore une fois, c’est mon opinion et vous pourriez penser autrement, mais ce que j’aimerais expliquer, c’est comment ajouter un peu de « vie » dans les derniers réglages de votre set.

1 — RÉPÉTER ET ENREGISTRER.

C’est à peu près le test ultime pour voir si votre live fonctionne correctement. Vous aurez besoin de répéter, de jouer avec votre session, de déplacer des choses et de faire des tests, encore et encore.

Ne pensez jamais que ce que vous avez est prêt pour le grand show sans répétition, car croyez-moi, vous apprendrez à vos dépens que si vous attendez d’être en club pour tester votre set, cela vous fera mal. Cela dit, appuyez sur le bouton d’enregistrement, puis commencez à jouer les clips, essayez de prendre le temps de créer une bonne intro, puis voyez comment ça se passe quand vous lancez les scènes, enchaînez certains sons et ajoutez des effets. La partie la plus importante de la répétition de votre set est l’enregistrement de ce que vous faites.

Vous pouvez ensuite écouter pour voir ce que vous avez enregistré et si vous aimez une partie d’un moment, vous pouvez ensuite la faire glisser dans votre set.

Puisque vous n’avez que deux mains, mais que vous voulez que chacun de vos clips ait une sensation de « live », vous pouvez préenregistrer certains détails subtils que vous voulez voir jouer pendant que vous ajustez d’autres boutons. Vous n’êtes pas totalement en train de tout lire tel quel, vous interagissez avec d’autres éléments joués que vous avez enregistrés. Cela peut être particulièrement utile pour créer des moments uniques et complexes ou des breakdowns à couper le souffle.

Vous pouvez également utiliser ⌘+J (ctrl+J sur Windows) pour consolider les moments que vous aimez.

2 — AJOUTER DES VARIATIONS.

Dans mes sets, j’ai rarement une scène qui se répète sans en avoir des variations. Les variations peuvent être utilisées pour beaucoup de choses, comme avoir une variation plus énergique de la même scène, une qui a une petite pause, ou de l’espace pour insérer d’autres éléments. Voici quelques conseils rapides que vous pouvez utiliser pour faciliter la création de variations :
Legato : c’est probablement la chose la plus utile à activer pour faire varier les clips. Fondamentalement, l’option Legato laissera le clip sélectionné prendre le relais de celui qui a été joué précédemment, en fonction de la quantification que vous avez définie. Par exemple, disons que vous jouez un clip de hi-hats, puis appuyez sur le premier clip de la variation. Il arrêtera le clip activé et passera immédiatement à l’autre clip que vous venez de démarrer. Sur l’image, je l’ai réglé à 1/16, ce qui signifie qu’elle sera jouée au 1/16ème suivant, en gardant le tempo. Gardez à l’esprit que les variations de clips sont « synchronisées » avec celui qui joue pour qu’il continue à la même position dans le clip. Si le legato n’était pas activé, il commencerait au début du clip.

Follow Action (Action Suivante) : une fois joué, que voulez-vous que le clip fasse ? Vous pourriez simplement jouer ce clip, mais il pourrait revenir au premier clip ou même jouer quelque chose d’autre au hasard. Je vous suggère d’expérimenter avec cela et de vous laisser surprendre. N’oubliez pas de vous enregistrer en les jouant, car vous pouvez retourner à la section arrangement pour saisir la meilleure partie et même créer de nouvelles idées.

Variation d’intensité : Si vous voulez passer rapidement d’une hi-hat ouverte à une fermée, l’un des moyens les plus rapides est de jouer avec la section « Preserve » (préserver) et de la régler comme dans cette image. Jouer avec le pourcentage vous permettra d’ajuster la quantité de la fin de chaque son qui peut être préservée. L’avoir à 100 % est totalement ouvert et disons que 25 % est plus fermé, ce qui augmente la tension. Ainsi, une variation peut d’abord être réglée à un niveau bas, puis les autres peuvent être plus ouvertes. Si vous voyez besoin d’augmenter l’énergie rapidement, vous pouvez lancer l’une des variations.

Reverse (Inversion) : celui-ci peut être amusant, mais dans un contexte live, si vous le faites au mauvais moment, c’est terriblement gênant ; peut-être que l’introduire dans une variation serait une idée plus sûre.

Transpose (Transposition) : cela peut être agréable pour les mélodies et les basses. Vous pouvez les faire se déplacer en hauteur dans une variation.

Enveloppes : Super utile pour les variations pour créer des automations à très petite échelle ou à plus grande échelle. Beaucoup d’artistes l’utiliseront sur l’EQ pour créer un clip et s’assurer qu’il sonne « vivant ». L’important est de s’assurer que l’enveloppe n’est pas liée et ensuite vous pouvez décider de la longueur de l’automatisation, sur un attribut.

Astuce : assurez-vous de sélectionner « Clip » dans le premier menu déroulant pour vous assurer que les changements sont faits dans le clip lui-même.

À essayer : utiliser ceci avec un filtre pour créer des swooshes amusants.

Essayez aussi : utilisez cette technique pour créer des mélodies et des textures à partir d’un pad.

3 — LES TRANSITIONS.

Cette partie est la préparation finale nécessaire pour jouer en live, mais c’est aussi la plus délicate. Principalement parce que cette tâche impliquera une certaine pratique. Mon approche et mes conseils ne fonctionneront peut-être pas totalement pour vous parce que votre musique est différente de la mienne. En d’autres termes, faire des transitions est quelque chose de personnel et chaque musicien a tendance à développer sa propre façon de le faire en se basant sur ce qui semble être le meilleur flux possible.

Comment fonctionnent les transitions ?

En théorie, une transition d’une chanson à une autre est exactement comme un DJ qui mixe une piste dans une autre. Le casse-tête avec les transitions en live est que vous avez plusieurs pistes à mixer les unes aux autres, alors que le DJ n’a qu’un seul fader et EQ pour le faire.

Chaque fois que j’enseigne aux gens comment jouer en live (oui, je fais une formation Ableton Live), un premier exercice que je leur donne est de créer une playlist avec quelques sets de DJ qu’ils aiment et de leur dire d’étudier les transitions des pistes. Certaines personnes aiment les transitions très rapides et abruptes (Jeff Mills par exemple), tandis que d’autres préfèrent quelque chose de plus subtil, brouillant les frontières de début et de fin d’une chanson.

L’autre chose à savoir à l’avance, c’est si vous voulez que le timeline de votre set soit fixe et fluide, ou si vous allez découper en morceaux les pistes à lire au fur et à mesure. Cela peut aussi être un facteur important dans la façon dont vous préparez vos transitions. Personnellement, je veux avoir toute la flexibilité pour pouvoir jouer la piste X comme intro puis passer à la piste Z. Aucun ordre ne sera établi jusqu’à la dernière minute quand j’appuie sur le bouton play pour démarrer mon set live.

Une fois que c’est clair, vous serez en mesure de décider comment faire le pont entre les chansons. La première rangée de chaque chanson est votre pont d’intro et la dernière probablement votre outro, mais vous pouvez aussi commencer à mixer le morceau suivant à tout moment si vous le souhaitez. Voici quelques règles qui me sont propres pour les transitions :

• Un kick à la fois. Pendant un moment, j’ai mixé le kick de la première piste et de l’autre ensemble, mais les résultats n’étaient pas si bons. J’ai décidé de m’en tenir à une seule piste pour le kick et j’ai décidé de changer quand c’était approprié.
• Une seule basse à moins que ce soit un appel/réponse. Comme pour le kick, jouer deux basses est souvent un désastre, donc je jouerais l’une ou l’autre. Certaines basses n’ont que quelques notes, surtout dans la techno dub, donc ça pourrait marcher si j’ai la basse d’une piste qui dialogue avec une autre.
• Le pont est habituellement atonal. J’essaye de m’en tenir aux éléments rythmiques, mais si j’utilise un élément mélodique, je veux qu’il soit délicat, car autrement il pourrait entrer en conflit avec la basse ou d’autres éléments.
• Le pont peut être une chanson en soi. Celui-ci est intéressant, mais pas une nécessité. Si vous jouez correctement avec vos variations, vous pouvez créer une nouvelle chanson à partir de deux chansons. C’est fondamentalement l’approche techno de 1+1=3 (l’auditeur entend les pistes A et B, mais aussi une troisième piste qui est la rencontre des deux). J’enregistre souvent mes sets et parfois j’ai remarqué que les moments forts étaient ceux où j’ai fait le pont entre deux chansons.

En raison du nombre de pistes que vous avez dans Ableton, vous pourriez être coincé avec le fait qu’un seul instrument à la fois peut jouer. Ce problème m’a amené à organiser les ponts différemment à l’occasion. Par exemple, si je veux deux couches de hats, je devrais « tricher » et avoir une couche de hats dans la piste de clap. Très souvent, je me suis retrouvé à organiser ça en jouant, et ce n’est pas le mieux parce qu’on peut se perdre facilement dans l’arrangement. Je préfère avoir quelques options dans l’intro avec des layers supplémentaires de claps, hats, percussions. Parfois même certains doublons dans différentes pistes.

Dans le prochain post, nous parlerons de la vérification du son et de la performance, ce qui conclura aussi la série !